Dragon Ball Super 66: La mejor animación de la saga

Con Dragon Ball Super (a muchos) nos pasa una cosa: hemos crecido. Cuando veíamos Dragon Ball y Dragon Ball Z (y algunos, también Dragon Ball GT) no percibíamos los capítulos que flojeaban en animación, ni los agujeros en el guión, ni las incoherencias argumentales. Porque las había. Dragon Ball dista de ser el mejor shônen (manga para chicos adolescentes) de la historia, no digamos ya manga a secas. Sin embargo, marcó un hito por el momento y lugares en los que se estrenó. Durante la década de 1990, cuando internet era todavía un proyecto lejano y en países a donde apenas había llegado anime (series de animación japonesa). Excepciones como Heidi, Marco, Mazinger Z y poco más. Entonces llegó una serie repleta de aventuras y acción, protagonizada por un niño con cola de mono que viajaba volando sobre una nube y a quien le seguían una atractiva joven algo ligera de cascos, un viejo verde maestro de artes marciales y un cerdo (esta vez literal) que cambiaba de forma, entre otros.

No voy a hacer un memorial de Dragon Ball, aunque esté resultando tentador. He decidido empezar así porque, por una vez en Dragon Ball Super, he vuelto a disfrutar como aquella niña que pasaba de todos los sinsentidos argumentales y desquiciantes escalas de poder y que solamente ansiaba que Vegeta derrotara de una vez por todas a ese Kakarotto (ingenua de mí). Y es que quien no haya levantado los brazos con la Genkidama de Goku contra Boo no ha tenido infancia.

https://www.youtube.com/watch?v=1YmyegGV9iQ

Así pues, vayamos al grano: ¿De qué trata el capítulo 66 de Dragon Ball Super (SPOILERS)? El episodio anterior había terminado con el Kamehameha lanzado por Goku contra Zamasu. Éste empieza a desfigurar al enemigo, cuyo medio rostro y brazo se empiezan a tornar morados. El adversario vuelve a cargar contra nuestro protagonista. A pesar de un breve ataque Kaioken, lo cierto es que poco más puede hacer Goku, que acaba optando por esconderse junto a Vegeta (malherido), Trunks, Gowasu y Kaioshin. Gowasu explica que Zamasu es ahora mortal, ya que la parte «Black» de la fusión (es decir, el cuerpo de Goku) lo era, por lo que la inmortalidad se ha esfumado. Por eso el cuerpo se ha empezado a descomponer. Goku, tras recuperarse con las habichuelas mágicas/senzu tiene la idea de volver a fusionarse con Vegeta con los pendientes potara, a lo que el príncipe saiyan protesta. Ambos se preguntan cómo es que la última vez contra Boo se separaron, respondiendo Gowasu que eso fue debido a que los potara solo funcionan eternamente para los kaioshin, siendo que con los mortales tienen duración de una hora. Ante este nuevo dato Vegeta se alivia y acepta fusionarse con Goku: aparece nuevamente Vegetto.

La nueva fusión se presenta ante la vieja, transformándose en super saiyan blue. Una épica batalla comienza y Vegetto parece llevarle ventaja a su contrincante, que empieza de nuevo con su cháchara sobre la superioridad de los dioses y blablabla. Vegetto evidentemente pretende acabar rápidamente con él, pero Zamasu comienza a desesperarse y a dejar crecer aún más su cuerpo. En palabras de Gowasu, esto se produce por las contradicciones internas de su antiguo discípulo, quien parece tener un buen cacao mental. Zamasu se dispone a atravesar a Vegetto con una de sus «espadas astrales», pero nuestros héroes fusionados se le adelantan y son ellos los que le dan el golpe. Además se disponen a lanzarle el «Final Kamehameha« definitivo, pero Zamasu no solo logra sobreponerse a él, sino que además Vegetto desaparece… con Goku y Vegeta separados de nuevo (Gowasu explica que la fusión se deshizo antes de tiempo probablemente debido a que usaron demasiado poder).

En cualquier caso Zamasu no tiene tiempo para contraatacar, puesto que en su camino se interpone Trunks. Éste ha recuperado su espada de manos de Maki (la niña superviviente) y se lanza armado con ella contra el enemigo. El hijo de Vegeta va envalentonándose y poco a poco va recibiendo la energía del resto de supervivientes (incluyendo a Goku y Vegeta), por lo que se acaba formando una especie de Genkidama con forma de espada de Trunks. Éste último definitivamente atraviesa a Zamasu, cortándolo en dos, mandándolo definitivamente al carajo junto a «toda su justicia divina».

Como vemos, un capítulo en el que pasan MUCHÍSIMAS cosas. Y es que va a un ritmo frenético desde el principio hasta el final. En 25 minutos tenemos: Goku en Kaioken, Vegetto, Zamasu (des)transformándose, información variada de Gowasu y, finalmente, la Genkidama-espada de Trunks (con aparente derrota definitiva del enemigo). Casi nada. Pareciera que han querido aprovechar al máximo todo el presupuesto que han invertido en este episodio. Y es que podemos afirmar tranquilamente que nos hallamos ante la mejor animación de todo Dragon Ball Super: bonita, con colores mucho más vivos, dinámica… En definitiva, un lujo para los ojos.

El guión es cierto que parece una locura total. Además de por el ritmo totalmente acelerado (que ya hemos comentado), también por las varias incoherencias que se nos presentas. Incoherencias que siempre se han encontrado por Dragon Ball, partiendo de la existencia misma de Vegetto (como si Toriyama no hubiera improvisado deprisa y corriendo una fusión de Goku y Vegeta que no implicase enseñar el bailecito de marras). Nosotros, lo admitimos, somos más de Gogeta, por lo que la aparición de Vegetto (muy previsible desde hace unos capítulos) nos daba un poco igual. Quizás por eso, que esta fusión haya durado apenas diez minutos de capítulo no nos ha molestado especialmente… cosa que sí ha hecho a un buen número de seguidores, que se esperaban mucho más del personaje.

Nos dejamos lo mejor (animación aparte) para el final: Trunks. Que el hijo de Vegeta haya dado el golpe final a un enemigo es muy significativo, y es que nunca había ocurrido algo similar en la serie. Es cierto que el mismo Trunks del futuro había sido el que diera el golpe de gracia a aquel Freezer recién reconstruido y convertido en medio robot, pero la batalla épica le había pertenecido a Goku. La única vez en que el protagonista de la serie no había derrotado al enemigo había sido contra Cell, de quien se hizo cargo su hijo Son Gohan. Vegeta y su estirpe siempre quedaban, a la postre, relegados a un segundo plano, con breves momentos de brillantez. Y he aquí a Trunks, rabioso y decidido a terminar de una vez por todas con este rival ya bastante debilitado y al que habíamos empezado a coger algo de asquete. Nos emocionamos con el tema que suena de fondo (The Birth of a God) y con la forma en que va haciendo ceder a Zamasu, grito final de éste incluido.

En definitiva, un episodio que no ha sido perfecto (quedándose muy cerca), pero que se nota que se han querido trabajar (al menos bastante más que la media): animación espectacular, banda sonora ídem y acción a raudales. Solo por el hecho de que nos haya vuelto a emocionar como cuando teníamos 8 años merece la pena verse, incoherencias argumentales (que también tenían Dragon Ball y Dragon Ball Z) aparte. En el capítulo 67 se espera que cierren esta saga, veremos cómo lo hacen. Extrañaremos (y mucho) a Mirai Trunks.

https://www.youtube.com/watch?v=xpFGkx278J0

Animales fantásticos y dónde encontrarlos terminará en el año 1945

Así lo ha confirmado J.K. Rowling (creadora de la saga Harry Potter y escritora asimismo de los guiones de Animales fantásticos y dónde encontrarlos): las cinco películas (no tenían claras cuántas iban a ser, pero ella presintió que debían ser cinco) abarcarán un total de 19 años. Es decir, que si la primera de todas, cuyo estreno será el 18 de noviembre, se sitúa en 1926, la última lo hará en el año 1945. ¿Y qué sucede en dicho año?

Por un lado, dentro del mundo mágico, es el año en que ocurre el duelo final entre Albus Dumbledore y Gellert Grindelwald (que será interpretado por Johnny Depp). Por lo tanto, es fácil suponer que Animales fantásticos y dónde encontrarlos abarcará toda esta trama del surgimiento del «primer Voldemort» (o predecesor de Quien-Tú-Sabes, mejor dicho) y su relación con el profesor de Hogwarts, primero como amigos y luego como rivales.

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Por otro, en el mundo muggle, es el año en que finalizó la II Guerra Mundial, acontecimiento que suponemos no tenemos que explicar mucho. En la obra de Rowling siempre han sido muy evidentes los paralelismos entre Voldemort y los mortífagos con Hirler y los nazis (de hecho la misma autora ha hecho menciones directas al respecto). Desde luego será interesante ver cómo ambos universos se entrelazan y cómo se ambientarán estas nuevas películas que, de buen seguro, expandirán este apasionante mundo mágico.

Animales fantásticos y dónde encontrarlos, dirigida por David Yates y protagonizada por Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Alison Sudol, Dan Fogler y Colin Farrell, se estrenará en cines el próximo 18 de noviembre.

¿Y si Star Wars hubiera sido diferente?

Sabemos que todos los procesos de producción (más si son grandes producciones) conllevan cambios. Muchos. Las ideas surgen, caen, se transforman. Star Wars (o La guerra de las galaxias) no es diferente. De la cabeza de George Lucas salió la historia de un joven granjero apellidado Starkiller, cuyo padre había fallecido a manos del imperio y guiaría espiritualmente a su vástago hasta convertirlo en caballero jedi. Leia no era la hermana de Luke, y Han Solo podría haber terminado muerto.

Estos son solo algunos de los ejemplos que vienen a la mente. Lo cierto es que George Lucas iba montando la historia un poco sobre la marcha. Cuando se realizó la primera película de todas (al principio conocida como simplemente «Star Wars», añadiéndole años más tarde el título: «Episodio IV: Una nueva esperanza») ni tan siquiera el amigo de Lucas, Steven Spielberg, apostaba por ella. Como al final resultó ser todo un éxito, enseguida se lanzaron a por la secuela: nacía El imperio contraataca. El guionista elegido para plasmar las ideas del bueno de George fue Leigh Brackett. En los primeros escritos, Skywalker Senior guiaba espiritualmente a su hijo Luke para poder hacer frente al enemigo, el imperio y los sith, en cuyas filas se encontraba Darth Vader, un jedi caído. Entre las revelaciones que le haría el padre al hijo, se encontraba la existencia de una hermana desaparecida. Su nombre original era Nellith Skywalker y había sido enviada a otra galaxia para protegerla de Vader y del emperador. Efectivamente, durante la producción de El imperio contraataca, Lucas llegó a la conclusión de que habría un total de nueve películas, de las cuales estaban realizando la trilogía de en medio. La idea era que Nellith apareciera o bien en El retorno del jedi, o bien en la siguiente trilogía.

Mención de Nellith, hermana de Luke, en el guión original de El imperio contraataca

Mención de Nellith, hermana de Luke, en el guión original de El imperio contraataca

¿Por qué entonces nunca se llegó a la búsqueda del personaje, quedando todo en Leia como hermana de Luke? Al parecer, Harrison Ford habría sido el principal causante, aunque fuera indirectamente. Como muchos fans de Star Wars sabemos, el actor que interpretaba a Han Solo no quería que su personaje sobreviviera. De hecho, esperaba que lo matasen definitivamente al congelarlo en carbonita. Como no fue así, Ford le suplicó a George que lo matasen (en la ficción, claro) en El retorno del jedi. Viendo que su personaje estrella se le escapaba de las manos, Lucas vio que tenía dos opciones: matar a Han (o seguir sin él de algún modo) y realizar la nueva trilogía, o cerrarlo todo como buenamente podía durante la tercera película de «la trilogía de en medio». Evidentemente, eligió lo segundo. Ya tendría tiempo de convencer a Ford para realizar más películas de la saga con el paso de los años. O eso debió pensar.

De este modo, podemos observar que Mark Hamill (Luke) y Carrie Fisher (Leia) rodaron varias escenas de contenido romántico (aparte del famoso beso «para encelar a Han»). A saber: el beso de Leia a Luke durante Una nueva esperanza, que quedó siendo en la mejilla, originalmente era en la boca; en El imperio contraataca (aparte del citado morreo) tienen un «delicado acercamiento» interrumpido por C3PO, además del pico que le da Leia a Luke al final cuando le están curando la mano; finalmente, en el escrito de Brackett, había una escena donde Luke animaba a Leia a irse con Han y ambos compartían otro beso. Cómics y material no canónico aparte, claro está, donde «los hermanos» tenían lío en más de una ocasión.

No solo los protagonistas tomaron rumbos diferentes. Vader, como comentábamos, iba a ser el jedi caído ahora convertido en feroz enemigo. Sin embargo, con las reescrituras de guión de El imperio contraataca, Lucas llegó a la conclusión de que el mejor golpe de efecto sería la revelación de Vader como padre de Luke. El emperador Palpatine, a su vez, inicialmente no era un sith, sino un simple político con mucho poder y capacidad de persuasión. Este personaje, por cierto, no sería revelado hasta El retorno del jedi, siendo su aparición hasta entonces por meras menciones. La idea era crear una mayor sensación de amenaza.

¿Y qué pasó con el apellido Starkiller? Lucas pensó que era demasiado oscuro para pertenecer al héroe de la historia (significa, literalmente, «destructor de estrellas»), por lo que lo cambió a Skywalker («caminante del cielo»), mucho más esperanzador y hasta altruista. No obstante, el nombre «Starkiller» no desapareció del todo: en los videojuegos, pasó a formar parte de uno de los personajes principales, conocido como Darth Starkiller, Galen Marek, discípulo de Darth Vader. Y la muy reciente «tercera Estrella de la Muerte, pero más grande» de El despertar de la Fuerza, que también recibe dicho nombre.

Así, resulta realmente curioso (y hasta apasionante) pensar en lo que podría haber terminado siendo la historia de Star Wars si alguna de las ideas originales se hubieran llevado a cabo: un Han Solo fallecido antes de tiempo, con Luke y Leia terminando juntos y buscando a la hermana del primero en alguna otra galaxia muy, muy lejana.

Galen Marek, también conocido como Starkiller

Galen Marek, también conocido como Starkiller

Dragon Ball Super 65: Esta vez sí, animación e historia funcionan

Al parecer nos estamos acercando al final de la saga de Trunks del futuro (se rumorea que quizás se cierre en el capítulo 67) y se nota que Toei está poniendo esfuerzos (y algo más de inversión; aunque no sea mucha) en darle una conclusión digna, a pesar de todos los altibajos habidos. El episodio 65 no es diferente, y tras un capítulo anterior donde una buena animación pasaba por encima de un guión incoherente, ahora tenemos todo en uno: buena historia y un cuidado dibujo (de nuevo, para los estándares de Dragon Ball Super).

¿De qué trata el capítulo 65 de Dragon Ball Super (vienen SPOILERS)? Como habíamos visto, Zamasu y Black se habían fusionado con los potara, creando a un ser superior, que continúa siendo inmortal, con enormes dosis de energía y cuyo ki Vegeta no había percibido en ningún otro ser durante su vida como genocida espacial. Detrás de Zamasu (que así sigue autonombrándose la criatura) surge una especie de halo, de donde comienzan a salir rayos de energía que van destruyendo todo aquello que ya estaba destruido… Los pocos supervivientes humanos lo perciben y se atemorizan todavía más, con algunos tratando de huir del escondite (y siendo pulverizados en el acto). Yajirobee se ofrece voluntario a salir para ver qué está pasando, avisando tras comprobar que los ataques ya han pasado que está «todo ok». Los supervivientes van saliendo y contemplan al nuevo Zamasu en el cielo: piensan que es un dios, pero a la vez se preguntan qué clase de divinidad sería capaz de cometer tales atrocidades.

Volviendo a nuestros protagonistas, Bulma decide llevarse el laboratorio a otra parte, y Trunks se la lleva junto a Mai para ponerlas a salvo. Vegeta y Goku tratan de plantarle cara a Zamasu, sin mucho éxito. Éste acaba formando ahora una especie de ave gigante tras de sí, de donde surgen nuevos ataques. Uno de ellos alcanza a los Guerreros Z, que acaban regresando a su estado natural, sin super saiyan blue ni nada.

De vuelta a Trunks, éste decide regresar al escenario de combate. No sin antes llevarse con él habichuelas mágicas/senzu que le entrega Mai. A su vez, Vegeta y Goku intentan un nuevo ataque conjunto en contra de Zamasu, sin éxito. Justo en ese momento llega Trunks, quien al ver a su padre herido se enfurece y vuelve a transformarse… en lo que sea que se transforme Trunks desde hace dos episodios. Se dispone a lanzarle un Cañón Galick a Zamasu, a lo que se le une Vegeta. Por breves momentos parece que van a golpear a Zamasu, pero termina por no ser así: el nuevo enemigo, además de inmortal, es realmente poderoso. Éste contraataca, recibiendo el golpe el príncipe de los saiyans, en un gesto de protección hacia su hijo. Sin embargo, Zamasu no puede darse un respiro: Goku vuelve a estar en pie y le lanza un poderoso Kamehameha, finalizando el capítulo con este ataque.

Estamos ante un capítulo mucho más repleto de acción que el anterior, y se nota. Primero porque la acción es definitivamente el punto fuerte de Dragon Ball Super (no obstante es un shônen), dejando más de lado posibles incongruencias o conductas forzadas por parte de los personajes. Segundo porque el tiempo discurre de forma mucho más fluida, con lo que los 25 minutos que dura el capítulo se pasan volando. Si la acción no se hace pesada, claro (que no es el caso).

Buena parte de culpa de que la acción se torne dinámica la tiene una buena animación. Toei está de racha y ya lleva casi tres episodios completos con dibujos más que decentes. Siguen sin saber dibujar un buen Trunks en super saiyan, es cierto, pero al menos ya no es deforme ni los movimientos acartonados.

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El momento culmen de este capítulo lo alcanza el Cañón Galick conjunto «padre e hijo» que se marcan Vegeta y Trunks frente a Zamasu. Esta técnica, que recuerda enormemente al Kamehameha que realizaran Goku y Gohan contra Cell (o Goku y sus hijos frente a Broly en el OVA El regreso de Broly), siempre contendrá buenas dosis de intensidad dentro del combate. Y además sirve para demostrarnos (nuevamente) que Vegeta hace rato que dejó de ser aquel sanguinario guerrero y que ahora antepone a los suyos. Por cierto, otro guiño a Dragon Ball Z: Zamasu lanza un rayo de energía «de la nada» hacia Trunks, pero esta vez al que da de lleno es a Vegeta, quien se interpone. Como aquel Cell que parecía haber sido derrotado y que no. Con la principal diferencia de que en esta ocasión nadie ha muerto.

En definitiva, nos encontramos ante un capítulo muy digno, con buena animación y una narrativa fluida y, al menos, sin muchas incoherencias. Eso sí… todo posible momento estelar que haya aparecido por Dragon Ball Super 65 queda automáticamente eclipsado por ese avance del episodio 66. Y es que nos confirma el regreso de un personaje MUY esperado (se veía venir) y querido por los fans. La semana no puede pasar más despacio.

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Por qué hacen falta más Wonder Woman

Cuando se estrenó Batman v Superman, de Zack Snyder, muchos esperaban ansiosos encontrarse, rodeado de apabullantes efectos especiales, el que sería el enfrentamiento del siglo. Batman y Superman, dos grandes superhéroes salidos de DC Cómics, ambos son prácticamente el emblema de la casa. Dudamos mucho que haya alguien en el mundo (occidental) que no los conozca. Sin embargo, lo que acabó destacando más en la mencionada cinta (sorpresa positiva de Ben Affleck aparte) fue Wonder Woman (también conocida como Chica Maravillosa en algunos países hispano parlantes). El personaje, ahora interpretado por Gal Gadot (Too Fast Too Furious), pasaba como de puntillas por la historia: aparecía repentinamente como una especie de espía y no sabemos exactamente con qué objetivo para, al final, unirse a la batalla contra el malo (deforme) y ayudar a derrotarlo junto a los dos héroes a los que hace mención el título. Puede que aparezca tan solo diez minutos en total, pero (en una película considerada más bien mediocre por una buena parte de la crítica y del público) fueron suficientes para que Gal Gadot convenciera y, qué diablos, al final fuese incluso mejor que el mismísimo Superman. Al menos en cuanto a carisma.

Ahora se está realizando una película en solitario de Wonder Woman, Liga de la Justicia aparte (donde también tendrá un papel principal), que se estrenará en junio del 2017. Ya van saliendo algunos tráilers, bastante prometedores (la fotografía me tiene maravillada), a pesar de las evidentes similitudes con Capitán América: El primer Vengador. Servidora espera que triunfe, no por ser fanática de DC (mis superhéroes favoritos dentro del cómic americano siempre han sido los X-Men), sino por lo desconocido que ha sido hasta ahora el personaje para las masas, especialmente si la comparamos con los citados Batman, Superman o los añadidos Spiderman, Lobezno/Wolverine o Iron-Man (que, dicho sea de paso, le debe mucha de su fama reciente a Robert Downey Jr.).

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Cuando yo era niña (y eso no fue hace tanto tiempo) no había iconos o referentes femeninos procedentes del mundo de la fantasía o ciencia ficción. Sí, sé que existían las enormes Ellen Ripley o Sarah Connor, pero ambas formaban parte de un mundo donde, a la postre, lo que más destacaba era el ser del título (Alien y Terminator). También sé que estaban las princesas Disney, que no pueden estar más esquematizadas y representar con más fuerza todo lo que supone la construcción de género. Como yo de pequeña era bastante «marimacho», en el sentido de que pasaba de las muñecas y el rosa y en cambio me volcaba con Dragon Ball o Saint Seiya (Caballeros del Zodiaco), siempre me quedaba un poco descolocada. Cuando jugábamos a los muñecos, o a las peleas en la calle con nuestros amigos y amigas, siempre había que elegir simular el papel de un personaje masculino: con suerte podías llegar a ser Vegeta, o Robin, o Gambito. No me sentía nada identificada con el mundo de las princesas (lo cierto es que en las cintas Disney siempre solía ir con el villano) ni tampoco había superheroínas realmente conocidas que llegaran a nuestro imaginario colectivo de niños en los 90. Ser la princesa Leia no estaba mal con sus peinados estrafalarios, pero siendo realistas, lo que verdaderamente molaba era ser Luke o Han, o incluso Darth Vader. Cualquier cosa mejor que simular estar esperando en una Estrella de la Muerte o en una guarida de Jabba el Hut ficticios a que llegaran para rescatarte.

Vivimos en una época donde predomina lo políticamente correcto, es cierto. Muchas de estas nuevas representaciones no surgen con espontaneidad, sino para evitar mayores críticas de algunos colectivos (o recaudar dinero de ellos). Sin embargo, no todo es así, y Wonder Woman es prueba de ello. Para empezar, este personaje fue creado allá por el año 1941 (casi nada), surgiendo de la mente del Doctor William Moulton Marston, un eminente psicólogo de principios del siglo XX que llegó a inventar el primer detector de mentiras y que vivía en una relación poliamor con dos mujeres, las cuales sirvieron de inspiración para el personaje que estamos tratando. Marston pretendía el surgimiento de una superheroína a la par que Superman o Batman, que superase a sus enemigos más a través del poder del amor (entendido como sentimiento, no romántico o sexual) más que por el poder de los puños. Marston creía en la capacidad educativa que tenían los cómics, pero fue su mujer, la también psicóloga Elizabeth Holloway Marston, quien tuvo la idea de que fuese una mujer. Y así surgió Wonder Woman, Diana Prince, la Mujer Maravilla.

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No obstante, como adelantábamos, este personaje no se difundió entre las masas y los colectivos imaginarios hasta recientemente. Es posible que en Estados Unidos sí resultase tan conocida como Batman (la verdad es que no lo sé; aunque lo dudo), pero por estos lares lo cierto es que nunca tomó especial protagonismo. Si bien se conocía su existencia, no sabías muy bien de quién se trataba o qué podía hacer. Yo siempre pensaba que era una especie de comparsa femenina de Superman, al más puro estilo Batgirl con El Hombre Murciélago.

Diana incluso tenía/tiene su propio «Lois Lane» masculino, que en la película será interpretado por Chris Pine (el nuevo Capitán Kirk en Star Trek), pero que, por algún motivo (no imagino cuál), algunos medios quisieron «ocultar»: ¿Qué es eso de un hombre, un reputado soldado para más señas, siendo rescatado una y otra vez por una mujer? ¡Vergüenza! Incluso en algunas adaptaciones han cambiado el papel de Steve Trevor (que así se llama el susodicho) por el de un señor más mayor y veterano de guerra, que servía como influencia (indirecta, a través de su madre) a Diana y las amazonas, pero nada de interés romántico, de chico que se enamora de chica mucho más poderosa. Cero salvación y rescate, el hombre siempre podrá cuidarse solo.

Por suerte eso está cambiando. Wonder Woman al fin está tomando forma, ya sabemos que es una superheroína independiente y con su propia serie, al igual que los otros grandes héroes de DC, ni por debajo ni por encima de ellos. Y eso me alegra. Independientemente de cómo termine saliendo la película (que espero que bien, claro está), me produce cierta ilusión pensar que las niñas de ahora a las que les guste más la acción que las muñecas (o no, porque normalmente siempre hay lugar y tiempo para todo, especialmente en el mundo de la imaginación y del juego) puedan elegir ser una superheroína de igual a igual con quien elija (o le toque) ser Superman. Que existen mujeres en el mundo de la ficción con sus propias aventuras, universos y dudas existenciales y que puedas sentirte orgullosa de que te toque ser una de ellas. Algo vamos avanzando. 

Dragon Ball Super 64: Cuando la animación supera al guión

Con un poco de retraso esta semana (Halloween tuvo la culpa) nos disponemos a realizar nuestra reseña del capítulo 64 de Dragon Ball Super. En ocasiones, cuando hay un producto animado de por medio (ya sea animación 2D, 3D, o lo que sea), el apartado técnico puede llegar a resultar tan importante como el guión. Para algunos, incluso, es primordial. Por eso hay varios miembros dentro del fandom de Dragon Ball que no acaban de tragar Dragon Ball Super, debido a su mediocre calidad técnica en varios episodios. No es mi caso, lo admito, ya que para mí siempre es más importante la historia (aunque si el apartado gráfico llega a ser totalmente desastroso tampoco es que me agrade). Nos encontramos con algo sorprendente (al menos para mí) en este episodio de Dragon Ball Super: la animación está muy bien (para los estándares), no así la historia, que flojea por varios lados… 

¿De qué trata el capítulo 64 de Dragon Ball Super (vienen Spoilers)? El 63 había terminado con Vegeta pegándole una paliza a Black. Éste último se da cuenta de que el aumento de fuerza de su oponente proviene por la rabia que siente debido a las heridas sufridas por su hijo. Para Black es una metodología muy bruta, pero decide probar a utilizarla, surgiendo entonces de su ki una especie de arma con forma de guadaña. Con ésta logra abrir una grieta, que nadie sabe de qué puede tratarse: ¿una fisura temporal? ¿un portal de comunicación con otro universo? Zamasu, al observarlo, se congratula del poder que pueden llegar a alcanzar e intenta zafarse de Goku. Lo consigue nuevamente gracias a la intervención de Black, quien logra acorralar a ambos saiyans, quienes a su vez se ven rodeados por varias copias del enemigo.

Zamasu aprovecha la ocasión para acudir hacia el laboratorio donde se encuentra Bulma, Trunks y Mai. Ésta última percibe su llegada, por lo que se apresuran a aprender la técnica Mafuba, ya que la tinaja ha sido finalmente reparada. Por suerte, Bulma lleva un vídeo grabado en el móvil donde aparece Piccolo realizando una demostración de la técnica. Mientras Trunks practica, su madre pretende ganar tiempo y sale ella sola al encuentro de Zamasu. A Bulma, fiel a su estilo, no se le ocurre otra cosa más que intentar seducirlo, lo que provoca aún más la ira del kaioshin, quien se dispone a darle el golpe de gracia. Justo en ese momento llegan Trunks y Mai y realizan el Mafuba,  encerrando a Zamasu dentro de la tinaja. No pueden cantar victoria tan rápido, ya que a Goku se le ha olvidado traer el sello que cierra definitivamente el artefacto, por lo que Zamasu consigue liberarse a los pocos minutos.

En ese instante aparece Black (quien puede teletransportarse, al igual que Goku), siguiéndole Vegeta y Goku. Los Zamasus no se lo piensan más, no quieren arriesgarse a que nuestros protagonistas salgan con otra técnica al estilo Mafuba, y deciden fusionarse. Es así como surge ¿Blackmasu? ¿Zamasux2? ¿Zamalack? En definitiva, un nuevo y amenazante enemigo que promete ponérselo aún mas difícil a nuestros héroes.

Como vemos, este ha sido un episodio más pausado que el anterior, que estuvo repleto de acción. No por ello es peor (ni mejor)…. si no fueran por la cantidad de incongruencias argumentales que tiene. Empezando por Black y su grieta de poder, que queda sin explicación alguna (como la nueva transformación de Trunks, ya olvidada). ¿Por qué salen de ahí copias de Black? ¿Es un ninja? ¿No era que quizás era una apertura espacio-temporal, o a otros universos? ¿Qué tendría eso que ver con las copias de Black? Si pretendían que fuesen proyecciones de su energía, aparte de resultar forzado, queda nuevamente a especulación del espectador.

Por otro lado: el Mafuba. Sabemos que Toriyama es olvidadizo, pero que se le pase cómo funcionan las técnicas que él mismo creó ya… Recordemos que el Mafuba, cuando fue utilizada por primera vez por el maestro Roshi contra Piccolo padre, provocó que el realizador de la técnica muriera (como así fue), debido a que se implica mucho ki, sobre todo a más poderoso sea el adversario. Zamasu, por sí solo, aparte de que debería haber sido fácilmente derrotado por Trunks y su nueva transformación, debería haber causado algún tipo de efecto secundario en el hijo de Vegeta y, sobre todo, en Mai. Sin embargo estos dos encierran al kaioshin como si nada, siendo el único inconveniente un sello que Goku se ha vuelto a olvidar. Que por cierto, lo de que el protagonista se olvide cosas nunca funcionó como recurso humorístico, mucho menos si encima empiezan a repetirlo hasta la saciedad.

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Admito que me he reído con Bulma en este capítulo, eso sí. Aunque sea porque nos ha vuelto a recordar a esa Bulma del primer Dragon Ball, que utilizaba los avances sexuales para tratar de salirse con la suya (incluso con el propio Goku niño, sin éxito). Aquí Bulma vuelve a caer en saco roto, ante un Zamasu que prefiere estar más interesado en sí mismo (y en Goku) que en mujeres atractivas como ella.

Por lo demás, poco que comentar. Se nota que este capítulo no ha sido de mis favoritos, y eso que la animación sí que ha estado de notable alto. Cuando por fin tenemos bonitos dibujos, con rostros de los personajes bien dibujados y movimientos fluidos, nos encontramos con un guión con más agujeros que un queso gruyere. Una verdadera lástima. Podremos saber más sobre la fusión de los Zamasus a partir de esta noche, que es cuando emitirán el episodio 65 en Japón. Tenemos una cita.

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Así irán vestidos algunos de los personajes principales en Star Wars Episodio VIII

Todavía falta algo más de un año para su salida al cine, pero el octavo episodio de Star Wars es, con toda probabilidad, uno de los estrenos más esperados por los fans del séptimo arte. Por ello, poco a poco se van filtrando datos de la película, a la cual rodea un enorme secretismo. Sabemos que empezará pocos segundos después del final de El despertar de la Fuerza, donde Rey acudía al planeta Ahch-To para encontrarse con Luke Skywalker.

Pues bien, según la web Makingstarwars, que ha demostrado ser bastante de fiar en el pasado, ya se sabe cómo irán vestidos Luke, Rey y Kylo Ren durante la película, o al menos durante una parte de ella (curiosamente, estos tres personajes parece que pasarán juntos y en Ahch-To una porción de la cinta). Avisamos de posibles spoilers (pequeños, pero por si las moscas…).

Al parecer, el Skywalker interpretado por Mark Hamill irá vestido de forma similar a Yoda en Dagobah, pero con ropajes más oscuros y sucios. En la escena que habría visto rodar la fuente de dicha web, Luke se encuentra entrenando a Rey, quien se frustra bastante con los métodos del maestro jedi. Como ya sabemos, Luke además llevará barba y, lo que parece más sorprendente, no parece que tuviera guardado un sable láser por ningún lado (sus ropas además carecían de cinturones donde poder colgarlo). En su lugar, parecía portar un objeto similar a una vara o delgado bastón. El ilustrador Lumberjack Nick habría hecho el siguiente dibujo acorde con las descripciones:

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En cuanto a Rey, tal como podemos ver, llevará las mismas ropas que al final de El Despertar de la Fuerza.

Falta Kylo Ren, nuevo villano de la trilogía y, como sabemos, gran admirador de su abuelo Darth Vader. Al parecer, y en una aparente forma de imitación, Kylo ahora llevará una capa muy similar a la del famoso sith. Debajo de ésta, sus vestimentas serán muy similares a las de Luke en El retorno del jedi. En cuanto al ya famoso casco, seguirá llevándolo y continuará siendo prácticamente el mismo (pequeñas modificaciones aparte, ya que perdió el anterior en la destrucción de la 786683 Estrella de la Muerte). Sobre la capa, no se sabe si se la habrá hecho él o será una vieja reliquia de Vader. Recordemos que en materiales del universo expandido se habla de objetos que permanecieran a Vader que acaban vendiéndose en el mercado negro (como su sable láser).

Star Wars Episodio VIII (aún sin título) se estrenará en diciembre del 2017. Sin embargo, sabremos con total seguridad cómo se ven sus personajes principales con anterioridad a dicha fecha. ¿Quizás en algún teaser durante el estreno de Rogue One: Una historia de Star Wars?

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Esos clásicos inolvidables: Pesadilla antes de Navidad (1993)

Tendría unos siete u ocho años cuando un día mi madre me compró en el Carrefour (por aquel entonces Pryca) un VHS con unos peculiares dibujos en su carátula: aparecían una especie de esqueleto alargado y vestido con traje cogiendo de la mano a una muñeca de trapo. A su alrededor bailaban tres niños disfrazados de diablillo, bruja y ¿Jason? En el rótulo ponía «Pesadilla antes de Navidad«. Quién me iba a decir que aquella película, totalmente desconocida por aquel entonces para mí, se convertiría en una de mis favoritas, incluso a día de hoy.

El inicio (con voz en versión original de Patrick Stewart… sí, el Profesor X de X-Men o el Picard de Star Trek) cuenta así (en español):

Érase una vez, hace mucho tiempo…

Es posible que en sueños hayáis visto el lugar,

pues la historia tremenda que os voy a contar

ocurrió cuando el mundo era antiguo.

Seguro os habéis preguntado:

«¿Las fiestas de dónde salieron?»

Sino, ahora vais a saber lo que fueron.

Tras esto, la primera (y pegadiza) canción, Esto es Halloween, cuya letra todavía me sé de memoria. Mientras tanto, hipnóticas figuras en stop motion que se mueven por lúgubres y encantadores escenarios. Esta es la historia de Pesadilla antes de Navidad, protagonizada por Jack Skellington, rey del mundo de Halloween y que se encuentra al inicio de la cinta sumido en una profunda crisis existencial (dando lugar a otro hermoso tema musical, El lamento de Jack). No está solo, claro, por el mundo de Halloween pululan brujas, muñecas de trapo (la citada Sally de la portada), parodias del Doctor Frankestein (servidor Igor incluido), zombies, momias, vampiros, hombres lobo… En definitiva, todo un homenaje de Tim Burton (creador de la historia y productor, que no director, cayendo dicha labor sobre los hombros de Henry Selick) a las películas de Vincent Price y la Hammer. De hecho, la idea original era que Price pusiera la voz a Santa Claus, pero debido al fallecimiento de su mujer y al consecuente deterioro de su salud, tuvieron que reelegir a otro actor de doblaje para el papel (muy a pesar de Selick).

Tim Burton llegó a la idea de Pesadilla antes de Navidad al pasear un día por la calle, fijándose en un escaparate de una tienda de regalos: donde el día antes tenían colocado merchandising de Halloween, ahora lo estaban sustituyendo por el de Navidad y figuritas de Papá Noel. Esto dio qué pensar a Burton, puesto que ambas fiestas van muy seguidas en el calendario y resultan, a su vez, en toda una gama de contrastes. De ahí fue surgiendo en su cabeza una sencilla historia que plasmó en un poema de unas pocas páginas. Por él solo pululaban Jack, su perro-fantasma Zero y Santa Claus. Sin embargo, la idea rápidamente atrajo a Disney, que puso dinero para prolongarlo y hacerlo película (originalmente Burton pensó más en hacer una mini-serie animada). Debido a que contaba con poco tiempo, entre la finalización de Batman Vuelve y la pre-producción de Ed Wood, se eligió como director al mencionado Selick. En la actualidad se tiende a pensar en Pesadilla antes de Navidad como una obra más de Burton, lo cal molesta profundamente al cineasta, puesto que, si bien él puso la idea, los diseños y el dinero (y estuvo muy presente durante toda la producción), quien estuvo tras las cámaras no fue él, sino Selick, y sin él Pesadilla antes de Navidad tampoco hubiera llegado a ser lo que es hoy en día.

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La realización de la película se prolongó durante más de tres años. En el proceso Disney decidió que era demasiado oscura y «terrorífica» para su público infantil, por lo que la pasaron a su sub-productora, Touchstone Pictures. Se ve que con el paso de los años y la increíble acogida entre crítica y público que tuvo la cinta se arrepintieron, porque en la actualidad vuelve a figurar Disney como única productora de Pesadilla antes de Navidad (y, para lo más jugones, es de sobras conocida la presencia que tiene este mundo en las historias de Kingdom Hearts, desarrolladas por Square Enix y la propia Disney).

A la postre surgió una película única, con una carga poética notoria, con personajes carismáticos y algo más complejos para las típicas películas de animación de la época (antes de que llegara Pixar). Nos quejamos con Jack y su aburrida rutina, que no le supone ningún reto ni satisfacción. Nos conmovemos con Sally y su amor y apoyo en la distancia. Nos alegramos con la genuina simpatía de Zero. Y nos seguimos asqueando con Oogie Boogie cuando empieza a descoserse. Que por cierto, hablando de este personaje, una de las ideas que tuvieron los realizadores es que en realidad se tratara del Doctor Finklestein (creador de Sally) disfrazado debajo del saco. Dicha idea indignó tanto a Burton que pegó un puñetazo a la pared, agrietándola. Por lo que es fácil imaginar dos cosas: uno, que Oogie Boogie acabó siendo… pues Oogie Boogie; y dos, que Tim Burton es en realidad Hulk.

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Por no hablar de las mencionadas canciones, con las que comenzábamos este recordatorio-intentodehomenaje. Para variar, Burton volvió a contar aquí con la buena labor de Danny Elfman, quien considera su trabajo en Pesadilla antes de Navidad uno de los más sencillos de su carrera. No porque no se lo trabajara (El lamento de Jack o ¿Qué es?, por poner dos ejemplos, dan constancia de ello), sino porque se sintió tan rápidamente identificado con Jack y su mundo que las ideas y la música le surgían solas. De la identificación con el personaje surgió la idea de que fuese el propio Elfman quien pusiera su voz a Skellington durante las canciones (ya que su actor de doblaje, Chris Sarandon, advirtió que cantaba fatal).

En definitiva, creemos que Pesadilla antes de Navidad es una de esas películas que conviene ser revisionadas una vez cada cierto tiempo (yo por ejemplo la veo una vez al año, más o menos) y que además puede ser igualmente disfrutada por niños y adultos (si bien es cierto que puede atemorizar un poco a los peques que sean más sensibles o que no estén acostumbrados a animación algo menos «típica» y más «oscura»). Yo me atrevería a decir que es una de mis películas favoritas de todos los tiempos (de Burton, solo por detrás de Eduardo Manostijeras; y de Selick definitivamente la primera, aún por encima de Coraline). Y qué carajo, que puede ser disfrutada en cualquier fecha del año, pero especialmente en aquellas cuyo título menciona: Halloween y Navidad. Y es que si algo nos demuestra esta historia es el encanto escondido (o no tanto) detrás de estas dos fiestas, tan extrañas y tan contradictorias entre sí, pero a la postre tan llenas de magia. Como la que derrocha Pesadilla antes de Navidad.

Doctor Strange (2016): Crítica sin Spoilers

Habiendo pasado ya varios con numerosos (y continuados) estrenos cinematográficos de superhéroes, es normal pensar que el género está empezando a entrar en una fase de agotamiento (servidora por ejemplo ya empieza a encontrar estas películas algo cansinas y repetitivas). Disney y Marvel han tenido que darse perfecta cuenta de ello, por lo que en los últimos tiempos han dedicado películas a personajes no tan conocidos (y más peculiares) como Ant-Man, Pantera Negra (próximamente) y este Doctor Strange (Doctor Extraño) que nos ocupa.

Tras las cámaras y guión han contratado a Scott Derrickson, quien ya tuviera experiencia en ambos campos, especialmente en el género de terror (Synister, El exorcismo de Emily Rose), por lo que no es sorprendente que algunas personas preguntasen en foros de internet si la cinta que nos ocupa nos iba a dar algún que otro susto. Ya adelantamos que no, no lo da, Doctor Strange se encuentra muy lejos de ser terrorífica o entrar dentro del género. Sin embargo, sí posee un tono más oscuro, y hasta más serio, que el resto de películas de Marvel/Disney.

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En dicho sentido nos encontramos con una primera mitad, para nosotros la más sobresaliente, más pausada y que sirve de presentación de los personajes principales y sus problemáticas. Hallamos aquí a Stephen Strange (un muy solvente Benedict Cumberbatch, recomendamos verlo especialmente en versión original debido a su grave y potente voz), un reconocido y arrogante neurocirujano que en muchos aspectos nos recuerda a Tony Stark/Iron Man. Durante esta parte la cinta se muestra más «realista» e incluso llegan a aparecer situaciones con las que el espectador (sobre todo si éste se ha visto alguna vez en su vida con una lesión importante o hándicap) puede llegar a identificarse.

La segunda mitad se torna más Marvel, más típica de las películas de este género, con mucha acción, presentación de villanos muy desaprovechados (sobre todo si tenemos en cuenta que uno de ellos es Mads Mikkelsen, famoso Hannibal y que también veremos por Rogue One: Una historia de Star Wars) y escenas algo melodramáticas. Eso sí, la acción en Doctor Strange es una pu** locura: constantes formaciones y apariciones de figuras imposibles al más puro estilo Escher, que no dejarán descansar la vista en ningún momento (y si apartas la mirada algún instante lo más probable es que te pierdas). No hemos tenido la ocasión de comprobarlo, pero suponemos que en este sentido la versión 3D cobrará especial fuerza. He aquí una de las principales virtudes de Doctor Strange: se asemeja a cualquier cinta de Marvel, pero a la vez intenta separarse lo suficiente del resto; aunque sea simplemente por una acción mucho más «artística» y un superhéroe cuyos poderes no son tanto físicos como mentales/espirituales (los que hayan escuchado alguna vez terminología de espiritualidad al más puro estilo zen encontrarán aquí algo probablemente más interesante que en el Capitán América o Thor, por ejemplo).

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Sin embargo, no todo es un camino de rosas en Doctor Strange. El guión, si bien es solvente y cumple con su objetivo (entretener, presentarnos un nuevo universo Marvel), se percibe en ocasiones como demasiado ambicioso. Pretende acaparar demasiado en poco menos de dos horas de película. Así, nos deja la sensación de que en el último acto (sin querer soltar spoilers) queda todo a medio gas. Sabemos que desde Disney ya están pensando en secuelas, pero esto de ver películas enteras divididas en fascículos de dos horas no sé si me va. Asimismo, y debido a este aspecto acaparador del guión, hay personajes que sufren en su recorrido, terminando por no resultar del todo creíbles y sí algo forzados (miramos a Chiwetel Ejiofor).

Por lo demás, las actrices cumplen, más Tilda Swinton que Rachel McAdams (no siendo culpa de ella, que lo hace bien, sino, nuevamente, del guión, que acaba dejando al personaje un poco olvidado). En cuanto a la primera, creemos que llega a protagonizar una de las escenas más conmovedoras del cine Marvel hasta la fecha (que no es que se prodigue mucho en este tipo de momentos, así que en esta ocasión se agradece).

En definitiva, encontramos en Doctor Strange una nueva película de presentación de un héroe de Marvel, que como tal cumple sobradamente y que nos ofrece dos horas de sano entretenimiento. Además, intentando arriesgar en nuevos planos más visuales y hasta conceptuales. No obstante, le falta algo para terminar de ser redonda, y tenemos claro que ese algo es el guión, a la postre «MUY Marvel/Disney» y demasiado ambicioso.

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Análisis de «Omen», Final Fantasy XV: ¿Spoilers o no spoilers?

Han pasado unos pocos días desde que Square Enix lanzara el que es, para muchos, mejor tráiler hasta la fecha de Final Fantasy XV: Omen. ¿Qué significado tiene esta palabra? En español se traduciría como «presagio» o «augurio», y siguiendo la descripción que nos ofrece Square Enix del vídeo, éste vendría a ser una especie de sueño premonitorio que tiene Regis sobre el destino de su hijo, Noctis.

Con esto, son varias las voces que se han pronunciado, indicando que el tráiler vendría a ser un mero vídeo conceptual (realizado por los estudios DIGIC Pictures, que también trabajaron en Kingsglaive) y nada de lo que aparece en él sucederá o aparecerá en el juego. Sin embargo… ¿será realmente así? ¿Es una simple demostración de la capacidad gráfica que han alcanzado con Final Fantasy XV… o algo más? Vamos a avisarlo una vez más, por si acaso: el tráiler (y posterior análisis) es posible que contenga potenciales Spoilers. Aunque esto es una mera suposición, quizás termine siendo verdad que nada de esto ocurra en el juego. No obstante, ¿por qué creemos que sí podría influenciar muchísimo en la historia?

Para empezar, recordemos aquí el tráiler Omen, de Final Fantasy XV:

Para los fans de la saga, es probable que un vídeo de estas características nos recuerde a algo (e incluso a otras franquicias de Square Enix… coffKingdomHeartscoff). ¿Que no os recuerda a nada? Probad otra vez:

Final Fantasy VIII, del cual ya hemos visto que Final Fantasy XV se ha tomado algunas licencias (particularmente con el sistema de extracción de magias). Tanto Noctis (o más bien Regis) como Squall parece que se han puesto hasta arriba de tripis y están teniendo el viaje sideral de sus vidas. Al final, resulta que todo es un sueño del protagonista de la octava entrega de la saga tras haber quedado inconsciente por su último enfrentamiento contra Seifer. Vaya, muy similar a esta supuesta pesadilla que tiene el padre de Noctis. En la famosa intro del Final Fantasy VIII podemos ver ya a Edea (las brujas), a Rinoa, un campo de flores, alguien que estará esperando a Squall, la famosa escena del baile, Squall y Rinoa juntos… son todos ellos elementos que, como bien sabemos, acaban estando MUY presentes en la historia de este episodio. Por lo tanto, ¿cómo podemos asegurar que Omen no tendrá nada que ver con la historia de Final Fantasy XV? ¿Para qué hacer un tráiler de ello entonces?

Si seguimos indagando más, veremos que cualquiera de los openings de Kingdom Hearts (muy oníricos también) entran asimismo dentro del mismo esquema. Curiosamente, Tetsuya Nomura está bastante relacionado con todos ellos (incluyendo el del VIII, del cual, dicen, fue el ideólogo del comienzo de las olas moviéndose, las plumas cayendo y el Squall versus Seifer, lo que trajo verdaderos quebraderos de cabeza a los desarrolladores).

Dicho esto, podemos observar varias (muchísimas) cosas en Omen que nos dan que pensar… El vídeo comienza con Noctis conduciendo y yendo solo en el Regalia para parar en una gasolinera. Al entrar en ésta, el escenario se transforma y aparece instantáneamente en la habitación de Luna. Aquí ya podemos contemplar elementos que nos hacen presagiar algo inquietante: se ve un maniquí con el vestido de novia de Luna (acuerdo de boda entre ambos), dos camas (¿Luna y Gentiana duermen en el mismo cuarto? Antiguamente, las reinas y aristócratas solían tener damas y ayudantes de cámara que dormían en sus aposentos o en habitaciones colindantes) con sendos retratos de Noctis de niño y Luna, o Noctis y Regis sobre ellas y… dos sillas, una de pie perfectamente colocada y otra tirada en el suelo. El detalle de las sillas nos trae a la mente un enfrentamiento o trifulca, como alguien levantándose violentamente. ¿Una señal de la confrontación entre Noctis y Luna?

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Además, podemos comprobar que en el diálogo durante esta escena se mencionan «purificaciones» y «nuestro mundo», mientras a lo lejos, en una aparente calma, se acercan nubes oscuras. ¿La famosa plaga de las estrellas?

Cambiamos de escenario: Noctis vuelve a estar conduciendo solo el Regalia, huyendo de las naves de Niflheim. Nuestro protagonista no parece muy preocupado con este último detalle, siendo lo que más destaca en estos momentos la imagen de una especie de Luna espiritual que le observa desde un lado de la carretera (por cierto, amplio guiño aquí a Cloud y Aerith al final de la primera Advent Children, flores amarillas y todo).

Mientras conduce, Noctis percibe algo que llama poderosamente su atención: es Pryna, la perra blanca de Luna, quien sirve a su vez de mensajera (junto a Umbra) entre ambos personajes durante el juego. Por lo tanto, tiene una clara vinculación con Luna, puede conocer su paradero. La sorpresa de Noctis al verla es tal que acaba derrapando y volcando el coche.

Cambio de escenario: Noctis (o lo que parece ser Noctis) enfrentándose violentamente a Luna, quien intenta hacerle entrar en razón.

Volvemos a Noctis (con las ropas ya algo rasgadas) y Pryna: ambos se hallan en un desierto, que al fijarnos bien resulta ser una desaparecida o post-apocalíptica Altissia:

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Noctis está siguiendo al perro, claramente quiere saber dónde se encuentra Luna. Esto tiene una estrecha relación con la palabras de Hajime Tabata (director del juego), quien en alguna ocasión ha mencionado el papel de Luna como guía de Noctis y sus amigos en el viaje y la referencia como alguien prácticamente inalcanzable. Lo de Altissia es a su vez interesante: ¿la ha conquistado Niflheim y ha sido abandonada? ¿Acaso su estado actual (en los tráilers del juego) como una ciudad repleta de agua es debido a la influencia de algún arcano/invocación (Leviatán)? Recordemos también que la presencia de Titán en el cráter de Lestallum se supone que aporta una energía especial a dicha ciudad.

Cambio: Noctis se introduce en la góndola, yendo tras Pryna. Aparece repentinamente en un tren del metro, repleto de soldados de Niflheim. Curiosamente, estos soldados no parecen percibir la presencia del príncipe del país rival, ni viceversa. Es posible que signifique que la amenaza del imperio sea, a la postre, algo secundario: nos entorpece el camino, pero la amenaza real es otra, que se halla más allá, más lejana. De pronto, Noctis se detiene: al otro lado del reflejo, vemos a Luna, que desaparece en cuanto Noctis voltea la mirada. Nuevamente, la figura inalcanzable. Otro guiño: en el vagón de metro podemos observar un cartel con un mensaje: «Gone Gold«, una referencia a la entrada del juego en fase gold (final, ya listo para ser lanzado al mercado), lo cual fue anunciado el mismo día que la salida de Omen.

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El tren llega a la estación, fuera se encuentra Pryna esperando a Noctis, quien corre tras ella. Más soldados de Niflheim en las calles, ahora sí que entorpecen al príncipe, quien se enfrenta a ellos. Una de las armas que vemos que utiliza aquí es la enorme espada de Gladio. Probable (y primera) referencia a los amigos de nuestro protagonista y resto del equipo, quienes no son vistos por ninguna parte a lo largo de Omen.

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Seguimos: Noctis y Pryna huyen de los soldados, y nuestro príncipe se mete corriendo en un ascensor (muy similar a Nyx huyendo de Glauca en Kingsglaive). Algo va cambiando en el perro, su mirada se torna anaranjada: nuevamente observamos a Luna intentando frenar a Noctis, quien la golpea y le arrebata su tridente.

Noctis y Pryna caen al vacío, aterrizando en medio de más soldados de Niflheim. En esta ocasión, nuestro protagonista utiliza unas dagas o cuchillas, en probable guiño a Ignis (segunda referencia a los chocobros) y/o a Nyx.

Cambio de escenario: Noctis y Pryna enfrentándose a un bégimo, muy similar al que hemos tenido que derrotar en Episodio Duscae. Noctis y el perro terminan huyendo, no sin antes poder percibir un reflejo y, al otro lado, a Luna y Umbra:

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Vemos agua y, en la superficie, una ciudad siendo invadida por Niflheim: se trata de Altissia. Lo cual nos señala que dicha ciudad no lo tendrá fácil y nos lleva a recordar el principio de Omen, con la góndola en medio de un desierto, donde antes se encontraba la misma Altissia. También nos hace rememorar el famoso tráiler del E3 del 2013, donde podíamos ver partes del enfrentamiento contra Leviatán mientras la ciudad estaba siendo atacada. ¿Le sucederá algo al arcano/invocación?

Cambio: Noctis, en lo que parece ser una base de Niflheim (que iremos encontrando a lo largo de nuestro recorrido por el videojuego), frente a varios soldados. Les apunta con una lanza, pero ésta se desvanece: ¿está perdiendo el príncipe sus poderes? ¿Tendrá algo que ver con la plaga de las estrellas? ¿Estará cayendo Noctis «en el Lado Oscuro»? No importa, porque pronto se repone y contraataca a las tropas del imperio con metralletas y armas de fuego (tercera referencia al equipo, en este caso a Prompto). Así va acabando con todos los enemigos de la base (y cada vez quedando con menos ropa). Al final, aparece Pryna en el suelo, muerta…

Noctis acude hacia ella, pero no llega, empieza a caer. De fondo escuchamos las voces de Noctis y Luna de niños, quienes hablan de «un elegido» (Noctis) y de apoyarse mutuamente pase lo que pase. Nuestro héroe aterriza en un escenario rodeado de fuego, recordaría a una imagen tradicional del infierno. Además, está rodeado de cancerberos (en la mitología clásica, perros guardianes del Inframundo). Noctis trata de defenderse… con un tridente, el de Luna. Pryna pasa por su lado, pero algo le pasa… se va transformando en otro perro, uno totalmente negro y con mirada diabólica. En algunas culturas, el folclore habla de los perros como mensajeros, siendo uno que destaca sobre el resto: el perro negro como mensajero de la muerte y de malos presagios.

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Noctis comienza a recordar: él se enfrentó a Luna y la terminó matando atravesándola con su tridente. Con un grito de desesperación se corta la escena y aparece Regis conversando con un ser con voz de ultratumba. El padre de nuestro protagonista le pregunta a este misterioso ente que cuántas vidas más necesitará para sentirse saciado, a lo que éste responde que solo quiere una más. Es probable que esté refiriéndose a la de Noctis (futuro rey elegido), o incluso a la de Luna (oráculo). Lo que dice Regis a continuación nos saca de dudas en este sentido, ya que habla de que él (Noctis) asumirá su responsabilidad. La misteriosa voz responde que como hacen todos. Finalmente, el actual monarca se va pidiendo a los dioses que lo perdonen. De fondo, Insomnia, aún con la barrera del cristal intacta, lo que nos sitúa en momentos antes del inicio del juego (y de Kingsglaive).

¿Quién es la misteriosa voz? Parece ser que se trata del enemigo principal en la historia, muy por encima de Niflheim. Solo en tráilers recientes nos han mostrado pinceladas de la mitología que rodea al mundo (Eos) de Final Fantasy XV: se habla de un rey elegido que deberá permanecer junto a la oráculo. Se ve a una figura algo demoníaca que le entrega algo a este rey. Y también sabíamos desde antes que los arcanos/invocaciones tendrán un papel muy importante en el juego, concretamente en su papel como creadores del mundo. ¿Será esta misteriosa voz que le habla a Regis un arcano desterrado (el mismo que trata con el rey elegido y la oráculo en los libros de cosmología)? ¿Caos? ¿La verdadera forma de Ardyn (un usuario francés en Gamefaqs aseguró reconocer al doblador de Ardyn en la misteriosa voz, al menos en la versión francesa)? ¿Será el propio cristal? ¿Todo en uno (existe la posibilidad de que Ardyn sea en verdad un arcano desterrado y que éste se llame en realidad Caos)? Lo veremos el 29 de noviembre.

De lo que estamos seguros es que Omen le ha aportado una nueva dimensión a toda la historia de Final Fantsy XV: vemos por primera vez la relación de Noctis y Luna como adultos y su enorme importancia dentro de la historia, observamos el papel de enemigo secundario de Niflheim, y ahora nos presentan historias de profecías y sueños premonitorios que han de ser evitados. Precisamente por esto último es probable que Regis mandase a Noctis con sus amigos, pidiéndoles que apoyasen a su hijo hasta el final. Quizás Regis en su sueño vio lo que le depararía a su vástago si realizaba el viaje solo. Pero… ¿puede alterase el destino? He ahí uno de los temas más representativos en algunas de las obras de Shakespeare (Hamlet incluido), al cual hacían explícita referencia en los tráilers de Final Fantasy Versus XIII. Y es que Omen es, de todos los avances que nos han mostrado de Final fantasy XV, el que más nos recuerda a sus días de Versus.

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