Ghibli y la importancia de los ancianos

La ancianidad ha sido la gran ignorada en la ciencia ficción y fantasía, salvo excepciones (caso de la figura del maestro o títulos como Up de Pixar). Vivimos una etapa en la que, además, están siendo las grandes víctimas (y, muchas veces, dejados a su suerte), como si fuesen el lastre de la sociedad. Nada más lejos de la realidad. Studio Ghibli ha ido mostrando a lo largo de la mayor parte de su filmografía la importancia de los ancianos en las vidas de los héroes (cuando no son ellos mismos los protagonistas). Repasamos los títulos donde han tenido papeles más relevantes.

Ponyo en el acantilado (崖の上のポニョ, Hayao Miyazaki)

Esta reinvención de La Sirenita por el gran Miyazaki nos sitúa en un pueblo costero de Japón, donde un niño llamado Sôsuke encuentra y acoge a una niña-pez a la que bautiza como Ponyo. La madre de Sôsuke, Lisa, trabaja como cuidadora en una residencia de ancianos, siendo éstos testigos de varios de los acontecimientos de la película (especialmente durante el tercer acto). La forma en la que el director nipón retrata a los abuelos y su interacción con los personajes más jóvenes es de una naturalidad y gracia que rara vez se ven en el cine. El geriátrico está lejos de ser un lugar triste y sombrío y la energía de sus residentes se alejan de determinados estereotipos.

Nicky, aprendiz de bruja (魔女の宅急便, Hayao Miyazaki)

Otra de Miyazaki y quizás uno de sus títulos más pasados por alto  es este relato sobre la búsqueda de la independencia y nuestro lugar en el mundo laboral, visto desde la perspectiva de una adolescente que tiene la particularidad de ser una bruja. Nicky se muda del hogar familiar, como viene siendo costumbre entre los suyos, para buscar trabajo en la gran ciudad. Allí, entre otros, conoce a una señora (conocida solo como «Oku-sama» en la versión japonesa) que la ayudará a reencontrarse y que le pedirá un encargo para el cumpleaños de su nieta.

Miyazaki muestra aquí el papel de apoyo de los abuelos sin que esperen nada a cambio, ya que la nieta solo muestra rechazo y desapego ante el regalo. También cómo algunos, en los avatares de la juventud, tienden a pensar en los ancianos como un incordio; mientras que la propia Nicky se ve alejada de los suyos.

Nicky, aprendiz de bruja. Studio Ghibli

Susurros del corazón (耳をすませば, Yoshifumi Kondô)

Dirigida por alguien que no es Hayao Miyazaki (aunque el guión sí está firmado por él), esta obra nos narra la búsqueda de inspiración por parte de una adolescente apasionada de los libros, Shizuku Tsukishima, en el Japón de 1994. Un día, siguiendo a un rechoncho y misterioso gato, la joven encuentra una tienda de antigüedades que pertenece a un anciano, Shirô Nishi, a su vez abuelo de un compañero de curso.

El papel que el anciano jugará en la búsqueda de Shizuku para encontrarse a sí misma será fundamental, así como sirve de apoyo para su nieto en la familia. Estamos de nuevo ante la representación de un abuelo jovial, amable, culto y que será amigo de la protagonista. Especial mención a su aportación (con sus colegas músicos) a la interpretación de «Country Road».

El viaje de Chihiro (千と千尋の神隠し, Hayao Miyazaki)

La que es considerada obra magna de Miyazaki es esta especie de Alicia en el País de las Maravillas con muchos elementos del folclore nipón. La protagonista, Chihiro, va a parar a un misterioso negocio de baños para deidades regentado por una bruja, Yubaba. Ésta tiene aspecto de anciana, no por ello sin dejar de ser autoritaria, vital y poderosa. Además, Yubaba cuenta con una hermana gemela, de características similares, que responde al nombre de Zeniba.

Si bien no son propiamente abuelas de nadie, Yubaba y Zeniba representan a la bruja de aspecto anciano y que no por ello es necesariamente maligna (ya que los cuentos nos tienen más que habituados a que bruja y vieja equivale a villana).

El castillo ambulante (ハウルの動く城, Hayao Miyazaki)

Como mencionábamos al inicio, la representación de la ancianidad en la ficción por lo general ha sido ausente o ha dejado bastante que desear, algo que se ve incrementado en los casos de papeles protagonistas. Son contadas con los dedos de la mano las películas con un anciano en el papel principal. En el caso de Ghibli, ese título sería El castillo ambulante.

Adaptación (muy libre) de la novela escrita por Diana Wynne Jones, la historia cuenta cómo una joven sombrerera llamada Sophie se ve maldita por una bruja, por lo que su aspecto cambia repentinamente al de una anciana. Sophie irá a la búsqueda del mago Howl con la idea de revertir la maldición, a la vez que aprende a aceptarse a sí misma.

Si bien Sophie no es propiamente dicho una anciana, se pasa casi toda la película como tal, por lo que sus actos y las interacciones con el resto de personajes son desde la perspectiva de alguien de la tercera edad. 

Bina Daigeler: «Mulán es un live action realizado con una visión contemporánea»

El pasado enero fuimos invitados a participar en el visionado de tres escenas del próximo gran estreno de Disney, el remake en acción real de Mulán. Tras la visualización, hubo un coloquio con la directora de la película, Niki Caro;y la diseñadora de vestuario, Bina Daigeler.

Si bien es una película de época, Daigeler ha asegurado durante el coloquio que han optado por mantener las tradicionales vestimentas de la época y además se han introducido ciertos y sutiles toques modernos, para dar con la idea de que una figura femenina  como  la que evoca la protagonista es necesaria en este tiempo actual y cambiante.

Esta es la primera película en imagen real que, si bien es de Disney, no parece de la Casa del Ratón, ya que por lo que hemos visto no tiene intención alguna de matizar el tono del guión o la eventual crudeza de sus escenas bélicas.  Esto es algo que a nivel personal lo disfruto mucho, ya que, como bien hemos mencionado anteriormente, no solo  Mulan muestra una clara evolución en el marco de su personaje  sino también su contexto tiene la seriedad y el enfoque requeridos para darle una vuelta de tuerca a esta adaptación.

Esta versión live action  está inspirada en parte en el clásico animado de 1998 y es otra apuesta segura por parte de la factoría del ratón más famoso del mundo de demostrarnos que las versiones “en carne y hueso” pueden aportar un poco más de historia, detalles y muchas cosas más a lo que uno pudo llegar a percibir en primera instancia con el que es considerado uno de los clásicos de la empresa de animación.

Esta versión, además de agregar detalles a la trama, da una clara referencia de madurez del personaje. Está claro que la versión real de la película ofrece más juego y rodaje y posibilidades de desarrollo de todos los personajes y la realizadora, Nikki Caro, ha sabido tomar buena ventaja de este factor.

El componente de una emotividad evidente de este largometraje  se puede traslucir en la epifanía que transita Mulan cuando se da cuenta que su padre no puede acudir al llamado del emperador para que este integre sus filas.

La diseñadora de vestuario, Bina Daigeler; y la directora, Niki Caro, durante el coloquio sobre Mulán en Madrid. Disney España.

Yi Fei Liu, quien tras pasar por un largo casting consiguió el papel para interpretar a la protagonista debido a su bagaje multifacético, siendo además de actriz, cantante y artista marcial, entre muchas otras cualidades, fue finalmente elegida y por lo que pudimos ver en las escenas proyectadas, el casting de ella y todo el elenco es excelente.

Tomando pautas e influencias  de iconos de la talla de Kurosawa y películas como Salvando al General Yang, entre otras, podemos afirmar que la cinta proyecta una fidelidad visual bélica.

Lo que más me gusta de lo visto de esta nueva versión de Mulán es que, estando en una época de un sinfín de películas de superhéroes de todo tipo y color, Mulán no deja  de ser una mujer normal y corriente que por circunstancias adversas saca a relucir poco a poco su verdadera fortaleza y valentía.

Niki Caro, quien no es ajena a dirigir personajes femeninos con carácter y muchos matices, creemos que  ha sido una correcta elección para sacar adelante un proyecto de tal envergadura. Esta directora ha demostrado sobradas tablas con sus largomertrajes anteriores tales como En Tierra de Hombres (North Country), La Casa de La Esperanza (Zookeeper’s Wife) y Jinete de Ballenas (Whale Rider), donde ha sabido retratar la fuerza y valentía  de las protagonistas femeninas desde distintos ángulos y tonalidades. Creemos por lo que hemos podido ver en la selección de escenas que Mulán no va a ser excepción a la regla.

Por último, pero no por ello menos importante, hacemos mención del factor Mushu. La no inclusión de este simpático personaje tiene para mí dos acepciones. Como fan de Disney, me duele que no esté porque es cierto  que en la versión animada se compenetra muy bien con la protagonista y aporta frescura y humor. Pero en la versión de carne y hueso, desde un punto de vista objetivo, el hecho de que  no esté incluido este personaje tan icónico es síntoma evidente de la seriedad y el compromiso del enfoque que este largometraje quiere demostrar.

Creemos que Mulán va a ser un éxito, no solo por hecho de de ser de Disney, sino también porque ofrece un plano realista en todo sentido a la importancia de las muchas vetas de la valentía femenina. Tan actual como necesaria en el ritmo imperante de nuestra época.

Mulán se estrenará en cines el próximo 27 de marzo.

Una de cal y otra de arena con la representación femenina en Fire Emblem: Three Houses

Fire Emblem: Three Houses tiene una más que correcta representación femenina entre su numerosa plantilla de personajes, eso es un hecho. Desde Edelgard hasta Rhea, pasando por Catherine, Shamir, Ingrid, Hilda o Bernadetta, por poner solo unos ejemplos. Algunos incluso representan bastante positivamente al colectivo LGBTI (sobre todo la parte femenina, que no puede decirse lo mismo de la masculina hasta la llegada de Yuri; pero eso da para otro artículo). Sin embargo, esta representación no está exenta de claroscuros. Avisamos de que habrá SPOILERS.

Edelgard, buen personaje y líder más dependiente

Edelgard es uno de los personajes más polémicos de Fire Emblem: Three Houses (quizás el que más). Sus decisiones, actos y la deriva que toman los acontecimientos por su culpa (directa o indirectamente) la tornan inmediatamente en alguien interesante y complejo. Representa además a una líder fuerte y decidida… al menos aparentemente.

En realidad, si escoges la ruta Flor Carmesí, se descubre que Edelgard cuenta con numerosas inseguridades, todas ellas reveladas a Byleth/el jugador. Esto hace que Edelgard sea más humana, pero a la vez la jefa de casa más dependiente emocionalmente.

Sí, es verdad que Dimitri también cae en un momento de crisis importante y que Claude cuenta algunos (matiz importante) de sus planes al profesor (o profesora), pero donde el primero te mandaba al carajo y se terminaba recuperando «solo» con ayuda, eso sí, de personajes como Rodrigue, Gilbert o Byleth; Edelgard siempre va a necesitar al jugador. Si no, cae en desgracia o muere. Es importante matizar que Dimitri (aparentemente) no entra en crisis en la ruta de Flor Carmesí, pero Edelgard sí está como perdida en todas las rutas donde no se la une Byleth. Incluso en Viento Glauco, donde apenas hay relación directa con Edelgard, ésta tiene que soltar antes de morir que solo quería estar contigo (el jugador).

Edelgard en Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Nintendo.

Muchos interpretan esto como un romance (y es perfectamente válido); pero yo lo encontraba especialmente incómodo. Razoné que era porque Edelgard es la única líder de casa que es mujer y es la que han hecho (como mujer que es, faltaría más) más emocional y dependiente del jugador. Quizás tenga que ver también con la «cultura waifu«, donde el jugador evidentemente va a percibir (porque es MUY obvio) que esta mujer tan fuerte, cool y poderosa, su «waifu«, va a estar a sus pies.

Quizás por el mismo motivo, Edelgard es la única líder de casa (hasta la llegada de Yuri, otra vez) que puede terminar románticamente junto a Byleth tanto en hombre como en mujer. Dimitri y Claude, si Byleth es hombre, simplemente no es posible, a pesar de que los diálogos y situaciones son prácticamente los mismos en ambos casos.

No solo con el protagonista/jugador, Edelgard es asimismo la líder más vinculada (y dependiente) emocionalmente a su criado. Allí donde Dimitri y Dedue muestran a su vez un estrecho vínculo emocional (que se sumerge en el Síndrome de Estocolmo en el caso del duscuriano), ni Dedue lo sabe todo de su señor, ni está presente durante buena parte de la crisis de éste. En las rutas que no son la de los Leones Azules, Dedue puede llegar incluso a sobrevivir sin Dimitri (caso de narrativas de la iglesia y de los Ciervos Dorados). También duermen en cuartos separados por plantas, ya que pertenecen a distintas clases sociales.

Y esto es ya nada más empezar. Edelgard y Byleth en Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Nintendo.

De Claude no hace falta añadir mucho, pues ni tan siquiera tiene criado. Lo más parecido (en papel respecto a su personaje) sería Hilda, pero la relación entre ellos está construida en tiempos más recientes y es la más equitativa. Tampoco sus aposentos están juntos.

En el caso de Edelgard y Hubert, ambos se conocen desde muy niños, las han pasado putas, Hubert sabe todo de Edelgard (a la inversa no, algo que lamenta la muchacha en sus conversaciones), forma parte activa de todos sus planes (hasta el punto de que ocasionalmente no sabes de quién parten realmente algunas cuestiones), está MUY presente (bastante más que Dedue) en toda la ruta Flor Carmesí y sus cuartos están juntos (se podrían haber separado bajo la excusa de que están divididos por sexos). Sí, somos conscientes de que la idea es mostrar que están muy unidos y que maquinan contra el mundo, pero el que nuevamente sea la única líder mujer la que se muestre más necesariamente asociada a su criado (varón) está ahí.

A pesar de todo esto, Edelgard es muy buen personaje. Una mujer con carácter fuerte y firme (a pesar de las citadas inseguridades ante el jugador) que se las ha tenido que valer casi siempre ella sola para poder cambiar un mundo que le ha sido cruel e injusto prácticamente desde su nacimiento. Y lo que puede llegar a lograr en Fódlan es muy significativo, así como su papel en todas las narrativas del juego (aquí sí, más relevante que sus contrapartes masculinos).

Conviene tener finalmente en cuenta que la ruta Flor Carmesí parece la más incompleta de todas, con 18 capítulos (en lugar de los 21 ó 22 que duran el resto) y arcos que se quedan totalmente abiertos (¿la rebelión de los Vestra? ¿Qué pasa con Arundel? Y no me sirven dos líneas del epílogo). Por eso, es fácilmente comprensible que los arcos de Dimitri o Claude resulten más satisfactorios.

A la búsqueda de un marido

Hay dos personajes en Fire Emblem: Three Houses cuyas historias se centran básicamente en la búsqueda de un buen esposo, y por supuesto ambas son mujeres. Hablamos de Dorothea y Manuela.

En realidad, las dos son muy parecidas en todo, pero pertenecen a generaciones distintas (algo de lo que el guión es consciente). Antiguas divas de la ópera, nacieron en la plebe y tuvieron infancias complicadas hasta que alguien las sacó del mundo de la pobreza por su voz y/o belleza. Como ninguna está ya en la cresta de la ola y «se les está pasando el arroz», deciden alistarse en Garreg Mach con la idea de encontrar un buen partido entre los herederos de la nobleza para que las mantengan el resto de sus vidas. Una como maestra y la otra como alumna.

El problema queda patente cuando son solo personajes femeninos los que muestran esta inquietud u objetivo frente a ninguno masculino. Incluso tenemos a Sylvain, que se permite el lujo de hacer todo lo contrario (desbaratar los planes de las «buscafortunas»). O Yuri, que nació a su vez pobre y pasó una infancia de penurias, nunca expresa (probablemente ni piensa) la necesidad de encontrar una buena esposa que lo mantenga, así se pelee y aleje de su padre adoptivo, el conde de Rowe. Es más, a Yuri le sobra y le basta con su «carisma» para hacerse un hueco entre la nobleza, no como Manuela o Dorothea, a pesar de su evidente popularidad.

Por otro lado, es cierto que estas premisas pueden servir para exponer que, frente a los hombres, las mujeres nunca lo han tenido fácil, sufriendo un escrutinio más concienzudo y exigente por parte de la sociedad. Lamentablemente, en el caso de Manuela, esto es aún más cierto si se considera cómo en el juego muchos critican y juzgan su actitud frente a la bebida y las juergas; pero no se plantea lo mismo con otros personajes como Balthius.

El 90% de lamentaciones de Manuela son sobre por qué no logra encontrar a un buen tipo (y si el fallo está en ella). Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Nintendo.

Bernadetta o el historial de abuso (por ser mujer)

Queremos hacer un hincapié en Bernadetta, pues nos resulta uno de los personajes más fascinantes de Fire Emblem: Three Houses (que tiene una plantilla nada desdeñable). Aquí Intelligent Systems también nos ha dado una de cal y otra de arena.

En una historia donde el 98% de los personajes ha sufrido alguna forma de abuso, Bernadetta es el epítome de todos ellos, algo que se refleja constantemente en su personalidad: agorafobia, ansiedad generalizada y miedo terrible a socializar. Esto, que inicialmente (desgraciadamente) es presentado en el juego con la intención de echarte unas risas o pensar qué demonios le pasa «a la friki esta», se rebela como consecuencia de una vida de abusos por parte de sus padres, especialmente del progenitor.

Éste siempre habría exigido una conducta más que impecable a Bernadetta, ya que como única heredera (y con emblema) debía resultar en una mujer bien casadera y repleta de virtudes. La buena esposa. No es de extrañar, pues, que Bernadetta sea excelente (y disfrute) de tareas como la costura, la pintura o que le gusten las cosas monas. Todos estos eran atributos propios de las (buenas) mujeres nobles de antaño.

El problema mayor viene cuando Bernadetta disfruta haciéndolo sola, pues, con tal de no tener que sufrir las presiones y críticas constantes del padre, se encerraba en su cuarto. La idea era (es) desaparecer. Evidentemente, los abusos vienen principalmente por su condición de mujer, pues (generalmente) a los hombres no se los presionaba tanto para ser buenos maridos, sino más bien excelentes guerreros o gobernantes (ahí tenemos los casos de Sylvain o Caspar). La cosa llega a tal nivel que la madre de Bernadetta ordena que la secuestren y que la lleven (sin su consentimiento) a Garreg Mach.

Atarla todo el día a una silla para que se estuviera callada y quieta, una de las estrategias del padre de Bernadetta para convertirla en la buena (sumisa) esposa. Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Nintendo.

Como Bernadetta debe ser una buena pieza casadera en el tablero de alianzas de Fódlan, su padre no le permite tener amigos plebeyos. Es lo que ocurre en el caso de Yuri, a quien conoce cuando son niños y, siendo una de las pocas personas que es amable con ella, congenian enseguida. Un día, Yuri desaparece repentinamente y se entera de que su padre le ha mandado dar tal paliza que lo han dado por muerto. Bernadetta asume que es por su condición humilde y eso la hace recluirse aún más.

Más adelante ella y el jugador descubren por boca de Yuri que éste en realidad fue contratado para asesinarla por otra familia noble rival, pero llegado el momento no pudo hacerlo por haberse encariñado genuinamente de ella. En ese instante lo descubrió el padre y el resto ya es conocido. Por un momento, parece que el guión pretende justificar los abusos del progenitor en base a que defendió a su hija frente a un asesino y traidor (¡qué nivel!); pero lo cierto es que dicha escena no gira en torno a los actos del padre de Bernadetta, y Yuri ya aclara anteriormente que de culpar a alguien lo haría a Lord Varley y no a su compañera.

Bernadetta llega a superar parte de su agorafobia (especialmente en la ruta Flor Carmesí), pero nunca totalmente, lo que por un lado lo hace creíble (la ansiedad no se cura ni se elimina de un plumazo), pero a su vez triste. Máxime si tenemos en cuenta que, de todos los posibles finales que le han dado a Bernadetta, en la minoría llega a gobernar (es la heredera, al fin y al cabo) o a tener un papel realmente activo. Concretamente, esto pasa únicamente en las conclusiones que comparte con Raphael, Yuri o Edelgard (hasta cierto punto éste último, pues parece más por obligación que otra cosa). En el resto, Bernadetta o bien continúa aislándose, o se resigna y renuncia a su herencia, o sigue fielmente a su «amado».

Lo cierto es que la entrada nos ha quedado demasiado larga. Podríamos seguir hablando sobre cómo hay varias conversaciones entre personajes femeninos donde se habla «de cosas de mujeres», como el intento de volver más femenina a Ingrid (quien nunca se ha fijado en cuestiones como el maquillaje o la coquetería). O de cómo los finales del jugador con personajes femeninos son, en su mayoría, más apacibles (y ellas sumisas) que con los masculinos (algunos incluso pareciera que pasaran de ti, muy duros ellos), simplemente por seguir cumpliendo con determinados roles de género. Quizás para otra ocasión.

Hubert se pregunta cómo es posible que Bernadetta se haya desmayado estando de pie (mejor no saberlo…). Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Nintendo.

Hitomi Odashima (My Hero Academia): «Cada vez hay más mujeres trabajando en la animación»

La última edición de Japan Weekend Madrid se celebró el pasado mes de febrero, contando con invitados de la talla del director de Mushishi, Hiroshi Nagahama; o de la directora de animación y diseñadora de personajes de My Hero Academia (Boku no Hero Academia, 僕のヒーローアカデミア), Hitomi Odashima, a quien tuvimos el honor de entrevistar y quien además respondió a varias preguntas de los asistentes mientras realizaba en directo una ilustración exclusiva protagonizada por Bakugo y All Might.

Odashima es uno de los ejemplos de mujeres que trabajan en el mundo de la animación japonesa, donde ocupa asimismo un puesto de responsabilidad. Por suerte, no es la única.

«Hoy en día hay más mujeres en el mundo del anime», nos ha asegurado. «Por ejemplo en el caso de My Hero Academia hay actualmente más mujeres que hombres trabajando».

Odashima estudió diseño y empezó trabajando como diseñadora de muebles y objetos. Empezó a trabajar en el mundo de la animación como diseñadora de personajes y de vestuario, por ejemplo en Digimon Adventure Tri. o en Ao no Exorcist.

«En My Hero Academia es la primera vez que trabajo de forma más general y con más responsabilidades, por lo que experiencias anteriores me han ayudado mucho», ha comentado.

Trabajar en My Hero Academia le ha aportado además muchas experiencias, como venir a otros países, siendo esta la primera vez que visita España.

Hitomi Odashima sosteniendo la ilustración realiada para Japan Weekend Madrid 2020 de My Hero Academia

Precariedad en el mundo del anime

Últimamente son más las voces que se alzan contra las condiciones laborales en el mundo de la animación japonesa, donde salarios bajos y el exceso de horas extra parecen estar a la orden del día.

«Es cierta la precariedad laboral en el anime, ya que la gente que empieza a trabajar tiene que dejarlo por no ganar suficiente dinero para vivir», ha contado Odashima, quien ha añadido que le «apena porque no pueden dedicarse a lo que les gusta y son jóvenes promesas». El gobierno va cambiando las condiciones de trabajo, por lo que esperan que la situación mejore, aunque es complicado y no esperan que sea a corto plazo.

A pesar de estas condiciones, la calidad en la animación en un anime (de larga duración) como My Hero Academia es notoria, lo que Odashima achaca a la pasión que todos ponen en el proyecto, «por eso lo sacan adelante». «Mantener la comunicación dentro del equipo» es asimismo esencial.

El proceso para animar cada episodio es de hecho realmente complicado, pero está a su vez perfectamente estructurado. Tal como nos ha contado, hay un plan estudiado (realizado por el productor) por cada capítulo dividido en secuencias, por lo que cada equipo de animación se encarga de un corte o secuencia. Hay varios cortes para una o dos personas,; luego se pasa a otro equipo para ponerlo en movimiento. Primero hacen el dibujo estático el equipo de arte conceptual y luego lo pasan a movimiento en el equipo de animación.

Diseño de Katsuki Bakugo realizado para el anime de My Hero Academia (Boku no Hero Academia). Estudio Bones.

Tras esto, envían el trabajo realizado al director de animación, quien le da el visto bueno o indica qué han de modificar o corregir. Después viene la edición y finalmente la publicación. Normalmente hay dos equipos (unas 300 personas) trabajando simultáneamente en cada episodio, que se complementan para sacarlo adelante en un período de tres meses (que puede verse prolongado a seis).

Normalmente cada episodio es terminado solo unas horas antes de la emisión. «Es realmente estresante», ha indicado Odashima. A veces se tiene que volver a dibujar todo a tal como lo quiere el director. Muchas veces no llegan a tiempo.

Bakugo es su personaje favorito de My Hero Academia

Odashima, cuyas inspiraciones provienen sobre todo de títulos como Fullmetal Alchemist o Naruto, se alegró mucho al empezar a trabajar en la adaptación a anime de My Hero Academia, ya que «el manga original es muy interesante».

Dentro del variado y enorme plantel de personajes que desfilan por la obra de Kôhei Horikoshi, Odashima se queda con Bakugo y con Mineta «porque es muy fácil de dibujar».

El momento que más les costó animar fue la pelea de Deku contra Overhaul. «En el estudio costó mucho animar esa lucha debido a que fue muy complicado dibujar todos los músculos del villano», ha añadido.

Por el contrario, el sexto ending, protagonizado por Erin y dirigido por ella misma, le supuso una experiencia de lo más gratificante.

Para el futuro, nos ha asegurado que le gustaría trabajar dirigiendo otro ending, un cortometraje, un videoclip o un anuncio.

Imagen del sexto ending de My Hero Academia (Boku no Hero Academia), dirigido por Hitomi Odashima. Estudio Bones.

El amor está en el agua, un refrescante romance con forma de trabajo menor de Yuasa

Masaaki Yuasa se ha hecho un hueco en el mundo de la animación japonesa (y lo que le queda) con títulos tan interesantes como The Night Is Long, Walk On Girl, Mind Game o Devilman: Crybaby. Ninguna de ellas baja del notable. Selecta Visión ha traído a las carteleras españolas su último trabajo, El amor está en el agua (Kimi to, Nami ni Noretara きみと、波にのれたら), una apuesta la mar de oportuna para la fecha de su estreno el 14 de febrero.

Hinako Mukaimizu (voz en japonés de Rina Kawaei) es una joven recién llegada a una ciudad costera que aspira a estar cerca del mar, al cual adora desde que era niña debido en buena parte a su pasión por el surf. Allí conoce a Minato Hinageshi (Ryôta Katayose), un bombero muy simpático y agradable que sabe hacer un poco de todo. Ambos enseguida conectan y se enamoran, dando inicio a una relación que se verá truncada debido a un trágico acontecimiento.

El amor está en el agua aprovecha la química desarrollada por el par de protagonistas para dar así rienda suelta al drama, a la melancolía y a la exploración de la pérdida y su consecuente superación.

El amor está en el agua. Science SARU.

A Yuasa se le debe de dar bien la narrativa de romances, algo que ya había demostrado con The Night Is Long, Walk On Girl y en menor medida con Devilman: Crybaby  (por volver a los mismos ejemplos) porque, a pesar de lo fácil que es caer en terrenos almibarados en este tipo de historias, logra salvar el tipo y nos ofrece un vínculo Minato-Hinako sólido y enternecedor, aún con sus escasos minutos en pantalla.

Gracias a que la relación entre los dos protagonistas se asienta bien, la parte más dramática llega sola. Esta es probablemente la sección más interesante de la cinta y la que más posibilidades ofrece. Lamentablemente, no están bien aprovechadas y el último acto es el que más cae en clichés y situaciones anodinas. Eso sí, el final es quizás de los más emotivos que hemos tenido oportunidad de ver en los últimos años.

El amor está en el agua. Science SARU.

El apartado técnico, a cargo del estudio de Yuasa, Science SARU, cumple como en todos los trabajos del director. Animación simple, pero efectiva y dinámica, con colores llamativos que se acoplan estupendamente al tipo de historia que nos quiere contar. No nos encontramos ante un estilo tan bonito como el de Ghibli ni tan grandilocuente como el de las cintas de Satoshi Kon, ni falta que le hace. Es el estilo Yuasa.

La banda sonora, compuesta por Michiru Oshima, viene con trampa. Se puede decir que hay un tema especialmente importante a lo largo de la trama y que suena en más de una ocasión. Si te gusta, bien; pero como no sea el caso puede llegar a resultar irritante y distrae de ciertos aspectos de la trama.

En definitiva, El amor está en el agua es otro notable trabajo de Yuasa, pero está algo lejos de ser el mejor. Apoyándose en la química de sus dos protagonistas y en el bonito (y desaprovechado) guión de Reiko Yoshida, la película pasa como una ola, con su momento álgido y luego cayendo en un último acto poco inspirado y más propio de un shôjo promedio o de una película de sobremesa.

Posibles influencias históricas y literarias en los protagonistas de Fire Emblem: Three Houses

Fire Emblem: Three Houses es la última entrega para Nintendo Switch de la franquicia creada por Intelligent Systems y Koei Tecmo donde, en la piel del profesor/a Byleth, eliges dirigir a una de las casas que conforman el monasterio de Garreg Mach, cada una de ellas representada por uno de los máximos futuros dirigentes de Fódlan: Edelgard (Águilas Negras), Dimitri (Leones Azules) o Claude (Ciervos Dorados).

Ya hemos mencionado en nuestra reseña del juego que supone una fusión entre Harry Potter, Juego de Tronos y lo mejor de un JRPG de estrategia. Pero hay además bastante de historia medieval y moderna (europea, claramente). No fiel a la realidad ni mucho menos, no es un Assassin´s Creed; sino en base a posibles influencias para los personajes principales y sus rutas. Avisamos de SPOILERS de Fire Emblem: Three Houses.

Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Koei Tecmo.

Dimitri, Hamlet y los reyes daneses

Quizás la obra más popular (sin duda, una de las más famosas) de William Shakespeare es Hamlet, príncipe de Dinamarca. Con múltiples representaciones desde su publicación (se cree que entre 1599 y 1601) y adaptaciones (El rey león entre ellas), narra la historia de un príncipe destronado por su propio tío, quien antes había asesinado al legítimo rey y padre del protagonista, para así quedarse con la corona y la monarca regente. Hamlet empieza a recibir sueños de su progenitor donde le revela que fue asesinado por su hermano Claudio y que debe vengarlo. Consternado, el príncipe aparentemente empieza a enloquecer y empieza a idear la forma de su vendetta.

Es fácil ver a priori las semejanzas entre Hamlet y Dimitri: durante la tragedia de Duscur asesinan a su padre, el rey Lambert, y a toda su familia y amigos. Hasta que cumpla la mayoría de edad, el trono lo ocupa su tío; y Arundel, quien claramente muestra características de villano en rutas de Edelgard y Dimitri, recibe el título de «tío» por parte de ambos. Nunca olvida este acontecimiento, el cual lo atormenta, entre otras formas mediante las visiones del fantasma de su progenitor, quien le sugiere venganza. Finalmente, acude a reclamar su trono. Por suerte, la ruta de los Leones Azules no acaba tan dramáticamente como la obra de Shakespeare, pero los caminos de Dimitri y Hamlet van muy parejos.

Farghus, o lo que conocemos de éste, posee además rasgos en común con países del norte de Europa (Hamlet se sitúa en Dinamarca), como el clima helador o el que sus habitantes sean representados de manera más «burda», y a la vez caballeresca, que sus compañeros de otras casas (no hay más que ver el diseño de Dimitri tras el salto temporal de cinco años). Son como el ideal del vikingo. Curiosamente, nombres de procedencia rusa, como Dimitri, se entremezclan aquí con otros de origen francés (Rodrigue) e incluso español (Felix, Sylvain Jose).

Dimitri en uno de sus momentos chungos. Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Koei Tecmo.

Edelgard, Hildegard von Bingen y la reina Isabel

El nombre completo de la representante de las Águilas Negras, Edelgard von Hresvelg, es extremadamente similar al de Hildegard von Bingen, figura femenina relevante dentro de la cultura del siglo XII y reclamada posteriormente como una de las primeras figuras representativas del feminismo (dentro de los cánones de su época, claro está).

Hildegard von Bingen en realidad fue una religiosa, intelectual, científica, naturalista, filósofa, médica y escritora mística que decía recibir visiones desde muy temprana edad. Estas visiones levantaron mucha curiosidad ya durante los años en los que vivió y se ha escrito bastante sobre ellas, sin tener clara su naturaleza (hoy en día parecerían migrañas, según se ha teorizado).

Sea como fuere, Hildegard fue una figura importante en su época, llegando a ocupar el cargo de abadesa y líder monacal durante muchos años y siendo aclamada por hombres y mujeres no solo por las citadas visiones, sino por su intelecto, alto nivel cultural y amplios conocimientos.

Viendo el historial y personalidad de Hildegard (quien por cierto llegó a vivir 81 años, cifra nada desdeñable en la Edad Media europea), más que a Edelgard (Hildegard además nació y vivió en la época del Sacro Imperio Romano Germánico, representado por un águila negra bicéfala), nos trae a la mente al personaje de Rhea, por temas como la espiritualidad, su liderazgo religioso y su relevancia en la sociedad.

Rhea en Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Koei Tecmo.

Más allá del nombre, la figura histórica que más nos recuerda a Edelgard es la reina Isabel I de Inglaterra. No hace falta decir que fue una de las figuras más importantes a nivel mundial en el siglo XVI y, a día de hoy, una de las monarcas más estudiadas y queridas en el Reino Unido.

Hija de Enrique VIII y Ana Bolena, al caer su madre en desgracia fue encerrada y apartada del poder por su padre y posteriormente por su hermana. Antes que ella, los herederos al trono eran sus hermanos Eduardo y María. El caso es que ambos reinaron y murieron antes que ella, así que llegó su turno.

Isabel llevó a cabo varias reformas y retomó (y asentó) la senda del protestantismo tras el sangriento y católico reinado de su hermana mayor, de manera similar a como Edelgard se enfrenta (y renuncia) a la iglesia de Seiros, la cual considera cruel, mentirosa y corrupta. Al igual que la monarca inglesa, de personalidad fuerte e independiente (nunca se casó, aunque no le faltaron pretendientes), ambas tuvieron infancias difíciles, encerradas y apartadas de sus familias. Edelgard también accede al trono tras el fallecimiento de sus hermanos.

Hay una figura muy presente a lo largo de la vidad de Isabel I de Inglaterra que nos recuerda a alguien importante en la de Edelgard: hablamos, respectivamente, de Robert Dudley y Hubert.

Dudley e Isabel se conocieron siendo unos niños (llevándose un año de diferencia), ya que a él también lo encerraron al cosiderarlo junto a su familia parte de un levantamiento contra el monarca (de hecho, sus parientes fueron ejecutados). Tras haber crecido juntos, una vez Isabel accede al trono enseguida coloca a Dudley muy cerca de ella, nombrándolo maestro de caballerizas. A decir de las comidillas de la época, eran prácticamente inseparables y surgieron todo tipo de rumores, ninguno de ellos confirmados hasta la actualidad. 

De Dudley también se escribieron ríos de tinta y se llegó a decir de él que era un asesino, un extorsionador y un delincuente… muy al estilo Hubert. No se sabe hasta qué punto esto era real (su primera mujer apareció misteriosamente con el cuello roto en lo que se consideró un suicidio) o mera leyenda negra, pero el caso es que Robert se ganó numerosos enemigos por su posición de poder en la Corte y su cercanía extrema a la reina, a cuyo lado permaneció (broncas aparte) durante casi cuarenta años.

Es fácil ver asimismo aquí las similitudes: Hubert y Edelgard se conocen desde muy temprana edad y en situaciones adversas para ambos. Confiando plenamente el uno en el otro, al crecer ella ocupa el trono y coloca a su amigo cerca en todo momento. Hubert, por su parte, es un ser extraño y siniestro de quien se pueden rumorear fácilmente varias cosas; incluyendo la naturaleza de su relación con Edelgard, puesto que, básicamente, no paran de conspirar y hasta sus dormitorios están juntos en Garreg Mach, lo que se traslada a su final en común.

Hubert y Edelgard, conspirando para variar. Fire Emblem: Three Houses. Intelligent Systems y Koei Tecmo.

Japan Weekend Madrid 2020: Una vez más, nos envuelve con su encanto

La edición 2020 de la Japan Weekend en Madrid (Ifema) está a la vuelta de la esquina y no ajena a lo que quieren sus fans, nos vuelve a sorprender  una vez más y como siempre con espectaculares invitados tales como:

Anime
  • Hiroshi Nagahama: director de Mushishi, Detroit Metal City, Uzumaki o The Reflection junto a Stan Lee.
  • Hitomi Odashima: La directora de animación de My Hero Academia,  al igual que Nagahama ofrecerá una charla y sesión de firmas.
Música
  • Faky: El grupo de pop que más lo está petando en Japón, con doble concierto por primera vez en Europa.
  • Sukisha: ¡El productor y cantante es el gran exponente japonés del lo-fi hip hop, el género de moda en internet!
  • Kiki Vivi Lily: Tendremos a la cantante del hit «Blue in Green» y unas de las voces en auge de la escena nipona.

Arte

  • Laia López: Autora de Strawberry Moon y Blue Moon, y una de las artistas nacionales más relevantes del momento.
  • H Alexander: La popular ilustradora Hannah Alexander estará firmando sus obras durante el fin de semana.

Drags

Ariel Rec y Killer Queen estarán el domingo dando una charla sobre visibilidad drag.

Wrestling

  • Shirakawa: Mina Shirakawa, la superestrella Joshi Puroresu de wrestling peleará en el ring de lucha.
  • Yuu: La ex-judoka es presentada en la web oficial como una de las luchadoras ‘joshi’ mas internacionales y rompedoras del momento.

Cosplay

  • Shirogane: La cosplayer internacional y estilista rusa visitará la capital por primera vez.
  • Ginny Di: Ginny Di es una cosplayer y youtuber que hace cosplays profesionales, sketches de comedia y música.

Actores de doblaje

  • Team Rocket: ¡Amparo Valencia (Jessie), Iván Jara (James) y José Escobosa (Meowth) estarán el sábado!

Youtubers

  • Mr. Jägger: El creador de contenido Jägger estará el fin de semana del 15 de febrero en Japan Weekend.
  • Bleda y Vul: Los youtubers de anime vuelven con su habitual show y un stand durante todo el evento.

Todas estas grandes figuras y eventos y muchas cosas más, como los habituales concursos de canto o cosplay o actividades con varias asociaciones o academias os esperan el próximo fin de semana del 15 y el 16 de febrero en el Ifema de Madrid.

Esos romances que nos marcaron para siempre (San Valentín 2020 Edition)

San Valentín está llegando a su fin (más o menos) y, como viene siendo habitual cada año, dedicamos una entrada a esos romances del mundo de la fantasía y ciencia ficción que más nos han llegado a la patata. Sin embargo, esta vez quisimos reunir a los favoritos de los seguidores en Twitter, por lo que aquí van los romances más citados o que mayor atención han recibido.

Tidus y Yuna (Final Fantasy X y Final Fantasy X-2)

Tidus y Yuna (cuyos nombres significan sol y noche en okinawense, respectivamente) han sido, desde prácticamente la salida de Final Fantasy X, una de las parejas favoritas (por no decir LA pareja en casi todas las encuestas de este tipo) de los seguidores de la franquicia.

Tidus es un reconocido jugador de blitzball (el deporte favorito del pueblo de Spira) que un día se ve trasladado a otra época, donde pervive la amenaza constante de un ente destructor conocido como Sihn. Allí conoce a Yuna, una invocadora encargada de peregrinar para destruir a Sihn (al menos durante un tiempo).

Ilustración oficial de Tidus y Yuna por Tetsuya Nomura.

El encuentro entre ambos, en principio algo distante por la timidez de Yuna y el misterio que envuelve tanto a ella como a Tidus, se va tornando más cálido y cercano a medida que van ocurriendo determinados acontecimientos y se van acercando. Suyas son escenas consideradas memorables como la del baile sobre el agua, el beso en el lago o ese final que arranca las lágrimas a más de uno.

Su historia continuaría en Final Fantasy X-2 (la primera secuela propiamente dicho de la saga) y, si se quiere tener en cuenta, un relato escrito por el mismo guionista de los juegos, Kazushige Nojima, que sería un bosquejo de lo que vendría a ser Final Fantasy X-3.

En este periplo, el romance entre Tidus y Yuna pasa por todo tipo de situaciones y llega a conmovernos, emocionarnos y hacernos reír en más de una ocasión.

Cloud y Aeris / Zack y Aeris (Final Fantasy VII y Compilación de Final Fantasy VII)

Cloud y Aeris ha sido otra de las parejas más citadas y, al igual que sucediera con Tidus y Yuna, suponen una de las historias de amor trágicas de Final Fantasy (en este caso de la séptima entrega). Como ya hemos hablado de ellos anteriormente, vamos a aportar un nuevo matiz sobre lo que puede traernos el Remake, al menos por lo visto en avances.

Parece que en esta ocasión, principalmente porque van a desarrollar más la historia y a añadir elementos aquí y allá, el papel de Aeris va a ser más prominente dentro del lore. Última supervivientes de los Cetra o Ancianos, Aeris tiene una vinculación especial con el planeta, Jenova, Sefirot y Shinra. No sería de extrañar (y parece que así sucederá) que su historia con Cloud (un mercenario que se une al grupo eco-terrorista Avalancha) sea más destacada en las primeras entregas, especialmente de cara a determinante escena.

Cloud y Aeris en Final Fantasy VII: Remake. Square Enix.

Otra pareja que involucra a Aeris y que ha sido mencionada más de una vez es la que forma con Zack, la cual cuenta asimismo con gran cantidad de seguidores.

Zack es un joven que aspira a convertirse en héroe dentro de las filas de Soldado en Shinra, mientras que Aeris es cuando se conocen todavía una joven que se refugia (de Shinra, básicamente) en los suburbios de Midgar. Se encuentran accidentalmente y enseguida congenian, formándose una relación que la muchacha describirá como la de su primer amor o novio.

Evidentemente, como casi todas las parejas populares de Final Fantasy, su historia termina en tragedia, lo que habrá llevado al llanto a multitud de jugadores con el final de Crisis Core (el título donde se desarrolla su romance). Lo cierto es que tienen elementos de lo más conmovedores y emanan muy buena química como extrovertidos y fuertes emocionales que son. Previsiblemente, al igual que comentábamos con Cloud, la presencia de Zack (y con ella su historia con Aeris) será ampliada en el Remake.

Estas tres parejas han sido las más citadas o que han despertado mayor reacción y, casualmente, todas ellas se las debemos en buena medida a los nombres de Tetsuya Nomura, Kazushige Nojima y Motomu Toriyama. Aplausos para ellos.

Ipsen y Colin (Final Fantasy IX)

La pareja principal de Final Fantasy IX la conforman Yitán y Garnet (o Daga), pero hay un momento en especial que estos dos protagonizan donde él le cuenta una historia a ella. Los protagonistas de este relato son Ipsen y Colin y, al igual que su periplo, son tan efímeros como memorables. Sencilla y contundente, Yitán la usa a modo equiparable con la persona por quien siente algo especial. Devoción y ternura en estado puro. Gracias a @LeonheartTribal (Twitter) dejamos la imagen por aquí.

La historia de Ipsen y Colin en Final Fantasy IX. Squaresoft.

Haruka y Michiru (Sailor Moon)

Sailor Moon es EL shôjo de la década de 1990 y sí, tenía (al menos) una pareja lésbica canon protagonizada por Haruka y Michiru (Urano y Neptuno, respectivamente). Evidentemente, en algunos países la censura se encargó de hacerlas pasar por primas, pero lo que es obvio, es obvio. Es verdad que cada una de ellas ya presentaban los estereotipos de chica andrógina y seria y otra sensible y bondadosa, respectivamente; pero que un anime y manga tan popular nos haya brindado con tanta naturalidad una pareja tal, y que hayamos podido crecer con ellas, es para estar lo suficientemente agradecido.

Entrando en materia, recuerdo a Haruka y Michiru con ternura. Su vínculo es especialmente fuerte y además se llevan estupendamente.

Haruka y Michiru en Sailor Moon. Naoko Takeuchi.

Favaro y Amira (Shingeki no Bahamut: Genesis)

Los protagonistas del anime Shingeki no Bahamut: Genesis, adaptación de MAPPA de un videojuego de cartas, son un ejemplo de cómo de un concepto la mar de sencillo pueden salir 12 episodios de pura fantasía épica. Y sí, hablamos tanto del anime a nivel general como de esta pareja en particular. Amira es una muchacha con personalidad algo infantil y con una naturaleza sobrenatural que va aprendiendo de Favaro, un amante de la libertad mujeriego, conceptos básicos (y no tanto) de la vida. Viaje emocional y fantástico donde los haya que, para variar, no acaba del todo bien (básicamente nos gustan los romances tristes).

Se han mencionado a otras tantas parejas, como Guts y Casca (Berserk), Haruo y Akira (Hi Score Girl), Ayato y Haruka (RahXephon), 9S y 2B (NieR: Automata) o Yukito y Toya (Cardcaptor Sakura), pero lamentablemente no tendríamos espacio para poder escribir sobre sus virtudes. Gracias a todos por participar y feliz día (o noche) de San Valentín.

Dimitri y otros tres personajes de videojuegos que abordan la enfermedad mental

La enfermedad mental no es un asunto baladí, máxime teniendo en cuenta la cantidad de desinformación (y lo que falta por conocer) sobre el tema. No somos precisamente unos entendidos, ni pretendemos, pero es cierto que el mundo de la ficción ha abordado en numerosas ocasiones este delicado y complejo tema, en varias de ellas de manera no del todo acertada.

Sin embargo, sí ha habido veces en el que se ha abordado, con mayor o menor exposición, la enfermedad mental, o al menos los trastornos o síndromes, de manera bastante adecuada, cuanto menos interesante y respetuosa. Hacemos repaso a cuatro personajes que en el mundo de los videojuegos han expresado la enfermedad mental (o los trastornos, ya que a veces no hay consenso dentro del fandom sobre si es uno o lo otro) de este modo, al menos en nuestra opinión.

Hemos tenido en cuenta a personajes principales por su mayor profundización en el tema. Avisamos de  SPOILERS de los títulos que tocaremos.

Dimitri (y Bernadetta, y Felix, Fire Emblem: Three Houses)

En Fire Emblem: Three Houses somos Byleth, una profesora (o profesor) que enseña en el monasterio de Garreg Mach en Fódland. Allí conviven y estudian tres casas, cada una representante de una región distinta: las Águilas Negras, los Leones Azules y los Ciervos Dorados.

Dimitri es el aparentemente modélico delegado de los Leones Azules, que representan al reino de Farghus (del cual es príncipe y heredero). Servicial, educado, aplicado y con los ideales caballerescos a tope, si bien algo tímido y distante. A medida que avanza la historia, poco a poco vamos percibiendo que hay algo que no cuadra en él. Pocas horas de sueño. Jaquecas. Empieza a exhibir momentos de agresividad descontrolada. Cuando se revela que Edelgard es el Emperador de Fuego, el muchacho salta definitivamente al abismo y entra en una especie de brote.

Dimitri. Fire Emblem: Three Houses. Intellect Systems y Nintendo.

Tras el salto temporal de cinco años, nos encontramos con un Dimitri en un estado bastante peor: violento, que cree que eres un espía del imperio, que aparentemente habla con los muertos, que no va a las clases, le importa todo (menos decapitar a Edelgard) un bledo y que se queda ausente mirando a los escombros del monasterio. Y así durante meses. Es otro evento desafortunado (y el empeño de determinados seres cercanos durante los citados meses) lo que consigue traerlo de vuelta a su estado estable. Pero ni las visiones, ni la culpabilidad, ni las jaquecas, ni las tendencias suicidas, desaparecen nunca. Ni tan siquiera en el final.

Dimitri expone lo que es el trastorno de estrés postraumático y el síndrome del superviviente (ya que la tragedia de Duscur cuando aún era un niño, donde asesinaron a su familia y amigos, es realmente el evento que marcó su vida). Pero en este caso se añade la psicosis, pues lo de Dimitri tiene perdurabilidad en el tiempo, no se «cura por arte de magia» (de hecho, no se cura, a secas) y son episodios que van y vienen. Él mismo le dice a Felix que tanto en crisis como en los momentos más estables, todo ello forma parte de su persona.

Hablando de Felix, tanto él como Linhardt, de las Águilas Negras, muestran síntomas del Síndrome de Asperger (intereses muy concretos hasta el punto de la obsesión, falta de tacto con los demás, no dan muestras de entender algunas expresiones ni normas sociales de conducta). Pero, aparte de Dimitri, el personaje que mayor trastorno mental parece tener es Bernadetta: agorafobia (casi nunca sale de su cuarto, algo que la aterra), ansiedad generalizada y un pasado de abusos y traumas por doquier. Al final, con mucho esfuerzo, parece mejorar, pero tampoco son rasgos que desaparezcan ni se «curen».

Dimitri. Fire Emblem: Three Houses. Intellect Systems y Nintendo.

Cloud Strife (Final Fantasy VII)

Cloud es el protagonista de Final Fantasy VII, probablemente la entrega más popular de la franquicia (y la cual próximamente tendrá un Remake). El juego empieza con él como mercenario al servicio de un grupo eco-terrorista llamado Avalancha. Inicialmente desconsiderado con los demás y con la situación del planeta, poco a poco va abriéndose al mundo, a medida que el jugador va conociendo a un Cloud más amable y solidario.

Uno de los mayores giros del juego viene cuando descubrimos que una buena parte del pasado de Cloud no corresponde a la realidad ni a lo que él nos había contado (y que él mismo creía). Nunca fue miembro de Soldado, mucho menos de primera clase, ni estuvo en primera fila junto a Sefirot durante la expedición del Reactor Mako en Nibelheim. En verdad, Cloud había asumido los recuerdos de su amigo Zack durante dicho acontecimiento. El traumático asesinato de éste último a manos de Shinra delante de sus narices es lo que causa que el rubio asimile sus recuerdos y legado. Los cuales empeoran con determinados acontecimientos como la muerte de Aeris.

Cloud exhibe así, de nuevo, síntomas del trastorno de estrés postraumático, síndrome del superviviente y posteriormente una profunda depresión, la cual muestra especialmente en Advent Children (película-secuela del videojuego). Si bien todo ello aporta matices al personaje de Cloud (mucho más que el simple «emo» que algunos quieren ver), lo cierto es que en esta cinta se torna algo superficial, con ese aparente «todo está bien» del final y en parte la «romantización» del trastorno y del síndrome.

El protagonista no es el único que da muestras de enfermedad mental o trastornos de conducta en este título. Los villanos Sefirot y Hojo, cada uno a su manera, hacen gala de un enorme narcisismo y, especialmente el primero, alteración de la realidad.

Zack y Cloud. Final Fantasy VII: Advent Children. Square Enix.

9S y A2 (NieR: Automata)

Bueno, en realidad cualquier título de Yoko Taro juega bastante con los límites de la locura y los bordes de la desesperación, pero NieR: Automata es el que mejor conocemos y aquí está. Todos sus personajes hacen gala de trastornos de conducta, pero especialmente dos: 9S y A2.

9S es un androide de tipo escáner de naturaleza curiosa y amigable. Por ello, enseguida congenia con la fría y (aparentemente) apática 2B. Escabrosos secretos (que siempre termina descubriendo), una vida en bucle que no para de incluir su muerte a manos de la persona que ama (y posterior reinicio y vuelta a empezar) y el asesinato de 2B forman un cóctel que acaba con su aparente salud mental (y digo aparente porque su prototipo ya parecía dar muestras de cierto desequilibrio sin que sucedieran ninguno de estos factores). De forma similar a Dimitri, 9S pasa de ser un agradable muchacho (al menos durante la mayor parte del tiempo) a un joven con conducta errática, asocial, obsesionado con una idea, violento y con tendencias suicidas. Lo de las alucinaciones parece quedar aquí más en mano de las máquinas (y el cambio sucede de forma más brusca que en el personaje de Fire Emblem).

Por su parte, A2 da muestras principalmente de ansiedad por separación, nuevamente trastorno de estrés postraumático y síndrome del superviviente. Con todo su escuadrón asesinado y enviados a una muerte segura por una causa inexistente, la androide opta por aislarse de todo contacto e ir a la deriva en solitario. Sus conversaciones con Anémona y Pascal demuestran que esta situación es autoimpuesta (a pesar de que Yohra efectivamente quiera darle caza), lo que casa con la profunda culpabilidad que conllevan éstos.

9S hablando cordialmente con A2. NieR: Automata. Platinum Games y Square Enix.

Senua (Hellblade: Senua´s Sacrifice)

Hellblade: Senua´s Scarifice es quizás el videojuego que mejor aborda la enfermedad mental (o al menos la psicosis), ya que sus desarrolladores (Ninja Theory) fueron muy conscientes de lo que querían reflejar al respecto y tomaron las pertinentes averiguaciones.

Senua es una guerrera celta picta (antiguas tribus del centro y norte de Escocia) que se adentra en las profundidades del Helheim (mundo de los muertos de la mitología nórdica) para rescatar el alma de su amante, retenida por la diosa Hela. En su camino, aparte de los enemigos pertinentes, tendremos que hacer frente a la psicosis, en forma de «oscuridad» o «furias», visiones, recuerdos o ruidos en su cabeza.

De manera similar, pero mucho más profunda, que con Dimitri, Senua demuestra que la psicosis no es un punto y aparte en la vida de una persona. Está siempre ahí, altera la percepción de la realidad, y son determinados eventos lo que quizás la vuelven más prominente o agresiva. Lo que consigue a su vez este título es que lo vivamos en primera persona, haciendo nuestra la perspectiva de Senua.

Podríamos añadir a varios personajes más, como Joel en The Last of Us, Neku o Shiki en The World Ends With You o todo el videojuego Gris; pero la extensión de esta entrada nos lo torna (casi) imposible. Hemos querido pues mostrar a esos personajes de videojuegos que, en nuestra opinión, más fondo nos han calado por su abordaje y exploración de la enfermedad mental y de los trastornos de conducta.

Senua. Hellblade: Senua´s Sacrifice. Ninja Theory.

El tema «Hollow» y otras seis novedades en el último tráiler de Final Fantasy VII: Remake

Hoy Final Fantasy VII ha cumplido 23 años desde su lanzamiento en Japón y Square Enix ha querido celebrarlo lanzando un nuevo tráiler sobre Final Fantasy VII: Remake, con el que han aprovechado para dejar escuchar el nuevo tema principal, «Hollow», entre otras jugosas novedades.

«Hollow» de Nobuo Uematsu y Yosh con letra de Kazushige Nojima

Final Fantasy VII: Remake tiene su tema musical, al igual que Final Fantasy XV tenía «Stand By Me» de Florence and the Machine, Final Fantasy VIII «Eyes On Me» o Final Fantasy IX «Melodies of Life», entre otros.

Para la ocasión el compositor «de toda la vida» de la saga, Nobuo Uematsu, ha compuesto la música, el guionista Kazushige Nojima la letra y el cantante Yosh (del grupo Survive Said The Prophet) la voz. El tema, dicen, se centra en los sentimientos de Cloud y el mismo Uematsu ha asegurado que lo ha creado con el rubio en mente, en medio de la lluvia y en un lugar vacío y desolado. Gracias a ComunidadFF en Twitter que la ha reunido tenemos completa la letra en inglés (traducción oficial de Ben Sabin y John Crow), traducida al español por nos:

I would be lost (Estaría perdido)

Drifting along (a la deriva)

Floating up high (flotando)

Time after time (Un momento tras otro)

And there you´d be (Y ahí estarías)

Shining brightly (Resplandeciente)

Your smiling face (Tu cara sonriente)

To guide my way (Para guiar mi camino)

Bloody and bruised (Sangrando y herido)

Brought to my knees (Caí de rodillas)

When beaten down (Al estar derrotado)

When broken up (Al estar destrozado)

You would appear, (aparecerías)

reach out to me, (vienes hacia mí)

heal every wound (sanas todas las heridas)

And make me whole (y me completas)

Was it all a dream? (¿Era todo un sueño?)

Will I never know? (¿Lo sabré alguna vez?)

Foolish and blind (Estúpido y herido)

To everything (ante todo)

Had I realized, (Me hubiera dado cuenta)

had I thought it through, (Lo hubiera pensado a conciencia)

would you be here in my embrace? (¿Estarías aquí en mis brazos?)

Shine bright once more (Resplandece una vez más)

Guide me to you (Guíame)

Smile bright once more (Sonríe una vez más)

This time I will never let you go (Esta vez nunca te dejaré ir)

Además, la web oficial de Square Enix dedicada a Final Fantasy VII: Remake ha confirmado que Masashi Hamauzu (Final Fantasy XIII) y Mitsuto Suzuki (Final Fantasy XIII-2) están también al cargo de la banda sonora.

Viejas (nuevas) caras

El avance, de tres minutos y medio de duración, contiene varios SPOILERS del juego original, especialmente para aquéllos que nunca lo hayan disfrutado. Entre éstos, los personajes que preveíamos que iban a aparecer, pero que no lo habían hecho hasta ahora.

El más llamativo por supuesto es Red XIII o Nanaki, a quien al fin podemos ver y oír. Lo acompañan Hojo, Escarlata, Palmer y Reeve. Seguimos sin percibir nada de Rufus, eso sí.

Hojo en Final Fantasy VII: Remake. Square Enix.

¡Leviatán!

Las invocaciones, al igual que los temas musicales, son características de la saga Final Fantasy. Una de las más recurrentes, Leviatán, aparecía en Final Fantasy VII, pero a partir de Wutai; por lo que no estaba claro que hiciera acto de presencia en este primer episodio del remake (centrado únicamente en Midgar). El tráiler nos saca de dudas y, aparte de a ChocoMog, vemos a la serpiente marina en acción.

Leviatán en Final Fantasy VII: Remake. Square Enix.

Más escenas emblemáticas del juego

Habíamos visto en avances anteriores escenas como el primer encuentro entre Cloud y Aeris o el enfrentamiento contra Jefe Escorpión en la demo jugable en convenciones. Sin embargo, aquí podemos deleitarnos con una parte de la escena de la promesa entre Cloud y Tifa cuando eran adolescentes en su pueblo natal, Nibelheim (la cual a su vez se deja ver de fondo).

Es también la primera vez que vemos a estos dos personajes de niños con estos gráficos.

Cloud y Tifa en Nibelheim. Final Fantasy VII: Remake. Square Enix.

Y la Posada de la Abeja

Lo que muchos se preguntaban, sabiendo que el juego abarcaría todo Midgar… ¿cómo se vería toda la secuencia del Mercado Muro con esta calidad? ¿Se seguiría travistiendo Cloud para poder infiltrarse junto a Aeris en la mansión de Don Corneo?

El avance da respuesta definitiva a nuestras dudas, vaya si lo ha hecho. Cloud aparece en su versión más femenina y además vemos a la Posada de la Abeja y a sus integrantes de fondo, en lo que parece formará parte de una escena sacada de un musical (uno de los «sueños» de Tetsuya Nomura, el director). No solo van a respetar la esencia del juego original, sino que tiene pinta de que lo van a mejorar.

Cloud en la Posada de la Abeja. Final Fantasy VII: Remake. Square Enix.

Más Sefirot… y Jenova

Tetsuya Nomura ya había señalado que el juego contendría más jefes y enemigos que toda la parte dedicada a Midgar en el original. Esto se ve reforzado por la temprana aparición de Jenova como rival a batir en el tráiler (la susodicha no aparecía como tal hasta la salida en barco de Junon en Final Fantasy VII).

Y habrá más Sefirot, algo que ya se intuía por anteriores avances. Nuevas escenas y diálogos y una mayor tensión con Cloud, lo que seguramente será más que aplaudido por los fans del villano (que apenas hacía acto de presencia, menciones aparte, en las primeras diez horas de juego).

Sefirot en Final Fantasy VII: Remake. Square Enix.

Y sí… Final Fantasy VII: Remake saldrá el 10 de abril

El tráiler viene a finalizar con lo que Square Enix ya había anunciado mediante comunicado del productor, Yoshinori Kitase: Final Fantasy VII: Remake no saldrá al mercado hasta el 10 de abril, ya que necesitan pulir algunos aspectos del juego y la fecha de lanzamiento original (3 de marzo) se les estaba quedando corta. Larga y agónica espera.