Las shipping wars en Final Fantasy: Parte II. Final Fantasy VII

Como adelantábamos en nuestro repaso de la Parte I, Final Fantasy VII supuso el culmen en muchos elementos dentro de la emblemática saga de Square Enix (antes Squaresoft), y también lo fue en las llamadas shipping wars (guerras de parejas, para que nos entendamos). Las ilustraciones no son nuestras, más quisiéramos.

No era para menos: Cloud podía elegir según preferencias del jugador entre tener una cita con Aerith, Tifa, Yuffie o Barret. Para ello, te daban varias opciones a elegir en los diálogos con estos y otros personajes. Por ejemplo, cuando Cloud se reencuentra con Aerith en la iglesia y ésta le pregunta si se acuerda de ella, el jugador puede elegir entre la opción de «¡Claro!» y «Eras el borracho de la esquina» (algo así, estoy parafraseando). Y así, fueron surgiendo las diversas interpretaciones, debates y discusiones acaloradas. Porque… ¿de quien diablos era la mano del final? Y no es broma, esto supuso horas de discusiones en la red hasta que saliera Advent Children y dedicaran el mismo guiño, esta vez sí, claramente con Aerith.

Dejando de lado las opciones de Yuffie y Barret, que eran las más complicadas de obtener y que perseguían el recurso humorístico, solo nos quedan Aerith y Tifa como potenciales intereses amorosos de Cloud. Esto dio origen a que los fandoms de cada pareja recibieran los nombres de Clerith y Cloti. Pero, ¿por qué sigue tan incendiado el debate, aún en la actualidad (casi 20 años más tarde)? ¿Qué suponen una y otra pareja a nivel narrativa y para las preferencias de los jugadores? Vamos a verlo.

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Cloud y Aerith, Clerith, el reflejo del «amor imposible»

Ojo, que lo de «amor imposible» (o «amor que nunca será») no lo decimos nosotros, sino un anuncio del Final Fantasy VII original allá por 1997. Incluso antes de que saliera el juego al mercado ya estaban preparando el terreno.

Veamos, Cloud y Aerith, Aerith y Cloud. Claramente, Aerith es la representación de «la chica nueva que irrumpe como un torbellino» frente a Tifa, la amiga de la infancia «la vecina guapa con la que todo chico sueña». No es la única historia que ha usado este recurso: seguro que a muchos nos vienen a la mente series como Shigatsu wa kimi no uso (Your Lie In April). Aerith, con su presencia vivaracha y misteriosa, con sus enormes ojos verdes, parece encandilar a Cloud casi desde el principio (si creemos, al menos, la versión narrada en Dismantled (Kaitai Shinsho), cuya oficialidad es discutida todavía hoy en día por los fans, a pesar de que el libreto fuese publicado por Squaresoft). No es para menos, puesto que Aerith está hecha para eso, para encandilar. Sino, su muerte perdería buena parte de su efecto.

Y he aquí que viene el punto que más trunca la posible relación amorosa que pudieran establecer Cloud y Aerith: la muerte de la muchacha a poco más de la mitad del juego. Es cierto que uno de los principales temas de Final Fantasy VII es la vida, y así se refleja en la muerte y en cómo todo queda perdurando en el recuerdo. Aerith muere, pero Cloud y los demás siguen recordándola en varios momentos del juego y en Advent Children. Pero admitámoslo, establecer un romance con un fallecido es… ¿imposible? ¿contraproducente? ¿insano? Así que el encanto de esta relación yace en su imposibilidad, en su dramatismo de lo que «pudo ser» (sobre todo si hacemos caso a las predicciones de Cait Sith), en que perdure más allá de la muerte.

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Otro punto que defienden a capa y espada los fans del Clerith es que Cloud parece mostrarse mucho más abierto (y afable) con Aerith que con el resto de personajes (incluyendo a Tifa). Es cierto que Cloud es un caos mental y de recuerdos confusos durante buena parte del juego, pero también lo es que sí, con Aerith se muestra más jovial (no por nada, la única escena en la que ríe durante todo el juego es con Aerith y en Advent Children se hace hincapié en su sonrisa cuando ve finalmente a su amiga fallecida). Por otro lado, ¿qué significa esto en el plano romántico? Puede que Cloud y Aerith tengan una química especial (en mi opinión, la tienen), pero también que Aerith tenga esa forma de ser que saca la parte más optimista de todos. No le pasa solo a Cloud, sino también a Tifa, por ejemplo. Ésta última, en cambio, es más tímida e introvertida, lo que no da lugar a que Cloud (otro tímido e introvertido) saque su lado más jocoso. Y no, no creemos que sea por los efectos de Zack. Cloud confunde sus recuerdos con los de Zack, pero las personalidades de ambos son totalmente diferentes a lo largo de todo el juego (Zack nunca se muestra tan borde como Cloud al principio, y un largo etcétera).

Así que, ¿qué más queda de Cloud y Aerith? Pues que las secuelas y spin offs de Final Fantasy VII también han puesto su granito de arena. Ya hemos mencionado a Advent Children, pero la florista también hace un cameo junto a Cloud en juegos de la compañía como Final Fantasy Tactics, la saga Kingdom Hearts (el primer Kingdom Hearts puede ser hasta revelador en este sentido), el Itadaki Street Special, Final Fantasy Record Keepers, etc.

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Cloud y Tifa, Cloti, el amor que perdura en el tiempo

Como decíamos en el apartado anterior, mientras que Aerith es «la chica nueva que deja una enorme impresión», Tifa es «la amiga de la infancia», la que siempre está ahí de una forma u otra. En realidad, Tifa y Cloud no eran tan amigos de niños, pero lo cierto es que la chica es el principal vínculo del rubio con su pasado (punto muy importante en el juego y que lleva a una escena muy reveladora: la de la Corriente Vital).

Tifa no solo destaca por ser el nexo de unión entre Cloud y su pasado, sino por su absoluta devoción hacia el protagonista durante años y años (concretamente, desde que éste se fuera a Soldado). Algo que conmueve a un gran número de jugadores hasta el punto de haber convertido a Tifa en la favorita de muchos (admito que a mí, en cambio, este punto de la morena me echa bastante para atrás, lo cual demuestra lo mucho que plasmamos nuestras formas de ser y preferencias en todo lo que nos rodea). Cuando Tifa se pone seria, en cambio, y muestra ese lado más maduro y maternal, es cuando pienso que mejor sabe llevar y complementa a Cloud (que en ocasiones es un absoluto lío de inmadurez emocional). Por ejemplo, cuando le deja las cosas claras en Advent Children, o durante la susodicha escena de la Corriente Vital.

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La otra gran baza para los Cloti es, básicamente, que Tifa es la chica que queda con vida. Y además ella, Cloud, Barret y Marlene se van a vivir juntos tras los acontecimientos de Final Fantasy VII (claro que esto a su vez puede jugar en contra de la pareja, puesto que Square Enix y su eterna ambigüedad nunca los llega a mostrar como claramente juntos, a pesar de la convivencia). Sin embargo, Cloud y Tifa son jóvenes, y tienen toda una vida por delante, por lo que la imaginación del fan tiene muchísimo más margen de movimiento que con el caso de Aerith. Además, no todos, pero sí muchos miembros del fandom de esta pareja son asimismo fans de Zack y Aerith, por lo que el final sería aparentemente feliz para todos. Es, por así decirlo, la versión «happy end», que no puede ocurrir con Cloud y Aerith (¿por qué creen que aún a día de hoy se sigue pidiendo la posibilidad de resucitar a la muchacha en algunas partes del fandom?).

En cuanto a Cloud y Tifa, la Compilation y juegos posteriores relacionados con Final Fantasy VII se han encargado de darles más protagonismo. Es el caso de Kingdom Hearts II, Crisis Core, Final Fantasy Dissidia 012, Final Fantasy VII G-Bike, etc.

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Poco más que decir. En realidad, pueden leerse kilómetros de tinta sobre teorías sobre ambas parejas, o por qué una es más válida que la otra. No pretendíamos que ese fuera nuestro cometido (y también tenemos nuestros favoritos, como todos), sino realizar un resumen sobre cuáles son los puntos fuertes de una y de otra, o lo que más plasman los fans de ambas. Si somos sinceros, nosotros pensamos que cualquiera de las parejas puede darse dentro del juego, ya que dan opciones para que ocurra en ambos casos (muertes aparte, si nos ceñimos a los sentimientos de Cloud). El resto, final abierto mediante (y grandes dosis de sacar pasta por parte de Square Enix), lo dejan a la imaginación del jugador. Sí, es cierto que Cloud ha sido nombrado como «el amante (koibito) de Aerith» en una novela posterior escrita por Nojima, pero en cualquier caso Tifa también ha tenido y tiene otros puntos a su favor. Vamos, que una no invalida a la otra.

Trataremos más sobre Zack, Aerith y otras posibles parejas surgidas a raíz de la Compilation de Final Fantasy VII en la Parte III. Hasta dentro de dos semanas, jóvenes padawans.

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Edición coleccionista de Final Fantasy XV: Kingsglaive y más novedades

Acaba de finalizar un Active Time Report lanzado por Square Enix, centrado especialmente en la película de Final Fantasy XV: Kingsglaive, estrenada el 9 de julio en Japón y el próximo 19 de agosto en Estados Unidos (donde, al parecer, algunos afortunados podrán adquirir una postal dibujada para la ocasión con Nyx, Libertus y Crowe). También se ha confirmado que estará en algunos cines alemanes a partir del próximo 258, y que hay una premiere el futuro 15 de septiembre en los cines Le Grand Rex de París. La película, que cuenta en su versión en inglés con las voces de Lena Headey, Sean Bean y Aaron Paul, no parece que vaya a ser lanzada en carteleras de España (al menos de momento).

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En esta ocasión, se ha revelado que la película contará con una edición coleccionista, al menos en Japón. Tendrá dos versiones: una con videojuego de Final Fantasy XV incluido y otra sin él (la primera costará unos 178 euros y la otra unos 86 en Amazon Japan). En cualquier caso, ambos formatos traerán la edición blu-ray de Kingsglaive con contenido adicional como entrevistas y making off, la edición blu-ray del anime Brotherhood con más de 98 minutos de contenido extra (que incluirá, entre otros, el primer encuentro entre Noctis y Luna) y un libro de arte. Todo irá guardado en una preciosa caja para la ocasión.

Se ha confirmado asimismo que la banda sonora de Kingsglaive estará disponible a partir del 7 de septiembre. No irá incluida en ninguna de las ediciones de la película (al menos hasta la fecha).

Además, aunque no han querido adelantar más detalles, han anunciado que Kingsglaive se emitirá en versión 4D en un futuro cercano.

Por lo demás, la versión digital de la película será lanzada el día 30 de agosto a nivel mundial, con audios japonés e inglés. Han avisado de los canales por lo que podrá obtenerse la cinta, a continuación:

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Asimismo, y para poner la guinda en el pastel, han advertido de que habrá una emisión especial de Kingsglaive (se desconoce cuándo, y al parecer será solo en televisiones de Japón), que tendrá contenido adicional de hasta 22 minutos.

Eso es todo por ahora, al menos hasta el 28 de agosto, que será cuando lancen otro Active Time Report contando toda la información del Universo Final Fantasy XV recopilada durante la Gamescom (que se celebrará los próximos días 18 a 21 de agosto).

¿Tiene Escuadrón Suicida posibilidades de convertirse en una película de culto?

NOTA: Antes que nada, no, no vamos a afirmar que Escuadrón Suicida (Suicide Squad) sea una película de culto, ni tampoco vamos a intentar justificarlo (ni todo lo contrario). Mucho menos cuando solo lleva tres días en cartelera. Sin embargo, vamos a intentar hacer un ejercicio adivinatorio y algo pensante cobre por qué QUIZÁS, y solo QUIZÁS, dados algunos síntomas iniciales, Escuadrón Suicida PODRÍA llegar a ser tratada, con el tiempo, como una película de culto.

En la Wikipedia, ese gran templo de sabiduría, se define a las películas de culto como lo siguiente:

Las películas de culto adquieren tal estatus debido a la respuesta positiva que reciben por una parte significativa, pero limitada, de la audiencia o de la crítica a causa de su trama, su original estética, su anómala estructura narrativa o su especial relevancia en el contexto de la historia del cine.

(…) Grosso modo, y en un sentido estricto, puede afirmarse que una película alcanza el estatus de película de culto cuando es capaz de producir admiración y reconocimiento en un grupo de espectadores o críticos lo suficientemente amplio como para asegurar su continuidad como pieza cinematográfica significativa, pero demasiado limitado como para catapultar la obra al reconocimiento general.

Varios ejemplos de cintas de culto son: Blade Runner, The Terminator, Depredador, The Rocky Horror Picture Show, Donnie Darko, El club de la lucha, Dentro del laberinto, The Warriors, y un largo etcétera. Quizás hayáis visto una, varias, o todas las mencionadas, pero por poner un elemento común a todas: no fueron, inicialmente, bien recibidas por la crítica especializada (el estreno de Donnie Darko de hecho fue bastante limitado debido a que coincidió con el ataque a las Torres Gemelas). También puede suceder lo contrario: que una película sea inicialmente bien recibida por la crítica, pero no por el público, hasta que con el paso del tiempo ésta va quedando establecida por unos y por otros como de culto.

¿Qué elementos reúne Escuadrón Suicida como para poder llegar a ser considerada dentro de semejante grupo? Pues veamos…

Recepción inicial por crítica y público

Sobre todo en medios norteamericanos. Una vez retirado el embargo, empezaron a aflorar críticas que ponían a la cinta de David Ayer terriblemente mal. Desde asegurar que, si odiabas a alguien, lo mejor era regalarle un pase para ver Escuadrón Suicida; hasta asegurar que era aún peor que la última de Los 4 fantásticos o Linterna Verde. Otras, en cambio, le dan un aprobado pero sin llegar a considerarla ninguna obra maestra (que no lo es).

Pongamos ahora por ejemplo algunas de las críticas recibidas por Blade Runner al poco de estrenarse. La cinta de Ridley Scott fue tachada de lenta, aburrida y carente de desarrollo en cuanto a los personajes. Incluso llegaron a tacharla de «ciencia ficción pornográfica». Otros, por el contrario, se limitaron a aventurar su trascendencia en el tiempo, y acertaron.

¿Qué es lo que sí está teniendo Escuadrón Suicida? Era de esperarse, pero una gran acogida por parte del público. Hasta el momento, lleva recaudados 267 millones de dólares en taquilla, lo que la ha convertido en el mejor estreno en un mes de agosto y en el tercer mejor estreno de lo que llevamos de año. Las opiniones por parte de los fans varían, y hay quienes la tachan de basura frente a otros que aseguran que es una obra maestra. En medio, otros quienes la ven como un mero entretenimiento con algunos fallos (alguno bochornoso). En definitiva: la polémica está servida.

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Y esa es una de las bases para una película de culto: la polémica. Porque no todos estaban de acuerdo en que The Warriors fuese una película que pasase a la posteridad aún varias décadas después de su estreno (en 1979). Algunos incluso se avergonzarían al ver Dentro del laberinto en cines allá por el año 1986. Otros directamente se pegarían una buena siesta con Blade Runner (admitámoslo, no tiene el ritmo más trepidante). Sin embargo, hay una parte bastante representativa del público que ha visto estas películas que las han defendido a capa y espada, como si les fuese la vida en ello, y ellos son en cierta forma los transmisores del legado. Si un porcentaje de fans tan representativo y tan ruidoso como el que parece estar teniendo Escuadrón Suicida continuase de la misma forma por unos años, quizás podríamos estar hablando de una película de culto. Y no, no me refiero solo a fans de DC Cómics. Porque si se tratase solo de los fanboys y fangirls de esta editorial, entonces Batman v Superman también sería susceptible de ser una película de culto (y quién sabe…). Pero, para nosotros, ¿por qué Escuadrón Suicida sí tiene las papeletas y la cinta de Snyder no? Siguiente punto.

La estética, los personajes y la forma de contarlo

No, no vamos a atrevernos a asegurar que Escuadrón Suicida es la panacea de la innovación en el cine de superhéroes (o en el cine, a secas). No lo es. Su trama es hasta previsible y del montón, y el guión es de hecho uno de los puntos flojos de la película. Entonces, ¿qué?

La estética, la atmósfera, lo que rodea a Escuadrón Suicida. Primero, que no se toma a sí misma muy en serio (como sí lo hace, en demasía, Batman v Superman). Tampoco lo hace Deadpool, pero ahí va nuestro siguiente punto: en la estructura, Deadpool acaba siendo más del montón y hasta sucumbe ante el acto (anti)heroico (aunque egoísta, no basado en salvar a ningún grupo social) del protagonista. Tres cuartos de lo mismo sucede con Guardianes de la galaxia,  con la que suele comparársela más. En este sentido, Marvel no toma prácticamente ningún riesgo y acude al entretenimiento fácil y asegurado (en lo cual, salvo pocas excepciones, son todo unos expertos, hay que decirlo). En cambio, el montaje mismo de Escuadrón Suicida es tan raro, tan forzado en ocasiones, que hasta acaba por darle una apariencia de película «extraña», aunque en el fondo no lo sea tanto (y esperemos a que haya una versión extendida, del director o algo).

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Lo que nos deja a los personajes. Es la primera vez que se presenta en cine a personajes como Harley Quinn o Deadshot, además de a un nuevo Joker con la piel de Jared Leto (un actor ciertamente reconocido y con su particular legión de fans, ya sea por su labor en el mundo del cine o en el de la música, o ambos). Esto ha levantado no pocas expectativas entre el público, lo cual ha podido influir en cierta percepción de decepción que ha acompañado al estreno de la película. ¿Pero qué sucede cuando dejamos pasar el tiempo y el hype inicial ha vuelta a bajar o, simplemente, se ha auto regulado? Es ahí donde sabríamos si Escuadrón Suicida pasa la prueba o no: ¿la decepción ha sido por tratarse de una cinta horrorosa… o porque las expectativas estaban demasiado altas?

Profundizando en los personajes, es probablemente el punto más fuerte de Escuadrón Suicida (y de la trayectoria de su director, David Ayer): unos villanos (no confundir con antihéroes, otro punto que los aleja de Deadpool o Guardianes de la galaxia) que, obligados por una señora aún más cabrona, se ven envueltos en una misión para salvar… ¿el mundo? ¿Gotham? ¿la carrera interpretativa de Cara Delevigne? Aunque tampoco se vea muy claro, no hace falta (en The Warriors un grupo de pandilleros marginales tenían como único objetivo poder regresar a casa sin morir en el intento, y en Dentro del laberinto no sabemos si al final Sarah está salvando a su hermano, alcanzando la madurez, o dejándose querer por Jareth). Es en parte ese aparente desorden (que mencionábamos asimismo junto con el montaje), que abre puertas a varias y dispares interpretaciones (y debates) entre los fans, lo que a veces da ese encanto a las películas de culto. Aquí, con Harley Quinn y Deadshot (los más destacados a lo largo de la cinta) no nos topamos con héroes oscuros y byronianos, sino con villanos y asesinos, que en algunos casos están como las maracas de Machín. Sí, es verdad que al final tienen un discurso pro-amistad muy bonito, pero lo cierto es que son los amigos más disfuncionales con los que puedes toparte. Algo similar ocurre con la relación amorosa entre Harley y el Joker, rebajada bastante en la película (si al Joker de la serie animada le dijeran de ir a rescatar a su chica, él probablemente… ¿se reiría en tu cara?). Sí, muy bonita, el Joker rescata a su novia, la extraña, tal… pero siguen siendo sumamente disfuncionales. ¿Cómo no serlo? Son villanos. Si el Joker empezara a mostrarse caritativo y solidario con los demás dejaría de ser el Joker y pasaría a ser considerado… no sé, el Jared Leto del sueño de Harley Quinn en la película que nos ocupa, por ejemplo.

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Otro punto es la estética de los mismos personajes, la cual ha generado a su vez polémica. Sí, el Joker de Jared Leto parece sacado de una mala noche de Marilyn Manson, pero tiene su punto llamativo (y hasta explicativo: este Joker es un rey de la mafia ante todo, o eso es al menos lo que parecen haber querido transmitir). Harley parece una choni tras una mala borrachera y bailes de discoteca, pero, sexualización del personaje aparte, su estética es llamativa y, sobre todo, no desentona con la interpretación de Margot Robbie. ¿Qué apostamos a que en próximas convenciones la cosa se llena de Jokers y Harleys de Escuadrón Suicida?

El villano es tan bochornoso que hasta puede llegar a ser considerado de culto

Sí, no nos hemos vuelto locos. Pensemos en los Power Rangers, ¿quien no se acuerda de la serie televisiva? Pues eso. Que a veces algo llega a ser tan pero tan cutre… que pasa a ser considerado de culto. Y las risas que se echa uno con sus amigos, ¿qué?

En conclusión… solo el tiempo lo dirá, que es el principal factor para que una película se convierta en de culto. A pocos días de su estreno, sería irrisorio llamar a Escuadrón Suicida «de culto». De seguir con la férrea división de opiniones, más allá del típico Marvel contra DC y teorías conspirativas, y por los puntos comentados, Escuadrón Suicida PODRÍA llegar a ser considerada de culto por ese sector de fans que ven en ella poco menos que una obra maestra. Al fin y al cabo, a veces el cine no se trata de ser lo más perfecto técnicamente, ni de contar la mejor historia jamás plasmada en un guión, sino de levantar pasiones imperecederas.

P.D.: Con la banda sonora que tiene, suma puntos.

Escuadrón Suicida: o cómo la crítica vuelve a cebarse (SIN SPOILERS)

Quien no haya oído hablar de Escuadrón Suicida (Suicide Squad) durante los dos últimos días es que ha estado viviendo en una cueva (o disfrutando en la playa, lo cual también es probable y mucho más sano). Tras sus varios pases de prensa en los días anteriores, los críticos saltaron contra ella sin piedad (hoy por hoy lleva un 26% de críticas positivas en Rottentomatoes y un 41% en Metacritic). Sin embargo, la cinta de David Ayer está lejos de ser el despropósito que muchos han augurado (sin ir más lejos, la crítica de la revista Forbes aseguraba que era aún peor que la última aventura de Los 4 Fantásticos).

Por el principio: Escuadrón Suicida narra las desventuras de un grupo de peligrosos y psicopáticos reclusos del universo de DC Cómics. Entre ellos destacan Harley Quinn (interpretada por Margot Robbie) y Deadshot (Will Smith). Al frente de la cámara se encuentra el mencionado David Ayer (Fury, Street Kings), quien también hace las veces de guionista (en su haber como escritor se encuentra el libreto de Training Day). Entre el resto del reparto encontramos nombres como los de Viola Davis, Cara Delevigne, Jay Hernández, Jai Courtney, Joel Kinnaman… y, por supuesto, Jared Leto. Todo un reparto que no hacía más que presagiar un producto de calidad. Sumémosle una ingeniosa campaña de marketing donde se ha destacado especialmente al Joker de Leto, y las expectativas estaban ya situadas por las nubes. Nada más lejos de la realidad: el reparto cumple, sí, pero solo aquéllos que tienen tiempo para lucirse (Harley Quinn, Deadshot, Amanda Waller), y el Joker de Leto… está, sí, pero como punto de partida y apoyo al personaje de Harley Quinn. En realidad, es como debe ser, puesto que el Joker nunca fue un miembro propiamente dicho del Escuadrón en los cómics; pero la Warner sí ha arriesgado bastante dándole tanto protagonismo durante la promoción. ¿Resultado? Gente que esperaba encontrarse con una película titulada «El Joker, su novia y sus amigos«. Y no es así en absoluto.

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¿Quiere decir esto que sea un mal aspecto de la película? Para nada. De hecho, Robbie y Smith son de lo mejorcito que hay por Escuadrón Suicida. Y Leto, para lo limitado que se encuentra (habría que ver todas esas escenas que, dicen, se eliminaron en el montaje), cumple. Su Joker no es tan histriónico como el de Nicholson, ni tan «genio» como el de Ledger (en nuestra opinión, el que sigue siendo mejor Joker hasta la fecha), pero sí muestra un aspecto más amenazante (también seductor) del príncipe del crimen. Recalco este último aspecto porque es lo que más se nos muestra de este Joker: que es un criminal, con todo su grupo de secuaces y que se mueve por el hampa de Gotham como por su casa. Nosotros al menos esperamos poder ver más de él en las futuras cintas de Batman que ya se están preparando junto con Ben Affleck (el cual, por cierto, también realiza agradecidos cameos). Se agradece, eso sí, que por una vez sea el personaje del Joker el que tenga que bailar al son de Harley Quinn, y no a la inversa (que es lo que suele suceder en el universo DC). Incluso se han rebajado bastante algunos aspectos abusivos de la relación amorosa entre ambos villanos que sí se han plasmado en los cómics y en la serie animada (sin que el Joker llegue a ser tampoco  una hermana de la caridad).

En cuanto a la historia, es quizás donde más sufre Escuadrón Suicida: tras un potente primer acto, donde se nos presenta a todos los personajes y la situación general de una forma bastante llamativa (también en lo visual); se da un salto a un segundo acto que sigue manteniendo el tipo; para finalizar en un tercer acto que es una gran ida de olla, y no necesariamente en el buen sentido. Llama la atención el estilo narrativo, que, sin llegar a salirse de la línea planteada y segura, sí transmite en algunos momentos sensaciones de cierto desorden. Como si la narrativa quisiera liberarse y no pudiera (similar a lo que sucede con los protagonistas del Escuadrón). El final, como adelantábamos, es un conjunto de efectos visuales psicodélicos (la propia Harley hace mención a esto) y, en ocasiones, mareantes, para terminar en algunos sinsentidos del guión (y que no queremos mencionar para no hacer spoilers). Por ello, la que más sufre es el personaje interpretado por Cara Delevigne, totalmente desdibujado y que lo único que hace es tambalearse (literalmente), como si fuera alguna especie de miembro tribal.

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Otro apartado a destacar de Escuadrón Suicida es su banda sonora, con temas realmente conocidos por todos y que resulta imposible no tararear o moverse en la butaca con ellos (Sympathy For The Devil, por ejemplo). Es comprensible que el sobreuso de estos temas pueda llegar a saturar a algún espectador. Admito que no ha sido mi caso, acostumbrada como estoy a los vídeos hechos por fans de cualquier serie, anime o película que se pueda venir a la mente.

En definitiva, Escuadrón Suicida, sin llegara ser una gran obra maestra, cumple. Al menos me entretuvo bastante más que Batman v Superman, con la que por cierto ha sufrido alguna (inevitable e injusta) comparación. Nada más lejos de la realidad: ambas cintas solo tienen en común el mismo universo cinematográfico de DC/Warner. El tono general y el ritmo del guión son mucho más trepidantes y vivos en la cinta que nos ocupa, alejándose de tramas pseudofilosóficas revestidas con grandes dosis de depresión. Y eso que en nuestra crítica nosotros defendimos (y bastante) a Batman v Superman. Ansiamos poder ver más de los personajes de Escuadrón Suicida (a nivel cinematográfico), especialmente de Harley Quinn, el Joker y Deadshot, en un futuro, esperemos, no muy lejano.

P.D.: Saliéndonos un poco de la crítica, queremos aprovechar para recordar  que durante TODO EL FIN DE SEMANA, tendremos TODOS nuestros productos de Escuadrón Suicida rebajados a un 20%.

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Mascotas: diversión y bonito pasatiempo

Servidores hemos sido varios de los afortunados de haber podido asistir hoy a la premiere de Mascotas (The Secret Life Of Pets) y lo cierto es que, no sabemos si por el ambiente general en la sala (en su 75% niños), o por el buen rollo que desprende la cinta, lo hemos pasado como enanos.

Dirigida por Yarrow Cheney y Chris Renaud, quienes ya estuvieron al mando de las aventuras de cierto villano y sus minions; y con guión de Cinco Paul y Ken Daurio, otros veteranos de Illumination, parece que el planteamiento de principio a fin es hacerlo pasar bien. El punto de partida es sencillo y, por qué no decirlo, bastante cercano a una aventura de juguetes que todos conocemos: Max es un perro que vive tranquila y felizmente con su dueña Katie, hasta que irrumpe en sus vidas Duke, un enorme y peludo mestizo al que Katie acaba de adoptar. Celoso por la repentina irrupción de su nuevo «hermano», Max empezará a idear cómo podría deshacerse de él, o establecer quién de los dos es el macho alfa, hasta que se forma entre ambos una rivalidad con dramáticas consecuencias.

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Como vemos, un argumento que no es nada del otro mundo. Sin embargo, el punto fuerte de Mascotas viene dado por su enérgico ritmo, que no decae, y unos carismáticos personajes con forma animal, desde el halcón Tiberius hasta el «adorable» conejito Pompón. Si bien la rivalidad entre Max y Duke contiene fuertes similitudes con aquella de un vaquero y un guardián espacial, también es cierto que ambos se distancian lo suficiente de aquéllos como para poder establecer su propia personalidad. Duke, por ejemplo, contiene más «mala baba» inicial que el juguete que no sabía que lo era. El resto de secundarios también cumplen, llevándose de hecho varias escenas que son lo mejor de todo el metraje: ya sea Bridget y su primer encuentro con Tiberius, o Pompón recordando a su aliado caído Ricky, entre otras.

La trama, como decíamos, fluye sin más mediante su sencilla premisa, logrando así un buen entretenimiento veraniego para niños y mayores. No esperemos nada del calado emocional al que nos tiene acostumbrados Pixar y, de hecho, hay alguna oportunidad en este sentido desaprovechada en el guión. Sin embargo, saldrás del cine con una sonrisa de oreja a oreja. Especialmente si tienes una mascota, con lo que es probable que además te sientas identificado en algún momento de la película (nosotros soltamos varias veces aquel comentario de «oooooh, como nuestro perro/gato **inserte nombre de la mascota**»).

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En cuanto a la animación, a un producto que busca divertir y amenizar, además hacerlo mediante personajes de lo más monos, va acorde. El estilo es muy a lo que nos tienen acostumbrados con Gru y sus minions: personajes caricaturizados, colores vivos y llamativos, cero oscuridad y mucha expresividad (llagando a su punto máximo con Pompón). La banda sonora, compuesta por Alexandre Desplat y con algunos temas como el famosísimo Happy de Pharrell Williams, o Welcome To New York de Taylor Swift, acompaña asimismo al tono generalizado de la cinta.

En definitiva, Mascotas es una buena apuesta para pasar un rato de puro y sincero entretenimiento, ya sea con niños o sin ellos. Pero, especialmente, si tienes alguno de esos bichitos en casa y que sabes que, llegues a la hora que llegues, te recibirán como nadie.

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Star Trek y la lucha contra el racismo

Star Trek me evoca directamente a un imaginario latente en mi mente y mi corazón. Poder ver por fin una  humanidad unida, que ha podido contactar con otras civilizaciones extraterrestres y que pertenece a una federación de planetas, en constante progreso y con la única finalidad de poder derribar las barreras del espacio y del tiempo.

Su creador, Gene Roddenberry, imaginó y plasmó esta maravillosa serie de aventuras, donde la Tierra se encontraba en una constante armonía. Esta futura Tierra había superado el hambre, el materialismo y las guerras. Y se alejaba de diferencias políticas, de credo o raciales, algo que en la época de su emisión, difería notablemente del mundo real. En los años 60, el país de procedencia de Roddenberry, los Estados Unidos, se encontraban inmersos en plena guerra con la Vietnam comunista, y en el país norteamericano se debatía y se llevaba a cabo una sangrienta lucha por los derechos civiles de los afroamericanos.

En  estos turbulentos tiempos, la popular serie de ciencia ficción efectuaría un acontecimiento para la historia de la televisión.

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En 1968, en el capitulo 67 de la tercera temporada, William Shatner (el capitán Kirk) y Nichelle Nichols (la teniente Uhura) protagonizaron el primer beso interracial de la televisión (con permiso de Sammy Davis Jr. y Nancy Sinatra en la serie británica Emergency Ward).

Este mítico capítulo se titulaba ¨Los hijastros de Platón¨, fue escrito por Meyer Dolinsky y dirigido por David Alexander. En esta ocasión, la tripulación del Enterprise se encuentra con una raza inmortal, demente y sádica, que utiliza la telequinesis y que emula a la sociedad de la antigua Grecia.

El beso en cuestión es involuntario, ya que fue forzado por los efectos de la telequinesis, seguramente para evitar, en una mayor medida, la polémica por un romance entre los dos personajes.

Es importante resaltar la aportación positiva  de los dos actores protagonistas a que el beso se publicase, ya que la NBC primero intentó que el beso lo protagonizase Spock, algo a lo que Shatner se opuso rotundamente. A continuación, la cadena obligó a que se rodaran dos escenas, una con el ósculo y otra sin él.

En esta ocasión, una vez filmada la primera a la perfección, los dos actores boicotearon la segunda actuando de una forma infame, obligando al director  a utilizar la primera sin más remedio.

Los ejecutivos de la NBC estaban preocupados por despertar la ira de las zonas del sur del país, cosa que sí ocurrió, con la consecuencia de censurarse en algunos estados, tachándolo de  inmoral y antinatural.

Este momento fue aplaudido por muchos ciudadanos que estaban a favor de la libertad de los derechos civiles, y automáticamente se convirtió en uno de los momentos más dignos y emotivos del género, haciendo a la ciencia ficción una categoría vanguardista y rompedora con el sistema establecido.

Star Trek se convirtió en una serie paradigmática, donde quizás ahora deberíamos reflexionar acerca de muchas series actuales y películas, que se alejan de estos contextos en pos de un festival de explosiones y efectos especiales.

Esta serie criticó férreamente al capitalismo salvaje, la sociedad de Star Trek se basaba en una meritocracia donde el dinero ya no existe, y que luchaba siempre contra las tiranías.  Y qué decir de la propia teniente Uhura, una mujer negra oficial de comunicaciones de la nave. Como curiosidad, hay que reseñar que la actriz que la interpretaba, Nichelle Nichols, quiso dejar la serie después de la primera temporada en 1976, pero el propio Martin Luther King la convenció, indicándola que era un modelo a seguir, siendo todo un ejemplo para las minorías étnicas.

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La serie original fue memorable y planteó muchos temas interesantes. Esto lo está escribiendo un fan de Star Wars, pero por supuesto, sé apreciar la importancia y el contenido maravilloso que tenia y la notable influencia que aportó a la sociedad en general.

En la actualidad está a punto de estrenarse Star Trek: Beyond, la tercera parte de esta nueva trilogía, que sinceramente he disfrutado bastante, pero donde sí es cierto se echan en falta los planteamiento filosóficos, políticos o morales de la clásica o de la nueva generación.

Por último, cabe resaltar que en esta ocasión aparecerá el primer personaje abiertamente homosexual de la saga: Hikaru Sulu. Esto se debe principalmente para homenajear al actor que lo interpretó en la serie original, George Takei, un hombre que dedicó gran parte de su vida a luchar por los derechos de la comunidad homosexual.

Un ejemplo de que el espíritu sigue vivo.

Paz y prosperidad, hermanos.

Novedades del Universo Final Fantasy XV: Season Pass y doblaje al castellano de Kingsglaive

Tras más de diez años de desarrollo, parece mentira que solo falten menos de dos meses para el lanzamiento de Final Fantasy XV. Para hacer la espera más llevadera, Square Enix nos tiene preparados el lanzamiento en formato digital de la película de Final Fantasy XV: Kingsglaive, a partir del día 30 de agosto. Antes de eso, se espera su estreno en cines de Estados Unidos para el 19 del mismo mes. Lamentablemente, de su posible presencia en carteleras españolas todavía no se sabe nada, pero Sony Francia ha anunciado una premiere europea en los cines Le Grand Rex de París. Será el 15 de septiembre a las 20.30 horas y los tickets cuestan 10 euros.

A pesar de la ausencia (al menos por ahora) de Kingsglaive en cines españoles, Sony ha avisado mediante nota de prensa de que la película llegará doblada al castellano. Todavía se desconocen los detalles, pero lo que es seguro es que la edición blu-ray vendrá, por lo menos, con audio español e inglés.

kingsglaive francia 2

 

Cambiando de tornas, Square Enix subió ayer a la Play Station Store una edición digital premium de Final Fantasy XV que vendría acompañada de un Season Pass. Costará US$84,99 (unos 75 euros) y saldrá el mismo día que la versión física: 30 de septiembre. En cuanto al Season Pass, se han podido descubrir más detalles del mismo a través de la Play Station Store japonesa. Al parecer, contendrá seis episodios de contenido descargable, cuyos títulos serán:

  • Final Fantasy XV Booster Pack
  • Final Fantasy XV Episodio de Gladiolus
  • Final Fantasy XV Pack de vacaciones
  • Final Fantasy XV Episodio de Ignis
  • Final Fantasy XV Episodio de Prompto
  • Final Fantasy XV Pack Expansión

Se desconocen más detalles sobre el Season Pass y sobre la versión digital premium, dado que Square Enix todavía no se ha pronunciado sobre ninguno de ellos. Estaremos atentos a novedades, especialmente de cara a la Gamescom, que se celebrará del 17 al 21 de agosto, donde, entre otros, se mostrará una nueva demo y se proyectará el cuarto capítulo del anime Brotherhood, centrado en Ignis.

ffxv prompto noctis

Los sueños pueden hacerse realidad, o algo parecido…

Los sueños siempre han sido una puerta  hacia el lado más imaginativo del ser humano, son una verdadera línea directa hacia nuestro subconsciente y, por qué no decirlo, también hacia nuestra querida musa.

Quién sabe si lo que soñamos es fruto de nuestra propia imaginación o en su defecto una canalización a un recuerdo  arraigado en nuestros genes o nuestra consciencia colectiva, tal y como reflejaba Carl Jung  en sus teorías en relación a los sueños.

En las artes hemos tenido creaciones increíbles y maravillosas debidas a estos, y en este articulo me gustaría resaltar varias creaciones o personajes del mundo literario o cinematográfico.

El extraño caso del doctor Jekyll y Mister Hyde:

El escritor escocés Robert Louis Stevenson escribió este clásico del terror debido a una horrible pesadilla. Esta le tuvo  que impresionar tanto que la finalizo en tres días, prácticamente sin descansar. El relato lo rechazó su mujer, muy probablemente por la oscuridad del mismo (quién sabe si Hyde se acercaba demasiado a los lados más turbios del autor), por lo que no hubo más remedio que realizar una segunda escritura,  con una gran aceptación por parte del público.

Dr_Jekyll_and_Mr_Hyde

 

Frankestein o el moderno Prometeo

Aunque el origen de la que para algunos es la primera obra de ciencia ficción se gestó durante el verano Boreal de 1816, el año sin verano, en una visita a la casa de Lord Byron en Suiza, junto a su marido, Percy Bhysse Shelley y Jhon Polidori (ese mismo día Polidori creó la primera historia de vampiros moderna), se cree que varios sueños inquietaron a la escritora y ayudaron a la creación de esta novela.

Mary Shelley perdió a su hija con tan solo 12 días de vida, y en uno de sus viajes oníricos, sueña con revivirla masajeándola en una hoguera. También se conoce que a los pocos días de esta cita tan ilustre, tuvo una pesadilla que inspiró el cuarto capítulo de Frankestein.

Frankenstein

 

Misery

El maestro del género, Stephen King, relató que el origen de esta inquietante novela, en la que un famoso escritor es secuestrado por una fan, fue durante un viaje de avión, cuando el escritor de Maine dio una pequeña cabezada. Al parecer tuvo una horrible pesadilla que le hizo despertar y obsesionarse tanto con la misma que, al llegar a su destino, decidió empezar a escribir la historia en el propio aeropuerto, donde redactó las primeras 50 páginas.

misery

 

Crepúsculo

La saga de vampiros de Stepahnie Meyer se gestó a causa de un intenso sueño que tuvo. En él aparecían dos jóvenes amantes en una pradera, discutiendo por la frustración de no poder perpetuar su amor. Una de ellas era una chica normal  y el chico era un ser hermoso y brillante, un vampiro.

crepusculo

 

Sueños

Esta película de Akira Kurosawa es quizás la más extraña creación del autor, con un toque totalmente surrealista, el film se divide en ocho relatos o segmentos donde se tratan temas como la infancia, la espiritualidad, la muerte, los errores del hombre frente al mundo, entre otros. Todos los relatos están inspirados en propias ensoñaciones del director japonés.

Una película onírica que no te dejará para nada indiferente.

sueños kurosawa

 

The Sandman

Actualmente la obra o el personaje más vinculado al mundo de los sueños, y gestado también  atravesando los dominios de Morfeo, es sin lugar a duda The Sandman, de Neil Gaiman.

El personaje está inspirado en el folklore anglosajón, un ser que propiciaba los sueños esparciendo arena  en los ojos de los demás. Todo un nuevos dios de los sueños, inspirado en el clásico Morfeo.

Esta obra reinterpetró la mitología y se alejó de uno de los últimos mitos contemporáneos, los superhéroes,  para dar a luz un nuevo panteón oscuro y postmoderno.

The Sandman en la más pura y directa interpretación antropológica en relación al concepto del sueño, un trabajo imprescindible si quieres alejarte de una fantasía más comercial y acercarte a un universo onírico y surrealista.

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Freddy Krueger

No puedo olvidarme del personaje más aterrador que hubo para una generación, la mía. Si The Sandman es el dios de los sueños, Freddy es el de las pesadillas, una deidad oscura y vengativa que se alimenta de almas jóvenes.

El fallecido West Craven se basó en los primeros años de su infancia, cuando una terrible noche afirmó ver tras la ventana a un anciano con un sombrero caminando.

El anciano se acercó hasta la ventana para ver y aterrorizar al joven Craven. Algo que le  marcó de por vida.

freddy kruege

 

Como habéis podido comprobar, los sueños son nuestro vínculo más cercano con la fuente de la creación. Os aliento a que dejéis un bloc de notas cerca de vuestra cama y a que no dudéis en escribir vuestros sueños o pesadillas, quizás en ellos podremos descubrir relatos fantásticos o aterradores.

Para finalizar os dejo esta frase de Pedro Calderón de la Barca:

“ ¿ Que es la vida? Un frenesí ¿ Que es la vida? Una ilusión, una sombra, una ficción; y el mayor bien es pequeño, que toda vida es sueño, y los sueños, sueños son.»

Las shipping wars en Final Fantasy: Parte I

Ah, las shipping wars. Todo aquel que se considere miembro de algún fandom en el mundo sabrá a qué nos estamos refiriendo: las guerras de parejas, es decir, por qué prefieres que Pepito se empareje con Josefa, y no con Claudia. Hay shipping wars de todo tipo y condición, unos más cerca de lo oficial que otros. Algunos se toman a sí mismos muy en serio (DEMASIADO), mientras que otros (quizás conocedores de que su pareja favorita nunca va a ser oficializada) se lo toman más como puro divertimento a través de fan arts, fan fiction y mundos alternativos creados por la imaginación.

Final Fantasy está repleta de shipping wars, algunas de ellas ya consideradas míticas (¿eres Cloti? ¿o quizás te va más el Clerith?), y probablemente casi cada entrega tiene su guerra entre fandoms propia (los primeros Final Fantasy numéricos no cuentan porque los personajes por no tener casi no tenían ni género). ¿Por qué se da esto? Bueno, parte de la culpa la tiene la famosa ambigüedad que los japoneses suelen mostrar con lo relacionado en el amor (y no, los Final Fantasy no son shôjo) y las relaciones de pareja, al menos en el mundo de la ficción. ¿Que acaso nosotros consideraríamos el gesto de Cloud tendiéndole la mano a Aerith como romántico? Pues no te creas, que quizás en algunas partes del fandom japonés eso quizás sea lo más romántico que haya hecho el rubio por la vendedora de flores.

Para ir calentando motores, vamos a ir haciendo un repaso a las shipping wars existentes en los distintos universos de Final Fantasy (como hemos dicho, algunos son tomados más en serio que otros). Por cierto, las ilustraciones no son nuestras (más quisiéramos); de algunas hemos podido encontrar al o la autor/a, pero de otras no, lamentablemente:

  • Final Fantasy IV: Vale, está claro, Cecil y Rosa son la pareja oficial (si hasta tienen un hijo en la secuela). Pero aún así hay quienes prefieren a la muchacha con Kain, quien a su vez mostraba ciertos intereses por ella (formándose así, al menos durante buena parte del juego, un triángulo amoroso). Es en parte comprensible: Cecil es siempre el bueno, el protagonista, «el rey Arturo» de la película; mientras que Kain es más el antihéroe, el que se vuelve del bando contrario (a ratos), pero que no deja atrás sus sentimientos (ocultos) por Rosa. Y todos sabemos lo que a la gente le gusta un buen antihéroe marcado por la tragedia y prisionero de sus propias emociones, frente al protagonista boy-scout
  • Final Fantasy VI: Lo cierto es que Final Fantasy VI no tiene mucho lugar para el amor. Sin embargo, sí hay una pareja (aparentemente) oficial durante el juego, que es la de Locke y Celes. Pero no queda ahí la cosa: Locke se pasa buena parte de la historia buscando un método para poder traer de vuelta a la vida a Rachel, su novia fallecida en un accidente (del que él se considera culpable). Aquí ya surge uno de los triángulos, entre Locke, Celes y Rachel. Por suerte, la cosa no llega a los niveles de Cloud, Tifa y Aerith (que veremos a continuación) y en el mismo juego se nos muestra a Locke despidiéndose «para siempre» de Rachel, dejándola ir junto a sus demonios. Sin embargo, no es la única «shipping war» existente en torno a esta maravilla de Squaresoft: hay fans varios que prefieren ver más al muchacho con Terra, o a la peliverde con Edgar. Es lo que tiene que el casting de personajes sea tan variado y carismático, que en realidad ofrece infinitas posibilidades y, vaya, prácticamente todas quedan bien.
  • Final Fantasy VII: Hemos llegado. El cúlmen de las shipping wars dentro de los Final Fantasy. El que ha provocado que hayamos decidido dividir esta temática en varias partes. Buena parte de culpa la tiene el famoso sistema de citas, según el cual podíamos acabar teniendo una cita con uno de estos personajes: Aerith, Tifa, Barret o Yuffie, a partir de lo «afectuosos» que hubiéramos sido con unos o con otros. Porque sí, hasta Jesse (y Don Corneo, si seguimos los pasos adecuados) siente atracción por Cloud en el mundo de Final Fantasy VII, él es así de motherfucker. ¿Y él? Pues se deja querer. Se han escrito manifiestos de páginas y páginas sobre por qué Cloud quería más a Aerith, o los motivos de por qué debería quedarse con Tifa. Square Enix parece haberse percatado de esta situación y ha seguido explotándola durante toda la Compilation, complicándola aún más (si cabe) introduciendo (es un decir, el personaje ya estaba presente en diez minutos opcionales del juego original) a Zack y su noviazgo escolar (o así parece) con Aerith en Crisis Core, la precuela de Final Fantasy VII. Mientras puedan seguir sacando dinero a partir de la ambigüedad, está claro que Square no va a mostrar nada definitivo (quizás el remake nos sorprenda en este sentido).
  • Final Fantasy VIII: Está claro que una historia de amor como la del Final Fantasy VIII iba a tener sus shipping wars y preferencias varias entre los fans, por mucho que Squall y Rinoa acaben juntos y besándose bajo la luna. Es el caso de Rinoa y Seifer, por ejemplo (ya que aparentemente ambos tuvieron una especia de aventurilla de verano antes de que la morena conociera a Squall, así en plena reminiscencia de Zack y Aerith). O el de Quistis y Squall, ya que la rubia parecía tener especial interés en su alumno hasta que «redescubriera» sus instintos maternales (o algo así). Como todos son jóvenes y guapos en la octava entrega de la saga, lo cierto es que cualquiera queda estéticamente bien con… cualquiera.
  • Final Fantasy IX: Al contrario de lo que sucediera con la entrega anterior, en el caso que nos ocupa el casting resulta de lo más variopinto. Añadámosle que Yitán (Zidane en el original) y Garnet son una de las parejas oficiales más adorables de los Final Fantasy. Por lo que no hay tantas shipping wars (a no ser que haya preferencias por Eiko o Quina… pero son cosas en las que preferimos no indagar). Como curiosidad, pueden encontrarse algunos fan arts y fan fics de Garnet y Kuja por la red.
  • Final Fantasy X: Es un caso curioso el de este Final Fantasy: pareciera que querían intentar un sistema de citas similar al de la séptima entrega, pero se quedó a medias. Más que nada porque con Tidus nos daban opción de piropear a cualquiera de las tres mujeres del grupo: Yuna (la oficial), Lulu o Rikku. Aunque Tidus y Yuna ganan sobre el resto, esto ha provocado que hayan surgido fans de parejas varias con el jugador de blitzball. Y no podemos dejar pasar a aquellos que les hubiese gustado que el Seymour x Yuna hubiese llegado más lejos (especialmente tras la Ultimania que confirmaba una especie de sentimientos complejos por parte del guado hacia la invocadora).
  • Final Fantasy XII: En esta entrega todo es tan ambiguo en cuanto a la historia que todos pueden ser emparejados con todos (y en Japón hay bastante fan de Larsa y Penelo, como curiosidad). Fin (o no…).
  • Final Fantasy XIII: La treceava entrega de la serie parece dividir a los fans tanto a nivel general como en los pequeños detalles, siendo uno de ellos las shipping wars. Porque, nos guste o no el Final Fantasy XIII y sus personajes, no podemos ignorar el hecho de que LightningxHope tienen un fandom bastante representativo, especialmente en Japón (donde hasta tienen un nombre, al más puro estilo Cloti, Clerith o Squinoa: Hopurai). Y no solo ellos: FangxVanille, SerahxSnow, SnowxLightning, SerahxNoel, NoelxYeul, YeulxCaesar… y así hasta el infinito y más allá.
  • Final Fantasy XV: Todavía no ha salido, pero vamos a hacer un ejercicio de intento adivinatorio (hasta dan ganas de realizar una porra): lo más probable es que en este juego/universo abunden los fans del yaoi (de hecho, parece que ya lo están haciendo, dominando el NoctisxPrompto sobre el resto), pero si nos ceñimos a las posibilidades (siendo realistas), lo más probable es que acabe habiendo algún tipo de rollito entre Noctis y Luna. Por lo que si queremos rizar más el rizo se podrá ir emparejando alternativamente a la oráculo con Nyx, que parecen compartir mucho metraje en Kingsglaive (y el rollo guardaespaldas y «conversaciones bajo fuegos artificiales» parece gustar mucho a Square Enix y seguidores). O a Noctis con Iris, con quien parece haber crecido más cercanamente (al menos en el plano físico) que con Luna. En fin, todo se irá viendo a partir del 30 de septiembre.

Mención especial merece en esta Primera Parte de las shipping wars de los Final Fantasy el yaoi. No ya por el Final Fantasy XV que mencionábamos, sino por la cantidad de fans habidos y por haber de relaciones como las de Cecil y Kain, Cloud y Sephiroth, Cloud y Zack, Seifer y Squall, Seifer y Zell, Yitán y Kuja (sí, sí…), Tidus y Auron, Auron y Jecht, Hope y Snow. Y un largo etcétera.

Nuevos trailers y carteles lanzados en la Comic-Con

Ya se está dando por terminada la Comic-Con de este año, celebrada (como siempre) en San Diego, Los Ángeles. Siendo la convención de cómics más grande del mundo, es lógico pensar en la enorme cantidad de estrellas, paneles y novedades que se preparan para dicho acontecimiento. Veamos algunos de los más esperados (y hay sorpresas).

Para empezar, una de las cintas más esperadas de DC Cómics (especialmente tras ser uno de los elementos más destacados en Batman v Superman): Wonder Woman, película dirigida por Patty Jenkins (Monster) y protagonizada por Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright y David Thewlis, entre otros. Contará los orígenes de la popular heroína, estará ambientada en la I Guerra Mundial y creemos no ser los únicos en haberle visto un cierto parecido con la primera cinta de Capitán América… En cualquier caso, nos han dejado estos impresionantes trailer y cartel. Se espera su estreno para junio del 2017.

wonder woman

 

Para no desviarnos mucho, seguimos con DC, que nos ha sacado un trailer inesperado de La Liga de la Justicia (The Justice League). Inesperado porque solamente llevan unos pocos meses de rodaje, así que lo que se ve en el trailer debe ser de lo poco que llevan hecho. Su estreno se espera para noviembre del 2017, y tras la cámara vuelve a ponerse Zack Snyder (sí, el mismo que en Batman v Superman… crucemos los dedos). En el reparto: Ben Affleck, Gal Gadot, Henry Cavill, Jason Momoa, Ezra Miller y Ray Fisher, entre otros.

 

Sigamos con DC y su estreno más inminente: Escuadrón Suicida (Suicide Squad), que estará en carteleras a partir del próximo 5 de agosto, ¡ya en nada! Por ello han presentado un trailer final donde se nos muestra por primera vez el villano al que plantarán cara este pintoresco grupo de «malvados de los cómics». En la dirección se encuentra David Ayer, y en el reparto: Margot Robbie, Jared Leto, Will Smith, Cara Delevigne, Karen Fukuhara, Adewale Akinnuoye-Agbaje y Jay Hernández, entre otros. Incluye cameo de Ben Affleck como Batman.

 

Pasamos a otra cosa, pero seguimos en Warner (el estudio encargado de todas las películas de DC Cómics). Ahora nos adentramos en el conocidísimo universo de Harry Potter con la cinta Animales fantásticos y dónde encontrarlos, cuyo estreno se prevé para el 18 de noviembre. Este spin-off/precuela de las aventuras del joven mago creado por J.K. Rowling lo dirige David Yates (quien ya dirigiera varias de las películas de Harry Potter), y en el reparto se encuentran Eddie Redmayne, Ron Perlman, Colin Farrell y Catherine Waterston, entre otros. Para la Comic-Con nos han traído nuevos y espectaculares trailer y cartel.

Animales fantasticos y donde encontrarlos

 

Para ir terminando, pero no por ello menos importante: Marvel. Como era de esperarse, la otra gran franquicia de cómics en Estados Unidos no iba a quedarse atrás en la Comic-Con, y nos han traído nuevos trailer y cartel (definitivo) de la esperada Doctor Strange. En la dirección de la cinta se encuentra Scott Derrickson, y en el reparto los nombres de Benedict Cumberbatch, Rachel McAdams, Chiwetel Ejiofor y Mads Mikkelsen, entre otros. Su estreno se espera para el 28 de octubre en España. Os dejamos con los mencionados trailer y cartel:

dr strange cartel

 

Y eso es todo por ahora. Evidentemente, han habido muchos más trailers y eventos destacados, como el de Rey Arturo: la leyenda de la espada, Kong: la isla de la calavera o el ya tratado en otra entrada de Final Fantasy XV: Kingsglaive. Tenemos superhéroes y aventuras para rato.