Archivo del Autor: Ana Alonso

Cómo entrenar a tu dragón 2, otra demostración de una digna secuela

Publicado el por

Cómo entrenar a tu dragón (How To Train Your Dragon, 2010) supuso toda una sorpresa de recepción en cuanto a crítica y público, por lo que era cuestión de tiempo el que se materializara una segunda entrega, que tardó cuatro años en llegar. Dean DeBlois se vuelve a sentar en la silla del director y también en la del guionista, esta vez sin el acompañamiento de Chris Sanders (quien ejerce de productor), lo cual se deja notar algo… pero por suerte no mucho.

La historia de Cómo entrenar a tu dragón 2 se sitúa cinco años después de lo acontecido en la primera parte, en Isla Mema ahora conviven vikingos y dragones con absoluta normalidad. Hipo también ha mejorado sustancialmente la relación con su padre, Estoico, quien desea que lo suceda como líder. Sin embargo, Hipo tiene otros planes, y por ahora prefiere ir descubriendo mundo a lomos de Desdentado. Hasta que un día se topan con una misteriosa y nueva amenaza bajo el nombre de Drago Puño Sangriento. 

Aparte de Drago (que en versión original cuenta con la voz de Djimon Hounsou), entre los nuevos personajes destacan Valka (Cate Blanchett) y Eret, hijo de Eret (Kit Harington), así como unos cuantos nuevos diseños de dragones, siendo el «alfa» soplo de hielo el más llamativo y majestuoso de todos.

«Si es más grande, mejor» es lo que puede venir a la mente al ver esta secuela que, si bien no tiene nada que envidiarle a su predecesora, en nuestra opinión nunca llega a superarla; aunque bien es cierto que la primera parte es un producto muy, muy bueno (tampoco carente de fallos).

Pero sí, todo es más grande en Cómo entrenar a tu dragón 2, desde el mundo mucho más allá de Isla Mema (algo que ya asienta Hipo en los primeros minutos), hasta el elenco de personajes, pasando por los nuevos dragones. Sin duda, en lo que esta entrega sí deja atrás a la anterior es, evidentemente, en el apartado técnico. 

La animación es simplemente maravillosa, los personajes (humanos y animales) son dinámicos y se mueven con naturalidad, la expresividad y detalles (los pelos, las pecas de Hipo, las canas de Estoico y Valka) han mejorado bastante respecto a la primera entrega, por no hablar de los coloridos paisajes. 

Por suerte, John Powell vuelve a estar al cargo de la banda sonora y, aunque no volvamos a tener un «Forbidden Friendship», se nota en la emotividad que desprenden algunas escenas como Valka e Hipo volando con los dragones o el baile de la primera con Estoico. El islandés Jónsi también regresa para ponerle voz al animadísimo tema de cierre (que también suena esta vez en algún momento hacia el principio de la cinta), «Where No One Goes». 

Donde probablemente más falla Cómo entrenar a tu dragón 2 sea en el guión, aunque para nada es malo y desde luego emociona y entretiene. Llega un punto en que pretende abarcar demasiadas tramas y algunas se quedan en el terreno de lo superficial.

 

 

Por ejemplo, el camino hacia la madurez de Hipo y las responsabilidades y sacrificios que eso conlleva está muy bien llevado (de nuevo, el vínculo Hipo-Desdentado sobresale como de lo mejor); pero la figura y sobre todo conclusión del villano queda bastante desdibujada. Podemos intuir un mensaje de que los dragones no son malvados, los humanos son los que los hacen así (en un símil a lo que ocurre con los perros en la realidad), incluso hay paralelismos entre las distintas escuelas de adiestramiento canino y las formas de abordaje hacia los dragones que tienen Hipo y Drago, pero a la postre todo ello queda desaprovechado.

En definitiva, Cómo entrenar a tu dragón 2 es una muy digna secuela, si bien no llega a superar a su antecesora (salvo en el precioso apartado técnico), sí sabe mantenerle el pulso y es un paso más decisivo hacia la madurez de Hipo y de Desdentado. A la espera de ver el prometedor cierre.

 

Cómo entrenar a tu dragón, el inicio de la mejor franquicia de Dreamworks

Publicado el por

Cómo entrenar a tu dragón (How To Train Your Dragon), la que es considerada por muchos (para quien esto suscribe inclusive) mejor franquicia de Dreamworks (y del cine de animación en general), está a punto de llegar a su final con su tercera entrega: El mundo oculto, de estreno este día 22 en cines.

La primera entrega, titulada simplemente Cómo entrenar a tu dragón, fue estrenada allá por el año 2010 como una adaptación de los libros escritos por la británica Cressida Cowell. Detrás del proyecto se encontraban Chris Sanders y Dean DeBlois, dos viejos conocidos que provenían de Disney (suya es Lilo y Stitch) y que, desencantados con la Casa del Ratón, fueron a parar a su mayor competidora.

De aquí salió un producto que, a priori, y viendo en general el historial de Dreamworks, no ofrecía muchas esperanzas… pues menuda (y positiva) sorpresa.

Cómo entrenar a tu dragón nos ofrece un producto que no solo hace las delicias de los pequeños, sino que entretiene, divierte y enternece a los adultos por igual. Todo ello envuelto en un producto que tiene mucho de espíritu y voluntad.


La historia nos sitúa en Isla Mema, hogar de vikingos con Estoico (Gerard Butler en la versión original) como líder. Su único hijo, Hipo (Hiccup en inglés) es un muchacho sensible, intuitivo y muy inteligente que, contrario a lo que prodigan los suyos y el empeño de su padre, es reacio a cazar dragones. Una noche en que los dragones sobrevuelan Mema, Hipo dispara a un Furia Nocturna, una especie de este animal particularmente rara y veloz. Lo encuentra malherido en el bosque y, sintiéndose culpable, se niega a matarlo, lo libera y empieza a intentar cuidarlo, siempre a escondidas de su padre y de los suyos. Poco a poco, entre Hipo y el dragón, al que bautiza como Desdentao (Chimuelo o Toothless en otras versiones), va surgiendo un vínculo inquebrantable.

Como se puede esperar, la narrativa gira así en torno a la relación entre el humano y el reptil, algo que logran con gran maestría, sensibilidad, credibilidad y emoción, hasta llegar a un duro, pero satisfactorio final (justicia poética). Las maravillosas notas compuestas por John Powell para la ocasión ayudan mucho a que el conjunto funcione con esta gran solvencia.

Pero no solo Hipo y Desdentao destacan en el metraje, todo el mundo creado en torno a Isla Mema cobra vida, ya sea el profesor de Hipo, Bocón; sus compañeros (especialmente Astrid); o el propio Estoico, cuya (en principio, complicada) relación con su hijo será esencial de cara a la segunda entrega.


Quizás uno de los pocos «peros» lo encontremos en la ausencia de un villano claro, si bien es cierto que, teniendo en cuenta que en principio los obstáculos parten de la propia cultura en la que ha sido criado Hipo, tampoco hace especial falta. Esto se notará más en la secuela.

De la animación poco hay que decir, ya que Dreamworks es uno de los grandes estudios del momento a nivel mundial. Teniendo en cuenta que es una película de 2010 , la primera de una trilogía que no se sabría si funcionaría en taquilla (por lo que el presupuesto era más ajustado), el apartado técnico es espléndido y los diseños tanto de los dragones como de los humanos poseen rasgos muy característicos y distintivos (sí, a sabiendas de que Desdentao recuerda a Stitch). Todavía nos emociona (de nuevo, gracias en buena parte a la música de Powell) el primer vuelo de Astrid con Hipo.

En definitiva, Cómo entrenar a tu dragón fue una sorpresa especialmente gratificante, una película espléndida en todos sus apartados y con un equilibrio entre el drama, la comedia, la acción y la emoción conseguidísimos, con personajes (especialmente el dúo protagonista) que dejan huella.

Mención especial queremos hacer al tema musical de los créditos del que siempre se hace cargo el cantante islandés Jónsi. Entre otras cosas por lo fan que soy de Sigur Rós.

Enlaces relacionados:

La discapacidad en la ficción

Historias de amor que (nos) marcaron para siempre versión 2019

Star Wars IX ha finalizado su rodaje y surgen las primeras filtraciones (fiables)

Publicado el por

El noveno episodio de Star Wars ha finalizado oficialmente su rodaje, tal como ha anunciado su director, J.J. Abrams, el pasado viernes a través de su perfil en Twitter.

Acompañando al anuncio publicó una foto donde se podían ver, por primera vez, a los protagonistas Rey (Daisy Ridley), Finn (John Boyega) y Poe (Oscar Isaac) con sus nuevos atuendos, fundidos en un abrazo en medio del rodaje (seguramente en Jordania) en lo que sería un planeta desértico.

Quitando el pelo un poco más largo de Finn y que Rey ha vuelto a su peinado de los tres moños de El despertar de la Fuerza, hay poco más a destacar en ellos… de no ser porque se filtraron en Reddit hace unas pocas semanas.

En dicha filtración podíamos ver a Rey tal como luce en la citada foto, al igual que Poe (lleva la misma bufanda), por lo que confirmarían al resto. En el caso de la muchacha, aparte de los moños, su atuendo en sí nos recuerda mucho al del séptimo episodio. También parece regresar su vara como arma. Como principal novedad, lleva una banda en el brazo, tapando la cicatriz de la herida que le dejó la confrontación con la Guardia Pretoriana de Snoke junto a Kylo Ren/Ben.

Hablando de éste último, al cual todavía no hemos podido ver oficialmente, a juzgar por la filtración su apariencia sería una mezcla de entre Los últimos jedi (el traje negro con atadura a la cintura y capa) y El despertar de la Fuerza, sobre todo por el regreso de la conocida máscara, la cual lleva una especie de adhesivos rojos.

Aparte de los dos personajes principales, vemos los diseños de Richard E. Grant (Downton Abbey) como nuevo oficial de la Primera Orden y a Dominic Monaghan (El señor de los anillos) como un miembro de la Resistencia, así como a un Lando Calrissian (Billy Dee Williams) con una vestimenta muy similar a la que lucía en Han Solo: Una historia de Star Wars.

También habrá nuevos soldados imperiales, que en la web MakingStarWars, conocida por sus filtraciones fiables, describen como una guardia del alto mando (solo responden a Kylo y a los Caballeros Ren) muy letal. Hablando de los Caballeros Ren, tendrán unas armas bastante más elaboradas que las que pudimos ver en El despertar de la Fuerza (lo cual es fácil) y serán algo «cool» o «molón».

MakingStarWars nos habla asimismo de que el regreso al atuendo anterior de Rey podría deberse a decisiones prácticas, ya que las escenas rodadas con Carrie Fisher para el séptimo episodio y que se rescatarán para esta última entrega la mostraban con Rey de esta guisa.

En cuanto a demás información filtrada, también aseguran que su informante les ha indicado que el Episodio IX (cuyo título aún desconocemos) ofrecerá una revelación que nos dejará totalmente atónitos (a esta persona, dicen, no le pareció que nada de las dos entregas anteriores fuera especialmente sorprendente). Detalla que la premisa parte de un «MacGuffin» (elemento de suspense que hace avanzar la trama y que al final no tiene relevancia), algo bastante arriesgado escrito sobre el papel, pero que funciona una vez ejecutado. Rey sería la primera en resolver este misterio y hará que acaben todos (buenos y malos) juntos en el planeta que sería Jordania.

La muchacha asimismo habría reparado el sable láser de Anakin/Luke, después de que ella y Kylo lo hubiesen partido en dos. Lo que parece seguro es que estará arreglado.

Por otro lado, habrá una amenaza de corte superior, por encima de los Caballeros Ren y de la Primera Orden, probablemente proveniente de las regiones desconocidas. Tampoco se sabe más de esto al respecto.

Por lo demás, han asegurado que Matt Smith (Doctor Who) no interpreta a ninguno de los Caballeros Ren y que su papel es secreto.

Taniguchi asegura que habrá más Code Geass en el futuro

Publicado el por

El director de Code Geass, Goro Taniguchi, ha asegurado en unas entrevistas recientes (traducidas al inglés gracias a Kusaja en Reddit y a Mononoke No Ko en Tumblr), celebrando el estreno el pasado 9 de febrero en cines de Japón de la última película de la franquicia: Fukkatsu No Lelouch, que la idea es que haya Code Geass para rato.

De hecho, ese fue uno de los motivos por los que decidieron continuar con la historia de Lelouch y C.C. El argumento narrado en las dos temporadas originales de Code Geass, cerrado con uno de los mejores finales que se recuerdan en el anime, parecía completo. Sin embargo, ha asegurado, les ponía en una complicada situación tanto a él como al resto de figuras creativas que quisieran abordar el proyecto nuevamente.

«Cuando eso ocurra, qué ocurre con el mundo tras «R2″, cómo viven su vida los personajes, cómo ha evaluado la historia al hombre llamado Lelouch… La serie de televisión finalizaba con casi ninguna de estas preguntas en mente, así que era necesario crear algún tipo de camino con cierta lógica desde este punto».

Suzaku en Code Geass: Fukkatsu No Lelouch. Estudio Sunrise.

Será el comité de producción el que se encargue de decidir cómo continuará la franquicia (ya sea en forma de anime, manga, novelas, etc.), mientras que a Taniguchi le gustaría que fuesen distintos directores los que abordasen la historia desde varias perspectivas, ya sea siguiendo la narrativa actual o en unos hipotéticos 10.000 años en el futuro, entre otros.

Aunque le pidieron a él que continuase con la historia de Code Geass, se ha encargado de rehacer el argumento del anime en tres películas recopilatorias y «ponerle límite a la historia de Lelouch». Ha puesto como ejemplo las franquicias de Star Wars y Gundam en cuanto a su ideal de abordaje para con esta serie. A partir de aquí, avisamos de SPOILERS de la serie y de Fukkatsu No Lelouch.

Bases de la narrativa en Fukkatsu No Lelouch

Taniguchi ha contado además que tanto él, como el guionista Ichiro Okocuhi y el resto del equipo debatieron bastante sobre cuál sería la mejor forma de traer a la vida a Lelouch; aunque le importaba más cómo y por quién alcanzaría el protagonista el perdón tras su resurrección, algo que cuenta asimismo Fukkatsu No Lelouch.

Preguntado sobre si les preocupaba que los fans hubieran ido percibiendo pistas sobre una posible supervivencia (o no) de Lelouch, el director ha respondido que es algo que ya no les preocupa y ha puesto como ejemplo la última trilogía de Star Wars. Aunque los episodios VII y VIII puedan ofrecer pistas sobre el final del IX, no sería motivo para cambiarlo. Aún así, para él el final del anime original sigue siendo de libre interpretación por parte de los espectadores.

La evolución y los cambios que sufren Lelouch y el resto de personajes son una constante en Code Geass, algo que su director considera esencial para que no sean considerados como meros «personajes» y sí «personas». Por eso, el protagonista ya no muestra su faceta rebelde, no hay necesidad para ello (ya había conseguido su objetivo al final de la serie/anteriores películas); Taniguchi incluso le dio instrucciones al «seiyuu» de Lelouch, Jun Fukuyama, para que sonara más relajado.

El director también ha aclarado que Lelouch sabía desde el principio de su rebelión que no podría vivir tranquilamente con Nunnally. Fukkatsu No Lelouch pretende mostrar esta otra cara de él donde puede tomar decisiones pensando en su vida, no en la resistencia ni en su plan contra Britannia.

Otra consideración importante para él era que aparecieran a su vez personajes secundarios; aunque fuera por poco tiempo.

A la hora de crear al nuevo reino de Zilkistan, Taniguchi había pensado antes en explorar los restos del Sacro Imperio de Britannia, los Caballeros de la Mesa Redonda o los supervivientes del culto al «Geass»; sin embargo quisieron crear finalmente nuevos personajes que dejaran presencia, algo que lograron gracias a los nuevos «seiyuus» Toda Keiko (Chamna), Ayumu Murase (Shario) y Takagi Wataru (Bitu). Okouchi fue quien tuvo la idea del nuevo poder «geass»de la enemiga.

Chamna en Code Geass: Fukkatsu No Lelouch. Estudio Sunrise.

Aunque quisieron hacer más uso de la a animación tradicional en los combates, al final fue inevitable (por cuestiones de tiempo y contextualización en la película, fundamentalmente) echar mano al 3D, más de lo que Taniguchi hubiera deseado. Al igual que ocurriera con los OVAs de Code Geass: Akito The Exiled, parece que esta tendencia irá a más en un futuro.

Sin embargo, sí se preocuparon especialmente en mostrar con más detalles la expresividad y lenguaje corporal de los personajes, como en los casos de Suzaku y C.C., ya que el cine sí permite realizar esto con mayor capacidad que el medio televisivo.

Por ello, y porque la perspectiva de la narrativa ya no parte solo de Lelouch (como sí ocurre en el anime y en las películas anteriores), sino además de los personajes femeninos y especialmente de C.C., el ritmo se ha ralentizado en comparación con la serie/cintas. Por ejemplo, Taniguchi ha señalado que fue consciente de que C.C. evitase mirar directamente hacia Lelouch y Kallen cuando se reencuentran, por lo que las emociones expresadas por éstos últimos en ese momento los deja a la imaginación del espectador. Sin embargo, ha indicado que la relación entre el protagonista y la pelirroja se acerca a la amistad.

Para el director de Code Geass: Fukkatsu No Lelouch, ésta podría ser interpretada como una historia de amor entre Lelouch y C.C., ya que había una intencionalidad ahí. Por eso, el tema de apertura «Kono Sekai De» de Leo Leiri habla de los sentimientos de C.C. y el de cierre, «Revive» de UNIONE, es la respuesta de Lelouch hacia el mundo y la peliverde. No exclusivamente en el sentido de amor entre un hombre y una mujer, sino en el de amor por el mundo, el cual Taniguchi considera que es «la historia de amor más verdadera dentro de mis trabajos».

C.C. en Code Geass: Fukkatsu No Lelouch. Estudio Sunrise.

Ya está disponible Final Fantasy XV: Episode Ardyn Prologue

Publicado el por

Square Enix ya ha subido a su canal oficial el capítulo completo de anime (de poco más de 15 minutos) dedicado al principal villano de Final Fantasy XV: Ardyn Izunia, titulado Episode Ardyn: Prologue.

Como su nombre indica, sirve de anticipo a los acontecimientos que sucederán en Episode Ardyn, el último contenido descargable que la compañía nipona lanzará al mercado el próximo 26 de marzo sobre Final Fantasy XV. De hecho, no cerréis la ventana en cuanto acabe el capítulo, ya que detrás vendrá un nuevo avance de este DLC con varias sorpresas incluidas.

Para los más despistados (o para los que no se hayan pasado el juego, avisamos de SPOILERS), Ardyn Izunia es en realidad Ardyn Lucis Caelum, aspirante original al trono de Lucis hace 2.000 años. Sin embargo, su hermano Somnus (antepasado lejano de Noctis) usurpó su puesto y lo condenó a una eternidad de sufrimiento y al olvido, ya que Ardyn a su vez había sido contaminado con la plaga de las estrellas mientras intentaba acabar con ella.

La historia nos presenta también por primera vez a Aera (¿guiño a Aeris de Final Fantasy VII?) Nox Fleuret, la primera oráculo y un antepasado lejano de Luna y Ravus.

Episode Ardyn: Prologue está dirigido por Takefumi Terada, mientras que Toru Osanai se encarga del guión y Yuji Shinoda de la producción.

Sin más dilación, a continuación os dejamos Episode Ardyn: Prologue:

Historias de amor que (nos) marcaron para siempre versión 2019

Publicado el por

Día de San Valentín, ese que los grandes centros comerciales nos han vendido como el del amor romántico por excelencia, en el que hay que regalarle algo (si es comprado en sus instalaciones, mejor) a tu media naranja.

Los mundos del anime, cine, videojuegos y series de ciencia ficción y fantasía también nos han regalado a nosotros historias de amor inolvidables, de esas que nos hacen suspirar y se quedan grabadas en nuestro «kokoro». Nosotros hicimos un listado de nuestras favoritas hace unos años, por lo que va siendo hora de actualizarla:

Las cinco parejas elegidas por Otto Buendía:

Hiccup y Astrid en la saga Cómo entrenar a tu dragón

Cómo entrenar a tu dragón llegó hace unos años a nuestras vidas y desde entonces muchos hemos deseado saber cómo acabará la historia de Hiccup y Desdentado, pero también la del entrenador de dragones y Astrid, la chica de la que se enamora en la primera película.

La relación entre ellos es maravillosa. Ella es una chica fuerte que teme a pocas cosas y él un tirillas con un gran cerebro. Al principio entre ellos no hay química, hasta que se dan cuenta de la admiración y amor que se profesan.

Cómo entrenar a tu dragón 3: El mundo perdido

Tiffany y Chucky en La novia de Chucky

La saga de El muñeco diabólico dio un giro que le sentó muy bien al crear una novia al famoso muñeco asesino. Tiffany es una muñeca psicópata, gamberra y sexualmente muy activa. La relación entre ambos personajes es pura dinamita dándonos algunos de los mejores momentos de humor negro que hemos visto en pantalla. 

Tras esta película, la saga de El muñeco diabólico no ha vuelto a levantar cabeza y no es de extrañar al introducir un personaje tan interesante y divertido como Tiffany. Ojalá hicieran una película con ella como absoluta protagonista.

La novia de Chucky

Nemo y Anna en Las posibles vidas de Mr. Nobody

Hace años que vi Las posibles vidas de Mr. Nobody, una particular revisitación de Los amantes del Círculo Polar en clave de ciencia ficción. A día de hoy sigo sin poder quitarme de la cabeza esta película poco conocida.

En ella, un hombre cuenta sus posibles vidas y amores. De todas sus relaciones sentimentales, la mejor es el romance en el tiempo que mantiene con Anna, la única mujer a la que llegó a amar pero que el destino decidió separar.

Las posibles vidas de Mr. Nobody

Fry y Leela en Futurama

Pocas parejas me han llamado tanto la atención y me han hecho llorar como Fry y Leela (SPOILERS de Futurama). Los archiconocidos personajes de Futurama estaban destinados desde el comienzo a no estar juntos, a pesar de haber episodios en el que nos daban esperanzas para luego quitárnoslas de un plumazo. Y cuando parece que por fin van a ser felices todo se pone en su contra rompiendo las ilusiones de los espectadores en uno de los finales más redondos, lacrimógenos y duros de la historia de la televisión.

Futurama

William Gelb y María González en Código 46

Código 46 cuenta una de las historias de amor que más me han hecho llorar y cuyo final me sé de memoria. La película de Michael Winterbottom habla de un futuro en el que las relaciones de pareja están legalmente controladas debido a la mezcla de genes entre las personas que pueblan el mundo mostrado en la película. En este contexto, el director británico nos habla de un amor imposible entre un hombre y una mujer y de cómo intentan escapar del sistema para poder estar juntos.

Código 46

Las cinco parejas elegidas por Ana A.:

5. Zero Two y Hiro (Darling in the FranXX)

Fue uno de los «anime sensación» de la última temporada, aunque claramente iba de más a menos. Uno de sus ejes centrales era el romance entre los dos protagonistas, Hiro y Zero Two (aunque ésta última comenzaba más bien como antiheroína).

Los motivos por los que la incluimos es porque su historia nos mantuvo enganchados, al menos hasta el episodio 15 (luego la narrativa toma otros derroteros, incluyendo ese otro amorío que al contrario nos parecía forzado entre Mitsuru y Kokoro). El culmen de la serie y de la historia Hiro-Zero Two se alcanza en esa maravilla que es el capítulo 13.

Darling in the Franxx

4- El Doctor y Rose Tyler (Doctor Who)

Doctor Who es una de esas series MUY longevas (ha sido emitida de forma interrumpida desde la década de 1960) que es considerada título de culto dentro de la temática de la ciencia-ficción. Mucho le ayudó para ello su regreso por todo lo alto en 2005, con un equipo (Russell T. Davies a la cabeza) y un elenco renovados.

El Doctor (Christopher Eccleston y David Tennant es a los que hacemos referencia en esta ocasión) regresa como el único señor del tiempo con vida, solitario, arisco y deprimido. En su camino se topa accidentalmente con Rose Tyler (Billie Piper), una joven inglesa con una vida muy normal.

Lo que empieza (y sigue) como una serie de aventuras entre ambos desemboca en una especie de romance (casi nunca es del todo explícito, ciertos momentos aparte) cuyo final resultó algo alargado y un poco «WTF».
Sin embargo, la química entre Piper-Eccleston/Tennant es indudable y se sostiene de forma constante en un «¿llegarán a ese punto o no llegarán?». El hecho de que Rose sea el principal motivo que haga que el Doctor vaya volviendo a su «yo habitual» resulta enternecedor. Además, por algo suele ser considerada la compañera más popular en las encuestas del Doctor, aunque como bien se sabe, esto es algo muy subjetivo.

3- Shôya Ishida y Shôko Nishimiya (Koe No Katachi, A Silent Voice)

Estábamos dudando de si poner aquí a estos dos o a Mitsuha y Taki (Kimi No Na Wa, la cual por cierto es desde un punto de vista romántico mucho más obvia); sin embargo y en lo personal la historia de Ishida y Nishimiya al final nos conmovió más.

Con la relación entre Ishida y Nishimiya se abarcan muchos temas de rabiosa actualidad y que resultan dramáticos y complejos a partes iguales, como lo son el «bullying», el suicidio o la discapacidad. Nishimiya llega a una escuela pública con la idea de integrarse y ser una más, a pesar de su sordera. El problema, sus compañeros, con Ishida a la cabeza, le hacen la vida imposible hasta que la madre de la muchacha se ve obligada a cambiarla de escuela. El acoso que Ishida ejercía sobre Nishimiya se vuelve entonces en su contra, dándose cuenta de las causas que sus actos han conllevado y cayendo a su vez en una depresión.

Este es el punto de partida de esta relación, el cual no es muy prometedor. Sin embargo, su desarrollo está bien llevado y con bastante buen gusto, lo que nos hace desear que al final todo les vaya bien a ambos (y sobre todo a ella).

Koe No Katachi/A Silent Voice

2- 2B y 9S (NieR: Automata)

Empezaremos diciendo (por enésima vez) que NieR: Automata es un JUEGAZO. Aparte de eso, tenemos en nuestros dos protagonistas a un par de androides que van aprendiendo a sentir (en ocasiones, muy a su pesar).

9S y 2B son dos androides que trabajan para Yohra, protegiendo a la humanidad que queda refugiada en la Luna de las máquinas de procedencia alienígena que han invadido la Tierra. Avisamos que a partir de aquí habrá SPOILERS del juego.

Lo que empieza como una relación de mera camaradería va evolucionando en algo más para, al final, descubrirse el pastel: 9S y 2B en realidad llevan trabajando juntos mucho tiempo, pero como él es un modelo escáner siempre acaba descubriendo la verdadera situación de la humanidad y 2B se ve obligada a tener que matarlo. Así una y otra vez. Lo cual se vuelve aún más trágico debido al hecho de que desarrollan sentimientos el uno por el otro y entran en un bucle de desesperación y destrucción.

En realidad, la relación entre 2B y 9S no es meramente romántica, o desde luego no es un romance al uso. No solo por la falta de besitos y esas cosas a las que nos tienen tan acostumbrados en Hollywood (esto procede de Japón, ¿qué esperáis?), sino porque abarcan emociones de diversa índole (aparte de la romántica) y porque rayan un poquito en la obsesión y la locura. En cualquier caso, la obra de Yoko Taro se encarga de explorar precisamente la naturaleza de las emociones y sentimientos, nuestras formas de expresarlos y si son éstas las que nos hacen humanos. Por lo tanto, resulta complicado no sufrir y conmoverse con estos dos en el juego y materiales oficiales complementarios, a la vez que nos regocijamos con su conclusión del final E/parte 5 de la gira de conciertos.

1- Lelouch Lamperouge y C.C. (Code Geass)

Hace solo unos días de la salida de la última película/secuela de Code Geass en Japón, Fukkatsu No Lelouch, y estamos emocionados: da enorme orgullo y satisfacción que al final a la pareja/personajes favoritos de uno les vayan las cosas bien (como el final E de NieR: Automata, pero a lo bestia). Avisamos de SPOILERS.

El anime original y las películas más recientes (que sirven de recopilatorio/remake) nos presentan a C.C. como una mujer misteriosa con apariencia juvenil y pelo verde, mientras que Lelouch es un estudiante de la élite de Britannia, en realidad hijo del emperador y que ha jurado venganza contra éste y su reinado.

Accidentalmente se topa con C.C., que le otorga el poder del «geass». Así, la relación entre ellos surge como la de meros compañeros por conveniencia, evoluciona a cómplices (muy similar a Próspero y Ariel en La Tempestad de Shakespeare) y finalmente en una amistad con posibilidades de romance (la química y tensión sexual desde el inicio entre ellos es innegable). La última película finalmente los deja viajando juntos y dando su relación por hecha.

Lo que más nos gusta de este dúo es que se tratan en todo momento como a iguales, es decir, Lelouch nunca subestima a C.C. ni viceversa (aunque ella lo suele vacilar a él con más frecuencia) y se entienden sin necesidad de comunicarse explícitamente. Sin embargo, y a pesar de que ella es uno de los poquísimos personajes de toda la serie que conocen todo sobre él y de su álter ego Zero (y él es el único que descubre su verdadero nombre, por ejemplo), NUNCA se traicionan ni dudan el uno del otro (aunque C.C. tiene inicialmente la manía de ocultar información). La evolución de su relación es además progresiva y creíble. Como decimos, estamos ante dos iguales.

Code Geass

Menciones de honor: no podemos poner aquí a todas la parejas más o menos recientes que nos llegan al corazoncito, por lo que simplemente citaremos aquéllas que nos gustan, pero no tanto como las que hemos desarrollado en el artículo, o que no llegan a ser oficiales (al menos por ahora).

Así, tenemos que mencionar a Shuusaku y Suzu (En este rincón del mundo), Sora y Riku (Kingdom Hearts… Sí, sabemos que no son oficiales en este sentido, pero su relación es la que para nosotros tiene mejor química y está más desarrollada en toda la saga), Dazai y Odasaku (Bungou Stray Dogs), Akira y Miki (Devilman Crybaby) y nuestro «guilty pleasure» que es Kylo Ren y Rey (Star Wars… Miedo da lo que pueden hacer con estos dos en el Episodio IX, en cualquier caso).

Qué sabemos por ahora de Code Geass: Fukkatsu No Lelouch (SPOILERS)

Publicado el por

Hoy es 9 de febrero, día del estreno en cines de la secuela del aclamado anime Code Geass (2006-2008), que supondrá un nuevo punto final a la trama: Fukkatsu No Lelouch. Sí, los que sabéis algo de japonés habéis leído bien: Lelouch of the Resurrection, o lo que es lo mismo, la resurrección de Lelouch. Por cierto, que acaban de anunciar su estreno el 5 de mayo en América del Norte con un nuevo tráiler en IGN.

Para los olvidadizos o los más perdidos, Code Geass (estudio Sunrise) nos sitúa en una realidad alternativa/futuro cercano distópico donde el Santo Imperio de Britannia controla una tercera parte del mundo, dentro de la cual se halla Japón, a la que denominan colonia o «área 11». Lelouch Lamperouge es un misterioso joven procedente de la más alta nobleza de Britannia que jura vengarse del imperio. Un día, se topa accidentalmente con una misteriosa muchacha que le otorga el poder del «Geass», el cual le permite manipular los actos (bajo ciertas circunstancias) de las personas con tan solo mirarlas directamente a los ojos. De este modo, Lelouch usa esta nueva habilidad y crea al alter ego Zero, última gran esperanza de los grupos de resistencia japoneses frente a la ocupación.

Uno de los grandes aciertos de Code Geass (diseños de personajes de Clamp aparte) se encuentra en su mezcla de anime de mechas o robots gigantes con el thriller político. Lelouch, al más puro estilo Light Yagami, se yergue como protagonista-antihéroe con un fuerte carisma pero con una forma de actuar cuanto menos dudosa. Para él, el fin justifica los medios.

Al final de la serie, se nos mostraba al amigo de la infancia (a veces rival) de Lelouch, Suzaku, asesinando a éste ante la muchedumbre con el traje de Zero puesto, desvelando que todo formaba parte de un acuerdo entre ambos para acabar de una vez por todas con Britannia y aportar un nuevo comienzo a la sociedad en Japón, dentro de un mundo que se espera más justo (ya que Lelouch, como nuevo emperador, había reunido en torno a sí mismo cualidades no muy deseadas).

Pasan los años y Sunrise anuncia que Code Geass tendrá una continuación. Al principio se rumorea que sería una serie, posteriormente la confirman en forma de película de casi dos horas de duración. El director vuelve a ser Gorô Taniguchi, mientras que detrás del guión regresa a su vez Ichirô Okouchi.

Antes del estreno de Fukkatsu No Lelouch, el equipo lanza una serie de cintas-recopilatorio de la serie que adaptan nuevas escenas y decisiones (como eliminar el arco argumental de Mao y con ello evitar la muerte de Shirley, entre otras cosas),

Teniendo en cuenta que la última película lleva apenas unas horas proyectada en Japón, los detalles sobre su argumento y si ha cumplido o no las expectativas van saliendo con cuentagotas. A no ser que nos llevemos una (positiva) sorpresa (como ha ocurrido en Norteamérica), no creemos que salga por estos lares hasta pasados unos cuantos meses.

Por lo tanto, avisamos nuevamente de SPOILERS y, gracias principalmente a usuarios de los foros en 4Chan, Reddit, MyAnimeList y Discord, podemos ir conociendo lo siguiente:

  • La duración es de 115 minutos.
  • La trama se sitúa dos años después de la muerte de Lelouch (que sí, está muerto).
  • Suzaku sigue siendo Zero, como al final de las anteriores películas/serie. Los villanos (Shario, Chamna y Bitu del reino de Zilkistan) averiguan su identidad y lo persiguen.
  • C.C. recupera el cuerpo de Lelouch y lo resguarda con Shirley en una granja (uniéndolo al final de la película anterior, muy similar al de la serie, pero no idéntico). Sin embargo, no ha logrado recuperar su mente, así que el protagonista está como sin recuerdos/con la mentalidad de un niño (similar a la propia C.C. durante un determinado periodo en la serie). Shirley es la persona idónea para llevar su cuerpo debido a que como civil no está vigilada. C.C. busca la manera de traer a Lelouch completamente de vuelta a través de las ruinas de los Geass, lo cual la lleva asimismo a Zilkistan, junto al cuerpo «vacío» de Lelouch. 
  • Nunnally, quien está completamente involucrada en la política y sigue cerca la problemática de los refugiados, es retenida junto a Suzaku por los nuevos villanos en Zilkistan. Buena parte de la cinta trata sobre su huida.
  • Kallen (ahora una figura pública), Sayoko y Lloyd también acuden a Zilkistan. Son atacados por un portador del «geass». Se encuentran con C.C. y Lelouch. Kallen queda bastante impactada al verlo en semejante estado.
  • Aparece el mundo de C. Al parecer es ahí donde se encuentra Lelouch. C.C. y el cuerpo del susodicho se adentran en él. 
  • Hacia el minuto 40 de la película vuelve el verdadero Lelouch. C.C. le da la bienvenida. Se reúnen con Kallen y los demás. También con Suzaku, que ha logrado liberarse por sí solo. Al principio Suzaku queda impactado al ver a Lelouch, tras una escena ciertamente tierna comienza a golpearlo.
  • Lelouch ve un vídeo donde se ve a Nunnally y los demás disfrutando en una boda, parece darse cuenta de que Nunnally ha sabido apañárselas bien sin él. Suzaku le pregunta qué piensa hacer una vez la hayan rescatado. Mientras tanto, Kallen y C.C. tienen una conversación similar, la peliverde parece triste.
  • Ohgi intenta suicidarse por sentir que había traicionado a Zero, Lelouch lo detiene.
  • Chamna (de Zilkistan) resulta ser también una portadora de «Geass». Su poder es rebobinar el tiempo 6 horas cada vez que muere, volviéndola a su vez prácticamente inmortal. Además mantiene sus recuerdos.
  • Lelouch y C.C., vestidos de nuevo para la batalla, pilotan juntos un mecha similar a un modelo «Zeong» del anime Gundam. C.C. lleva un nuevo traje (imagen de abajo).

  • Lelouch y C.C. entran en una serie de bucles, ya que Chamna siempre acaba causando su muerte. Lelouch empieza a desesperarse y C.C. lo tranquiliza. El protagonista logra engañar a Chamna y, en lugar de causar su muerte, la obliga a dormir con su «Geass». Así no puede retroceder en el tiempo.
  • Mientras, Kallen se enfrenta a Bitu, quien pilota un mecha con forma de escorpión, y Suzaku a Shalio. Los dos protagonistas matan a sus oponentes.
  • Lelouch y C.C. vuleven al mundo de C. a través de Chamna, donde se encuentra Nunnally. Lelouch rescata a su hermana.
  • El «código» de Lelouch procede de Charles, pero se encuentra incompleto o corrupto. De ahí la nueva marca en el cuello.
  • Todos regresan. Nunnally le pide a su hermano volver a vivir juntos como antes, pero Lelouch le responde que sería demasiado peligroso y que además ya no lo necesita. Nunnally se entristece, pero lo entiende y sonríe. 
  • Kallen y Suzaku se marchan, él lleva el traje de Zero consigo.
  • C.C. se dispone a marcharse sola entre un grupo de refugiados. Lelouch corre tras ella, le dice que quiere que vayan juntos. C.C. le responde que mejor se vaya con Nunnally o Shirley, él le contesta que no es necesario. Lelouch aún no sabe mucho sobre el mundo de C., ni si se encuentran en otra retrocesión temporal, o si pudiera morir en cualquier momento. C.C. le espeta entonces que no tiene un nombre (ya que como Lelouch Lamperouge lo reconocerían). Él dice que a partir de entonces será L.L. La muchacha se emociona y asiente, ambos se van juntos de la mano.
  • Shirley aparece más bien poco. Durante los créditos se ve cómo recibe una llamada (aparentemente de Lelouch para indicarle que está con vida).
  • La película deja bien claro que es el cierre definitivo de la historia de Lelouch y C.C. (pero no de otras posibles tramas). Hay un epílogo con ambos vestidos de forma similar a la ilustración de Clamp (abajo) y Lelouch haciendo una especie de «proposición», en palabras de Taniguchi.

Por ahora, a los afortunados que la han visto les está gustando. Al parecer el ritmo es bueno y mantiene bastante la «esencia» de Code Geass. Al menos hasta la fecha, con casi 200 votos, lleva una nota de 8,52 (sobre 10) en MyAnimeList. 

Final Fantasy Versus XIII en Kingdom Hearts 3

Publicado el por

Kingdom Hearts 3 apenas lleva más de una semana en el mercado y, los que ya hemos podido jugarlo, todavía continuamos descubriendo secretos sobre él y digiriendo algunos de sus aspectos. Avisamos que este artículo contendrá SPOILERS de la última entrega de la dupla Disney-Square Enix.

Una de las mayores sorpresas de este título la hemos hallado en su final secreto, lanzado al mercado a través de un parche unos días después del lanzamiento en Japón.

En él, vemos a Sora (cuyo destino tras el juego no está todavía del todo claro) despertándose en el barrio tokiota de Shibuya… pero no la Shibuya real, sino la que vemos en otro de los títulos creados por Tetsuya Nomura: The World Ends With You (ese 104 en lugar del 109 real lo delata).

Mientras tanto, Riku hace lo propio, pero en Shinjuku, también en la capital nipona… ¿O quizás en algún sitio MUY inspirado en Shinjuku… como lo es Insomnia (Final Fantasy XV)? De fondo, las primeras notas musicales nos traen inevitablemente a la mente ese «Somnus» (Kingdom Hearts y Final Fantasy XV comparten compositora en Yôko Shimomura) que sonaba en el primer tráiler de Final Fantasy Versus XIII. Sobre Riku, en uno de los edificios, vemos a Yozora, protagonista de un videojuego dentro del mundo de «Toy Box» (Toy Story) y al que está enganchado Rex, titulado Verum Rex.

El significado de todo esto aún está lejos de definirse, al menos hasta que el director y guionista, Tetsuya Nomura, no se pronuncie o se vayan mostrando novedades de un posible DLC o secuela. Sin embargo, sí podemos ir recopilando las pistas que nos va dejando el director de Kingdom Hearts 3 a lo largo de la historia sobre los posibles trayectos que puede tomar la narrativa respecto a este Verum Rex y su vínculo directo con Final Fantasy Versus XIII.

¿Casualidad o intencionalidad?

Cuando se descubrió al mundo el aspecto que tendría Riku en Kingdom Hearts 3 las redes sociales se llenaron de memes: era evidentísimo el parecido que guardaba con el protagonista de Final Fantasy XV, Noctis, creado a su vez por Nomura.

Como muchos sabrán, antes de Final Fantasy XV estaba Final Fantasy Versus XIII, proyecto asimismo ideado por Nomura como contraparte de Final Fantasy XIII. Los primeros avances prometían una fantasía situada en un mundo realista, con un protagonista que era un príncipe con poderes que había estado en más de una ocasión vinculado a la muerte (Eos). Su nombre era Noctis Lucis Caelum, y frente a él teníamos a la protagonista femenina (de la que también hablaremos): Stella Nox Fleuret.

Cuando Versus XIII se prolongó tanto en el tiempo por un complicado desarrollo el proyecto cambió de equipo, de plataforma y de título, pasando a ser Final Fantasy XV para PlayStation 4 y dirigido por Hajime Tabata, mientras a Nomura lo apremiaban para que sacase este Kingdom Hearts 3.

Muchas conjeturas se han escrito sobre esta historia (de la que oficialmente se sabe poco), probablemente la mayoría de ellas inciertas, pero lo que sí parece percibirse es que Nomura sigue queriendo transmitirnos algo de su proyecto Versus XIII… a través de Kingdom Hearts.

Así, lo que empezó como una avalancha de memes y comentarios superficiales (Nomura siempre ha tenido fama de autoplagiarse en sus diseños) sobre Riku asemejándose a Noctis, puede que llegue a ser algo con más sustancia e intencionalidad que lo que pensábamos inicialmente.

No es Versus XIII… ¡es Verum Rex!

Cuando aterrizamos en «Toy Box», lo primero que nos salta es una escena de varios personajes, uno de ellos claramente muy parecido a Riku/Noctis peleando en una ciudad moderna (¿Tokio?) para rescatar a una misteriosa muchacha vestida de blanco con un colgante en forma de estrella. Cuando acabamos de ver el título, Verum Rex, vemos que se trata de un videojuego de moda dentro del universo de Toy Story. Rex incluso confunde a Sora con el héroe de esta historia, Yozora (si llega a ser Riku le da un patatús).

Las similitudes entre Riku, Noctis y Yozora son obvias, ya lo hemos dicho, ¡pero es que además los propios Donald y Goofy aseguran en «Toy Box» que el protagonista de Verum Rex debe de ser Riku!

Yozora significa en japonés cielo nocturno, por lo que un acercamiento inicial a Sora (cielo en el mismo idioma) parece justificado. Más aún lo está su referencia directa a Noctis Lucis Caelum (cielo nocturno luminoso en latín). Nomura claramente quiere hacernos un guiño… ¿O decirnos algo?

Siguiendo con el latín, el significado detrás de Verum Rex es «verdadero rey». De este modo, se crea otro enlace con el argumento detrás de Versus XIII/Final Fantasy XV (el del príncipe destronado) y un probable guiño por parte de Nomura a la supervivencia (de algún modo) de su proyecto original, ahora en Kingdom Hearts, otra de sus criaturas.

Además, fonéticamente Versus XIII y Verum Rex son similares (más aún en español; aunque supondremos que Nomura esto no lo sabe). En cualquier caso, «verum» y «versus» sí suenan de manera muy similar y esto también se hace extensible al japonés.

Noctis y Luna, Noctis/Yozora y Stella, Riku y Naminé

Avanza el juego, llegamos al final, y para sorpresa (o no) de muchos Nomura nos regala una escena con claros tintes románticos (quien esté acostumbrado a ver anime sabrá a qué me refiero) entre Riku y Naminé… ¿Riku y Naminé? ¿Pero no eran Roxas (del cual por cierto ni rastro ahí) y Naminé? De nuevo surgen los comentarios porque, claro, lo cierto es que Naminé nos recuerda mucho a Luna (anteriormente Stella e interés romántico de Noctis).

Partiendo de un diseño muy similar: pelo rubio (Stella además lo llevaba suelto y en un corte algo parecido al de Naminé), vestidos blancos… El caso es que, uno de los pocos momentos protagonizados por Naminé en Kingdom Hearts 3 nos la muestran con forma de estrella (no hace falta estrujarse mucho los sesos para entender lo que significa «stella»). Y es en ese mismo momento donde, hablando con Sora, éste le menciona a alguien especial para él (en referencia a Riku) que no le fallará a ella a la hora de que pueda obtener un cuerpo propio.

Justamente, en el «tráiler conceptual» de Final Fantasy XV titulado Omen (el que se considera que se mantiene más cercano a la visión de Versus XIII) un joven Noctis le dice a Luna esas mismas palabras: «No te fallaré» (en inglés, en ambos casos usan la expresión «He/I won´t let you down»). Y hablando de Omen…

¿Bahamut como jefe final?

Al final de Omen nos encontramos con Regis hablando con «alguien», no sabemos muy bien de quién puede tratarse (nunca se muestra), pero su aura es amenazante. De hecho, antes de la salida de Final Fantasy XV, el público teorizaba con que pudiera tratarse del villano de este título, Ardyn… Sin embargo, se trata de Bahamut.

En Final Fantasy XV, la popular invocación de la saga aparece como una deidad aparentemente neutral… que no duda en sacrificar a Noctis de llegar a ser necesario (como en su día hicieron con Ardyn). No es que sea exactamente un antagonista (nos ayuda durante el último combate), pero tampoco podemos asegurar que se trate de un ser benigno. 

De vuelta a «Toy Box» en Kingdom Hearts 3, Rex indica que todavía no ha podido derrotar a Bahamut en Verum Rex, ofreciéndonos dos pistas: que en dicho juego se trata, a priori, de un villano; y de que Verum Rex ya se encuentra oficialmente unido a Final Fantasy. 

¿Quizás la idea inicial de Nomura en Versus XIII era que tuviéramos que hacer frente a Bahamut (sabemos que Ardyn fue introducido como villano más adelante en el desarrollo) y eso quedó reflejado en Omen y, con algo más de ambigüedad, en Final Fantasy XV? ¿Llegará a aparecer algo de esto en algún futuro Kingdom Hearts? ¿Veremos a las invocaciones en la franquicia que comparten con Disney?

Al final, solo el tiempo confirmará o desmentirá nuestras sospechas. Por ahora, parece haber algo de certeza en que Sora (¿quien está muerto? Aún no lo sabemos) se aproxima a un mundo vinculado en cierto modo con la muerte, como lo es el de The World Ends With You (recordemos también que nuestro protagonista ya había tenido contacto directo con los personajes principales de este otro título de Nomura en Dream Drop Distance).

Riku, por su parte, y sin saber aún si se encuentra o no en el mismo mundo que Sora, puede jugar a ser ese «verdadero rey» del título, en frontal confrontación (¿o camaradería?) con Yozora. No sería descabellado pensar que Naminé y Kairi puedan asimismo tener un papel de cierta relevancia, la primera como ese enlace directo con Luna/Stella y la segunda porque DEBERÍA ser quien más activamente busque a Sora en esta ocasión.

Dragon Ball Super: Broly, una auténtica gozada para los seguidores de la franquicia

Publicado el por

Dragon Ball Super se estrenó hace ya más de tres años con muchas expectativas sobre sus espaldas, pues no hemos sido pocos los que hemos crecido viendo la serie ideada por Akira Toriyama, la mayoría de nosotros ya bien maduritos. Como suele pasar con todo lo que es excesivamente esperado, esta nueva entrega dejó con varias quejas y decepciones (algunas bien infundadas) y al fandom dividido. Pero lo cierto es que Toei ha sabido (por norma general) hacerse eco de estos reclamos y, con el paso de los episodios, ha ido mejorando sustancialmente algunos de estos aspectos, sobre todo en lo concerniente al apartado técnico y la animación.

Llega 2019 y con él la última entrega de la franquicia, Dragon BallSuper: Broly, a cines españoles (ya ha pasado por los americanos). Este supone el culmen de esta nueva etapa que aparentemente (todos sabíamos que sería temporal) había finalizado en marzo de 2018.

Especialmente en lo que a animación se refiere. Dargon Ball Super: Broly tiene altibajos en este apartado durante sus casi dos horas de duración, pero ésta nunca deja de ser buena (salvo cierta escena, en la que se nota bastante más el bajón). Hay combinaciones de estilos distintos, unos relucen más (esa batalla entre Broly y Vegeta) y otros menos (la citada escena, ciertos momentos CGI durante los combates Goku-Broly y el final). Pero lo que no se puede negar es que te llega a dejar boquiabierto. Hay coreografías, dinamismos y movimientos en algunos de los enfrentamientos que nunca antes habíamos visto de igual manera en toda la serie. El director de animación, Naohiro Shintani, ha conseguido en definitiva un muy buen trabajo. Lejos quedan los episodios bochornosos y con animación estática de los inicios de Dragon Ball Super.

Quiero citar asimismo el nivel de detallismo al que se llega con la animación en muchas de las escenas, especialmente en los elementos secundarios. Es decir, no solamente vemos en perfecto movimiento al personaje que se enfoca, sino también a un fondo vivo. Por ejemplo el movimiento de la cola de Freezer (que me tenía hipnotizada) o el detalle de Goku lanzándole juguetonamente nieve a Bulma al bajar de la nave (cuando el enfoque está en que los hombres de Freezer han detectado la presencia de saiyans).

En lo referente al sonido y banda sonora, compuesta por Norihito Sumitomo (con el tema principal, «Blizzard», cantado por Daichi Miura), si bien se extrañan los característicos elementos sonoros que desprendían ciertos ataques y golpes en la serie original, no hay tampoco nada que objetar, ya que en ningún momento distraen de la acción. Algunos de los temas más electrónicos puede que lleguen a chirriar en algunos oídos más acostumbrados a los temas instrumentales más propios de Dragon Ball, mientras que otros, como «Broly´s Rage and Sorrow», sí nos recuerdan esa esencia.

A nivel narrativo, pues esto es Dragon Ball. Que no vamos a pedir que se marque un Shinichiro Watanabe, vaya. Sin embargo, teniendo en cuenta que es la cinta más duradera de la franquicia y que el ritmo apenas cae en todo su recorrido, nos encontramos ante un logro. El guión lo ha escrito el propio Akira Toriyama, quien comentó que originalmente duraba más de tres horas, algo que sí se nota especialmente en el tramo inicial, el cual contiene saltos más abruptos y escenas que se intuyen han sido recortadas (¿quizás de cara a una versión extendida?).

Resumidamente (nada que no se haya visto en los tráilers), la historia comienza hace 41 años en el Planeta Vegeta, narrando la llegada al poder de Freezer, la expulsión de Broly del planeta por parte del rey Vegeta, cómo los padres de Kakarotto lo salvan enviándolo de incógnito a la Tierra y la posterior destrucción de su hogar. Mientras tanto, el padre de Broly, Paragus, sale detrás de su hijo, quedando ambos atrapados en un inhóspito planeta, jurando venganza contra los causantes de sus desdichas. De ahí saltamos al presente, que se sitúa después de lo acontecido en Dragon Ball Super. Bulma es avisada de que unos soldados de las tropas de Freezer se han llevado las bolas de dragón que estaba reuniendo, lo que les pone a ella, Goku y Vegeta en alerta y se disponen a ir a recuperarlas.

Este es el punto de partida de una historia que, sin ser en absoluto compleja, contiene los giros suficientes como para mantenernos atentos en nuestras butacas durante las mencionadas casi dos horas. No obstante, el gran logro de todo este tinglado lo hallamos en el propio Broly. Mis sospechas se confirman y Toriyama nos brinda una nueva versión (esta vez oficial) del personaje con el que simpatizamos, empatizamos y sufrimos. Deseamos que al final sobreviva y le vaya todo bien, lo que lo aleja sustancialmente de su otro-yo original (del cual yo admito no haber sido especialmente fan tampoco).

Asimismo, esta cinta nos ofrece otros hitos significativos dentro de la cosmografía de Dragon Ball, a saber: la introducción oficial más duradera de Bardock (recordamos que Toriyama solo había hecho canónica su existencia a través de una única viñeta en su manga) y de la madre de Goku, Gine, en versión anime. Hasta ahora, solo los habíamos tenido así a ambos en el capítulo especial (también hecho por Toriyama) Dragon Ball Minus, por lo que la primera parte de la película puede confirmarse como una adaptación prolongada de éste. También se confirman la existencia oficial del hermano de Vegeta, Table; y nos deja en el aire la posibilidad de supervivencia de otros saiyan (sin revelar nada más al respecto).

Otro de los puntos fuertes dentro de este apartado es el nivel de detallismo que se logra a la hora de intentar atar bien los puntos con lo establecido en el manga, como Raditz asegurando que su madre le ha contado que su hermano ha sido enviado a la Tierra (lo cual le preocupa más bien poco). Teniendo en cuenta que Toriyama ha admitido en varias ocasiones su mente despistada y olvidadiza, es algo a tener en consideración.

Mención especial al equipo de doblaje (al menos al español, que es la versión que hemos visto) dirigido por Mercedes Hoyos, con José Meco (Broly, quien se ha dejado el alma y la garganta en el personaje), Pablo Domínguez (Goku), Paco Prieto (Vegeta) y Ángel Corpa (Freezer) a la cabeza. Además, ¡han recuperado a Antonio Villar (Bardock) para volver a darle voz al personaje!

En definitiva, nos hallamos ante una película de Dragon Ball que hará las delicias de los seguidores de la franquicia y que probablemente al menos entretendrá a los que no son tan fanáticos por su buen ritmo, personajes bien llevados (las nuevas incorporaciones, Lemo y Cheelai, son fresquísimas), escenas dramáticas y ciertos momentos de humor bien intercalados. Si es la mejor o no de la serie nos parece algo tan subjetivo (¡máxime teniendo en cuenta que el resto de casi todas las cintas las vimos desde la óptica de la niñez!) que no seremos nosotros quienes lo afirmemos (o neguemos). Eso sí, merece la pena absolutamente ir a verla en pantalla grande. La animación brutal durante las batallas y algunos hitos dentro de la historia lo confirman.

Hablemos de Riku (Kingdom Hearts)

Publicado el por

Kingdom Hearts salió allá por el año 2002, siendo inicialmente presentado (a nivel marketing al menos) como una especie de «crossover» entre los personajes de Disney y Final Fantasy, ya que había surgido de una conversación en un ascensor entre Shinji Hasimoto y un ejecutivo de la casa del ratón. En medio de ese maremágnum de rostros conocidos desde nuestra infancia se encontraban tres personajes originales, creados por Tetsuya Nomura (también director del proyecto) para la ocasión, sus nombres eran Sora, Kairi y Riku.

De éste último es de quien vamos a hablar en esta entrada. Sora siempre ha sido (sigue siendo) indiscutible protagonista; y Kairi ha sido (esperamos que no siga siendo) básicamente la chica del protagonista. Riku se encontraba, entonces, como ahora amigo-ahora rival del personaje principal.

A medida que la franquicia iba creciendo, el papel de Riku es el que más se ha ido desarrollando, al menos desde nuestro punto de vista (y a partir de aquí vienen los SPOILERS de los juegos hasta Kingdom Hearts 3).

Como adelantábamos, Riku sirve de otra cara al inocente y buenazo de Sora, en un esquema que es repetido hasta la saciedad por los «shônen» desde que Devilman sentara la base, a saber: el protagonista tontorrón y «puro» y su amigo/rival mucho más turbio, lo que causa que los caminos de ambos muchas veces confronten incluso de forma violenta. Lo hemos visto en Naruto, en Code Geass, en Dragon Ball hasta cierto punto, entre unos pocos ejemplos.

Riku y Sora en Chain of Memories. Disney y Square Enix

Sora y Riku, del idealismo al pragmatismo

De este modo, si Sora representa el idealismo (su nombre además significa «cielo») y Kairi («océano») suele hacer de mediadora, Riku («tierra») es el pragmatismo. De los tres, es el que suele tener los pies en el suelo, el más centrado y el que antes madura, especialmente en comparación con Sora. También es el mayor, llevándoles a los otros dos un año de ventaja.

No siempre fue así, y por eso Riku supone asimismo el personaje que más ha evolucionado dentro de lo que llevamos de historia en Kingdom Hearts, al menos para quien esto suscribe. En el primer título se nos presenta como un muchacho más emocional e impulsivo, con ansias de conocer mundo y varias ambiciones, frente a un Sora más tranquilo y mundano. De eso mismo sabe aprovecharse Maléfica para llevarlo a su terreno y que le sirva así para ayudarla a cumplir con sus objetivos.

En el camino, Riku, que siente celos por las nuevas amistades de Sora, lo que en el fondo no hace más que mostrarnos que bajo esa fachada de confianza en sí mismo se esconden varias inseguridades y temores, es consumido por la oscuridad, lo que le deja varios traumas para el resto de la saga. Porque ante todo, Riku no es mala persona. Y sin embargo, lo duda.

Propiedad de Disney y Square Enix

Tienen que ser Sora, Mickey y Naminé, ya en Chain of Memories, los que le dan el empujoncito al muchacho para que acabe viendo que merece la pena enfrentarse a esa oscuridad, no seguir huyendo de ella. Riku desarrolla así un camino iniciado por Terra en Birth by Sleep (a nivel cronológico dentro de la historia), considerado su antecesor (y cuyo nombre posee mismo significado), culminándolo con el éxito que éste no tuvo.

En 358/2 Days y en Kingdom Hearts 2 nos encontramos con un Riku ya en plena cruzada contra su oscuridad interna, la cual ya ha aceptado y debe aprender a dominar. El camino es duro y así lo vemos, ya que está a punto de volver a caer varias veces.

El camino fácil o el que se intuye a primera vista es el de Riku cayendo en esta oscuridad, a lo Anakin Skywalker (o, de nuevo, Terra), y que acabe convirtiéndose en uno de los villanos principales de la saga, en contraposición a Sora. El mérito en la narrativa de Kingdom Hearts radica en que, al contrario que Sasuke en Naruto, Vegeta en Dragon Ball, o Lelouch en Code Geass, Riku no llega a ser verdadero antagonista en ningún momento (breves lapsos en el primer juego aparte, donde lo encontramos más inmaduro). Como decíamos, nunca deja de ser un buen tipo que no lo tiene fácil por sus miedos e inseguridades.

Riku enfrentándose a la oscuridad… y a Roxas. Disney y Square Enix

Estos miedos e inseguridades, escondidos tras una actitud que tira a veces a chulesca y un diseño «cool», es lo que vuelve a Riku uno de los personajes con los que puede ser más fácil identificarse. Nosotros como jugadores somos Sora, y llegamos a enternecernos con él, pero Riku es mucho más realista en su punto de partida y trayectoria que aquél, más amoldado a los cánones «shônen». Allí donde nuestro protagonista ve las cosas con la sencillez y simpleza propias de una mente puramente bondadosa e idealista, casi sin ambigüedades; Riku es de los que se angustian con una mirada gris y más complicada de las cosas.

La culminación del camino

En Dream Drop Distance, donde podemos controlar a Riku además de a Sora, el joven de pelo plateado ya se muestra mucho más equilibrado que en las anteriores entregas, lo que concluye en su superación del examen de maestro portador de la llave espada… al contrario que su amigo.

Esto se debe básicamente a que Riku ha recorrido una trayectoria que Sora todavía no (y que, seamos francos, tampoco tiene por qué hacerlo, ya que las características de ambos son distintas). Sora, como Kairi, se supone que es PRÁCTICAMENTE un recipiente de luz, en el sentido de que no parece haber nunca una pizca de maldad en sus acciones. Además, allí donde Riku es realmente inseguro, Sora (a pesar de su diseño más infantilizado) es directo y constante. Ya lo dijo Nomura: la diferencia entre el protagonista y el resto de personajes es que él actúa.

Parece que aún así el castaño empieza a atemorizarse con algunas cosas también, lo que no es de extrañar si pensamos en toda la carga y presión que lleva sobre su espalda. Probablemente esto será más desarrollado en Kingdom Hearts 3, el final de la «saga Xehanort», donde Riku ya empieza como maestro y con supuesto absoluto dominio de sí mismo (asimilación de «Repliku» incluida, a juzgar por los avances).

Por lo tanto, tenemos que celebrar lo que llevamos de recorrido de Kingdom Hearts como, entre otras cosas, un desarrollo, de principio a fin y aparentemente completo, del personaje de Riku. De hecho, no tengo muy claro cómo puede seguir su camino el de pelo plateado una vez finalizada esta última entrega (de la cual no sé apenas nada y hablo desde el puro desconocimiento sobre su trama). ¿Quizás como maestro referente, al estilo Yen Sid (pero evidentemente más joven)? Largo y exitoso recorrido el de aquel muchacho que pasaba sus días jugando a rivalizar con Sora y que ansiaba conocer mundo desde Islas del Destino.

Riku y Mickey en Kingdom Hearts 3. Disney y Square Enix

Entradas relacionadas:

Pistas sobre el argumento que nos da el adelanto del opening de Kingdom Hearts 3