En realidad, «nuevos», ya que aquellos que ya hayan visto la película de Final Fantasy XV, Kingsglaive; o el anime, Brotherhood, sabrán de quiénes estamos hablando. Sí, son nada más y nada menos que….
(recordamos el SPOILER)
Ravus e Iris. El primero, el hermano de Luna, que al parecer habría quedado maltrecho durante los acontecimientos de la película. La segunda, la hermana menor de Gladiolus, que ya apareció en el episodio III de Brotherhood, creando una conexión con Noctis. De hecho, los más observadores ya habían percibido a Iris (más adulta de como aparecía en el anime, claro está) entre los muchachos viajando en el coche durante el trailer mostrado en el Uncovered. La revista Famitsu en su último número no hace más que confirmarlo.
Iremos actualizando a medida que vaya saliendo más información. ¡Estad atentos!
Vamos a darle un descanso semanal a Japoneando Anime, que (al menos durante el verano) pasará a ser quincenal, para centrarnos por otro lado en debates que giran alrededor de la saga Final Fantasy, que como muchos sabrán (y habrán intuido solo por el título de esta humilde sociedad) es uno de los pilares sobre los que nos fundamentamos. Ya hemos realizado algún artículo que gira en torno a estas polémicas con anterioridad, como «Las mujeres en Final Fantasy VII» y «Luna vs. Stella«. Ahora le toca el turno a una de las figuras más representativas, no ya de Final Fantasy, sino de todo Square Enix: Tetsuya Nomura.
¿Por qué Tetsuya Nomura? Empecemos por hacer una breve biografía del hombre, ya que si decimos que es el encargado de todo lo que hay detrás de Kingdom Hearts, de personajes como Cloud o Aerith, o de las ideas originales del Universo Final Fantasy XV, pues no es moco de pavo. Nomura nació en el año 1970 y, antes de entrar a trabajar en Squaresoft (previamente a su fusión con Enix), se desempeñaba como dibujante en una agencia publicitaria (curiosamente, similar a los orígenes de otro gran personaje del mundillo: Akira Toriyama). Nomura empezó en la gran compañía de la industria del videojuego como encargado de los gráficos de batalla en Final Fantasy V. Parece que su labor gustó tanto que ascendió a director gráfico en Final Fantasy VI, y diseñador de personajes de Final Fantasy VII en adelante (con excepciones como Final Fantasy IX o Final Fantasy XII). A partir de ahí, su carrera ha sido un no parar: director de los videojuegos Kingdom Hearts y Kingdom Hearts II (y Kingdom Hearts III, si es que algún día se decide a salir al mercado), director de la película Final Fantasy VII: Advent Children (y uno de los ideólogos de toda la Compilation del mencionado videojuego) y director de Final Fantasy Versus XIII antes de convertirse en Final Fantasy XV y pasarle la batuta a Hajime Tabata. Ahora mismo, aparte del citado Kingdom Hearts III, se encuentra dirigiendo el remake de Final Fantasy VII. Como vemos, un hombre ocupado.
Sin embargo, no todo lo que hemos mencionado en su (resumida) carrera ha sido positivo… ni tampoco negativo. No por nada, Nomura es uno de los personajes dentro de la industria del JRPG (Japanese-Rol-Playing-Games) con mayor polémica entre los fans. ¿Y esto por qué? Echemos un repaso…
Luces
Es innegable que Nomura ha sido el ideólogo de muchos de los personajes, e incluso historias, que en la actualidad adoramos más aún que a nuestros primos (por poner algo). Es el ejemplo de Cloud, Aerith, Tifa, Sephiroth, Squall, Zell, Tidus, Yuna, Auron, Lightning, Fang, Noctis o Sora, solo por mencionar algunos ejemplos dentro de su prolífica carrera como diseñador de personajes.Su estilo de dibujo, claramente influenciado por la estética del anime y bonito a la vista, es en buena parte el culpable de haber atraído a las grandes masas. Todo hay que decirlo: las ilustraciones de Nomura son una gozada para la vista. Eso sí, si te inclinas más hacia estilos únicos y no tan «preciosistas», de trazo más refinado, quizás Nomura no sea lo tuyo (y sí Amano, por ejemplo). En cualquier caso, ambos artistas no son comparables.
Sin él, Cloud no hubiera tenido su característico pelo de chocobo, ni Sephiroth esa apariencia a medio camino entre andrógino y temible, ni Tifa esa… personalidad. Que hablando de personalidades, también fue idea de Nomura la crisis de identidad que tendría Cloud durante más de la mitad del juego y que supondría un punto y aparte en su personaje (y de paso serviría para presentarnos a otro de los grandes: Zack).
Y es que Nomura siempre ha mostrado cierta fascinación por los lados oscuros de la personalidad, esos lugares recónditos a los que (casi) nadie tiene acceso. La cosa se profundizaría más con Squall en Final Fantasy VIII, hasta el punto de volver al personaje insoportable para algunos. En Kingdom Hearts estos aspectos serían explotados al máximo, llegando a existir hasta cinco versiones de Sora diferentes.
Adentrándonos más en Kingdom Hearts, este es claramente otra de las luces de Nomura. El juego colaboración de Disney y Square Enix se ha ganado una legión de fans a lo largo y ancho del planeta realmente abrumadora. Lo cierto es que el encanto y magia que suelen desprender los juegos de esta saga lo merecen. Y no es poco lo obtenido con esta franquicia: superventas, ganancias para ambas compañías en forma de secuelas, precuelas, spin offs, aplicaciones para móviles, mangas, conciertos y multitud de merchandising. Nada que envidiarle a Sakaguchi.
En definitiva, podría decirse que el GRAN aspecto positivo de Nomura como realizador (él mismo lo dice: se encarga a hacer videojuegos, no solo a dibujarlos) es su atrevimiento con todo, que raya casi en lo ambicioso. Ambición (algunos podrían llamarle «curiosidad») que siempre viene bien a la hora de abordar nuevos parámetros y posibilidades argumentales. Sin embargo…
Sombras
He aquí uno de los puntos que más critican a Nomura: se acaba enredando demasiado con sus historias. Digamos que peca un poco de pretenciosidad en ellas. Es el caso de la saga Kingdom Hearts: lo que parte como un argumento aparentemente sencillo acaba recargándose tanto con cada entrega que apenas puede entenderse (y mucho menos seguirse a no ser que poseas casi todas las consolas del mercado, además de un buen teléfono móvil y bastante pasta, claro). Así, se puede intentar hacer pasar al argumento de Kingdom Hearts (saga) como algo de lo más complejo cuando en realidad partía de una idea muy sencilla, que es el de la luz contra la oscuridad y la figura de un elegido en medio de eso.
Pero lo más sangrante de este último aspecto de Nomura ha sido con la Compilation de Final Fantasy VII. Intentar vendernos Kingdom Hearts (saga completa) como algo aparentemente complejo todavía tiene un pase, pero tratar lo mismo con Advent Children… no. La película es un sucedáneo de nostalgia por ver a queridos personajes en glorioso y detallado CGI con escenas de acción imposibles y en ocasiones hasta mareantes. ¿El argumento? Inexistente. Sin embargo, son muchos los fans de Final Fantasy VII que les gusta (me incluyo). Ahora, intenta ponerle la película a tu madre que lo máximo que sacará en claro es el dolor de cabeza que se le ha puesto.
Pero lo más detestado de Nomura en los últimos años (casi décadas ya) no es su narrativa rococó, ni sus autoplagios en los diseños… sino su (supuesta) lentitud a la hora de trabajar. Ya dejaba ver algo de esto cuando en La leyenda de Final Fantasy VIII se cuenta su fijación por mostrar las plumas revoloteando y las olas del mar yendo y viniendo sobre la orilla en la intro del citado videojuego, lo que causó no pocos quebraderos de cabeza a los programadores. Siendo claros: Nomura parece ser un perfeccionista de la estética y «lo bonito que queda todo», lo que a su vez supone más tiempo de dedicación en todos estos detalles. Hoy, por ejemplo, sabemos que en los siete años que estuvo al mando del Final Fantasy Versus XIII apenas había completado un 25%. Se realizaban los vistosos trailers para mostrar en las ferias y convenciones y poco más: el juego no estaba ni a medio hacer. Por eso deberíamos estarle agradecidos a Tabata de que al menos podamos tener Final Fantasy XV en nuestras estanterías a partir del 30 de septiembre. Creo que hubo una época bastante larga en la que el juego simplemente estuvo flotando en el limbo.
Ahora, Nomura tiene pendiente de salida el aclamado Kingdom Hearts III (que ya lleva sus años de desarrollo también, y sin fecha de estreno), y el no menos popular remake de Final Fantasy VII. La polémica no ha hecho más que empezar.
P.D.: Como curiosidad, ¿sabiáis que es amigo de Hideo Kojima? Otro del que podría escribirse hasta un libro entero.
Queridos y queridas todos y todas: como muchos sabréis, la película de Final Fantasy XV Kingsglaive se ha estrenado el pasado 9 de julio en Japón, con críticas muy positivas por parte de aquellos afortunados que han podido verla (e incluso ha entrado en el Top 10 de taquilla, cuando solo la están poniendo en 44 salas de todo el país). También va a hacer lo propio el 19 de agosto en Estados Unidos. Sin embargo, no se sabe nada de que Sony Pictures o Square Enix tengan planes para estrenarla en Europa (y esto, claro, incluye a España).
Por ello, una plataforma de fans de la saga más emblemática de Square Enix ha creado esta petición, para que el fandom de toda Europa mostremos nuestra disposición y entusiasmo para que la estrenen en nuestros cines. Señores de Square y señores de Sony (si nos leen, lo cual ya de por sí nos causaría un síncope de emoción), garantizamos que somos centenares los que acudiríamos a verla al cine. Más aún con las buenas críticas que está recibiendo y que nos están poniendo los dientes largos.
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Ya llevamos varios capítulos (cinco, en realidad) de la saga de Trunks del futuro en Dragon Ball Super, y lo cierto es que, haciendo balance, no es que haya sucedido mucho. Ahora, ¿debería sorprendernos? Si pensamos un poco en Dragon Ball Z, podíamos perdernos fácilmente cinco capítulos de la batalla entre Goku y Frieza (o Freezer, que el nombre tiene sus muchas variedades) y al volver no había pasado nada. Unos puñetazos, alguna pirueta (con suerte, bien animada) y bastante habladuría de dos chuloputas tan típicos del género shônen. No es que me esté metiendo con Dragon Ball Z para defender a Super (Kamisama me libre), pero percibo cierta tendencia a lo contrario en varios sitios. Y no, Dragon Ball Z no era ninguna obra maestra. Tampoco lo es Dragon Ball Super, claro está. Es altamente probable que en muchos casos nos estemos dejando llevar por la nostalgia, y es que un niño de unos 10 años no piensa en si Goku está mejor o peor animado, o en que la narrativa es más lenta que mi tortuga de río. Y siendo sinceros, los dibujos de ahora los hacen con un ritmo mucho más dinámico (a veces demasiado para una servidora, que los japoneses siempre han tenido un toque contemplativo, incluso en Dragon Ball, que me hace mucho tilín) que los de antaño. Es propio de la época en la que vivimos, rodeados de aparatos electrónicos y redes sociales. Todo es instantáneo.
Con esta introducción (que no tiene mucho que ver con el capítulo 51, todo sea dicho) quería aprovechar y desahogarme con esta división de opiniones (que llegan a los ataques personales, de uno y otro bando) que tanto se está dejando ver por la red. Y lo ha escrito alguien que no pudo terminar de ver las tres primeras sagas de Dragon Ball Super (las películas me parecieron que al menos estaban mejor animadas). Al menos esta cuarta me está resultando entretenida, que ya es algo.
Yendo al capítulo 51, empecemos por su argumento, que está acaparado especialmente por flashbacks (algunos sacados directamente de Dragon Ball Z, precisamente). Para quien no lo haya visto, habrá SPOILERS:
Tal como nos dejó el episodio 50, Bulma había recordado que tenía guardada en alguna parte la máquina del tiempo en la que había llegado Cell. La primera parte del 51 la han utilizado para explicar cómo el dichoso aparato llegó hasta las manos de Bulma, quien se la había pedido a Trunks del futuro (o Mirai Trunks) antes de que éste regresara a su tiempo en la ocasión anterior. Justo tras la explicación aparecen los padres de Bulma, que se encontraban de viaje en alguna parte. El doctor Brief, viendo el panorama, se decide a colaborar con su hija para poder arreglar la máquina de Cell (que, recordemos, estaba en un estado bastante cochambroso). Vegeta y Goku, por su parte, deciden irse a entrenar (cada uno por su cuenta, ya que Vegeta parece estar cabreado por algún motivo… o, bueno, él simplemente es así la mayoría de las veces). Mientras tanto, Mirai Trunks termina de reconocer a la (nuevamente) pequeña Mai, y ambos comparten un momento (junto con el Trunks del presente) en el que el ahora peliazul le cuenta a la muchacha cómo ambos (en su versión mayor, en el futuro) peleaban contra Black. Aquí la Mai del futuro es presentada como una especie de Sarah Connor (Terminator), líder de algunos movimientos de humanos supervivientes que osan plantarle cara a la nueva gran amenaza. Evidentemente, no logran hacerle ningún daño a Black, y en estas llega Mirai Trunks al rescate. Entonces Black le explica que él se encuentra allí para acabar con la humanidad, a la que ve como una especie de creación errónea de los dioses. El hijo de Vegeta tampoco logra plantarle cara al misterioso ser, y termina huyendo con la ayuda de Mai. Terminado el flashback, re aparece Goku, ya que Kaio del Norte aún se encuentra enfadado con él por los últimos destrozos realizados a su planeta/hogar, y se niega a ayudarlo a entrenar y a darle de comer. Al final, entre unas cosas y otras, Bills y Whis comentan sobre el extraño ki oscuro de Black, ya que a ambos les resulta familiar. Whis se compromete a ponerse a investigar sobre ello.
Como vemos, capítulo de flashbacks y que se supone de presentación de temáticas potentes que vendrán en los próximos episodios (el siguiente será de un reencuentro entre Gohan del presente y Trunks del futuro, por lo que suponemos que seguirá en la línea del 51 y se centrará más en las interacciones de los personajes). Lo mejor, como siempre, Black, al que curiosamente se empeñan en animar mejor que al propio Goku en cada episodio. En esta ocasión se nos sigue revelando más sobre su existencia, en este caso sobre sus objetivos, que parecen estar relacionados con los dioses. Poco a poco, parece irse confirmando la teoría de que Black probablemente sea un kaio shin renegado (¿Zamasu? a quien por cierto veremos en el próximo capítulo). Y poco más sobre él, aparte de una mirada de lo más inquietante a Mai (el rostro mejor animado de todo el capítulo, sin duda).
Pasando a otros personajes, en este capítulo cabría destacar el papel de Bills y Whis. Por suerte, han dejado de lado su vena cómica (aunque Bills presenta uno de los mejores gifs/momentos con pajita incluida) y han decidido ponerse serios con el tema que los ocupa. Por lo tanto, su intervención en este nuevo arco argumental (que, al parecer, tomará una vertiente de thriller o misterio) comienza a estar justificada, lo que es de agradecer.
No sucede lo mismo con la banda de Pilaf, lamentablemente. Evidentemente, Mai sí tiene un papel importante debido a su relación con Trunks del futuro (¿madre de posible nueva generación de saiyans?), pero Shuu y, especialmente, Pilaf, sobran en casi todos los momentos en los que intervienen. Es aquí, quizás, cuando más se nota que Dragon Ball Super está dirigido a un público infantil, más aún de lo que lo estaban Dragon Ball y Dragon Ball Z.
En cuanto a la animación… pues sigue con los mismos altibajos. En general, en este capítulo ha sido bastante mediocre, notándose especialmente en comparación con los flashbacks de Dragon Ball Z, los que por cierto han decidido convenientemente poner en blanco y negro para que no percibamos el antiguo color lila del pelo de Mirai Trunks. Son estas cosas de Toei las que sí pueden llegar a resultar más molestas para el fan promedio, ya que ha resultado ser un cambio sacado de la nada y sin explicación alguna, intentando hacerlo parecer como que siempre fue así. Bueno, al menos el Trunks niño sí sigue con el pelo morado (lo que desconcierta aún más).
Para el próximo episodio, como ya adelantábamos, se espera reencuentro entre Son Gohan y Mirai Trunks, con flashbacks de Gohan del futuro incluidos. Por cierto, será mejor no esperar nada épico del Gohan del presente (al menos de momento), ya que lo que se ha podido ver hasta ahora del episodio 52 lo muestra especialmente como un hombre de familia. MUY intrigados con la figura de Zamasu y su relación con Black, eso sí.
Con la salida del último número de la revista Newtype en Japón nos han llegado los resúmenes y títulos de los capítulos de Dragon Ball Super que se emitirán en julio. Vamos con ello (gracias a @Herms98 en twitter por la traducción del japonés al inglés… y ah, SPOILERS para quien quiera mantener la sorpresa):
Capítulo 51: Sentimientos que trascienden el tiempo: Trunks y Mai. 10 de julio. Goku Black, cuya imagen es como la de Goku y que amenaza con destruir la Tierra del futuro, apareció en el presente vía las distorsiones (espacio-temporales, se entiende). Justo antes de de que Black sea devuelto al futuro por el mismo agujero temporal, éste destruye la máquina del tiempo en la que había llegado Trunks del futuro. Sin embargo, Bulma tenía guardada la máquina del tiempo de Cell dentro de una cápsula. Goku y los demás resuelven reparar la máquina del tiempo e ir detrás de Black al futuro.
La verdad, desconocemos porqué el resumen del episodio 51 parece más del 50, pero en cualquier caso (y por suerte) saldremos de duda en unos días. Por lo que sabemos del 51, se tratará de un episodio de flashbacks, ya que Trunks del futuro contará a los demás cómo conoció a Mai y juntos se enfrentaron a Black.
Fan art de Kazuharuhina
Capítulo 52: Maestro y alumno se reúnen: Son Gohan y Trunks del futuro. 17 de julio. Bulma se apresura a reparar la máquina del tiempo y comprender su energía. Mientras tanto, Trunks del futuro acude a hacerle una visita a Gohan, quien había sido su maestro en su línea temporal. Sin embargo, Trunks se desconcierte al encontrar que el Gohan que aparece ante él es totalmente distinto de aquel que conocía.
Parece que este será más un capítulo de transición, pero con desarrollo de personajes y que parece prometer buenas (o, al menos, interesantes) interactuaciones. En nuestra opinión, Gohan es el personaje que más ha sufrido el salto de Dragon Ball Z a Super (sucedió más o menos lo mismo en Dragon Ball GT), así que puede resultar algo prometedor (aunque mejor no elevar mucho las expectativas, que hay probabilidades de que el primogénito de Goku siga siendo un personaje casi irrelevante). En cuanto a Trunks, el resumen no especifica qué tipo de sentimientos despierta en él ver a este «nuevo» Gohan: quizás se emocione al ver que al fin su antiguo maestro ha podido llevar una vida tranquila y formar una familia; o se decepcione al comprobar que ha dejado de entrenar y que ahora mismo hasta Piccolo lo supera. Veremos.
Capítulo 53: Se revela la verdadera identidad de Black! Ahora, hacia el reino de los Kaioshin del Universo 10! 31 de julio (el 24 no hay episodio). Tras darse cuenta de que Black posee el mismo ki que Zamasu, el kaioshin aprendiz del Universo 10, el dios de la destrucción Bills, junto a su asistente Whis y con Goku, se dirigen hacia el Universo 10. Con el objetivo de comprobar su ki, Goku le reta a Zamasu (quien desconfía de la humanidad) a una batalla, pero…
En este episodio parece confirmarse que Black es en realidad el kaioshin Zamasu, que de alguna forma habría poseído el cuerpo de Goku en una realidad alternativa. De todos modos, no parece que vaya a ponérselo fácil a Goku y compañía…
Capítulo 54: El heredero de la sangre saiyan: La resolución de Trunks. 7 de agosto. A pesar de que saben que Black y Zamasu poseen un ki extraordinariamente similar, son incapaces de obtener alguna prueba que demuestre que ambos son la misma persona. Mientras tanto, Vegeta le dice a Trunks del futuro: «Voy a entrenarte».
Las cosas van poniéndose interesantes. Y no solo por la revelación de Zamasu (que también), sino por comprobar que Trunks del futuro no va a quedar relegado a un segundo plano, sino que va a formar una parte activa (al menos en principio) dentro de toda la trama. ¿Quizás hasta pueda alcanzar el nivel de super saiyan dios? Nosotros nos conformamos con que Dragon Ball Super no se limite a ser «el show de Goku y Vegeta«.
Esta semana en Japoneando Anime os traemos el shônen de los shônen, al superhéroe de los superhéroes, al único e irrepetible One-Punch Man (más conocido quizás como Saitama o Calvo con Capa). Para los no iniciados, One-Punch Man es un manga con guión del artista One y dibujo de Yusuke Murata (Eyeshield 21) cuyo origen se encuentra en el formato web cómic (es decir, viñetas o tiras autoconclusivas publicadas exclusivamente en la red). Debido al éxito que tuvo, el mencionado dibujante contactó con One para crear un manga como Saitama manda, y así surgió la serie tal como la conocemos hoy en día. La adaptación al anime no se hizo esperar, y ésta llegó en forma de serie de 12 capítulos (más 6 especiales), de 25 minutos de duración cada uno. Debido a que el manga todavía se encuentra en publicación, es altamente probable que realicen más temporadas en un futuro (esperamos que no muy lejano).
¿De qué trata One-Punch Man? Saitama es un apático joven que en sus ratos libres se dedica a salvar el mundo (ficticio, aunque basado en el Japón actual), ya que éste se encuentra constantemente amenazado por monstruos de diversa índole. En su trayectoria se van cruzando otros héroes como Genos o Cyborg Demonio (quien, sorprendido ante su enorme fuerza, le suplica ser su aprendiz), Tatsumaki o Tornado del Terror, o Mummen Rider; y monstruos como el Rey del Mar/Sea King, Lord Boros o el Hombre-Cangrejo, entre otros. El reparto de personajes, todo sea dicho, no puede ser más variopinto (e hilarante).
El shônen (少年)
Muchos sabréis ya que el shônen es uno de los géneros dentro del manga y el anime más populares, tanto dentro como fuera del país nipón. Por si acaso, y para ir refrescando la memoria, empezaremos recordando que el shônen es aquel género del manga y del anime cuyo público mayoritario al que va destinado son niños mayores y adolescentes (masculinos, aunque en realidad puede verlo y disfrutarlo cualquiera). Algunas de sus características comunes son héroes con super poderes (ya sea una gran fuerza, o una poderosa magia, o algún tipo de mutación o condición ventajosa, etc.), personajes femeninos pechugones, mucha acción, dinamismo en las batallas (aunque en algunos casos éstas pueden verse alargadas hasta el infinito y más allá), exaltación del poder de la amistad (los ya famosos nakama) y uno o varios villanos carismáticos (que suelen asimismo entrar en el terreno del bishônen (美少年), es decir, «chico guapo»). Con todo esto en mente, seguro que los que halláis visto animes como Dragon Ball, One Piece, Naruto, Bleach, Saint Seiya o Rurôni Kenshin ya los habréis identificado como shônen.
One-Punch Man es claramente un shônen… tanto, que se encarga en realidad de parodiar a todos ellos. Echemos un vistazo a Saitama, por ejemplo. A simple vista, es lo contrario de un héroe shônen: apático, calvo, mirada perdida, traje estrafalario, etc. Sin embargo, en cuanto despliega su inmensa fuerza no tiene rival. Tanto, que los enemigos tan solo le duran un puñetazo… para pesar de Saitama, que no encuentra ningún tipo de estímulo ni motivación en lo que hace, ya que no encuentra rival a su altura. Los villanos, a su vez, son presentados como seres terribles a los que no le frena nada ni nadie. De hecho, uno de los grandes alicientes de One-Punch Man es la creación de un ambiente cargado de tensión en cuanto aparece un nuevo villano. Muy similar a lo que hacen los shônen, éstos son presentados como seres muy poderosos y sádicos. Sin embargo, en cuanto aparece Saitama, con un puñetazo ya está todo arreglado. Es una forma de reírse de las típicas batallas en los shônen, que como mencionábamos antes se prolongan hasta lo indecible para al final acabar ganando el héroe, que en el fondo es lo que todos sabíamos desde el principio que iba a pasar (en serio, ¿alguien se espera que en Dragon Ball Goku y los Guerreros Z pierdan, acaben muertos y con todo destruido?).
Sucede algo similar cuando al fin Saitama revela el secreto de su fuerza: su GRAN entrenamiento consistía en correr 10 kilómetros todos los días, durante 3 años, hacer 100 sentadillas, 100 flexiones y 100 abdominales también a diario, comer 3 veces al día (desayunando solo un plátano), y no utilizar nunca ni aire acondicionado ni calefacción. Como vemos, nada del otro mundo (para quien esté metido en asuntos de gimnasio). Sin embargo, por algún extraño motivo, al protagonista de One-Punch Man le ha funcionado hasta el punto de no poder hallar rival. Esto es asimismo una parodia de los típicos «entrenamientos» que siguen los héroes en los shônen, tras los cuales y por lo general reaparecen con su poder aumentado de tal forma que ya pueden derrotar a todos los villanos. Pero ojo, esto solo les sucede sistemáticamente y por norma a los protagonistas. No esperéis lo mismo de los personajes secundarios o ayudantes; aunque sigan exactamente ese mismo entrenamiento.
Los mechas, monstruos y demás bestialidades
Otros de los géneros (o sub-géneros) más conocidos dentro del mundo del anime y el manga (decimos lo de «sub» porque suelen ir vinculados a los shônen) son los mechas y los kaijus (怪獣). También tenemos bastante de ellos en One-Punch Man. Especialmente de éstos últimos, ya que todos los enemigos (o la absoluta mayoría) con los que va topándose Saitama son monstruos. En cuanto a los mechas (cuyo término proviene de mechanical), hace referencia a los robots gigantes… que suelen ser los que se enfrentan a los monstruos. Pensemos en este sentido en Evangelion o en Mazinger Z. En One-Punch Man no hay mechas en sí, en formato mastodóntico, pero el propio Genos sí es un robot (a secas), que planta cara muy efectivamente a las amenazas.
Toda esta fijación que hay en Japón por las cosas enormes y muy destructivas tiene una explicación, que son las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki. Como muchos sabrán, antes de finalizar la guerra, Estados Unidos lanzó en pleno verano del año 1945 dos bombas nucleares sobre el país nipón (ambos eran enemigos declarados, obviamente). Ambas cayeron sobre población civil (tanto Hiroshima como Nagasaki eran -y son- dos centros urbanos de un considerable tamaño) y acabaron con la vida de numerosas víctimas, ya que no solo el momento de la explosión causó (evidentes) pérdidas, sino también los efectos secundarios a posteriori, causados por la radiación, que provocaron elevados (y mortales) casos de cáncer, entre otros.
Se piensa que el impacto de las bombas atómicas sobre Japón fue tal, que no solo causó la rendición inmediata del país (y con ello la victoria para los EEUU), sino a su vez numerosos ejemplos de imaginarios colectivos plasmados en medios audiovisuales. Es el caso de Godzilla, archiconocido monstruo con forma de lagarto gigante y que destruye todo a su paso. Godzilla es una amenaza desconocida que aparece repentinamente desde el mar (es decir, viene de fuera) y que arrasa con todo a su paso. Nos suena, ¿verdad? Además, la primera película de Godzilla fue estrenada en el año 1954, solo nueve después de la explosión de las bombas.
Primera película de Godzilla
Explosión de la bomba atómica en Hiroshima
Varios animes y mangas muestran grandes explosiones. En el caso de Akira, otra bomba nuclear arrasa con Tokio
Conclusión
One-Punch Man resulta un manga y anime de lo más ameno y caricaturesco, con una historia versión shônen que se ríe del resto de los shônen. Algunos podrían pensar que entonces sería algo similar a One Piece… pero, en realidad, One Piece es un shônen de humor con momentos dramáticos (y, no lo olvidemos, el poder de los nakama).. One-Punch Man nunca llega a tomarse a sí misma totalmente en serio, a pesar de lo tensa que pueda volverse la atmósfera. Es aparecer Saitama y todo ello se esfuma. Goku y Luffy pierden o lo tienen complicado alguna vez, al menos.
Todo esto no significa que no pueda disfrutarse igualmente One-Punch Man, pero convendría tener en consideración su carácter paródico. Por lo demás, una animación fluida y una banda sonora potente hacen el resto. Nada más escuchar el pegadizo opening cantado por (entre otros) Hironobu Kageyama (sí, el mismo que canta el Cha la head cha la original) ya sabes que viene algo épico. Y MUY DIVERTIDO.
Solo faltan unos días en Japón para el estreno de la película Final Fantasy XV: Kingsglaive (concretamente, el 9 de julio), y ayer ya fue el preestreno en dicho país. Por ello, es normal que empiecen los bombardeos de anuncios en televisión y entrevistas al equipo. En algunos casos, estas escenas pueden contener SPOILERS (sobre todo si se quiere llegar al cine sin saber casi nada de la cinta), como es el caso que nos ocupa, por una simple observación:
Parece que le vemos la cara al misterioso hombre encapuchado que aparecía ya en los trailers de Versus XIII. Este hombre, cuyo nombre es Ravus Nox Fleuret, es natural de Tenebrae, y al compartir lugar de origen y apellidos con Luna, podemos suponer que se trata de su hermano (o primo). Este clip pertenecería entonces al inicio de la película, que cuenta la invasión de Niflheim a Tenebrae, donde casualmente se encontraba Noctis de niño curándose de unas heridas. Ante la invasión, Regis llega para llevarse urgentemente a su hijo, que se encuentra acompañado de Luna. Por algún motivo, la chica al final no puede ir con ellos, permaneciendo en Tenebrae. Mientras tanto, un joven Ravus observa como el ejército de Niflheim asesina a su madre, jurando venganza…
ACTUALIZADO: Ravus Nox Fleuret también aparece de adulto y a cara descubierta en el último número de la revista japonesa Famitsu.
Hoy ha sido el preestreno de la película de Final FantasyXV: Kingsglaive, y los comentarios por la red no se han hecho esperar (SIN SPOILERS). Por suerte, la absoluta mayoría ha salido bastante encantada con la cinta, de la que resaltan especialmente la calidad de su CGI (con grandes escenas de acción), el carisma de los personajes y la emotiva historia. Para muestra:
«Lágrimas. Lloré un montón. Creo que toda la sala estaba llorando al final. También hubo algunos sollozos hacia la mitad. Me pregunto si Noctis entiende el enorme legado que ha heredado»
«Gané las entradas, pero era mucho mejor de lo esperado. Iré a verla de nuevo»
«Un trabajo gigantesco, en serio. Algo inesperado en algunos aspectos, pero en el buen sentido»
«¡Increíble! Tener que esperar hasta septiembre para jugar el juego me deprime»
«Preciosa película, aunque las escenas de acción iban a veces tan rápido que eran difíciles de seguir (lol). Ojalá la seiyuu de la heroína fuese un poco más expresiva»
«Fantástica, quizás vuelva a verla en el cine. La historia parecía formar parte de un relato gigantesco. No sabía nada sobre ella antes de ir a verla y pude enterarme de la película sin problemas»
«Luna es una heroína realmente valiente y audaz. No del tipo enojada que grita, pero muy atrevida. Veredicto final: ¡por qué no es ya 30 de septiembre!»
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"El proyecto de Versus/XV quizás tenga una historia turbulenta, peroKingsglaive definitivamente cumple. Ahora estoy realmente interesado en la historia»
«Aparte del CGI (todos sabíamos que sería alucinante), me impresionaron el ritmo y la composición. Incluso el prólogo por sí solo parecía un relato completo. La historia además no se sobrecarga y hay un balance soberbio entre acción y silencio. Mi única crítica es que, considerando lo realista y horrible que es la historia, debería haber sido más sangrienta. Realmente recomiendo verla antes que jugar al juego, porque aquellos que conozcan solo la demo quizás no perciban lo verdaderamente oscura que es la historia.»
«Enormemente recomendada, en serio. Las anteriores películas de Final Fantasy parecían telenovelas y melodramas, pero Kingsglaive es muy distinta. Parecía más occidental. A aquellos que les guste la acción y las historias más centradas en la fuerza de voluntad, la persistencia y el orgullo definitivamente deberían verla.»
«Simplemente fantástica. La animación, la música, el impacto, todo. Me preocupaban los seiyuus, pero hacen un trabajo excelente.»
«He estado esperando desde el anunciamiento de Versus y sí, lo ha logrado. Muy emotiva y la historia me redujo a lágrimas. Nyx es un gran personaje y realmente llegas a sentir la cantidad de esperanza y desesperación que resta sobre los hombros de Noctis. «Todo por el futuro rey», de hecho.»
«Demasiado maravillosa. Mundo y efectos increíblemente bonitos, las escenas de amanecer en particular. La banda sonora es muy potente y dinámica, además de bonita. Me pasé todos los créditos llorando. La banda sonora me provocaba constantes nudos en la garganta, pero el momento álgido fue probablemente la escena de la fiesta, acompañada por la hipnótica Somnus. Para aquellos que hayan estado esperando desde los tiempos de Versus, les golpeará como un camión (?).»
Katsuhiro Harada, productor de la famosa saga de videojuegos Tekken, también ha aportado su opinión sobre la película:
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"Aquellos que están pensando en comprarse Final Fantasy XV… tenéis que verla. Aquellos que no planeen comprárselo… lo haréis una vez hayáis visto la película. Respeta el pedigree de la franquicia, pero demonios, qué manera de pasar la batuta a la siguiente generación.
Pensar que Square Enix la ha hecho en casa me vuelve loco. ¿Cuánto habrán tardado en realizar cada segundo de la película? ¿Horas? ¿Docenas de horas?
Sí, los malos son un viejo molesto y un tipo raro. Realmente los odio ahora, pero considerando lo bien que fueron retratados, misión cumplida. Ya he jurado destruirlos totalmente en el juego.»
Además de todas estas opiniones, la revista CGWorld le dedica la portada y algunas páginas de su interior a la película de Takeshi Nozue. Realmente, no podemos esperar más para poder verla (y jugar al Final Fantasy XV).
Ya hace casi un mes de que salieran a la venta los dvd y blu-ray de Zootrópolis (Zootopia para algunas partes del globo), la última gran producción de Disney Pixar (con permiso de Dory, que es de la parte Pixar del dúo). Tras la buena acogida que tuvo tanto en taquilla como en crítica, el público se encontraba ansioso por poner sus pezuñas en las versiones de vídeo doméstico, con todos los extras que éstos suelen incluir (más en el blu-ray que en el dvd, por lo general).
Para quien aún no haya acudido a ver Zootrópolis (¡sacrílego!), avisamos que habrá SPOILERS, ya que hablaremos de las escenas eliminadas que han ido saliendo entre todo este material extra. Acordes con la calidad del producto, por cierto. Por lo que todo fan de Zootrópolis echarles un vistazo.
Versión alternativa de la escena del polo
Cuando Judy ve a Nick por primera vez, éste se encuentra en una heladería para grandes herbívoros con Finnick haciéndose pasar por su hijo disfrazado de elefante. En la versión final, ante la negativa del dependiente de venderle algo a Nick (y a su «hijo»), Judy lo amenazaba con avisar a defensa del consumidor (o su equivalente en Zootrópolis) de que en ese lugar servían helados sin ponerse protección en las trompas (algo totalmente antihigiénico), a lo que el vendedor accedía a atender a Nick. En esta versión anterior, es Nick el que se encarga de vender una tierna historia de un padre con su hijo adoptivo que quiere ser (sin mucho éxito) un elefante. Se ahonda más en el supuesto dramatismo y se muestra más las diferencias entre especies dentro de Zootrópolis (el equivalente a la xenofobia). Es el dependiente mismo el que se enternece y decide atender a Nick, por lo que Judy no interviene (totalmente conmovida) hasta más adelante.
Escena introductoria alternativa
Como sabemos, Zootrópolis comienza con una obra de teatro escolar, en la que Judy hace como que es atacada (y asesinada) por un carnívoro. A continuación, los niños explican que en la actualidad presas y depredadores conviven juntos y en armonía, y cada uno de ellos expresa su deseo de ser algo de mayores (en el caso de Judy, una policía). Pero no siempre fue así. En una versión anterior, la película daba comienzo con la misma obra teatral, pero los niños ya viven en Zootrópolis (en la versión final Judy proviene de Madrigueras) y eran otros los que fingían la caza/asesinato (algo más gore en esta versión). Luego ya entrarían Judy y otros niños en escena. Las principales diferencias (aparte de las ya mencionadas) radican en la aparición de una profesora armadillo y de un policía tigre hacia al final, que felicita a Judy y le dice aquello de «en Zootrópolis puedes ser lo que quieras» (que a su vez y años más tarde ella se lo diría a Finnick).
El primer (y horrible) día de Judy
Como sabemos, Judy finaliza su primer día como vigilante de parquímetros bastante decepcionada. No sólo porque el departamento de la policía de Zootrçopolis no era lo que esperaba, sino también por la enorme cantidad de prejuicios y hostilidades con los que se topa en la gran ciudad. Cuando llega a su apartamento recibe una llamada de sus padres. En la versión final aparecían solamente éstos, pero anteriormente se pensó en mostrar asimismo a algunos de sus hermanos y hasta a sus abuelos.
En una versión anterior, había una trama añadida que se centraba en la colocación de collares que lanzan descargas eléctricas a los depredadores. Nick, como buen zorro que es, no se libraría de esta «metodología de domesticación», aunque soñara con ello…
El collar eléctrico y la fiesta
Relacionado con lo anterior, el mencionado collar de descargas eléctricas se regalaría entre los depredadores al alcanzar una edad, como una especie de regalo simbólico por «haberse hecho adultos». Esto es lo que ven Judy y Nick al colarse en una fiesta de cumpleaños de un osezno cuyo padre le regala este collar. Lo que al principio parece un momento feliz y lleno de orgullo se torna bastante dramático cuando el osezno (ya con el collar) percibe que no es tan bueno como inicialmente le parecía. Algo de lo que también se percata Judy, que se voltea a ver que Nick también lleva puesto uno de esos collares. Como es lógico pensar, al final se retiró esta trama de la película por considerarla demasiado «oscura».
«Wild Times» y su cierre
En otra de las tramas eliminadas de la película hallamos una especie de lugar de ocio y recreación para depredadores que crea y regenta Nick Wilde, llamado «Wild Times» (literalmente, «tiempos salvajes»). Este parque se encuentra relacionado con la escena eliminada (puesta más arriba) donde le quitan momentáneamente el collar eléctrico a Nick. Durante esos breves instante, Nick tiene un sueño/epifanía donde los depredadores corren y se divierten en libertad. De ahí surge «Wild Times«, lugar donde los depredadores podrán caminara sus anchas y divertirse sin tener que llevar el citado collar. Para eludir a las presas y a las autoridades, Nick disfraza el centro como si se tratase de un centro clínico, desde el cual se accedería al verdadero parque de atracciones. Al final, todo se descubre y acaban cerrando el lugar.
Judy se cuela en el despacho de un elefante
Durante su investigación para averiguar el paradero del señor Nutrianson, Judy se cuela en el despacho de un colega elefante para poder averiguar algunos datos. Más allá de lo curioso y divertido de la escena, lo cierto es que tampoco aporta mucho.
Judy presenta a Nick a sus padres
Para finalizar, una escena eliminada que hubiera hecho las delicias de los fans del NickxJudy (o el Wildehopps, como se conoce entre parte del fandom) es aquella donde ambos protagonistas llegan al apartamento de la conejita… para encontrarse con una visita sorpresa de los padres de ésta. Evidentemente, éstos se quedan shockeados al ver a Nick, y piensan que podría tratarse del novio de Judy. La coneja defiende a su amigo ante sus padres, diciendo que es un buen tipo y que a quien no le guste estar con él debería marcharse de su cuarto. En ese momento uno de los hermanos de Judy descubre su uniforme de vigilante de parquímetros, ante lo que el padre se enfada y amenaza con llevarse a Judy de regreso a Madrigueras (ya que no le parecía buena idea ni que fuera a Zootrópolis ni que se hiciera policía, algo que sí ha permanecido en la versión final). Entonces Nick sale en defensa de su amiga, diciéndoles a los padres más o menos lo mismo que le cuenta en la película definitiva al jefe Bogo (y, por cierto, le pregunta al padre de Judy si podría llamarlo «papá»). Al final, padres y hermanos se marchan dándole una segunda oportunidad a Judy. El vídeo puede verse por aquí.
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"El proyecto de Versus/XV quizás tenga una historia turbulenta, pero Kingsglaive definitivamente cumple. Ahora estoy realmente interesado en la historia»
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"Aquellos que están pensando en comprarse Final Fantasy XV… tenéis que verla. Aquellos que no planeen comprárselo… lo haréis una vez hayáis visto la película. Respeta el pedigree de la franquicia, pero demonios, qué manera de pasar la batuta a la siguiente generación.
