Las shipping wars en Final Fantasy: Parte II. Final Fantasy VII

Publicado el agosto 9, 2016agosto 9, 2016 por Ana Alonso

Como adelantábamos en nuestro repaso de la Parte I, Final Fantasy VII supuso el culmen en muchos elementos dentro de la emblemática saga de Square Enix (antes Squaresoft), y también lo fue en las llamadas shipping wars (guerras de parejas, para que nos entendamos). Las ilustraciones no son nuestras, más quisiéramos.

No era para menos: Cloud podía elegir según preferencias del jugador entre tener una cita con Aerith, Tifa, Yuffie o Barret. Para ello, te daban varias opciones a elegir en los diálogos con estos y otros personajes. Por ejemplo, cuando Cloud se reencuentra con Aerith en la iglesia y ésta le pregunta si se acuerda de ella, el jugador puede elegir entre la opción de «¡Claro!» y «Eras el borracho de la esquina» (algo así, estoy parafraseando). Y así, fueron surgiendo las diversas interpretaciones, debates y discusiones acaloradas. Porque… ¿de quien diablos era la mano del final? Y no es broma, esto supuso horas de discusiones en la red hasta que saliera Advent Children y dedicaran el mismo guiño, esta vez sí, claramente con Aerith.

Dejando de lado las opciones de Yuffie y Barret, que eran las más complicadas de obtener y que perseguían el recurso humorístico, solo nos quedan Aerith y Tifa como potenciales intereses amorosos de Cloud. Esto dio origen a que los fandoms de cada pareja recibieran los nombres de Clerith y Cloti. Pero, ¿por qué sigue tan incendiado el debate, aún en la actualidad (casi 20 años más tarde)? ¿Qué suponen una y otra pareja a nivel narrativa y para las preferencias de los jugadores? Vamos a verlo.

Cloud y Aerith, Clerith, el reflejo del «amor imposible»

Ojo, que lo de «amor imposible» (o «amor que nunca será») no lo decimos nosotros, sino un anuncio del Final Fantasy VII original allá por 1997. Incluso antes de que saliera el juego al mercado ya estaban preparando el terreno.

Veamos, Cloud y Aerith, Aerith y Cloud. Claramente, Aerith es la representación de «la chica nueva que irrumpe como un torbellino» frente a Tifa, la amiga de la infancia «la vecina guapa con la que todo chico sueña». No es la única historia que ha usado este recurso: seguro que a muchos nos vienen a la mente series como Shigatsu wa kimi no uso (Your Lie In April). Aerith, con su presencia vivaracha y misteriosa, con sus enormes ojos verdes, parece encandilar a Cloud casi desde el principio (si creemos, al menos, la versión narrada en Dismantled (Kaitai Shinsho), cuya oficialidad es discutida todavía hoy en día por los fans, a pesar de que el libreto fuese publicado por Squaresoft). No es para menos, puesto que Aerith está hecha para eso, para encandilar. Sino, su muerte perdería buena parte de su efecto.

Y he aquí que viene el punto que más trunca la posible relación amorosa que pudieran establecer Cloud y Aerith: la muerte de la muchacha a poco más de la mitad del juego. Es cierto que uno de los principales temas de Final Fantasy VII es la vida, y así se refleja en la muerte y en cómo todo queda perdurando en el recuerdo. Aerith muere, pero Cloud y los demás siguen recordándola en varios momentos del juego y en Advent Children. Pero admitámoslo, establecer un romance con un fallecido es… ¿imposible? ¿contraproducente? ¿insano? Así que el encanto de esta relación yace en su imposibilidad, en su dramatismo de lo que «pudo ser» (sobre todo si hacemos caso a las predicciones de Cait Sith), en que perdure más allá de la muerte.

Otro punto que defienden a capa y espada los fans del Clerith es que Cloud parece mostrarse mucho más abierto (y afable) con Aerith que con el resto de personajes (incluyendo a Tifa). Es cierto que Cloud es un caos mental y de recuerdos confusos durante buena parte del juego, pero también lo es que sí, con Aerith se muestra más jovial (no por nada, la única escena en la que ríe durante todo el juego es con Aerith y en Advent Children se hace hincapié en su sonrisa cuando ve finalmente a su amiga fallecida). Por otro lado, ¿qué significa esto en el plano romántico? Puede que Cloud y Aerith tengan una química especial (en mi opinión, la tienen), pero también que Aerith tenga esa forma de ser que saca la parte más optimista de todos. No le pasa solo a Cloud, sino también a Tifa, por ejemplo. Ésta última, en cambio, es más tímida e introvertida, lo que no da lugar a que Cloud (otro tímido e introvertido) saque su lado más jocoso. Y no, no creemos que sea por los efectos de Zack. Cloud confunde sus recuerdos con los de Zack, pero las personalidades de ambos son totalmente diferentes a lo largo de todo el juego (Zack nunca se muestra tan borde como Cloud al principio, y un largo etcétera).

Así que, ¿qué más queda de Cloud y Aerith? Pues que las secuelas y spin offs de Final Fantasy VII también han puesto su granito de arena. Ya hemos mencionado a Advent Children, pero la florista también hace un cameo junto a Cloud en juegos de la compañía como Final Fantasy Tactics, la saga Kingdom Hearts (el primer Kingdom Hearts puede ser hasta revelador en este sentido), el Itadaki Street Special, Final Fantasy Record Keepers, etc.

Cloud y Tifa, Cloti, el amor que perdura en el tiempo

Como decíamos en el apartado anterior, mientras que Aerith es «la chica nueva que deja una enorme impresión», Tifa es «la amiga de la infancia», la que siempre está ahí de una forma u otra. En realidad, Tifa y Cloud no eran tan amigos de niños, pero lo cierto es que la chica es el principal vínculo del rubio con su pasado (punto muy importante en el juego y que lleva a una escena muy reveladora: la de la Corriente Vital).

Tifa no solo destaca por ser el nexo de unión entre Cloud y su pasado, sino por su absoluta devoción hacia el protagonista durante años y años (concretamente, desde que éste se fuera a Soldado). Algo que conmueve a un gran número de jugadores hasta el punto de haber convertido a Tifa en la favorita de muchos (admito que a mí, en cambio, este punto de la morena me echa bastante para atrás, lo cual demuestra lo mucho que plasmamos nuestras formas de ser y preferencias en todo lo que nos rodea). Cuando Tifa se pone seria, en cambio, y muestra ese lado más maduro y maternal, es cuando pienso que mejor sabe llevar y complementa a Cloud (que en ocasiones es un absoluto lío de inmadurez emocional). Por ejemplo, cuando le deja las cosas claras en Advent Children, o durante la susodicha escena de la Corriente Vital.

La otra gran baza para los Cloti es, básicamente, que Tifa es la chica que queda con vida. Y además ella, Cloud, Barret y Marlene se van a vivir juntos tras los acontecimientos de Final Fantasy VII (claro que esto a su vez puede jugar en contra de la pareja, puesto que Square Enix y su eterna ambigüedad nunca los llega a mostrar como claramente juntos, a pesar de la convivencia). Sin embargo, Cloud y Tifa son jóvenes, y tienen toda una vida por delante, por lo que la imaginación del fan tiene muchísimo más margen de movimiento que con el caso de Aerith. Además, no todos, pero sí muchos miembros del fandom de esta pareja son asimismo fans de Zack y Aerith, por lo que el final sería aparentemente feliz para todos. Es, por así decirlo, la versión «happy end», que no puede ocurrir con Cloud y Aerith (¿por qué creen que aún a día de hoy se sigue pidiendo la posibilidad de resucitar a la muchacha en algunas partes del fandom?).

En cuanto a Cloud y Tifa, la Compilation y juegos posteriores relacionados con Final Fantasy VII se han encargado de darles más protagonismo. Es el caso de Kingdom Hearts II, Crisis Core, Final Fantasy Dissidia 012, Final Fantasy VII G-Bike, etc.

Poco más que decir. En realidad, pueden leerse kilómetros de tinta sobre teorías sobre ambas parejas, o por qué una es más válida que la otra. No pretendíamos que ese fuera nuestro cometido (y también tenemos nuestros favoritos, como todos), sino realizar un resumen sobre cuáles son los puntos fuertes de una y de otra, o lo que más plasman los fans de ambas. Si somos sinceros, nosotros pensamos que cualquiera de las parejas puede darse dentro del juego, ya que dan opciones para que ocurra en ambos casos (muertes aparte, si nos ceñimos a los sentimientos de Cloud). El resto, final abierto mediante (y grandes dosis de sacar pasta por parte de Square Enix), lo dejan a la imaginación del jugador. Sí, es cierto que Cloud ha sido nombrado como «el amante (koibito) de Aerith» en una novela posterior escrita por Nojima, pero en cualquier caso Tifa también ha tenido y tiene otros puntos a su favor. Vamos, que una no invalida a la otra.

Trataremos más sobre Zack, Aerith y otras posibles parejas surgidas a raíz de la Compilation de Final Fantasy VII en la Parte III. Hasta dentro de dos semanas, jóvenes padawans.

Edición coleccionista de Final Fantasy XV: Kingsglaive y más novedades

Publicado el agosto 8, 2016agosto 8, 2016 por Ana Alonso

Acaba de finalizar un Active Time Report lanzado por Square Enix, centrado especialmente en la película de Final Fantasy XV: Kingsglaive, estrenada el 9 de julio en Japón y el próximo 19 de agosto en Estados Unidos (donde, al parecer, algunos afortunados podrán adquirir una postal dibujada para la ocasión con Nyx, Libertus y Crowe). También se ha confirmado que estará en algunos cines alemanes a partir del próximo 258, y que hay una premiere el futuro 15 de septiembre en los cines Le Grand Rex de París. La película, que cuenta en su versión en inglés con las voces de Lena Headey, Sean Bean y Aaron Paul, no parece que vaya a ser lanzada en carteleras de España (al menos de momento).

En esta ocasión, se ha revelado que la película contará con una edición coleccionista, al menos en Japón. Tendrá dos versiones: una con videojuego de Final Fantasy XV incluido y otra sin él (la primera costará unos 178 euros y la otra unos 86 en Amazon Japan). En cualquier caso, ambos formatos traerán la edición blu-ray de Kingsglaive con contenido adicional como entrevistas y making off, la edición blu-ray del anime Brotherhood con más de 98 minutos de contenido extra (que incluirá, entre otros, el primer encuentro entre Noctis y Luna) y un libro de arte. Todo irá guardado en una preciosa caja para la ocasión.

Se ha confirmado asimismo que la banda sonora de Kingsglaive estará disponible a partir del 7 de septiembre. No irá incluida en ninguna de las ediciones de la película (al menos hasta la fecha).

Además, aunque no han querido adelantar más detalles, han anunciado que Kingsglaive se emitirá en versión 4D en un futuro cercano.

Por lo demás, la versión digital de la película será lanzada el día 30 de agosto a nivel mundial, con audios japonés e inglés. Han avisado de los canales por lo que podrá obtenerse la cinta, a continuación:

Asimismo, y para poner la guinda en el pastel, han advertido de que habrá una emisión especial de Kingsglaive (se desconoce cuándo, y al parecer será solo en televisiones de Japón), que tendrá contenido adicional de hasta 22 minutos.

Eso es todo por ahora, al menos hasta el 28 de agosto, que será cuando lancen otro Active Time Report contando toda la información del Universo Final Fantasy XV recopilada durante la Gamescom (que se celebrará los próximos días 18 a 21 de agosto).

¿Tiene Escuadrón Suicida posibilidades de convertirse en una película de culto?

Publicado el agosto 7, 2016agosto 7, 2016 por José María Garate

NOTA: Antes que nada, no, no vamos a afirmar que Escuadrón Suicida (Suicide Squad) sea una película de culto, ni tampoco vamos a intentar justificarlo (ni todo lo contrario). Mucho menos cuando solo lleva tres días en cartelera. Sin embargo, vamos a intentar hacer un ejercicio adivinatorio y algo pensante cobre por qué QUIZÁS, y solo QUIZÁS, dados algunos síntomas iniciales, Escuadrón Suicida PODRÍA llegar a ser tratada, con el tiempo, como una película de culto.

En la Wikipedia, ese gran templo de sabiduría, se define a las películas de culto como lo siguiente:

Las películas de culto adquieren tal estatus debido a la respuesta positiva que reciben por una parte significativa, pero limitada, de la audiencia o de la crítica a causa de su trama, su original estética, su anómala estructura narrativa o su especial relevancia en el contexto de la historia del cine.

(…) Grosso modo, y en un sentido estricto, puede afirmarse que una película alcanza el estatus de película de culto cuando es capaz de producir admiración y reconocimiento en un grupo de espectadores o críticos lo suficientemente amplio como para asegurar su continuidad como pieza cinematográfica significativa, pero demasiado limitado como para catapultar la obra al reconocimiento general.

Varios ejemplos de cintas de culto son: Blade Runner, The Terminator, Depredador, The Rocky Horror Picture Show, Donnie Darko, El club de la lucha, Dentro del laberinto, The Warriors, y un largo etcétera. Quizás hayáis visto una, varias, o todas las mencionadas, pero por poner un elemento común a todas: no fueron, inicialmente, bien recibidas por la crítica especializada (el estreno de Donnie Darko de hecho fue bastante limitado debido a que coincidió con el ataque a las Torres Gemelas). También puede suceder lo contrario: que una película sea inicialmente bien recibida por la crítica, pero no por el público, hasta que con el paso del tiempo ésta va quedando establecida por unos y por otros como de culto.

¿Qué elementos reúne Escuadrón Suicida como para poder llegar a ser considerada dentro de semejante grupo? Pues veamos…

Recepción inicial por crítica y público

Sobre todo en medios norteamericanos. Una vez retirado el embargo, empezaron a aflorar críticas que ponían a la cinta de David Ayer terriblemente mal. Desde asegurar que, si odiabas a alguien, lo mejor era regalarle un pase para ver Escuadrón Suicida; hasta asegurar que era aún peor que la última de Los 4 fantásticos o Linterna Verde. Otras, en cambio, le dan un aprobado pero sin llegar a considerarla ninguna obra maestra (que no lo es).

Pongamos ahora por ejemplo algunas de las críticas recibidas por Blade Runner al poco de estrenarse. La cinta de Ridley Scott fue tachada de lenta, aburrida y carente de desarrollo en cuanto a los personajes. Incluso llegaron a tacharla de «ciencia ficción pornográfica». Otros, por el contrario, se limitaron a aventurar su trascendencia en el tiempo, y acertaron.

¿Qué es lo que sí está teniendo Escuadrón Suicida? Era de esperarse, pero una gran acogida por parte del público. Hasta el momento, lleva recaudados 267 millones de dólares en taquilla, lo que la ha convertido en el mejor estreno en un mes de agosto y en el tercer mejor estreno de lo que llevamos de año. Las opiniones por parte de los fans varían, y hay quienes la tachan de basura frente a otros que aseguran que es una obra maestra. En medio, otros quienes la ven como un mero entretenimiento con algunos fallos (alguno bochornoso). En definitiva: la polémica está servida.

Y esa es una de las bases para una película de culto: la polémica. Porque no todos estaban de acuerdo en que The Warriors fuese una película que pasase a la posteridad aún varias décadas después de su estreno (en 1979). Algunos incluso se avergonzarían al ver Dentro del laberinto en cines allá por el año 1986. Otros directamente se pegarían una buena siesta con Blade Runner (admitámoslo, no tiene el ritmo más trepidante). Sin embargo, hay una parte bastante representativa del público que ha visto estas películas que las han defendido a capa y espada, como si les fuese la vida en ello, y ellos son en cierta forma los transmisores del legado. Si un porcentaje de fans tan representativo y tan ruidoso como el que parece estar teniendo Escuadrón Suicida continuase de la misma forma por unos años, quizás podríamos estar hablando de una película de culto. Y no, no me refiero solo a fans de DC Cómics. Porque si se tratase solo de los fanboys y fangirls de esta editorial, entonces Batman v Superman también sería susceptible de ser una película de culto (y quién sabe…). Pero, para nosotros, ¿por qué Escuadrón Suicida sí tiene las papeletas y la cinta de Snyder no? Siguiente punto.

La estética, los personajes y la forma de contarlo

No, no vamos a atrevernos a asegurar que Escuadrón Suicida es la panacea de la innovación en el cine de superhéroes (o en el cine, a secas). No lo es. Su trama es hasta previsible y del montón, y el guión es de hecho uno de los puntos flojos de la película. Entonces, ¿qué?

La estética, la atmósfera, lo que rodea a Escuadrón Suicida. Primero, que no se toma a sí misma muy en serio (como sí lo hace, en demasía, Batman v Superman). Tampoco lo hace Deadpool, pero ahí va nuestro siguiente punto: en la estructura, Deadpool acaba siendo más del montón y hasta sucumbe ante el acto (anti)heroico (aunque egoísta, no basado en salvar a ningún grupo social) del protagonista. Tres cuartos de lo mismo sucede con Guardianes de la galaxia, con la que suele comparársela más. En este sentido, Marvel no toma prácticamente ningún riesgo y acude al entretenimiento fácil y asegurado (en lo cual, salvo pocas excepciones, son todo unos expertos, hay que decirlo). En cambio, el montaje mismo de Escuadrón Suicida es tan raro, tan forzado en ocasiones, que hasta acaba por darle una apariencia de película «extraña», aunque en el fondo no lo sea tanto (y esperemos a que haya una versión extendida, del director o algo).

Lo que nos deja a los personajes. Es la primera vez que se presenta en cine a personajes como Harley Quinn o Deadshot, además de a un nuevo Joker con la piel de Jared Leto (un actor ciertamente reconocido y con su particular legión de fans, ya sea por su labor en el mundo del cine o en el de la música, o ambos). Esto ha levantado no pocas expectativas entre el público, lo cual ha podido influir en cierta percepción de decepción que ha acompañado al estreno de la película. ¿Pero qué sucede cuando dejamos pasar el tiempo y el hype inicial ha vuelta a bajar o, simplemente, se ha auto regulado? Es ahí donde sabríamos si Escuadrón Suicida pasa la prueba o no: ¿la decepción ha sido por tratarse de una cinta horrorosa… o porque las expectativas estaban demasiado altas?

Profundizando en los personajes, es probablemente el punto más fuerte de Escuadrón Suicida (y de la trayectoria de su director, David Ayer): unos villanos (no confundir con antihéroes, otro punto que los aleja de Deadpool o Guardianes de la galaxia) que, obligados por una señora aún más cabrona, se ven envueltos en una misión para salvar… ¿el mundo? ¿Gotham? ¿la carrera interpretativa de Cara Delevigne? Aunque tampoco se vea muy claro, no hace falta (en The Warriors un grupo de pandilleros marginales tenían como único objetivo poder regresar a casa sin morir en el intento, y en Dentro del laberinto no sabemos si al final Sarah está salvando a su hermano, alcanzando la madurez, o dejándose querer por Jareth). Es en parte ese aparente desorden (que mencionábamos asimismo junto con el montaje), que abre puertas a varias y dispares interpretaciones (y debates) entre los fans, lo que a veces da ese encanto a las películas de culto. Aquí, con Harley Quinn y Deadshot (los más destacados a lo largo de la cinta) no nos topamos con héroes oscuros y byronianos, sino con villanos y asesinos, que en algunos casos están como las maracas de Machín. Sí, es verdad que al final tienen un discurso pro-amistad muy bonito, pero lo cierto es que son los amigos más disfuncionales con los que puedes toparte. Algo similar ocurre con la relación amorosa entre Harley y el Joker, rebajada bastante en la película (si al Joker de la serie animada le dijeran de ir a rescatar a su chica, él probablemente… ¿se reiría en tu cara?). Sí, muy bonita, el Joker rescata a su novia, la extraña, tal… pero siguen siendo sumamente disfuncionales. ¿Cómo no serlo? Son villanos. Si el Joker empezara a mostrarse caritativo y solidario con los demás dejaría de ser el Joker y pasaría a ser considerado… no sé, el Jared Leto del sueño de Harley Quinn en la película que nos ocupa, por ejemplo.

Otro punto es la estética de los mismos personajes, la cual ha generado a su vez polémica. Sí, el Joker de Jared Leto parece sacado de una mala noche de Marilyn Manson, pero tiene su punto llamativo (y hasta explicativo: este Joker es un rey de la mafia ante todo, o eso es al menos lo que parecen haber querido transmitir). Harley parece una choni tras una mala borrachera y bailes de discoteca, pero, sexualización del personaje aparte, su estética es llamativa y, sobre todo, no desentona con la interpretación de Margot Robbie. ¿Qué apostamos a que en próximas convenciones la cosa se llena de Jokers y Harleys de Escuadrón Suicida?

El villano es tan bochornoso que hasta puede llegar a ser considerado de culto

Sí, no nos hemos vuelto locos. Pensemos en los Power Rangers, ¿quien no se acuerda de la serie televisiva? Pues eso. Que a veces algo llega a ser tan pero tan cutre… que pasa a ser considerado de culto. Y las risas que se echa uno con sus amigos, ¿qué?

En conclusión… solo el tiempo lo dirá, que es el principal factor para que una película se convierta en de culto. A pocos días de su estreno, sería irrisorio llamar a Escuadrón Suicida «de culto». De seguir con la férrea división de opiniones, más allá del típico Marvel contra DC y teorías conspirativas, y por los puntos comentados, Escuadrón Suicida PODRÍA llegar a ser considerada de culto por ese sector de fans que ven en ella poco menos que una obra maestra. Al fin y al cabo, a veces el cine no se trata de ser lo más perfecto técnicamente, ni de contar la mejor historia jamás plasmada en un guión, sino de levantar pasiones imperecederas.

P.D.: Con la banda sonora que tiene, suma puntos.

Dragon Ball Super 54: O cuando el relleno puede llegar a tener calidad

Publicado el agosto 7, 2016agosto 7, 2016 por Ana Alonso

Hoy se ha emitido el capítulo 54 de Dragon Ball Super, donde se nos prometía un entrenamiento de Vegeta a Trunks del futuro (o Mirai Trunks) y, por lo tanto, interesantes a intensas interacciones entre padre e hijo. Lamentablemente, el capítulo no ha sido lo que prometía, y de Vegeta y Trunkes hemos tenido los últimos cinco minutos del capítulo. Entre medias, un arranque de relleno muy flojo y, posteriormente, una interesante escena entre Zamasu y Gowasu que sirve para aumentar las dosis de misterio en torno a ambos kaioshin y la figura de Black.

Vayamos por partes, ¿qué ha pasado en el episodio 54 de Dragon Ball Super (ATENCIÓN, SPOILERS)? Pues bien, empezamos en la Capsule Corp y con un Mirai Trunks que se encuentra intentando imaginar ideas para poder derrotar a Black. Por mucho que se esfuerce, no haya ninguna, siendo el final siempre el mismo: Black derrotándolo. Mientras, Mai y Shuu lo contemplan con la primera embelesada e imaginándose en un futuro con el Trunks mayor. El Dr. Brief, Pilaf y Bulma, a su vez, ya ultiman los detalles para poder arrancar la máquina del tiempo, puesto que han logrado acumular suficiente combustible como para un viaje. En esos momentos regresan Goku, Bills y Whis, que le pasan el informe a Mirai Trunks: efectivamente, Zamasu y Black tienen un ki extremadamente similar. No obstante, no pueden afirmar que se trate de la misma persona. Goku cree que es probable que no lo sean, ya que el ki de Black transmitía mucha maldad, mientras que el de Zamasu no. Además, Zamasu no había reconocido a Goku al verlo. Bills se pregunta si acaso Black no será Zamasu en un futuro, después de que haya pasado algo que lo haya hecho actuar así.

Volviendo con los kaioshin, Gowasu se lamenta de que el té que prepara Zamasu ha dejado de saber tan bien como antes, simbolizando que algo anda mal en el interior de su aprendiz. Mientras tanto, observa a una nueva especie que ha surgido en el planeta Barbari. Dicha especie parece poseer inteligencia, sin embargo actúan de forma poco civilizada. Para saciar su curiosidad, Gowasu decide viajar varios siglos en el futuro para contemplar cómo han evolucionado los susodichos. Le pide a Zamasu que lo acompañe, contándole en el camino cómo van creándose los anillos que permiten viajar en el tiempo y que solo pueden usar los kaioshin (menciona que el último anillo surgió por la alteración temporal que creó Mirai Trunks al viajar al pasado para derrotar a los androides). Los dichos anillos permiten dar saltos siempre hacia el futuro, no al pasado, puesto que cambiar la historia está estrictamente prohibido. Llegan a Barbari y efectivamente contemplan cómo la especie ha desarrollado bases culturales, pero que sin embargo siguen peleándose y matándose entre ellos. En esas, Gowasu le ofrece a Zamasu un ascenso, ya que solo los kaioshin (no los aprendices) pueden viajar en el tiempo. Por ello, le da uno de sus pendientes, advirtiéndole que tenga cuidado al colocárselo, ya que si llevan cada uno en una oreja diferente, se fusionarían irremediablemente (y ninguno quiere eso). Ambos vuelven a su linea temporal con Zamasu maldiciendo la existencia de todos los mortales.

De vuelta a la Tierra, Vegeta ha decidido darle una sesión de entrenamiento a Mirai Trunks. Por ello, le muestra su transformación más poderosa: el super saiyan god blue (o super saiyan god super saiyan), ante la que Trunks piensa que no puede hacer nada. Vegeta lo anima diciéndole que será suficiente si logra golpearlo solo una vez. Entonces el hijo se transforma en super saiyan grado 3 (aquella versión ultra musculada que utilizó sin éxito contra Cell), pero para engañar al padre e intentar pillarlo por sorpresa. Vegeta empieza a pegarle una paliza a Trunks, hasta que éste último se lamenta diciendo que Goku y él serían suficiente para derrotar a Black, y que a él no lo necesitan para nada. Ante estas palabras, Vegeta se enfada y le suelta a Trunks que un verdadero portador de la sangre saiyan, y más si es su hijo, nunca se rinde ni se deja vencer por ningún adversario, sea el que sea. En esas llegan Goku y Bulma, quien se altera al contemplar la dureza con la que Vegeta está tratando a Trunks. Entonces el (ahora) peliazul pilla desprevenido a su padre y lo golpea, tumbándolo. Trunks le agradece a su padre la lección aprendida y que gracias a él haya vuelto a ganar confianza. Mientras tanto, en el planeta de Bills y Whis, aparece el dios todopoderoso Zeno, quien anuncia que quiere ver a Son Goku.

Como vemos, un capítulo mayoritariamente de transición, quitando el aspecto motivacional de Mirai Trunks y alguna explicación de Gowasu. La primera parte del episodio directamente sobraría y, realmente, las bromas de la banda de Pilaf hace tiempo que empezaron a resultar cansinas y cargantes. Harían mejor en mostrar cómo le va a la Mai del futuro, que desde el final del capítulo 50 (y la revelación de que estaba con vida) no hemos vuelto a saber nada de ella. Tiene que estar más asada que un pollo al spiedo.

Quitando, lo dicho, el arranque del episodio, lo cierto es que el resto no ha estado mal. La parte de Gowasu y Zamasu ha servido básicamente para aumentar la atmósfera de tensión que ya se había creado en el capítulo anterior. Efectivamente, parece que Gowasu sabe más de lo que ha dejado ver ante Whills y Bills, y la forma que tiene de dirigirse hacia su aprendiz y de revelarle ciertas cosas en determinados momentos, no hace sino aumentar la sospecha de que quizás él tenga más que ver con Black que el propio Zamasu. Éste último, en cambio, continúa siendo la opción más evidente, con su creciente odio hacia los mortales y su aparente inquietud emocional (a la cual Goku parece no darle excesiva importancia).

Los minutos dedicados a Trunks y Vegeta han resultado, quizás, lo más intenso del episodio. También lo más nostálgico, puesto que el nuevo entrenamiento se ha encontrado bastante respaldado por flashbacks y guiños a Dragon Ball Z: desde las transformaciones de Vegeta y Trunks (saga de Cell), hasta la apuesta de Vegeta de que Trunks llegue a golpearlo siquiera una vez (saga de Boo, cuando Vegeta y Trunks niño entrenan en la cápsula de gravedad). El clímax de este entrenamiento ha servido para motivar a Mirai Trunks y decidirse a superar tanto a Black como a su padre. Veamos si lo logra. De momento, va en camino de convertirse en el nuevo Gohan (ya que el original se encuentra dando conferencias en universidades y haciéndole moñerías a Pan).

En cuanto a la animación, ha mejorado en relación con los capítulos anteriores, pero sigue siendo regulera. Y podrían haber pensado en cortarle el pelo a Trunks en su transformación en super saiyan grado 3, en lugar de copiar tal cual su imagen de la saga de Cell (cuando llevaba el pelo largo). Parece que en el 55 sí vamos a tener animación de mayor calidad.

Poco más que comentar sobre el episodio, donde quizás lo mejor ha sido la reacción de Bills al encontrarse con Zeno. Ha sido realmente un capítulo de transición, de asentar bases para posibles futuras tramas. En el 55, y en el 56 y en el 57, parece que «la acción» va a estar especialmente centrada en Goku. Mientras no siga siendo una versión desmejorada de Luffy (One Piece), no tendré nada más que objetar. También nos presentarán a nuevos personajes, que parecen estar relacionados con el mundo de los dioses. Veremos qué tal. Por cierto, el capítulo 55 está fechado para emitirse el día 21 de agosto, por lo que la próxima semana no habrá Dragon Ball Super. Esperemos que se pase rápido.

Escuadrón Suicida: o cómo la crítica vuelve a cebarse (SIN SPOILERS)

Publicado el agosto 5, 2016agosto 7, 2016 por Ana Alonso

Quien no haya oído hablar de Escuadrón Suicida (Suicide Squad) durante los dos últimos días es que ha estado viviendo en una cueva (o disfrutando en la playa, lo cual también es probable y mucho más sano). Tras sus varios pases de prensa en los días anteriores, los críticos saltaron contra ella sin piedad (hoy por hoy lleva un 26% de críticas positivas en Rottentomatoes y un 41% en Metacritic). Sin embargo, la cinta de David Ayer está lejos de ser el despropósito que muchos han augurado (sin ir más lejos, la crítica de la revista Forbes aseguraba que era aún peor que la última aventura de Los 4 Fantásticos).

Por el principio: Escuadrón Suicida narra las desventuras de un grupo de peligrosos y psicopáticos reclusos del universo de DC Cómics. Entre ellos destacan Harley Quinn (interpretada por Margot Robbie) y Deadshot (Will Smith). Al frente de la cámara se encuentra el mencionado David Ayer (Fury, Street Kings), quien también hace las veces de guionista (en su haber como escritor se encuentra el libreto de Training Day). Entre el resto del reparto encontramos nombres como los de Viola Davis, Cara Delevigne, Jay Hernández, Jai Courtney, Joel Kinnaman… y, por supuesto, Jared Leto. Todo un reparto que no hacía más que presagiar un producto de calidad. Sumémosle una ingeniosa campaña de marketing donde se ha destacado especialmente al Joker de Leto, y las expectativas estaban ya situadas por las nubes. Nada más lejos de la realidad: el reparto cumple, sí, pero solo aquéllos que tienen tiempo para lucirse (Harley Quinn, Deadshot, Amanda Waller), y el Joker de Leto… está, sí, pero como punto de partida y apoyo al personaje de Harley Quinn. En realidad, es como debe ser, puesto que el Joker nunca fue un miembro propiamente dicho del Escuadrón en los cómics; pero la Warner sí ha arriesgado bastante dándole tanto protagonismo durante la promoción. ¿Resultado? Gente que esperaba encontrarse con una película titulada «El Joker, su novia y sus amigos«. Y no es así en absoluto.

¿Quiere decir esto que sea un mal aspecto de la película? Para nada. De hecho, Robbie y Smith son de lo mejorcito que hay por Escuadrón Suicida. Y Leto, para lo limitado que se encuentra (habría que ver todas esas escenas que, dicen, se eliminaron en el montaje), cumple. Su Joker no es tan histriónico como el de Nicholson, ni tan «genio» como el de Ledger (en nuestra opinión, el que sigue siendo mejor Joker hasta la fecha), pero sí muestra un aspecto más amenazante (también seductor) del príncipe del crimen. Recalco este último aspecto porque es lo que más se nos muestra de este Joker: que es un criminal, con todo su grupo de secuaces y que se mueve por el hampa de Gotham como por su casa. Nosotros al menos esperamos poder ver más de él en las futuras cintas de Batman que ya se están preparando junto con Ben Affleck (el cual, por cierto, también realiza agradecidos cameos). Se agradece, eso sí, que por una vez sea el personaje del Joker el que tenga que bailar al son de Harley Quinn, y no a la inversa (que es lo que suele suceder en el universo DC). Incluso se han rebajado bastante algunos aspectos abusivos de la relación amorosa entre ambos villanos que sí se han plasmado en los cómics y en la serie animada (sin que el Joker llegue a ser tampoco una hermana de la caridad).

En cuanto a la historia, es quizás donde más sufre Escuadrón Suicida: tras un potente primer acto, donde se nos presenta a todos los personajes y la situación general de una forma bastante llamativa (también en lo visual); se da un salto a un segundo acto que sigue manteniendo el tipo; para finalizar en un tercer acto que es una gran ida de olla, y no necesariamente en el buen sentido. Llama la atención el estilo narrativo, que, sin llegar a salirse de la línea planteada y segura, sí transmite en algunos momentos sensaciones de cierto desorden. Como si la narrativa quisiera liberarse y no pudiera (similar a lo que sucede con los protagonistas del Escuadrón). El final, como adelantábamos, es un conjunto de efectos visuales psicodélicos (la propia Harley hace mención a esto) y, en ocasiones, mareantes, para terminar en algunos sinsentidos del guión (y que no queremos mencionar para no hacer spoilers). Por ello, la que más sufre es el personaje interpretado por Cara Delevigne, totalmente desdibujado y que lo único que hace es tambalearse (literalmente), como si fuera alguna especie de miembro tribal.

Otro apartado a destacar de Escuadrón Suicida es su banda sonora, con temas realmente conocidos por todos y que resulta imposible no tararear o moverse en la butaca con ellos (Sympathy For The Devil, por ejemplo). Es comprensible que el sobreuso de estos temas pueda llegar a saturar a algún espectador. Admito que no ha sido mi caso, acostumbrada como estoy a los vídeos hechos por fans de cualquier serie, anime o película que se pueda venir a la mente.

En definitiva, Escuadrón Suicida, sin llegara ser una gran obra maestra, cumple. Al menos me entretuvo bastante más que Batman v Superman, con la que por cierto ha sufrido alguna (inevitable e injusta) comparación. Nada más lejos de la realidad: ambas cintas solo tienen en común el mismo universo cinematográfico de DC/Warner. El tono general y el ritmo del guión son mucho más trepidantes y vivos en la cinta que nos ocupa, alejándose de tramas pseudofilosóficas revestidas con grandes dosis de depresión. Y eso que en nuestra crítica nosotros defendimos (y bastante) a Batman v Superman. Ansiamos poder ver más de los personajes de Escuadrón Suicida (a nivel cinematográfico), especialmente de Harley Quinn, el Joker y Deadshot, en un futuro, esperemos, no muy lejano.

P.D.: Saliéndonos un poco de la crítica, queremos aprovechar para recordar que durante TODO EL FIN DE SEMANA, tendremos TODOS nuestros productos de Escuadrón Suicida rebajados a un 20%.

Mascotas: diversión y bonito pasatiempo

Publicado el agosto 4, 2016agosto 4, 2016 por Ana Alonso

Servidores hemos sido varios de los afortunados de haber podido asistir hoy a la premiere de Mascotas (The Secret Life Of Pets) y lo cierto es que, no sabemos si por el ambiente general en la sala (en su 75% niños), o por el buen rollo que desprende la cinta, lo hemos pasado como enanos.

Dirigida por Yarrow Cheney y Chris Renaud, quienes ya estuvieron al mando de las aventuras de cierto villano y sus minions; y con guión de Cinco Paul y Ken Daurio, otros veteranos de Illumination, parece que el planteamiento de principio a fin es hacerlo pasar bien. El punto de partida es sencillo y, por qué no decirlo, bastante cercano a una aventura de juguetes que todos conocemos: Max es un perro que vive tranquila y felizmente con su dueña Katie, hasta que irrumpe en sus vidas Duke, un enorme y peludo mestizo al que Katie acaba de adoptar. Celoso por la repentina irrupción de su nuevo «hermano», Max empezará a idear cómo podría deshacerse de él, o establecer quién de los dos es el macho alfa, hasta que se forma entre ambos una rivalidad con dramáticas consecuencias.

Como vemos, un argumento que no es nada del otro mundo. Sin embargo, el punto fuerte de Mascotas viene dado por su enérgico ritmo, que no decae, y unos carismáticos personajes con forma animal, desde el halcón Tiberius hasta el «adorable» conejito Pompón. Si bien la rivalidad entre Max y Duke contiene fuertes similitudes con aquella de un vaquero y un guardián espacial, también es cierto que ambos se distancian lo suficiente de aquéllos como para poder establecer su propia personalidad. Duke, por ejemplo, contiene más «mala baba» inicial que el juguete que no sabía que lo era. El resto de secundarios también cumplen, llevándose de hecho varias escenas que son lo mejor de todo el metraje: ya sea Bridget y su primer encuentro con Tiberius, o Pompón recordando a su aliado caído Ricky, entre otras.

La trama, como decíamos, fluye sin más mediante su sencilla premisa, logrando así un buen entretenimiento veraniego para niños y mayores. No esperemos nada del calado emocional al que nos tiene acostumbrados Pixar y, de hecho, hay alguna oportunidad en este sentido desaprovechada en el guión. Sin embargo, saldrás del cine con una sonrisa de oreja a oreja. Especialmente si tienes una mascota, con lo que es probable que además te sientas identificado en algún momento de la película (nosotros soltamos varias veces aquel comentario de «oooooh, como nuestro perro/gato **inserte nombre de la mascota**»).

En cuanto a la animación, a un producto que busca divertir y amenizar, además hacerlo mediante personajes de lo más monos, va acorde. El estilo es muy a lo que nos tienen acostumbrados con Gru y sus minions: personajes caricaturizados, colores vivos y llamativos, cero oscuridad y mucha expresividad (llagando a su punto máximo con Pompón). La banda sonora, compuesta por Alexandre Desplat y con algunos temas como el famosísimo Happy de Pharrell Williams, o Welcome To New York de Taylor Swift, acompaña asimismo al tono generalizado de la cinta.

En definitiva, Mascotas es una buena apuesta para pasar un rato de puro y sincero entretenimiento, ya sea con niños o sin ellos. Pero, especialmente, si tienes alguno de esos bichitos en casa y que sabes que, llegues a la hora que llegues, te recibirán como nadie.

Star Trek y la lucha contra el racismo

Publicado el agosto 4, 2016agosto 4, 2016 por Ana Alonso

Star Trek me evoca directamente a un imaginario latente en mi mente y mi corazón. Poder ver por fin una humanidad unida, que ha podido contactar con otras civilizaciones extraterrestres y que pertenece a una federación de planetas, en constante progreso y con la única finalidad de poder derribar las barreras del espacio y del tiempo.

Su creador, Gene Roddenberry, imaginó y plasmó esta maravillosa serie de aventuras, donde la Tierra se encontraba en una constante armonía. Esta futura Tierra había superado el hambre, el materialismo y las guerras. Y se alejaba de diferencias políticas, de credo o raciales, algo que en la época de su emisión, difería notablemente del mundo real. En los años 60, el país de procedencia de Roddenberry, los Estados Unidos, se encontraban inmersos en plena guerra con la Vietnam comunista, y en el país norteamericano se debatía y se llevaba a cabo una sangrienta lucha por los derechos civiles de los afroamericanos.

En estos turbulentos tiempos, la popular serie de ciencia ficción efectuaría un acontecimiento para la historia de la televisión.

En 1968, en el capitulo 67 de la tercera temporada, William Shatner (el capitán Kirk) y Nichelle Nichols (la teniente Uhura) protagonizaron el primer beso interracial de la televisión (con permiso de Sammy Davis Jr. y Nancy Sinatra en la serie británica Emergency Ward).

Este mítico capítulo se titulaba ¨Los hijastros de Platón¨, fue escrito por Meyer Dolinsky y dirigido por David Alexander. En esta ocasión, la tripulación del Enterprise se encuentra con una raza inmortal, demente y sádica, que utiliza la telequinesis y que emula a la sociedad de la antigua Grecia.

El beso en cuestión es involuntario, ya que fue forzado por los efectos de la telequinesis, seguramente para evitar, en una mayor medida, la polémica por un romance entre los dos personajes.

Es importante resaltar la aportación positiva de los dos actores protagonistas a que el beso se publicase, ya que la NBC primero intentó que el beso lo protagonizase Spock, algo a lo que Shatner se opuso rotundamente. A continuación, la cadena obligó a que se rodaran dos escenas, una con el ósculo y otra sin él.

En esta ocasión, una vez filmada la primera a la perfección, los dos actores boicotearon la segunda actuando de una forma infame, obligando al director a utilizar la primera sin más remedio.

Los ejecutivos de la NBC estaban preocupados por despertar la ira de las zonas del sur del país, cosa que sí ocurrió, con la consecuencia de censurarse en algunos estados, tachándolo de inmoral y antinatural.

Este momento fue aplaudido por muchos ciudadanos que estaban a favor de la libertad de los derechos civiles, y automáticamente se convirtió en uno de los momentos más dignos y emotivos del género, haciendo a la ciencia ficción una categoría vanguardista y rompedora con el sistema establecido.

Star Trek se convirtió en una serie paradigmática, donde quizás ahora deberíamos reflexionar acerca de muchas series actuales y películas, que se alejan de estos contextos en pos de un festival de explosiones y efectos especiales.

Esta serie criticó férreamente al capitalismo salvaje, la sociedad de Star Trek se basaba en una meritocracia donde el dinero ya no existe, y que luchaba siempre contra las tiranías. Y qué decir de la propia teniente Uhura, una mujer negra oficial de comunicaciones de la nave. Como curiosidad, hay que reseñar que la actriz que la interpretaba, Nichelle Nichols, quiso dejar la serie después de la primera temporada en 1976, pero el propio Martin Luther King la convenció, indicándola que era un modelo a seguir, siendo todo un ejemplo para las minorías étnicas.

La serie original fue memorable y planteó muchos temas interesantes. Esto lo está escribiendo un fan de Star Wars, pero por supuesto, sé apreciar la importancia y el contenido maravilloso que tenia y la notable influencia que aportó a la sociedad en general.

En la actualidad está a punto de estrenarse Star Trek: Beyond, la tercera parte de esta nueva trilogía, que sinceramente he disfrutado bastante, pero donde sí es cierto se echan en falta los planteamiento filosóficos, políticos o morales de la clásica o de la nueva generación.

Por último, cabe resaltar que en esta ocasión aparecerá el primer personaje abiertamente homosexual de la saga: Hikaru Sulu. Esto se debe principalmente para homenajear al actor que lo interpretó en la serie original, George Takei, un hombre que dedicó gran parte de su vida a luchar por los derechos de la comunidad homosexual.

Un ejemplo de que el espíritu sigue vivo.

Paz y prosperidad, hermanos.

Novedades del Universo Final Fantasy XV: Season Pass y doblaje al castellano de Kingsglaive

Publicado el agosto 3, 2016agosto 3, 2016 por José María Garate

Tras más de diez años de desarrollo, parece mentira que solo falten menos de dos meses para el lanzamiento de Final Fantasy XV. Para hacer la espera más llevadera, Square Enix nos tiene preparados el lanzamiento en formato digital de la película de Final Fantasy XV: Kingsglaive, a partir del día 30 de agosto. Antes de eso, se espera su estreno en cines de Estados Unidos para el 19 del mismo mes. Lamentablemente, de su posible presencia en carteleras españolas todavía no se sabe nada, pero Sony Francia ha anunciado una premiere europea en los cines Le Grand Rex de París. Será el 15 de septiembre a las 20.30 horas y los tickets cuestan 10 euros.

A pesar de la ausencia (al menos por ahora) de Kingsglaive en cines españoles, Sony ha avisado mediante nota de prensa de que la película llegará doblada al castellano. Todavía se desconocen los detalles, pero lo que es seguro es que la edición blu-ray vendrá, por lo menos, con audio español e inglés.

Cambiando de tornas, Square Enix subió ayer a la Play Station Store una edición digital premium de Final Fantasy XV que vendría acompañada de un Season Pass. Costará US$84,99 (unos 75 euros) y saldrá el mismo día que la versión física: 30 de septiembre. En cuanto al Season Pass, se han podido descubrir más detalles del mismo a través de la Play Station Store japonesa. Al parecer, contendrá seis episodios de contenido descargable, cuyos títulos serán:

Final Fantasy XV Booster Pack
Final Fantasy XV Episodio de Gladiolus
Final Fantasy XV Pack de vacaciones
Final Fantasy XV Episodio de Ignis
Final Fantasy XV Episodio de Prompto
Final Fantasy XV Pack Expansión

Se desconocen más detalles sobre el Season Pass y sobre la versión digital premium, dado que Square Enix todavía no se ha pronunciado sobre ninguno de ellos. Estaremos atentos a novedades, especialmente de cara a la Gamescom, que se celebrará del 17 al 21 de agosto, donde, entre otros, se mostrará una nueva demo y se proyectará el cuarto capítulo del anime Brotherhood, centrado en Ignis.

Japoneando Anime: Digimon

Publicado el agosto 2, 2016agosto 29, 2020 por Ana Alonso

Esta quincena, vamos a alterar ligeramente el formato de Japoneando Anime, pero lo que nos ocupa bien lo merece: el 1 de agosto Digimon (デジモン también conocido como Digimon Adventure para los amantes del anime) cumplía 17 años. ¿Por qué el 1 de agosto? Fácil: es el día en el que los niños elegidos comienzan, sin quererlo, su andadura por el mundo digital. ¿Por qué decíamos lo de alterar brevemente el formato? Porque no vamos a comentar tanto aspectos de la cultura, historia o sociedad japonesas, sino más bien haremos un inciso en esta serie y el género al que pertenece, que lleva en auge ya casi dos décadas (que se dice pronto).

Para los despistados, ¿qué es Digimon? Pues una franquicia creada en 1999 por Bandai a partir de la idea de Akiyoshi Hongo, de la que han surgido (y siguen surgiendo) muñecos, animes, mangas, videojuegos, etc. Es decir, todo un macrouniverso de merchandising y relatos. La idea le llegó a Hongo a partir del popular (por la década de 1990) bicho electrónico conocido como Tamagotchi (たまごっち), y de ahí fue tomando forma el monstruo digital (digital monster, de ahí el nombre) que acabaría por evolucionar en diversos diseños y formas, conglomerando a todos los digimons y su digimundo. Lo que probablemente dio mayor fama a la franquicia fue el estreno del anime, conocido como Digimon Adventure, en el mismo año de 1999. Desde entonces, el anime ha tenido secuelas y aventuras aparte, siempre con los digimons y el digimundo como elementos comunes: Digimon Adventure 02 (secuela directa de Digimon Adventure), Digimon Tamers, Digimon Frontier, Digimon Savers, Digimon Xros Wars, Digimon Xros-Wars-Hunters y, la que nos ocupa en este 2016, Digimon Universe: Appli Monsters. Mientras tanto, Toei (encargada de producir todos los animes) está realizando una serie de OVAs en conmemoración del aniversario y que se sitúan después de Digimon Adventure y Digimon Adventure 02, con el título de Digimon Adventure Tri. El tercer (y penúltimo) de estos OVAs se estrenará el próximo 24 de septiembre en Japón.

Digimon Adventure: comienza una aventura

Un día de un atípico verano, en medio de un campamento, un niño llamado Taichi Yagami (más conocido como Tai) y otros seis amigos y acompañantes (Yamato «Matt» Ishida, Sora Takenouchi, Koshiro «Izzy» Izumi, Mimi Tachikawa, Jo «Joe» Kido y Takeru «T.K.» Takaishi) se ven sorprendidos por una tormenta de nieve. Todos buscan refugio y, tras la tormenta, contemplan la aparición de una aurora boreal. De ésta empiezan a caer unos elementos extraños. Los niños, creyendo que podrían tratarse de meteoritos, se ponen a cubierto. Sin embargo, los elementos extraños frenan en seco ante ellos, uno por cada niño. No son meteoritos, son digimons, y a cada niño le corresponde el suyo. Pronto se hacen amigos, pero se ven absorbidos por una gran ola que los lleva a un mundo alternativo, el digimundo, donde no solo se toparán con digimons amables y simpáticos, sino también con otros de aspecto salvaje o incluso malvados.

Como vemos, un punto de partida muy visto en este tipo de aventuras (shônen), con el añadido de los acompañantes en formas de monstruos/animales. Lo que más destaca, a priori, en Digimon Adventure, es lo bien definida que está la personalidad de cada niño, y lo bien que se acopla a cada uno de ellos su respectivo digimon: tenemos a Tai que es claramente el niño-líder, optimista y carismático; en contraposición está Matt, el niño solitario y cool, cuya familia no es tan estructurada y funcional como la de Tai; luego está Sora, la niña amable y cándida, con instinto maternal; Izzy es el cerebrito y geek del grupo; Mimi la niña malcriada de padres adinerados, que no obstante posee alegría y energía a raudales; Joe es el maduro neurótico; y T.K., el menor, es la voz de la inocencia. Como podemos imaginar, a Tai lo acompaña Agumon, un digimon con aspecto de dinosaurio; a Matt, Gabumon, un digimon-lobo (solitario, claro); a Sora, Piyomon/Biyomon, un pájaro; a Izzy, Tentomon, un insecto; a Mimi, Palmon, un digimon-planta; a Joe, Gomamon, un digimon marino similar a una foca; y a T.K., Patamon, un digimon alado y de aspecto adorable. Cada niño, y su digimon, cumplen con su papel en completa y llana armonía.

En ese sentido, la historia de aventuras con un grupo de niños pre-adolescentes que ocupan un rol, puede recordarnos a conocidísimas películas como Los Goonies, El club de los Cinco o, más recientemente, la serie Stranger Things. Digimon Adventure engloba toda esa nostalgia de las aventuras vividas (la mayor parte imaginarias) con nuestros amigos cuando éramos niños, donde lo que más nos preocupaba era derrotar a un poderoso ser maligno (imaginario, claro) o encontrar un maravilloso tesoro (que nunca existió). Al menos Digimon Adventure usa toda esa narrativa de aventuras protagonizadas por niños de mejor manera que Super 8, por ejemplo.

Cabe destacar asimismo la potente banda sonora de Digimon Adventure, sin la cual la experiencia no hubiera sido la misma (era empezar a sonar Brave Heart y ya sabías que se venía algo GRANDE). Por ello queremos mandar desde aquí nuestro humilde recordatorio al cantante por excelencia de la serie (de la misma Brave Heart o del opening, Butterfly, entre otras), Koji Wada, que falleció el pasado mes de abril por un cáncer. Descanse en paz.

Los monstruos pequeños y adorables

Con Digimon Adventure (y Pokémon, no penséis que vamos a pasar por alto a los Pocket Monsters) se dio inicio a un género dentro del anime en el que mundos inventados o como el nuestro se veían inundados por pequeñas y adorables (o no tanto) criaturas; muchas de ellas basadas en animales, pero al fin y al cabo todos surgidos de la imaginación de su creador o creadores.

Como adelantábamos, no solo Digimon fue el precursor, la famosísima Pokémon (ポケモン) es (como ya todos sabrán) una franquicia creada en 1995 a partir de la idea de Satoshi Tajiri. Al igual que Digimon, Pokémon está compuesto por todo un universo de videojuegos, animes, mangas, ropa, merchandising, etc. El éxito alcanzado por Pokémon (ahora nos invade Pokémon Go hasta en las noticias), con más de 175 millones de copias de videojuegos vendidas hasta la fecha, la coloca en la posición de segunda saga más vendida en la historia de Nintendo.

No son pocos los que intentan ver (o crear) una rivalidad entre Pokémon y Digimon. En realidad, quitando que ambas están protagonizadas por niños y monstruitos, poco más tienen que ver. Digimon es una aventura con un argumento claro y definido (especialmente en el anime, su punto fuerte), donde hay bien y mal, y donde cada niño tiene un digimon que va digi-evolucionando a medida que avanza la historia y la situación lo requiera. Pokémon, en cambio, trata más sobre un niño en concreto y su periplo para ir coleccionando la mayor cantidad de pokemones posibles. En el camino, va cruzándose con rivales (otros entrenadores pokémon) y gimnasios, pero la amenaza nunca llega a ser realmente grande (el Team Rocket sirve normalmente más como un recurso cómico que otra cosa). El punto fuerte de la franquicia Pokémon, por cierto, son sus videojuegos, todo un mar de horas y horas de puro entretenimiento. En el fondo, es como comparar a Sailor Moon con Marmalade Boy (por poner dos conocidos ejemplos), solo porque ambas son shôjo y las protagonizan adolescentes de instituto.

Tras Pokémon y Digimon, el fenómeno de criaturitas no ha hecho más que aumentar, con mayor o menor éxito, y por la pantalla han pasado series como: Monster Rancher, Bakugan o Yo-Kai Watch, entre tantos otros. Visto lo visto con fenómenos como Pokémon Go, o los mencionados OVAs de Digimon Adventure Tri., tenemos monstruitos para (largo) rato.

Y por supuesto, muchas felicidades a Digimon, serie que probablemente nos ha acompañado a muchos de nosotros en grandes momentos de nuestra infancia o adolescencia.

Dragon Ball Super 53: Presentación de un nuevo ¿enemigo?

Publicado el julio 31, 2016julio 31, 2016 por Ana Alonso

Tras el parón de una semana, es probable que todos estuviéramos esperando el nuevo capítulo de Dragon Ball Super como agua de mayo. Es probable que, en nuestras cabezas, nos hubiéramos imaginado un buen y épico combate entre Son Goku y Zamasu, el nuevo kaioshin del Universo 10 y cuyo ki parece haber sido asociado con el de Black por Whis y Bills. Es probable que, debido al título («Se revela la identidad de Black«) esperásemos conocer algo más sobre la procedencia del nuevo y misterioso enemigo que ha tomado la forma de Goku. Bueno, lamentablemente, nada de esto ha sucedido en el episodio 53 de Dragon Ball Super.

Por partes (y vienen los SPOILERS). El capítulo 52 nos había dejado con Whis, Bills y Goku dirigiéndose hacia el hogar de los kaioshin en el Universo 10. En este caso, Whis informa, se trata de un aprendiz de kaisohin muy aventajado en el combate, por lo que su formación corre a cargo de un kaioshin mayor y superior para que éste termine sucediéndole. Sus nombres son Gowasu (el maestro) y Zamasu (el aprendiz). Mientras los dioses y el saiyan se dirigen hacia su destino, los citados kaioshin charlan entre ellos. Gowasu felicita a Zamasu por su buen té, asegurándole que eso es propio de alguien que se encuentra en armonía consigo mismo. Sin embargo, no parece ser así, ya que Zamasu le confiesa a su maestro que le inquietan los mortales: por qué existen, para luego destruirse entre ellos. No logra entenderlo. Gowasu le pide paciencia a su discípulo y le intenta consolar diciéndole que acabará comprendiendo mejor a los mortales. Justo en ese momento llegan Bills, Whis y Goku. Éste último, al observar a Zamasu, se emociona pensando en su fuerza y le suplica que pelee con él. Zamasu, en cambio, se asquea por la insistencia de Goku y no comprende cómo un mortal puede estar allí, menos aún en compañía de los dioses. Mientras, Bills y Whis le informan a Gowasu de lo acontecido con Black, pidiéndole que por favor les muestre los anillos del tiempo que tienen en su posesión (recordemos que Black llevaba uno de estos anillos, lo que le permitió seguir a Trunks del futuro hasta el presente). El kaioshin así lo hace, pero Whis y Bills perciben en el proceso que Zamasu parece desconocer la existencia de dichos anillos. Efectivamente, se encuentran todos en su lugar, por lo que Whis y Bills continúan igual que al principio.

Mientras tanto, en la Tierra, Trunks del futuo charla con Krilin sobre Gohan y su familia. Krilin le informa de que él también tiene una hija, pero se niega a revelarle a Trunks que su mujer es A18. Justo en ese momento aparece la susodicha cargando a Marron y saludando a Trunks. Éste reacciona a la defensiva, pero Krilin se interpone diciéndole que no es la misma A18 que había en su línea temporal. La androide entonces se dirige hacia el hijo de Vegeta y le dice que le debe compensar por los daños, ya que él ha asesinado a su otra yo del futuro. Para desconcierto (y posterior alivio) de Trunks, A18 le informa que sólo estaba tomándole el pelo, y se va feliz con Krilin y con Marron. Mai, a su vez, contempla embelesada a Trunks del futuro, mientras Pilaf y Shuu prometen ayudarla a conquistarlo.

De vuelta al Universo 10, Gowasu le pide a Zamasu que acepte la petición de Son Goku de pelear contra él. Así lo hace y ambos se preparan para la batalla. Para sorpresa de Zamasu, que no alcanza a entender cómo un mortal puede albergar tanto poder, Goku se transforma en super saiyan nivel 2. La pelea se da sin mayores complicaciones, con Zamasu reteniendo todos los golpes de Goku. Finalmente, éste último gana. Bills, Whis y el saiyan deciden marcharse entonces. En el camino de regreso, Bills se pregunta si no convendría destruir ya a Zamasu, ya que podría convertirse en Black. Goku le hace dudar, diciendo que él no cree que sea un mal tipo a pesar de todo. Al final, Gowasu y Zamasu continúan con su charla. El maestro espera que su alumno haya aprendido una lección al haber combatido contra un mortal como Son Goku, ante lo que Zamasu afirma. Sin embargo, sus pensamientos nos revelan lo contrario: él cree que mortales como Goku son un peligro para todos, prometiendo volver a encontrarse con él.

Como vemos, un episodio donde sobre todo se nos desvelan nuevos personajes, pero que deja muchas incógnitas en el camino. Especialmente en lo referente al título: como decíamos al principio, nunca se nos revela la identidad de Black. Es más, ni tan siquiera aparece Black en todo el capítulo. Por lo que el misterio deberá proseguir por más tiempo,

Ahora bien, Zamasu se nos presenta como un personaje interesante. Su seiyu, Shin’ichirō Miki (Roy Mustang en Full Metal Alchemist o Urahara en Bleach, entre otros), tiene buena parte de culpa, con una genial interpretación y con un tono de voz que le va como anillo al dedo al aprendiz de kaioshin: a medio camino entre lo misterioso, educado y algo amenazante. A pesar de que nos presentan que su alter ego va a ser Black como una obviedad, lo cierto es que al final recae la duda: ¿es Zamasu en verdad un buen tipo, como dice Goku? ¿Y si en verdad no es él Black? Por el diseño y por lo que promete (el mismo Goku sugiere que con entrenamiento Zamasu podrá llegar a ser tan poderoso como Bills), podría acabar siendo un nuevo personaje del grupo de «los buenos». El maestro de Zamasu, Gowasu, en cambio, no lo deja tan claro. No solo porque sus pendientes sean exactamente iguales que los de Black, sino porque su presencia parece pasar más desapercibida que la de su alumno: algo perfecto si quisiera jugar al despiste mientras llega a ser Black. Sea como sea, sólo el tiempo lo dirá.

El otro gran momento del episodio ha sido el breve (re)encuentro entre A18 y el Trunks del futuro. Con la actitud juguetona de la primera, se deja así cerrado otro capítulo en la vida del viajero del tiempo (mientras se abren otros). La aparente rivalidad que parece haber despertado en el Trunks niño hacia su contraparte vuelve a hacer acto de presencia (brevemente y como un acto cómico) frente a Mai y los suyos. Veremos hacia dónde nos dirige, y si por fin va a significar algo de madurez y crecimiento en el Trunks del presente, que falta le hace (su diseño y personalidad continúan siendo los mismos que durante la saga de Boo).

Por otro lado, la animación… vuelve a dejar bastante que desear. Lamentamos sonar repetitivos, pero apenas se le puede llamar «batalla» a lo que hay al final (durante unos pocos minutos) entre Goku y Zamasu. Los rostros también vuelven a aparecer algo deformes en algunos planos (en otros pocos primeros plano, sin embargo, pasan el aprobado). El ritmo lento (de la misma batalla) tampoco ayuda.

Poco más que añadir sobre el episodio 53 de Dragon Ball Super. El 54 promete bastante, sobre todo porque va a ser un capítulo sobre Vegeta y su hijo del futuro (cuya relación siempre ha sido algo tormentosa). Y además continuará el misterio con Gowasu y Zamasu, que al parecer emprenderán un viaje temporal hacia el futuro, a un nuevo planeta llamado Babari. Nos vemos en una semana.