Alphen y Shionne son los nuevos protagonistas de Tales of Arise

Tales of Festival 2019 ha celebrado hoy su primer día desde Japón, donde se han revelado, entre otros, los nombres y los actores de doblaje de la próxima entrega de la franquicia, Tales of Arise. El héroe es entonces Alphen y tendrá la voz de Takuya Sato (Haikyu, D. Gray-Man), mientras que la heroína se llama Shionne y le pondrá voz Shino Shimoji (Boogiepop and Others, Seiren).

Alphen es descrito en la web oficial como un joven esclavo procedente de Dahna (planeta al servicio de Rena, otra estrella), que lleva una máscara de hierro y que ha perdido la memoria y la capacidad de sentir dolor. Su encuentro con Shionne provoca su lucha por la libertad de su hogar y le otorga el poder de la espada de llamas.

Shionne por su parte procede de Rena y es una chica que porta una maldición que causa dolor a todo aquel que la toca. Se alía con Alphen por un misterioso motivo en su rebelión contra sus compatriotas de Rena. La historia de ambos da inicio así de forma conjunta (y el detalle de que uno no pueda sentir dolor y la otra lo cause pinta interesante).

Ambos han sido mostrados con sus voces y en más escenas nuevas (respecto al tráiler de lanzamiento en el E3) en un nuevo avance, que gracias al usuario Abyssal Chronicles ya se puede ver subtitulado en inglés.

Por otro lado, GameInformer ha publicado una nueva entrevista al nuevo productor de la saga tras la partida de Hideo Baba, Yusuke Tomizawa (God Eater), donde ha asegurado que Tales of Arise no contará con un mundo abierto y que los temas principales de esta nueva entrega, sin querer entrar en spoilers, son tradición y evolución.

Por lo tanto, el nuevo título, aunque sea una reinvención, se acercará en su estructura a otros Tales, al igual que lo hará en su sistema de combate, que seguirá siendo similar al sistema de batalla de movimiento lineal, pero con el cual están queriendo introducir nuevos elementos e innovaciones que irán anunciando.

En otra cosa en la que Tales of Arise seguirá pareciéndose a sus antecesores es en la extensión del equipo principal, aunque Bandai Namco aún no ha querido revelar a más personajes aparte de a los protagonistas.

Tales of Arise ya puede reservarse en páginas como Amazon o Play-Asia, aunque su fecha de lanzamiento, anunciada para algún momento de 2020 para PlaySation 4, Xbox One y PC, es todavía incierta.

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El productor de Tales of Arise habla sobre las novedades que traerá la próxima entrega

El productor de Tales of Arise habla sobre las novedades que traerá la próxima entrega

El productor del próximo título de una de las franquicias más longevas y populares de Bandai Namco, Yusuke Tomizawa (God Eater), ha hablado en una entrevista en último número de Famitsu sobre los retos que se están planteando desde el equipo de desarrollo a la hora de abordar Tales of Arise, con el objetivo de evolucionar y atraer a un público más mayoritario, incluyendo al occidental y a las nuevas generaciones.

Por ello, Tomizawa ha declarado que el equipo de desarrollo lleva tiempo (desde un año aproximadamente antes del lanzamiento de Tales of Vesperia: Definitive Edition, cuando comenzó el trabajo con este título) dando vueltas a los elementos que han querido mantener más o menos intactos y otros que han querido dejar atrás. Ha asegurado que irán revelando más sobre esto en el futuro.

De hecho, parte de los equipos de Tales of Berseria y Tales of Phantasia, entre otros, están trabajando en esta nueva entrega que saldrá para PlayStation 4, Xbox One y PC en algún momento de 2020.

Por ejemplo, el título Tales of Arise, que le fue asignado al proyecto como algo provisional en sus inicios, acabó siendo elegido como el definitivo gracias a que refleja la idea de «revivir», algo que persigue el equipo de trabajo a la par que evoca el objetivo de los protagonistas de poder librarse de su entorno opresivo.

Tales of Arise. Bandai Namco.

Para no confundir el acrónimo del título con otro de los favoritos de la franquicia (Tales of the Abyss), Tomizawa ha propuesto que en esta ocasión se utilicen «TOArise» o simplemente «Arise».

En cuanto a lo poco que sabemos sobre la historia, ésta nos sitúa en la existencia de dos planetas, Dahna y Rena. Tomizawa ha descrito al primero como un mundo lleno de recursos naturales, con una ambientación mucho más medieval y menos avanzada que en Rena, donde abunda la ciencia y los avances tecnológicos. Dahna reverencia a Rena como el lugar donde habitan las divinidades y la muerte, mientras que desde Rena se discrimina a los habitantes de Dahna (ya que los tienen esclavizados desde hace 300 años, cuando los derrotaron tras una confrontación).

El héroe de esta historia es el misterioso (aún sin nombre) joven enmascarado que vemos en el tráiler. Tomizawa ha contado que proviene de Dhana y que el aspecto con armadura que hemos visto en el avance no es el que tendrá durante todo el juego, sino que irá cambiando según las circunstancias.

En cuanto a la heroína, es la muchacha de pelo rosa que aparece junto al héroe. Ha sido diseñada con la idea de crear a una fémina «fuerte y cool» que puede intervenir por sí sola en la batalla. Como proviene de Rena, el inicio de la relación con el protagonista será bastante tenso y contendrá drama.

Tales of Arise. Bandai Namco.

Ambos personajes han sido diseñados por Minoru Iwamoto, quien se encarga además de la dirección artística, algo nunca antes ocurrido en la saga, ya que, según ha admitido Tomizawa, pretenden conseguir una mayor armonía entre los personajes y los fondos. El principal objetivo es que Tales of Arise sea una experiencia muy inmersiva para el jugador.

Por ello, están prestando bastante atención a la forma de moverse de los personajes y han buscado que éstos sean más realistas en cuanto a formas y proporciones, para lo cual se están valiendo del potencial gráfico del Unreal Engine 4. Sin embargo, ha afirmado Tomizawa, la intención de la saga Tales of nunca ha sido la de crear un mundo realista (el estilo anime sigue estando muy presente), así que el objetivo dista de ser ese.

El diseño de los enemigos también lleva en mente la idea de inmersión y armonía con el resto de elementos, además de pretender otorgarles un aspecto más amenazador. No obstante, Tomizawa ha advertido de que habrá asimismo componentes «tiernos» e incluso algún «personaje-mascota».

Otro de los puntos claves de la saga es el sistema de combate, del cual aún no hemos podido ver mucho. El productor ha asegurado a Famitsu que será «rápido e intuitivo», al menos respecto a anteriores entregas. Se podrán ejecutar determinadas acciones según se den las circunstancias, de lo cual irán revelando más en el futuro.

Aún queda bastante para la salida al mercado de Tales of Arise y Tomizawa no ha podido dar más pistas al respecto, aparte de que el juego está bastante avanzado visualmente, pero al que le falta mucho pulido y arreglos en aspectos de batallas y de la historia. Próximamente irán descubriendo más datos, como los nombres y voces de los protagonistas, quién es el compositor o el tema principal, entre otros. Mientras tanto, este sábado día 15 dará comienzo el evento «Tales of Festival 2019», donde se prevé se dará a conocer más información.

Anunciada secuela de The Legend of Zelda: Breath of the Wild durante Nintendo Direct en el E3

Nintendo ha finalizado su conferencia en este E3, poniendo prácticamente punto final a la lista de intervenciones de las grandes empresas de la industria en la que sigue siendo mayor convención de videojuegos a nivel mundial al año. Lo más llamativo, sorpresa absoluta, ha venido en la conclusión: está en desarrollo la secuela de The Legend of Zelda: Breath of the Wild.

Conocido por ser uno de los videojuegos más aclamados de la historia, la última entrega de The Legend of Zelda llegó a Nintendo Switch en marzo de 2017 ofreciendo un riquísimo mundo abierto, lleno de encantos y misterios por descubrir, una historia simple pero muy bien narrada (probablemente la mejor princesa Zelda de la franquicia) y una inteligencia artificial que quitaba el aliento. Ahora Nintendo continuará con la narrativa dejada por aquél y no podemos esperar a volver a Hyrule.

Han mostrado asimismo un nuevo avance del remake de otro de los Zelda más queridos por el público, Link´s Awakening, que llegará a Nintendo Switch el próximo 20 de septiembre.

La conferencia ha empezado fuerte en el apartado JRPG, con la incorporación de varios de los héroes de Dragon Quest a Super Smash Bros. Ultimate para conmemorar la inminente llegada de Dragon Quest XI: Ecos de un pasado perdido. Edición definitiva, disponible a partir del 27 de septiembre.

Un clásico de Square Enix para la época de SNES, Trials of Mana, recibirá también su correspondiente remake (ya lo hizo Secrets of Mana antes que éste) para Nintendo Swicth, en el mercado a comienzos de 2020. Estarán asimismo disponibles en la Nintendo e-shop toda la colección de esta fantástica saga desde hoy.

Otro JRPG, Fire Emblem: Three Houses, que será lanzado el próximo 26 de julio para Nintendo Switch, ha mostrado un nuevo avance.

En el sector del RPG occidental, Nintendo ha anunciado un juego basado en la inminente llegada de la precuela de Cristal oscuro a Netflix (Cristal oscuro: La era de la resistencia), bajo el título de Cristal oscuro: La era de la resistencia Tactics, disponible en algún momento por determinar de 2019.

The Witcher III: Wild Hunt. Complete Edition llegará asimismo a Nintendo Switch en 2019 (también con fecha por determinar).

Los próximos juegos de Pokémon, Pokémon Espada y Pokémon Escudo, en el mercado a partir del 15 de noviembre en todo el mundo, se han dejado ver brevemente en este Nintendo Directo, con promesas de dejarse ver en una demo jugable durante el Tree House que se está emitiendo en estos momentos.

Otras de las novedades más llamativas o últimos avances mostrados por Nintendo han sido el próximo Animal Crossing: New Horizon, disponible el 20 de marzo de 2020; el último título de PlatinumGames, Astral Chain, con lanzamiento el próximo 30 de agosto; la remasterización para Nintendo Switch, PlayStation 4 y PC de Ni No Kuni: Wrath of the White Witch a partir del 20 de septiembre; Luigi´s Mansion 3; y un largo etcétera. Dejamos galería completa abajo.

Edición coleccionista de Final Fantasy VII: Remake y remaster de Final Fantasy VIII, entre las novedades de Square Enix

La conferencia de Square Enix ha finalizado en el E3 de este año y nos ha tráido jugosas y emocionantes novedades, algunas más inesperadas que otras.

Empezando por la joya de la corona, Final Fantasy VII: Remake, Yoshinori Kitase (ahora productor del juego, otrora director del original) y Tetsuya Nomura (director) han salido a presentar un nuevo avance completo, donde hemos podido ver (finalmente) el nuevo diseño de Tifa y a su personaje en acción, además de Marlene, más de Sefirot, Cloud, Barret y Aeris… también de Avalancha, por lo que se confirma (también lo ha dicho Kitase) que se profundizará más en la historia y en los personajes en esta ocasión.

Otra cosa que se ha confirmado es que el proyecto, como así lo denominan en la web, estará dividido en partes y la primera abarcará todo Midgar. Estará dividido en dos blu-rays y ya se pueden reservar distintas ediciones en la tienda online de Square Enix: la «Deluxe» por 90 euros al cambio y la «First Class» por 299,99 (en las imágenes que añadimos abajo vienen detalladas).

También han aprovechado para mostrar más del sistema de combate a través de la batalla contra el primer jefe del juego: el robot Escorpión. Siguiendo las pautas del original (el enemigo, por ejemplo, levanta la cola para lanzar un ataque final más potente, durante el cual conviene cubrirse y aprovechar para curarse), parece que han sabido adaptarlo a las nuevas tecnologías. Así, el combate será más rápido y dinámico, pero podremos ralentizarlo si así lo deseamos para pensar la estrategia. Podremos interactuar con los distintos compañeros de batalla y con el escenario (por ejemplo, Cloud avisa de que hay que cubrirse tras los escombros cuando Escorpión ataque).

Las barras ATB serán las que marquen la pauta y ritmo de los combates, mientras que las opciones que tendremos durante el combate seguirán siendo prácticamente las mismas que en el original (atacar, cubrirse, magia, objeto), así como habilidades especiales y, por supuesto, los límites.

Como ya sabemos, la fecha de lanzamiento a nivel mundial es el 3 de marzo de 2020 e incluirá doblajes al japonés, inglés, francés y alemán con subtítulos en inglés, francés, alemán, español, español latino, italiano, portugués y portugués basilero.

No solo de Final Fantasy VII: Remake vive Square Enix. Otro de los grandes anuncios, muy comentado en los últimos días, ha sido la de la llegadade Final Fantasy VIII remasterizado para la nueva generación de consolas. Su fecha de salida está fijada para algún momento de este 2019.

Otros clásicos que llegarán con lavado de cara a Occidente serán Romancing Saga 3 y Saga Scarlet Grace Ambitions, unas joyitas que al fin podremos disfrutar.

El director de Final Fantasy XIV, Naoki Yoshida, ha salido asimismo al escenario para presentar un nuevo avance de la expansión Shadowbringers, que estará disponible desde el 2 de julio.

Siguiendo con Final Fantasy, han anunciado un nuevo juego descargable para móviles (primero en Japón, posteriormente llegará a Occidente), War of the Visions: Final Fantasy Brave Exvius, que nos ha parecido muy en la línea de Final Fantasy Tactics.

Por otro lado, Square Enix no ha tenido reparos en mostrar nuevos avances de Dragon Quest XI: Ecos de un pasado perdido para Nintendo Switch, que estará disponible este otoño; y de Dragon Quest Builders 2 para la última consola de Nintendo (con demo disponible desde el 27 de junio).

Para los seguidores de los JRPG nos llegará también a Nintendo Switch, PlayStation 4 y Steam la nueva entrega de los desarrolladores de I am Setsuna y Lost Sphear, Oninaki, disponible el 22 de agosto.

Por supuesto, Square Enix ha dedicado además una parte de la conferencia al videojuego de Avengers, el cual tendrá asimismo fecha de lanzamiento mundial el 15 de mayo de 2020 para PlayStation 4, Xbox One y PC.

Dejamos galería con resto de títulos anunciados. Actualizamos añadiendo los «render» de Cloud, Tifa, Aeris y Barret de Final Fantasy VII: Remake que acaba de subir Square Enix.

Tales of Arise para 2020, fecha de salida de Cyberpunk 2077, entre las novedades de Microsoft en el E3

Microsoft ha finalizado su intervención en el E3 de este año, que ha dado inicio en el día de ayer con Electronics Arts (donde lo más llamativo fue su demo de Star Wars Jedi: Fallen Order). Entre sus numerosos avances, nosotros destacamos la confirmación de un nuevo Tales of, Tales of Arise con fecha de salida para algún momento de 2020.

El nuevo título de la franquicia de Bandai Namco será el primero sin la intervención de Hideo Baba y que muestra un buen lavado de cara gracias a que está siendo realizado con el motor Unreal Engine 4. La historia se centrará en la existencia de dos planetas, Dahna y Rena, siendo el primero explotado por el segundo durante siglos. Los dos protagonistas proceden de cada uno de estos dos mundos y buscan cambiar su destino. El sistema de batalla (lo poquísimo que se ha visto de él) será de RPG de acción, similar a sus antecesores. Según una filtración el juego estará disponible para XBox One, PlayStation 4 y PC.

Pero además se ha revelado la fecha de salida del esperado Cyberpunk 2077, que será el 16 de abril de 2020 y que asimismo contará con la participación del mismísimo Keanu Reeves, quien se ha presentado por sorpresa en la conferencia. El nuevo avance del juego tiene una pinta espectacular (y muy a lo Blade Runner).

Otra de las grandes novedades, claro está, es la llegada de la nueva consola de Microsoft, XBox «Project Scarlett», cuya salida se ha fijado para las vacaciones navideñas de 2020 y que vendrá acompañada, además, de la nueva entrega Halo Infinite, del cual han mostrado un nuevo «gameplay». Esta nueva plataforma tendrá, según lo anunciado, mejoras en los tiempos de carga, tasa de 120 frames por segundo y la posibilidad de ejecutar contenido a 8K, entre otros avances técnicos.

Halo Infinite saldrá junto a XBox «Project Scarlett» en navidades de 2020

Dentro del sector RPG, SEGA ha traído a la conferencia la llegada a Occidente de Phantasy Star Online 2, anunciado para primavera de 2020 en XBox.

Otro nuevo título dentro del género, con un apartado bastante sencillo, pero muy creativo, es RPG Time! The Legend of Wright, que saldrá a la venta en 2020.

No podemos pasar por alto la confirmación de un nuevo título de RPG de acción que juntará los nombres de Hidetaka Miyazaki (saga Dark Souls, entre otros) y George R. R. Martin (Canción de hielo y fuego), bajo el título Elden Ring, un apartado gráfico espectacular y una historia que pinta repleta de fantasía y epicidad.

Además, el próximo título de la famosa franquicia creada por Akira Toriyama, Dragon Ball Z: Kakarot, se ha anunciado que saldrá a inicios de 2020 y promete ser un juego de acción RPG que seguirá la historia de los inicios de Dragon Ball Z (al menos hasta la saga de Namek).

Cambiando un poco de tercio, por la conferencia de Microsoft se han anunciado numerosos y llamativos títulos (la mayoría acompañados de su correspondiente fecha de salida, o al menos una aproximación ala misma), como Gears 5 (expansión con Terminator incluida), Dying Light 2, Borderlands 3, CrossfireX, Wasteland 3, Lego Star Wars: The Skywalker Saga, PsychoNauts 2; o los más «íntimos» (y con bastante encanto) Spiritfarer, Way to the Woods o 12 Minutes, entre otros títulos (abajo os dejamos la galería completa).

Detective Pikachu, un impactrueno de ternura y monería

Pokémon es actualmente una de las franquicias con mayor éxito a nivel mundial y sobre todo en su país de origen, Japón, donde desde su nacimiento en las consolas portátiles de Nintendo ha sido todo un superventas y hoy en día tiene en su haber hasta centros comerciales dedicados exclusivamente a ellos, los Pokémon Center, así como su propia compañía desarrolladora, The Pokémon Factory.

Era cuestión de tiempo que Hollywood, concretamente Warner, se interesara por el título, decidiendo probar suerte a raíz de uno de los videojuegos para Nintendo 3DS: Detective Pikachu. Tomando el mismo título, ha creado la que es hasta la fecha mejor adaptación al cine de un videojuego… lo cual tampoco estaba muy complicado.

En la dirección contrataron a Rob Letterman (la película de Pesadillas), quien se encarga a su vez del guión junto a Nicole Perlman, también escritora de Guardianes de la galaxia o Capitana Marvel, lo que nos habla todo ello del tono general de la cinta que nos ocupa.

El argumento, que sigue una narrativa de suspense y thriller bastante «light» pero efectiva y entretenida, cuenta cómo el joven Tim Goodman (Justice Smith) es llamado un día debido al aparente fallecimiento de su padre, un aclamado detective. El muchacho se pone así rumbo a Ryme City, lugar creado para que humanos y pokémon convivan en armonía, sin ser unos los dueños de los otros ni someterlos a peleas. Mientras recoge lo que le ha dejado su progenitor, Tim se topa con un Pikachu (voz de Ryan Reynolds) parlante (que en realidad solo él puede entender) y amnésico que lo anima a buscar el verdadero paradero de su padre.

Detective Pikachu. Warner Bros.

Aunque la trama sí ofrezca su intriga, el verdadero motor de la cinta se encuentra en la enorme cantidad de cameos de pokémon de todas las generaciones, desde Charmander y Squirtle hasta Torterra, pasando por un sinfín de ellos que pululan por casi todas las escenas.

El otro factor realmente llamativo es Pikachu, a quien Reynolds otorga de una actitud algo canallesca y vivaz, alejado del emblemático roedor al que estamos acostumbrados a ver en el anime, promociones y videojuegos; frente al mucho más apagado Tim. La dupla que ambos conforman en este sentido es la típica de las «buddy movies» y como tal cumple.

Junto a Pikachu tendremos también a Psyduck, el pokémon compañero de la reportera Lucy Stevens (Kathryn Newton), otro de los grandes aciertos, sobre todo desde una perspectiva cómica (y que resulta asimismo arrebatadoramente adorable).

Frente a todo este desfile de pokémon, los humanos palidecen; aunque seguramente este fuera el objetivo de la película, que va a atraer a niños y nuevos adeptos como churros (y cuya secuela está ya anunciada). Las partes más dramáticas tampoco llegan a la altura de las humorísticas, dejando patentemente claro su tono desenfadado y ligero.

Detective Pikachu. Warner Bros.

Los grandes triunfadores en este punto han sido los diseñadores y trabajadores de efectos especiales (que no habrán sido pocos), ya que han sabido crear a toda una serie de animales ficticios que no desentonan, poseen carisma y que son la mar de adorables. A ellos se le deben el 90% del encanto de toda la película.

Por lo demás, Detective Pikachu es lo que se espera de ella: un entretenimiento dirigido a todas las edades (con lo que eso conlleva) y que viene dispuesta a arrasar con la venta de merchandising. Las interpretaciones cumplen sin más (a pesar de la presencia de Bill Nighy o Ken Watanabe), el argumento es llevadero y el humor resulta en su gran mayoría apto para todas las edades.

P.D.: Evidentemente, hay numerosos guiños dirigidos a los que hemos crecido (más o menos de cerca) junto a la franquicia y que dibujarán más de una sonrisa (e incluso causará carcajadas).

Sabremos más sobre los orígenes de la Primera Orden y los Caballeros de Ren en Star Wars: El ascenso de Skywalker

Vanity Fair ha dedicado su último número a la esperada novena (y por ahora última) entrega de Star Wars: El ascenso de Skywalker, donde, aparte de llamativas fotos realizadas por la aclamada Annie Leivobitz, se ha brindado numerosa y nueva información sobre lo que está por venir.

Quizás lo más llamativo es que se confirma el regreso de los Caballeros de Ren, quienes ya aparecieron en la alucinación de Rey (Daisy Ridley) durante El despertar de la Fuerza… para no volver a saber de ellos. En principio, a la revista parece que se le ha escapado que uno de ellos será derrumbado por Kylo Ren (Adam Driver), tal como hemos visto en el primer tráiler de la película durante la anterior Star Wars Celebration. La publicación ha señalado posteriormente que esto último se habría tratado de una errata.

El general Pryde y Zorri Bliss, entre los nuevos rostros

También sabremos más sobre los orígenes de la Primera Orden, ha asegurado el escritor Lev Grossman en su reportaje. Es entre los villanos donde veremos al nuevo personaje interpretado por Richard E. Grant, llamado General Pryde, quien ocupa un alto cargo y que quizás esté aliado con Hux (Domhnall Gleeson) para complotar contra Kylo, ahora Líder Supremo tras la caída de Snoke en Los últimos jedi.

Se ha revelado asimismo el nombre completo de otro nuevo rostro, esta vez puesto (aparentemente) por Keri Russell: Zorri Bliss. Este enigmático personaje, que nos trae a la mente a Boba Fett, aparecerá en el barrio de los ladrones del planeta Kijimi y no se sabrá muy bien a qué bando ayudará, si es que se alía acaso con alguno, al estilo DJ (Benicio del Toro) en el octavo episodio.

Otra nombre que surge de entre las novedades es el de Jannah (Naomi Ackie), a quien ya pudimos ver en Star Wars Celebration. Aquí la podemos apreciar junto a Finn (John Boyega) cabalgando una especie de caballos intergalácticos denominados «orbaks».

La relación entre Rey y Kylo Ren será un elemento central

Hablando de Finn, como ya sabemos seguirá evidentemente su lucha en la Resistencia junto a Rey y Poe (Oscar Isaac). Éste último justamente ha definido a su compañero de batalla como «su familia». Rey también será parte del grupo, pero al parecer se sentirá un poco apartada por ser la única capaz de usar la Fuerza, algo que la aleja de sus amigos y que la acerca inevitablemente a Kylo Ren.

La relación entre Rey y Kylo Ren será de hecho uno de los puntos centrales de El ascenso de Skywalker y tanto Ridley como Driver la han descrito como «muy profunda», algo que va más allá del amor o la amistad. En el reportaje se ha asegurado que el vínculo que ambos establecieron a través de la Fuerza en Los últimos jedi alcanzará aquí nuevos niveles, nunca antes vistos.

Daisy Ridley durante el rodaje. Vanity Fair.

Rey seguirá realmente molesta con Ren tras los acontecimientos de El último jedi, pero sobre si él habrá dado ese vínculo por perdido o no es lo que estará por ver.

Se profundizará asimismo en el ascenso de Poe dentro de la Resistencia y en el entrenamiento de Rey como jedi, que se verá «casi completado» gracias a los libros antiguos que se llevó consigo en el anterior episodio. Esto último llevará al final del conflicto entre los jedi y los sith, algo que lleva arrastrándose centurias y que caerá principalmente sobre los hombros de Kylo y Rey.

Nexos con las trilogías anteriores

Luke (Mark Hamill) también tendrá algo que decir al respecto, y la lente de Leibovitz nos lo muestra por primera vez en El ascenso de Skywalker junto a R2D2. Sobre si sus apariciones formarán parte de flashbacks o será un fantasma de la Fuerza, o ambas, todavía está por verse.

El personaje que sí verá incrementado su papel en esta novena entrega es C3PO (Anthony Daniels), aunque no sabemos aún muy bien cómo. Sí que servirá de nexo con las trilogías anteriores, al igual que Lando Calrissian (Billy Dee Williams) y Leia (fotogramas recuperados de Carrie Fisher y que han sido especialmente tratados para la ocasión, en palabras del director J.J. Abrams).

Sobre los planetas que veremos en El ascenso de Skywalker, Vanity Fair ha revelado dos novedades, el ya citado Kijimi, cubierto de nieve y cenizas, donde encontraremos a Zorri y el barrio de ladrones; y el desértico Pasaana, localizado en los límites de la galaxia y donde conoceremos a una nueva especie alienígena, los «Aki-Aki» junto a los citados «orbaks».

La princesa Mononoke, la obra más madura de Miyazaki

Hayao Miyazaki y Studio Ghibli son nombre sobradamente conocidos en el «fandom» por la calidad artística de sus obras, su llegada a todo tipo de públicos y sobre todo a partir de que uno de sus trabajos, El viaje de Chihiro, resultase primera (y hasta la fecha última) película de anime en hacerse ganadora de un Oscar en mejor cinta de animación.

Sin embargo, para nosotros la obra culmen de Miyazaki vino justo antes de Chihiro, y esta es La princesa Mononoke (traducción algo libre de Mononoke Hime, que vendría a ser más bien La princesa del espíritu vengativo, 1997). En ella confluyen varios de los temas que obsesionan al artista, tales como el ecologismo, el feminismo y el pacifismo, y lo hacen de forma magistral.

La naturaleza contra el progreso

Miyazaki declaró en una entrevista donde hablaban de Mononoke que para él la humanidad debía aprender a convivir con la naturaleza y que cuando perdía dicha perspectiva y se llenaba de arrogancia era cuando no sabían qué hacer con ella, iniciando la destrucción. El ser humano debería, en sus palabras, convivir con el resto del mundo natural ocupando una esquina.

La visión del director es la que expone durante toda la cinta el joven Ashitaka (voz de Yôji Matsuda), príncipe desterrado de los emishi por haber contraído una maldición a causa de haber matado a un dios jabalí. Este pueblo, que de por sí vivía en el exilio por haber entrado en conflicto con el emperador de Yamato (nos encontramos en pleno período Muromachi), se encuentra en un plano de convivencia con la naturaleza mucho más cercano que lo que se nos presentará en la parte occidental, lo que queda patente en la relación de iguales entre Ashitaka y su alce rojo Yakul.

Ashitaka y Yakul en «La princesa Mononoke». Studio Ghibli,

En su exilio, Ashitaka se dirige hacia el oeste de Japón, donde se tomará con la ciudad de hierro, Tatara, y su carismática líder Lady Eboshi (Yuko Tanaka), así como con la espíritu del clan de los lobos, Moro (Akihiro Miwa) y su hija adoptiva, la enigmática San (Yuriko Ishida).

El conflicto entre la industria del hierro, la creación de armas (especialmente las de fuego) y el progreso que representa Eboshi entra en frontal conflicto con la supervivencia, en el que habitan y al cual defienden Moro, San y los suyos.

La obra de Miyazaki no presenta a buenos ni malos, huye del maniqueísmo. Por lo tanto, Eboshi puede parecernos maligna por destruir el bosque, pero a su vez es una líder humanitaria que rescata a prostitutas y leprosos y les enseña un oficio, haciéndolos útiles y valiosos en una sociedad que los desprecia. Eboshi claramente es filántropa, cree asimismo que la humanidad tiene derecho a la existencia por encima de las demás cosas.

San, en cambio, representa a una naturaleza que se defiende y que detesta a los humanos. A través de Ashitaka ve que no todos son iguales, pero su implicación en ese mundo es tal que ya no hay vuelta atrás. Miyazaki planteó inicialmente a La princesa Mononoke como la historia de una chica y una bestia, al final decidió hacer bestia a la chica, pero no en el sentido en el que solemos representarla desde Occidente, sino de alguien que ha convivido con ellas hasta tal punto que se vuelve una. Estar rodeado de algo te vuelve ese algo. Somos humanos porque convivimos entre humanos.

San y Moro en «La princesa Mononoke». Studio Ghibli.

Eboshi y San son las mayores representantes de estos dos polos opuestos, progreso y naturaleza, que evidentemente confrontan pero que están destinadas a entenderse si quieren sobrevivir.

Hay asimismo mucho simbolismo en Mononoke respecto a los fenómenos meteorológicos que abundan en Japón, tales como tsunamis o tifones (la primera es una palabra de origen nipón y la segunda del chino derivada al japonés) y del concepto de karma: si das algo la naturaleza te lo devolverá, y viceversa.

Héroe masculino rodeado de personajes femeninos

Ashitaka es el héroe de La princesa Mononoke, uno al que Miyazaki quiso hacer atípico (tanto dentro como fuera de su filmografía). Tal como lo cuenta, se trata de un niño que se ve maldito de una forma bastante absurda (como en la vida misma) y que posee un carácter melancólico.

Sin embargo, no es Ashitaka (salvo momentos puntuales) el motor de la narrativa, ya que ésta se mueve principalmente hacia donde se dirigen San (la «princesa Mononoke» del título) o Eboshi. Él hace más de espectador o mediador.

San y Eboshi en «La princesa Mononoke». Studio Ghibli.

«Ellas necesitarán un amigo, o a alguien que las apoye, pero nunca un salvador. Una mujer es tan capaz como cualquier hombre de ser un héroe» es una cita del propio Miyazaki que queda nuevamente demostrado en este título. Existe un paulatino romance entre Ashitaka y San, pero ésta última no aspira a casarse con el príncipe y guarda con recelo (sin llegar a pecar de hostil) su independencia. De hecho, la resolución a este romance, dadas las circunstancias, es el mejor, más sano y satisfactorio que podría habernos dado Miyazaki. San y Ashitaka seguirán viéndose y amándose, pero ninguno va a renunciar a sus mundos y a su independencia por el otro.

Lady Eboshi por otro lado hace las veces de villana (pero heroína a nivel micro dentro de las murallas de Tatara) y lleva las riendas de Tatara sin que le tiemble el puso. Según Miyazaki, creó a Eboshi con una «shirabyôshi» (白拍子, bailarinas que realizaban danzas tradicionales japonesas ataviadas con ropas masculinas) en mente, algo que se percibe notoriamente en el atuendo, porte y actitud desafiante del personaje. Podríamos decir que posee actitudes que en nuestro imaginario asociaríamos a un hombre (y a uno poderoso, para más señas).

Sin embargo, Lady Eboshi posee características redentoras y humanitarias: protege con todas sus fuerzas la existencia de Tatara y rescata a las prostitutas y enfermos que se encuentra en el camino. Lo que nos lleva a que la ciudad de hierro se maneje de hecho de forma similar a un matriarcado: allí las mujeres viven libres y en paz, los hombres no las molestan a no ser que ellas quieran (dicho por una de las habitantes). Mientras los hombres van a las minas o a la guerra, son ellas las que se quedan al cargo y desarrollan el costoso trabajo físico de elevar la temperatura para fundir el hierro, entre otros.

También en palabras del director, decidió que Eboshi fuera una mujer porque quería invertir los roles de género tradicionales y hacer así la historia más interesante. Sirve asimismo como contrapunto a San, como ya hemos expuesto.

Lady Eboshi en «La princesa Mononoke». Studio Ghibli.

Hay más personajes femeninos con relevancia en La princesa Mononoke. Tenemos a Moro, protectora del bosque, líder del clan de los lobos y amada madre de San; o a la oráculo de los emishi, a quien el mismísimo príncipe guarda respeto y reverencia.

El hombre hace la guerra contra el hombre

No solo el progreso confronta contra la naturaleza, en La princesa Mononoke también tenemos el reflejo de la guerra, el hombre enfrentado contra el hombre. No solo Lady Eboshi tiene interés en la destrucción del bosque, sino que el emperador al parecer ansía la cabeza de su espíritu, ya que se rumorea que concede la vida eterna. Uno de los señores feudales bajo los dominios del emperador, Lord Asano, se cruza así en el camino de Eboshi.

Ambos parecen colaborar puntualmente gracias al puente que tiende el personaje del monje Jiko (Kaoru Kobayashi), quien en realidad parece jugar a varias bandas para a la postre ir por su propio camino. La guerra se forma y la confrontación da paso a la destrucción, no solo de la naturaleza sino también de la civilización. A la postre, el ser humano se hace y se deshace por sí solo.

Jiko es otro personaje que puede llegar a resultar antagónico, pero que al final no es más que la representación del materialismo y la ambición del ser humano. Como decíamos al principio, la crítica que hace Miyazaki a la arrogancia del hombre.

Jiko y Ashitaka en «La princesa Mononoke». Studio Ghibli.

No es desconocido que el director nipón es un confeso pacifista. No fue a recoger el Oscar entregado por El viaje de Chihiro como protesta ante la Guerra de Irak y se ha declarado contrario al rearme del ejército japonés bajo el gobierno de Shinzô Abe.

Una belleza extraordinaria

La princesa Mononoke es probablemente la obra más elaborada de Miyazaki, compuesta por 144.000 centímetros cúbicos y 134 minutos de duración. Teniendo en cuenta que al artista le gusta realizar los dibujos a mano, es notorio el trabajo llevado a cabo en los hermosos escenarios y las diversas localidades, ya sea la aldea de Ashitaka, la ciudad de hierro o las profundidades del bosque.

La cinta no es únicamente un prodigio visual, Joe Hisaishi, habitual colaborador de Miyazaki, compone aquí una de sus mejores bandas sonoras, y eso es decir mucho. Los temas de Ashitaka o sobre todo del Caminante Nocturno son puramente mágicos y transmiten desde esa melancolía que caracteriza al protagonista hasta la tristeza e incluso el temor por la pérdida y las consecuencias venideras.

La princesa Mononoke es en definitiva una obra maestra, una de los mejores (¿puede que incluso la mejor?) de Studio Ghibli y de Hayao Miyazaki. Se puede tomar asimismo como la evolución lógica y madura de sus trabajos más íntimos, como Nausicaä del Valle del Viento, con la que comparte más de una similitud. Es un título dirigido a mentes adultas y que puede ser a su vez disfrutado por adolescentes, repleta de mensajes que, aunque ambientada en el período Muromachi, no dejan de ser aplicables a nuestra actualidad.

Moro y Ashitaka en «La princesa Mononoke». Studio Ghibli.

Cambio de perspectivas a medida que creces con Final Fantasy VII

Final Fantasy VII, un clásico en el sector de los videojuegos, salió al mercado allá por 1997. A la espera actual de la llegada de su Remake, cuya vuelta todavía sigue causando sensación (y se espera mucho más para el próximo E3), se asume que los que lo jugaron en el momento de su salida (quizás de niños o adolescentes) ahora ya son evidentemente adultos. Puede que incluso tengan a su vez hijos que disfrutan de este título.

En el caso que nos ocupa, Final Fantasy VII es una de esas obras que marcan, que consideras (con sus imperfecciones) de una calidad superior a otros productos audiovisuales por lo hondo que ha calado. Esta sensación no ha cambiado, pero hemos ido observando con el paso de los años que otros aspectos que lo rodean sí lo han hecho, quizás por ser capaces (con la madurez y la repetición de la historia) de percibir más matices, quizás por el cambio propio que experimenta uno al crecer e ir acumulando experiencias. Enumeremos algunas. Avisamos de que habrá SPOILERS de Final Fantasy VII.

Final Fantasy VII hubiese sido (aún) mejor con otro final

La conclusión de Final Fantasy VII es bastante abierta y puede dejar a los jugadores confusos la primera vez que lo experimentan. ¿Mueren o viven todos? ¿Qué pasa con el planeta? ¿Qué son las risas de esos niños y de dónde vienen? ¿Cómo ha tenido descendencia Red XIII?

Red XIII y su descendencia frente a Midgar. Final Fantasy VII: Advent Children

Aunque la Compilación, años más tarde, se ha encargado de responder con más o menos éxito algunas de estas preguntas, son varias las que siguen en el aire. Es más, algunas de las respuestas de la Compilación casi que mejor no se hubieran dado.

El equipo de desarrollo ya admitió que tuvieron la idea de que todo el elenco moría originalmente en el juego (inicialmente, durante la caída sobre Midgar para detener a Arma). No es descabellado pensar que este fuese el planteamiento inicial con un final tan abierto.

Personalmente pensaba que una conclusión trágica iba más acorde con Final Fantasy VII, y la Compilación en principio no me hizo cambiar de opinión. Sin embargo, parece que con la edad nos sensibilizamos más con estos temas y actualmente disfruto más de finales agridulces e incluso felices, siempre que vaya al compás de la historia y no se muera de diabetes en el proceso. Además, sintiendo un mundo y a unos personajes tan cercanos como estos, con los que llegas a identificarte tanto, al final no vas a desear que sigan pasando penurias.

Cloud y Tifa durante el final de Final Fantasy VII

Un mundo muy como el nuestro

La fecha de lanzamiento de Final Fantasy VII es relativamente cercana y muchos de los temas que aborda ya nos afectaban en la vida real. Lo cierto es que esto se ha acentuado con el paso del tiempo: el cambio climático, la supremacía mundial de las multinacionales (el Ibex35 en el plano nacional), la manipulación de los medios, el desarrollo tecnológico imparable que busca (supuestamente) acomodarnos a cambio de taparnos los ojos sobre determinados asuntos incómodos. Así como en lo visual Final Fantasy VII no ha envejecido tan bien como otras entregas, en el aspecto de historia sí lo ha hecho excepcionalmente.

El elenco de este título, gran culpable en parte de su éxito, también es lo suficientemente mundano. Diseños repletos de colores apagados y grises, personajes complejos con crisis existenciales con los que es fácil que nuestras generaciones se identifiquen.

Hay un miembro del grupo que destaca, Aeris. Esto me lleva al siguiente punto, uno sobre los que mi perspectiva más se ha ido modificando con el paso de los años.

Las guerras de parejas

Ya hemos hablado más detalladamente sobre este punto hace bastante tiempo (lo cuál prueba la intención de esta entrada sobre el cambio de perspectiva con los años), por lo que no voy a expandirme mucho más. Sí lo voy a hacer respecto a mi perspectiva en la relación de Cloud y Tifa y la de Cloud y Aeris, y cómo ambas son igualmente bellas e importantes respecto al personaje (ante todo me declaro fan del rubio y esto sí que no ha cambiado nunca).

Es evidente con el diseño de Aeris que este personaje ya fue concebido para ser especial. Colores excesivamente vivos en un entorno oscuro, flores por todos lados (cuando no crecen en ningún otro sitio en todo Midgar), una personalidad optimista y que mira hacia el futuro… Todo en Aeris rezuma vida y creación. Lo que evidentemente causa que su muerte tenga un mayor impacto sobre el jugador y que, posteriormente, se note su vacío.

Es una estrategia narrativa muy eficaz que Square Enix repetiría posteriormente con Zack (salvo el diseño, por motivos obvios) en Crisis Core con similares resultados, y que no nos extrañaría nada que lo hicieran de forma aumentada y exagerada en el Remake.

La relación que Aeris establece con Cloud sigue esta misma estrategia. La suya es la tragedia griega, la que busca hacer llorar a moco tendido a los espectadores. De nuevo, repitieron fórmula con Zack y la propia Aeris en la precuela. Y de nuevo la gente lloró.

Cloud y Aeris en el último tráiler de Final Fantasy VII: Remake

Frente a esto, Cloud y Tifa pasan como algo mucho más mundano, pero esto es para mí lo más hermoso de su vínculo. Tifa es en este aspecto mucho más realista que Aeris, que resulta casi celestial. Es fácil identificarse con ella, al igual que lo es con Cloud, pues ambos son tímidos, inseguros (a pesar de poseer habilidades que no tendrían personas normales) y, cuando Kazushige Nojima (guionista) lo hace bien, vamos viendo cómo van logrando salir adelante a pesar de los obstáculos externos y de los demonios internos.

Lamentablemente, así como en varios casos Aeris es recordada meramente por su muerte, Tifa lo es por el tamaño de su «corazón», simplificando a estos personajes hasta el extremo y entrando en batallas sobre cuál es más o menos importante o sobre cuál pinta mejor o peor con Cloud (en un juego que de forma evidente dejaba que el jugador fuera eligiendo según simpatías y hasta como recurso humorístico, a pesar de las estrategias narrativas que hemos mencionado).

Aeris es en definitiva el romance pasajero que te marca, Tifa es la persona que siempre va a estar ahí. Las dos importantes no solo por separado, sino además de forma complementaria.

Cloud y Tifa en la cita de Gold Saucer. Final Fantasy VII

Red XIII, ese gran compañero

Cuando jugué a Final Fantasy VII por primera vez contaba con 13 años. Me alucinaron enseguida los aspectos cyberpunk aderezados de rabiosa actualidad del juego, un tono muy melancólico y personajes arrebatadoramente carismáticos. Sin embargo, poca atención le presté a Red XIII, también conocido como Nanaki.

Con el paso de los años, Red XIII ha sido el arquetipo de personaje que ha ido creciendo en mí hasta convertirse en uno de mis favoritos. Similar a Tifa, en él conjugan una personalidad insegura con arrebatos de falsa confianza (véase cuando lo encontramos en el laboratorio de Hojo frente a la confrontación de su pasado en Cañón Cosmo) bajo una apariencia feroz. No por nada, es la morena quien más «confronta» al animal, intentando a la vez reconfortarlo, cuando todos están sumidos en la tristeza y el temor tras los acontecimientos protagonizados por Cait Sith en Gold Saucer.

Es otro de esos personajes con lo que es increíblemente fácil identificarse (máxime si estás en edad de crecer), ¡pero es que además tiene forma de león/lobo parlante con cola de fuego! ¿Qué puede haber más molón que eso?

Maquia, una historia de amor inmortal, hermoso empaquetado que aborda temas universales

Maquia, una historia de amor inmortal (Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou) es la primera película de Mari Okada como directora, tras ser mucho más conocida en su faceta de guionista (que aquí también desarrolla), con títulos como Toradora!, Anohana o El himno del corazón. Para ser su primer título de estas características, cumple de forma más que solvente, pero lamentablemente vuelve a fallar (como ocurriera con El himno del corazón) en una segunda mitad que va decayendo con una ejecución abrupta y confusa, para retomar en una última escena apoteósica donde se saca a relucir toda  nuestra sensibilidad.

Maquia, una historia de amor inmortal narra la historia, ambientada en un mundo fantástico con retazos de la Edad Media europea, de los «iorph», una raza humanoide inmortal que vive apartada del resto de los pueblos y que se dedica a tejer las narraciones de los acontecimientos, de forma muy similar a lo que serían los quipus en los incas o a ciertos tapices. Maquia (Manaka Iwami) es una «iorph» huérfana que aprende a vivir con el sentimiento de soledad que le aporta el paso de los años sin envejecimiento, hasta que un día su vida se ve profundamente alterada por la irrupción de una especie de dragón legendario denominado «renato», que se la lleva de forma accidentada fuera de las fronteras de su pueblo natal. Allí se topa accidentalmente con un bebé humano, también recientemente huérfano, al que decide adoptar y bautizar como Ariel (Miyu Irino en su versión adulta).

Esta es la premisa de un título que aborda sustancialmente lo que significa el paso del tiempo, la familia (especialmente el vínculo maternal), la muerte y la soledad. Y lo hace con buen tino.

Maquia, una historia de amor inmortal. Selecta Visión.

Sin embargo, a pesar de lo interesante de su premisa, lamentablemente acaba resultando algo confusa por los saltos temporales «a trompicones» que se van dando en la segunda mitad. Sale especialmente dañado por ello el arco narrativo de Leilia (Ai Kayano), que empieza siendo muy prometedor y termina de forma abrupta y forzada. Personajes como Krim (Yûki Kaji) o Lang (Yoshimasa Hosoya) van y vienen sin saber muy bien porqué; y el reencuentro con determinada persona (a la que solo se ve durante dos minutos de metraje previamente) hacia el final ya resulta casi surrealista.

Sin embargo, la cinta ofrece momentos que calan especialmente hondo como un determinado fallecimiento en la primera mitad (que sirve de planteamiento base para el abordaje del paso del tiempo y la muerte) y, sobre todo, el final, que es casi lo mejor del guión y que definitivamente hace que se te salten las lágrimas.

Por ello, Maquia ofrece una visión muy interesante y poderosa (no exenta de polémica en Japón) sobre el significado de la maternidad, si lo que te convierte en madre es parir y el consecuente lazo de sangre o el criar y educar a tu hijo; así como la perspectiva cambiante (o no) de uno y otro a medida que pasa el tiempo.

Maquia, una historia de amor inmortal. Selecta Visión.

El otro apartado donde sobresale Maquia es en el técnico. Visualmente hablando es simplemente preciosa, con personajes diseñados por Akihiko Yoshida (Final Fantasy XII, Final Fantasy Tactics, NieR: Automata) y un mundo mágico medieval con muchísimo encanto y potencial. El vuelo del «renato» o la vida de los «iorph» mientras tejen están retratados con una animación exquisita, a la cual acompaña una banda sonora (compuesta por otro veterano en su campo como es Kenji Kawai) instrumental que rezuma sensibilidad y melancolía.

En definitiva, Maquia, una historia de amor inmortal sería un producto redondo de no ser por su atropellada y confusa segunda mitad, que se nota pega algo de bajón respecto a la primera. Eso sí, un apartado técnico exquisito, el abordaje a temas universales ciertamente complejos y un final que es imposible que no conmueva la llevan a muy buen puerto. Con razón guarda tan buenas puntuaciones en portales como RottenTomatoes y Metacritic, siendo, a pesar de todo, uno de los mejores títulos animados del año pasado.