Estos días está siendo la París Games Week y allí que se han ido Hajime Tabata (director) y parte del equipo de Final Fantasy XV. Tras un apasionante directo, donde han mostrado tres demos y jugabilidad con batallas, coches y chocobos (una de ellas se «rompió» a la mitad, lamentablemente) y un vídeo titulado «Omen», que nos muestra algo… algo… no tenemos palabras para describirlo (y además, posibles SPOILERS), pero que nos ha dejado, aún todavía, con la boca abierta hasta el suelo. Por supuesto, la calidad que muestra el CGI (imagen generada por ordenador) es totalmente espectacular. Podéis comprobarlo a continuación. En cuanto a Final Fantasy XV, podremos disfrutarlo a partir del 29 de noviembre en Play Station 4 y X-Box One.
ACTUALIZADO: Por otro lado, ya se ha anunciado oficialmente la entrada en fase gold (es decir, final) del videojuego. Y, además, ¡podremos controlar al resto de personajes en modo multijugador!
Últimamente pareciera que Dragon Ball Super estuviera llena de altibajos: en su narrativa, en el guión y, por supuesto, también en la animación. Tras un capítulo 61 bastante espectacular, vino un episodio 62 más pausado. Ahora, el capítulo 63 vuelve a tomar las riendas y se torna en uno que equilibra bastante bien la acción con el diálogo y la historia. Veamos porqué.
¿De qué trata Dragon Ball Super 63 (vienen SPOILERS)? Una vez Vegeta ha terminado de entrenar en la sala del espíritu y el tiempo, y Goku ha aprendido la técnica Mafuba, ambos regresan al futuro de Trunks junto a Bulma. Mientras tanto, en dicha línea temporal, el primogénito de Vegeta se recupera de sus heridas de su último enfrentamiento contra Black y Zamasu. Al despertar lo atiende Yajirobee, quien le dice que Mai se ha ido a la guarida de los dos enemigos para intentar abatir a Black. Efectivamente, la muchacha y dos miembros de la rebelión esperan poder abatir al impostor en el cuerpo de Goku con una bala especial que les dejó la Bulma del pasado antes de regresar a su tiempo. Curiosamente, Mai acierta en el disparo, pero, aparte de tumbarlo y un ligero abatimiento, apenas le hace nada a Black, quien se dispone a contraatacar. En ese momento llega Trunks, quien vuelve a transformarse en… pues en lo que sea que se transforme (todavía no han explicado nada) y logra dejar momentáneamente K.O. a Black. Mientras pasa a encargarse de Zamasu, éste se recupera y atraviesa a Trunks por la espalda.
La cosa no pasa a peores porque justo en ese momento y lugar aterrizan Vegeta, Goku y Bulma. Al verlos, Black automáticamente destruye la máquina del tiempo, mientras Goku se da cuenta de que se había dejado dentro de la misma la tinaja para realizar el Mafuba. Mientras Vegeta le echa la bronca a Goku, Black y Zamasu se dan cuenta de que nadie los está escuchando (Bulma en seguida fue a esconderse). Para añadir más gente a la fiesta, aparecen también Gowasu y el Kaisohin del Universo 7 usando el anillo del tiempo, quienes intentan hablar con Zamasu, reprochando sus actos. Algo que por supuesto resulta inútil, ya que Black intenta acabar (de nuevo) con su antiguo maestro. Vegeta y Goku lo impiden, ya transformados en super saiyan blue, y ambos deciden quién será su oponente: Vegeta irá a por Black, mientras Goku se encargará de Zamasu. La trepidante pelea comienza y, para sorpresa de Black y Zamasu, Vegeta se ha vuelto mucho más fuerte, poniendo en serios aprietos al enemigo. Goku tampoco se lo deja fácil a Zamasu, quien no tiene nada que hacer contra nuestro protagonista (inmortalidad aparte).
Mientras tanto, Bulma saca de una de las cápsulas una especie de garaje-laboratorio, donde se dispone a reparar la máquina del tiempo lo más rápido posible. Justo en ese momento llegan Trunks (ya recuperado) y Mai, a los que Bulma pide que reparen la tinaja para el Mafuba (con pegamento, cómo si no).
El capítulo termina con Vegeta dándole para el pelo a Black, echándole en cara que su mayor error es que, habiendo robado el cuerpo de Goku, no sabe utilizarlo (vamos, lo que le pasaba a Ginyu). Para terminar con un momento épico de «yo soy el príncipe de los saiyans«.
Podríamos resumir este episodio en: Vegeta mola. Mucho. Y ya. En realidad, a pesar de que yo siempre he sido más partidaria del príncipe de los saiyans, la serie deja una sensación extraña si comprobamos que saben sacarle mucho más jugo al personaje de Vegeta que al del propio Goku, quien nuevamente ha quedado a la altura de «un nuevo Luffy» (lo de la tinaja es realmente para echarse las manos a la cabeza). A pesar de todo, sigo creyendo que Goku será quien de el golpe de gracia al enemigo, como suele pasar (lo ideal sería que lo hiciera Trunks). Aunque, visto cómo se presenta el capítulo siguiente y las posibilidades que ofrece, quizás deberíamos ir pensando en Vegetto como oponente final de Black y Zamasu (fusionados o no).
Si hay algo para destacar en este capítulo de Dragon Ball Super es la animación. Durante la primera mitad ésta continúa siendo bastante mediocre, pero en cuanto dan inicio las peleas la cosa da un giro de 360º y nos encontramos con un dibujo casi perfecto, y eso en Dragon Ball Super es mucho. Por una vez (al menos en bastante tiempo) hemos visto a un Vegeta expresivo, con la mala leche que lo caracteriza, musculoso y bien dibujado. Y que además pelea bien, con movimientos fluidos y elegantes. Goku no se queda atrás, aunque la pelea contra Zamasu da menos para lucirse. En cuanto a Trunks, esperamos que no se quede relegado a un puesto secundario de «reparador de tinajas» y continúe también repartiendo leña, que su nueva transformación (aún no explicada) se supone que es al menos tan poderosa como las de Goku y Vegeta. Pero, lo dicho, que lo que más se huele en el horizonte (al menos por ahora) es a Vegetto. Por cierto y hablando de Trunks, es un guiño gracioso que le hayamos visto realizar la técnica Cañón Garlick.
En definitiva, nos encontramos ante un ben capítulo, sobre todo en lo referente a la animación y para los estándares a los que nos tiene acostumbrados Dragon Ball Super. El siguiente episodio nos tiene preparada una «sorpresa» gorda (que yo no lo es tanto porque nos la han mostrado en el avance). Esperando que pase rápido la semana.
Es una de las hipótesis que más se ha hecho escuchar entre el fandom desde que se anunciara que Felicity Jones interpretaría a Jyn Erso, nueva protagonista de Roge One: Una historia de Star Wars, ambientada entre los episodios III y IV. Ambas son mujeres, caucásicas, con acento británico, de pelo castaño y ojos claros… ¿Podría existir alguna relación de parentesco entre ambas? Veamos los factores tanto para el «sí» como para el «no».
Jyn Erso, madre de Rey
Lo más fácil para un espectador promedio, una vez se haya enterado de la situación cronológica en la que iría colocada Rogue One, sería pensar inmediatamente que se trata de la historia de la madre de Rey. Porque, claro, muchos ya han asimilado que Luke es el padre (aunque nosotros al menos preferimos no creerlo así), y entonces ahora nos ponen a la madre, que además encajaría en edad para poder ser emparejada con el joven Skywalker (a pesar de que Jyn es mayor, incluso puede que bastante mayor). Todo encaja. El parecido físico entre ambas actrices (Felicity Jones y Daisy Ridley) no haría más que añadir más leña al fuego. Esta forma de pensamiento, aparentemente lógico, es el mayor punto a favor para creer que Jyn pueda ser la madre de Rey. Sin embargo, no es más que una falacia.
No obstante, si uno se estruja un poco más el cerebro, sí puede llegar a otros factores que parecerían indicar una posible relación de parentesco entre una y otra. Por un lado, hay quienes han mencionado el significado de los nombres e incluso curiosos anagramas. Por ejemplo, hay quienes pueden percibir una relación entre el significado de «Jyn», que en cierta lengua oriental es «brillante», y que Rey signifique… pues eso, monarca. También que de Jyn Erso puedan extraerse las palabras «Rey Son» («Rey Hijo»); aunque en sí mismo eso no tenga mucho sentido…
Asimismo, hemos visto en algunas imágenes de Rogue One que Jyn tenía (probablemente desde niña) una especie de muñeco de trapo con forma de soldado imperial… Uno muy muy similar al que tiene Rey en Jakku, solo que esta vez con forma de piloto de la Alianza Rebelde. Lástima que en la guía visual de El Despertar de la Fuerza se indique que dicho muñeco se lo hizo la propia Rey, pero aún así da que pensar, puesto que no puede ser una mera coincidencia que ambas tengan (desde niñas) muñecos tan similares.
Finalmente, por lo que sabemos hasta ahora del pasado de Jyn, la forma en que se ha visto obligada acrecer parece muy similar a la de Rey (mucho más que a la de Luke, con quien lo único que tiene en común es que ambos se criaron en un planeta lleno de arena). Ambas son (aparentemente) huérfanas, dejadas a su suerte en entornos hostiles, y que por lo tanto han adquirido formas de supervivencia y resistencia semejantes (aunque Jyn parece que será bastante más agresiva que Rey).
En realidad, que Jyn pueda terminar siendo la madre de Rey sería una opción satisfactoria (al menos desde nuestro punto de vista), más que nada porque significaría que Lucasfilm pretende ahondar algo más en los orígenes (no Skywalker) de Rey, en lugar de contarlo todo en un fragmento de tres minutos, deprisa y corriendo (¿cómo diablos pretenden explicar que sea la nieta de Obi Wan de semejante modo (es otra de las teorías más escuchadas)?). Y además, conectaría grandiosamente con las trilogías principales sin por ello legar a eclipsarlas. Pero, por otro lado, también sería algo que cerraría muchas posibilidades e historias que fueran más allá de los Skywalker (Disney ya ha mencionado su intención de salirse de los Skywalker a través de los spin off). A no ser que el padre no fuera Luke (algo que no trataremos aquí, pero que es lo que creemos), y entonces Rey terminase proviniendo de grupos familiares totalmente distintos, lo que abriría muchos abanicos de nuevos y atrayentes arcos argumentales. ¿Tal vez una Andor?
Rogue One y su relación con la trilogía principal (VII, VIII y IX)
Los directivos de Disney y Lucasfilm también han escuchado estos rumores sobre Jyn y Rey… y básicamente los han negado. O, al menos, eso es lo que parece cuando Kathleen Kennedy (presidenta de Lucasfilm) señala que los planes de George Lucas eran que los personajes de los spin off (o que conforman la Antología de Star Wars) no se cruzasen con los de la trilogía principal. Sin embargo, no sería la primera vez que se desdijeran en sus comentarios; o que estuvieran jugando al despiste; o que, de hecho, los personajes no aparecieran en la trilogía principal, pero sí los nombrasen de algún modo (como sucediera con Una nueva esperanza y el propio Rogue One)…
En realidad, el factor que, hoy por hoy, más se opone a que Jyn pueda ser la madre de Rey, lo hallamos en la propia cronología. Felicity Jones tiene 33 años, pero aparenta menos. Esto podría significar que Jyn puede pasar perfectamente por una veinteañera, pero no por una muchachita de 18 años (para hacernos una idea, Mark Hamill tenía 26 cuando se estrenó Una nueva esperanza, donde Luke era un mozalbete de 18 añitos; la diferencia no era tanta). Siguiendo entonces con la idea de que Jyn pudiera tener, no sé, alrededor de 25 años, significaría que habría parido a Rey a la edad de 40 años más o menos. Lo cual, por cierto, no es descabellado (conozco en lo personal varios casos que han sido así), pero sí complicaría algo más la posibilidad. Además también es perfectamente factible que Jyn sea mayor de 25 años (nuestro cálculo) en Rogue One, pero que fuera menor sí lo vemos altamente improbable (y escasamente creíble).
En definitiva… que deberíamos hacer como Daisy Ridley, y esperar a que Rogue One nos sorprenda (o no…). Mientras tanto, y para ir amenizando la espera hasta el 16 de diciembre, elucubrar toda clase de teorías y compartirlas se torna divertido, pero siempre dentro de una lógica y coherencia dentro del universo de Star Wars (que hurgando por la red hemos visto que hasta Kylo Ren podría ser el padre de Rey… sí, a los 10 años). ¿Y vosotros qué pensáis? ¿Podrían estar Jyn y Rey emparentadas? ¿Y Luke? ¿Será acaso Rey una Andor? Lo comprobaremos (o no, porque el parentesco de Rey parece que no va a solucionarse hasta el episodio IX. CORRECCIÓN: Hoy mismo, 22 de octubre, Daisy Ridley ha dicho que sabremos de dónde viene Rey en el Episodio VIII) el 16 de diciembre, donde por cierto tendremos una cita MUY ESPACIAL.
El anterior capítulo de Dragon Ball Super había sido uno de esos con final apoteósico, donde sucedían grandes revelaciones y en donde Goku (AL FIN) se ponía serio. No obstante, como decíamos, el punto álgido fue su final: ¿qué le había pasado a Trunks? Si esperabáis encontrar respuesta en este episodio 62… pues bien, toca seguir esperando.
¿De qué trata, entonces, el capítulo 62 de Dragon Ball Super (ahora vienen los Spoilers)? El episodio da comienzo con una nueva (supuesta) transformación de Trunks plantando cara a Black y Zamasu. A pesar de que logra darles un par de golpes, lo cierto es que rápidamente Black logra sobreponerse y parece que la victoria no está tan cerca. Viendo el panorama, Trunks le dice a su padre que él retendrá a Black y a Zamasu mientras ellos regresan al pasado y hallan alguna forma de poder acabar con ellos. Vegeta al principio duda, pero acaba accediendo y huye junto a un malherido Goku y Bulma. Antes de irse, le da las habichuelas mágicas a Mai, quien jura cuidar de Trunks.
De vuelta a la línea temporal del presente, Goku se cura en una cápsula especial, mientras Bulma se enfrenta a Bills debido a que su teoría de que al haber matado a un aprendiz de kaioshin en una línea temporal habría alterado al resto había resultado errónea. Bills se excusa diciendo que era una mera hipótesis y que lo que ocurra en líneas temporales distintas a la suya no le concierne. Dicho esto, se marcha con Whis. En ese momento aparecen Trunks y Goten, quienes quieren unirse a la lucha (a lo que Bulma se muestra reticente). Del mismo modo aparecen Chichi y Gohan, quienes momentos antes estaban preguntando a Krilin si conocía el paradero de Goku (ya que lleva días sin pasar por su casa y no avisó de nada). El susodicho y Piccolo también llegan a la Capsule Corp., preocupados asimismo por cómo está yendo todo el asunto con Black. Bulma trata de relajar a todos haciéndose como que no sabe la mitad, cuando en medio de todo el panorama aparece Goku con vendajes. Chichi acude a él preocupada, pero éste le comenta que ya se encuentra mucho mejor… y con hambre.
Una vez todos reunidos a la mesa, mientras Goku come, Bulma les cuenta a todos cómo es que ha surgido Black y su vínculo con Zamasu. Ante la inmortalidad de Zamasu y el creciente poder de Black, Vegeta se pregunta qué pueden hacer. Entonces Piccolo tiene una idea: Mafuba (para quienes no lo recuerdan, es la técnica que utilizó Kame Sennin para encerrar a Piccolo Daimaô en una tinaja). Con el Mafuba, podrían encerrar para siempre a Black y a Zamasu. Goku queda entusiasmado con esta nueva posibilidad, y acude raudo y veloz (mediante teletransportación) a la Kame House, antes de darle la oportunidad a Piccolo de hacerle una demostración.
Ya en la Kame House, Goku le pide a su antiguo maestro que le enseñe a hacer la técnica, a lo que Roshi le advierte de los peligros que ello conlleva. Así, Goku pasa toda una noche practicando con la pobre tortuga, a la que al final logra meter en la tinaja. Mientras tanto, Bills y Whis vuelven a visitar a Gowasu. Bills se encuentra sorprendentemente cabreado, y sigue excusándose con que él no puede hacer nada en líneas temporales alternativas (lo tienen prohibido). Nos obstante, Gowasu, sintiéndose responsable como anterior maestro de Zamasu, se ofrece para ayudar en lo que pueda. Y así termina el capítulo 62 de Dragon Ball Super.
Lo cierto es que, tras haber tenido un final tan épico en el episodio anterior, este nuevo capítulo pega un bajón de ritmo considerable. No solo porque no se explica nada sobre la transformación de Trunks (¿quizás para el próximo?), sino porque lo poco que vemos de pelea contra Zamasu y Black es bastante…. mediocre. Y es que desde luego con la animación en este capítulo no se han lucido nada (o sí lo han hecho, pero para mal): movimientos acartonados, caras mal dibujadas, la transformación de Trunks que no se sabe ya si es un super saiyan 1, 2 o qué, y un largo etcétera. Por suerte, parece que el episodio 63 tendrá una mejor animación. Y es que solo el avance del próximo capítulo ya está mejor dibujado que el resto.
Pero no vamos a comentar solamente lo malo. El ritmo más pausado (en comparación con el capítulo 61) era probablemente necesario debido a que nos encontramos ante un episodio más reflexivo. Y es aquí cuando llega el momento estrella de la semana: la ocurrencia de Piccolo con el Mafuba, técnica que había sido totalmente olvidada desde la era de Dragon Ball (sin la Z y sin nada detrás). Bien es cierto que el Mafuba se había visto poco efectiva contra Piccolo Daimaô, por lo que no sabemos cómo podrán hacer contra alguien con un poder mucho más superior que el de aquél. Pero quizás ahí está «el riesgo» del que habla Kame Sennin hacia el final del capítulo: ¿se sacrificará alguno de nuestros héroes (recordamos que el propio Muten Roshi se sacrificó contra Piccolo padre)? Dado el tono mucho menos dramático del que hace gala Dragon Ball Super, es algo que hoy por hoy dudamos que llegue a pasar, pero nunca se sabe…
Como referencia especial, agradecemos la (breve) reaparición de un Gohan que no hace mucho más aparte de preocuparse. Pero algo es algo. Al menos no ha quedado ignorado como sucediera con el torneo del Universo 6. Eso sí, si había alguna (pequeña) esperanza de que el primogénito de Goku pudiera participar de alguna forma, ésta ha quedado nuevamente machacada.
En definitiva, capítulo donde se reúnen nuevamente todos los personajes (algo que de por sí se agradece), que además conlleva un cierto toque de nostalgia (especial mención al breve entrenamiento de Goku con Roshi), pero dejando totalmente de lado al Trunks del futuro y su peculiar nueva transformación. El episodio 63 promete más acción y mejor dibujada. Lo veremos la semana que viene.
La división en el fandom de Final Fantasy, la cual empezó a percibirse a partir de la doceava entrega de la saga (puede que incluso con la secuela del Final Fantasy X y con el estreno de La fuerza interior), lleva bastantes años agrandándose. Pero, ¿qué lo ha causado y sigue causando, y cómo afecta eso a la nueva entrega de la franquicia: Final Fantasy XV? De eso va a tratar nuestro debate de Final Fantasy en esta entrada.
Como muchos sabrán, para la mayor parte del fandom la era dorada de Final Fantasy llegó con la época de la PSOne. Las entregas séptima, octava y novena conforman un trío que todavía en la actualidad sigue siendo considerado de lo mejorcito que nos ha dado Square Enix (por aquel entonces Squaresoft), con un encanto y magia especiales que son difíciles de superar. La décima entrega no se queda muy atrás, siendo asimismo la favorita de muchos. Las continuaciones no lo tenían fácil.
Sin embargo, no es solo que no lo tuvieran sencillo, sino que, por otro lado, pareciera que Square Enix todavía no hubiera sabido adaptarse del todo a los nuevos tiempos. Es como si aún estuvieran buscando su sitio en esta nueva era. Con Final Fantasy XII, llegaron los cambios más significativos en el sistema de batalla, que a pesar de todo seguía siendo por turnos (aunque el hecho de que lo dinamizaran más y lo volviesen más interactivo hace parecer que fuese más orientado a la acción). Con Final Fantasy XIIIla ruptura fue prácticamente total: ausencia de ciudades, mundo cerrado y pasillero (salvo la última parte del juego), largos diálogos que parecían sacados del más estereotipado de los animes y la no existencia de las emblemáticas tiendas o posadas provocaron que muchos le dieran la espalda a la saga. Las dos secuelas de Final Fantasy XIII no hicieron más que aumentar el rechazo, a pesar de los intentos de Square Enix por arreglar lo del mundo abierto, la inclusión de ciudades o incluso de tiendas en forma de señorita vestida de chocobo.
¿Qué sucede entonces con Final Fantasy XV, un juego que todavía no ha salido al mercado (será el 29 de noviembre)? Vamos a ver los principales puntos por los que algunos incluso ya lo han llegado a tachar de «decepción»:
No es un «verdadero Final Fantasy»
Es la queja que más suele repetirse. En realidad, es una objeción que llevamos oyendo desde el Final Fantasy XII (o incluso con el X-2, como adelantábamos), pero que en este caso ha llegado a niveles alarmantes: se han perdido totalmente los combates por turnos, manejamos a un solo personaje y el elenco es demasiado homogéneo (y encima solo está compuesto por cuatro personajes más invitados puntuales).
En realidad, el concepto de «verdadero Final Fantasy» (también denominado como «la esencia de Final Fantasy«) es algo tan subjetivo que es difícil ver qué es exactamente el qué. Por ejemplo, para una servidora la esencia de los Final Fantasy reside en su historia y, sobre todo, el carisma de sus personajes. Sí, el sistema de batalla es importante a la hora de divertirse, pero quién dice que tienen que ser por turnos para poder entretenernos. Un juego de The Legend Of Zelda no es menos JRPG (Japanese Role Playing Game) por estar más orientado a la acción que los Final Fantasy clásicos. Y nadie discutiría normalmente la calidad de los Zelda.
Sí estamos de acuerdo en que el elenco de personajes principales resulta bastante homogéneo (personalmente, los diseños que más me gustan son los de Luna y Regis… aparte del Noctis mayor), pero esto tampoco es algo que ocurra por primera vez en un Final Fantasy: en el VIII todos eran humanos, jóvenes y guapos; en el Final Fantasy X-2 nos acompañaba todo el tiempo un grupo de tres chicas (también jóvenes y guapas) y en la trilogía de Final Fantasy XIII la mayor «discrepancia» era que había un negro con pelo afro. Incluso en el Final Fantasy XII el equipo estaba compuesto por humanos jóvenes y una viera (que vendría a ser Naomi Campbell con orejas de conejo). Es cierto que preferimos repartos más llamativos, como los de Final Fantasy VI, Final Fantasy VII o Final Fantasy IX, pero lo cierto es que un elenco homogéneo no es necesariamente sinónimo de un mal juego, mucho menos de un mal Final Fantasy. Quejas sobre el reparto de esta quinceava entrega nos llevan asimismo al siguiente punto…
¿Un juego machista?
¿Cómo puede ser, a estas alturas del siglo XXI, que no haya ni una sola chica en medio de todo este campo de nabos? ¡Sacrilegio! Algo así es el pensamiento que ocupa a este grupo de discrepantes con esta entrega.
Si bien es cierto que puede chocar la ausencia de mujeres (que tampoco es tal, puesto que sabemos que al menos Iris y Luna formarán parte de nuestro equipo momentáneamente) en un Final Fantasy, una vez más deberíamos tener en cuenta que no es la primera vez que esto sucede: en Final Fantasy X-2 el grupo era (lo repetimos) un grupo de tres chicas que, para más inri, desprendían montones de conductas estereotipadas femeninas (o propias de mujeres en anime): saltitos, grititos, cambios de trajes extravagantes y cantos. Sólo les faltaba ponerse a hablar sobre tíos buenorros y… (oh, espera). Sin embargo, en aquel entonces no hubo quejas al respecto, a pesar de que estereotipar a la mujer puede llegar a ser incluso más machista que el mostrar solamente a hombres (y, como mujer, no suelo sentirme identificada con ninguna de estas conductas).
Además, en Final Fantasy XV la historia parte de la idea de un viaje de un príncipe y sus personas de mayor confianza (y que vendrían a ser sus amigos) antes de su boda: una despedida de soltero en toda regla. Pero no solo eso, también nos encontramos con que la principal relación romántica que habrá en el juego, la de Noctis y Luna, intercambia totalmente los papeles: Luna es la mayor, madura y segura de sí misma, es una persona activa y autosuficiente; Noctis en cambio se nos muestra como un joven inseguro, tímido, algo reacio a cumplir con el papel que le ha tocado desempeñar en el mundo y en la historia. Es cierto que Kingsglaive no le hace toda la justicia que debiera a esta supuesta Luna, fuerte y sin la necesidad de protección de un hombre, pero al menos en los avances que hemos podido ver del juego esta es la Luna que más se percibe. Para muestra, una escena: Luna hablándole enérgicamente a un público embelesado… entre el que se encuentra Noctis. Así que, al menos hasta que tengamos la oportunidad de poder disfrutar de Final Fantasy XV: machismo, ¿dónde?
No es Final Fantasy Versus XIII
De entre todas las quejas, esta es la que personalmente encuentro más difícil de comprender. En realidad sí que la entiendo, pero desde una perspectiva de fan fiction, es decir… Versus XIII tan solo existía en nuestras mentes. Así, todo lo que creíamos saber de dicho proyecto, de Stella, de la yakuza en Insomnia… era algo que habíamos desarrollado con nuestra imaginación. Poco más se puede sacar de trailers que duran a lo sumo cinco minutos (y que era lo único que teníamos de Versus XIII). Es como si creyésemos saber cómo va a ser Rogue One: Una historia de Star Wars a estas alturas de la vida, habiendo visto solo un par de avances.
Es cierto que era Tetsuya Nomura el que se encontraba detrás del proyecto, un nombre muy aclamado en la comunidad gamer actual (es el director de la saga Kingdom Hearts y conocido diseñador de personajes dentro de la franquicia), pero también lo es que Nomura no tiene en su currículum un historial de personajes femeninos realmente destacables (ejemKairiNamineejem); y sin embargo de ahí hay gente que ha llegado a creer que Stella habría sido un personaje femenino unas 623232 veces mejor que Luna. Cuando no hemos (a día de hoy) llegado a conocer ni a una ni a la otra. Ver para creer.
Por otro lado, tampoco sabemos hasta qué punto Final Fantasy XV ha cambiado lo que iba a ser Final Fantasy Versus XIII. Es cierto que ya no está Stella, pero sí una mujer rubia que viste de blanco, que proviene de un reino rival al de nuestro protagonista y que se encuentra relacionada de alguna manera con un misterioso encapuchado. Tres cuartas partes de lo mismo sucede con la yakuza: en aquel entonces había hombres trajeados de negro sentados en torno a Regis; ahora tenemos a personas con túnicas y colores oscuros sentados en torno a Regis (visiblemente más mayor). Es cierto que Insomnia ha adquirido un tono más medieval, pero la influencia del Tokio actual o de incluso otras grandes y conocidas ciudades como Berlín siguen siendo perfectamente perceptibles. Conceptos como el cambio de color de ojos de Noctis, el que puedan ver las almas que van a expirar o la existencia de una «diosa Etro» continúan estando presentes en Final Fantasy XV.
En definitiva…
En contra de Final Fantasy XV juegan dos grandes factores: su largo periodo de desarrollo, desde que era Versus XIII, con cambios de plataforma, director y equipo incluidos; y que lo precede Final Fantasy XIII (Final Fantasy XIV es online y no suele incluirse dentro de la misma categoría que el resto, con excepción del Final Fantasy XI). Por eso mismo el propio Hajime Tabata (director) se ha intentado desvincular de las aventuras de Lightning y compañía en medida de lo posible (no vamos a entrar en el debate de si el vapuleo a la treceava entrega está justificado o no, eso da para otra entrada).
Sin embargo, adelantarse a la salida del juego mismo y asegurar que éste va a ser «un fracaso» nos parece cuanto menos algo… precipitado. No solo porque nos es imposible probar las aventuras de Noctis por nosotros mismos, sino además por el hecho de que todo lo que nos han ido mostrando hasta la fecha hace prever un juego que al menos está siendo fabricado con mimo y cuidado. La propia Square Enix es consciente de lo que se juega con Final Fantasy XV.
Primero de todo queremos disculparnos por la ausencia de nuestra reseña del capítulo 60 de Dragon Ball Super. La verdad que ese episodio me decepcionó bastante, en el sentido de que prometía mucho y al final no aportó prácticamente nada (que la escena más comentada fuese el «beso» de Trunks a Mai dice mucho del contenido; aunque por otro lado… creo que es la primera vez que hay un beso en Dragon Ball). Volviendo al tema, el capítulo 61 de Dragon Ball Super se redime sustancialmente por la falta de contenido de su predecesor; aunque la primera mitad también es bastante pausada. Veamos (aquí vienen los SPOILERS).
¿De qué trata el capítulo 61 de Dragon Ball Super? El 60 nos había dejado con la revelación de Black de que en realidad él era Zamasu… dentro del cuerpo de Goku. Evidentemente esto deja perplejo a nuestro protagonista, que entonces pregunta por qué hay dos Zamasus. El susodicho se explica: en una línea temporal alternativa Zamasu llegó a matar a su maestro para posteriormente presentarse en la línea temporal del Trunks del futuro, donde Zamasu nunca había llegado a conocer a Goku (puesto que había muerto por la enfermedad del corazón). Este Zamasu del futuro se encontraba sirviendo té a su maestro, cuando llega el Zamasu del pasado alternativo y asesina también a este Gowasu. Entonces le dice a su alter ego que son la misma persona y que busca aliarse con él para «purificar» el universo de mortales. Ambos sellan el acuerdo con un abrazo. El Zamasu del futuro entonces le pide a las super dragon balls la inmortalidad, y un año más tarde solicitan su propia destrucción.
Tras esto, la batalla continúa contra Goku, quien se ve acorralado por Zamasu. El kaioshin entonces le dice si sabe qué le pasó a su familia en el pasado alternativo donde surgió Black: ese Zamasu, que había matado a su maestro, pidió a las super dragon balls que le intercambiasen el cuerpo con Goku, quien en ese momento se encontraba trabajando en el campo con Goten. El dragón así lo hace y Goku aparece confuso (y ante un atónito Goten) con el cuerpo de Zamasu. El kaioshin, ahora en el cuerpo de nuestro héroe, se presenta ante ellos y los asesina, incluyendo a Chichi. La revelación enfurece a Goku, que pega tal subidón de poder que logra tumbar momentáneamente tanto a Black como a Zamasu. Sin embargo, Black se recupera rápido y le asesta un ataque a Goku que lo deja prácticamente K.O.
En ese momento Trunks del futuro le pide a su padre que lo deje a él plantarle cara a Zamasu y Black, a lo que Vegeta argumenta que no tiene ninguna `posibilidad. Aún así, Trunks se lanza contra ellos, siendo efectivamente vapuleado por ambos enemigos. Zamasu y Black entonces le dicen que todo lo que está sucediendo es culpa suya: si no hubiese viajado al pasado para alterar el tiempo, Goku no se hubiera salvado y nada de esto estaría pasando. Todas estas palabras, junto con el deseo de poder proteger a todos, consiguen que Trunks se enfurezca hasta tal punto de obtener una nueva transformación, con la que planta cara a Zamasu y Black, jurando matarlos.
Vamos a ser claros: el episodio, desde el punto de vista de un fan de Dragon Ball (que gusta de acción y momentos épicos) cumple. CUMPLE CON CRECES. Tenemos por un lado toda la identidad de Black revelada y explicada, junto con el ENORME momento final protagonizado por Trunks.
Ahora, también es cierto que la explicación del surgimiento de Black, aparte de confusa (ya lo advirtió Toriyama), peca de algo incoherente en algunos aspectos, o quizás todas las preguntas sean propias de la misma confusión. Por ejemplo, ¿no se supone que las super dragon balls son las esferas de dragón definitivas de todos los universos? Entonces, ¿por qué pueden destruirse unas y que sigan existiendo las otras? ¿Por que´cada una solicita deseos diferentes en distintos momentos? Si las super dragon balls existen en cada línea temporal y en cada universo, ¿cuál es la diferencia entonces con las de, por ejemplo, Namek, aparte de tener un dragón más brillante? Como decía, preguntas que van surgiendo y que son, quizás, producto de no saber todavía lo suficiente sobre el funcionamiento de todos los universos y líneas temporales en Dragon Ball.
Por otro lado, tenemos que comentar EL momento de todo el episodio: por fin Goku deja de ser Luffy y vuelve a ser Goku. Creo que no hemos visto a un Goku tan molón desde su transformación en super saiyan 3 contra Buu gordo. Este Goku vuelve a repartir leña y se deja de estupideces y caras de pasmado. Es hora de ponerse serios y dejar cada cosa en su lugar. Lástima que aún así acabe siendo derrotado (con lo que la sensación de amenaza de Zamasu y Black aumenta), pero esperamos que a partir de ahora (al menos en lo que queda de saga) Goku siga por esta línea.
Queda comentar algo sobre la animación… Bueno, seamos sinceros, el capítulo ha estado genial y nos ha emocionado, pero la animación no hay por dónde cogerla. Es cierto que mejora notablemente en la segunda mitad (al igual que el ritmo y la narrativa), pero hay escenas donde los movimientos y poses de Black y Zamasu son totalmente acartonados. Bueno, al menos el momento transformación de Trunks se lo han trabajado (para el nivel al que nos tienen acostumbrados en Dragon Ball Super). Eso sí… ¿qué carajo es exactamente en lo que se ha transformado Trunks? ¿Un super saiyan nivel 2 bien hecho (no recordamos que hayan dibujado bien el nivel 2 de Trunks en ni un solo episodio, a diferencia del manga)? ¿Una aproximación a Broly? Lo sabremos mejor en el próximo capítulo, el cual por cierto nos deja ver que volverán a aparecer personajes como Krilin y Piccolo. Ya era hora.
Esta vez en Japoneando Anime vamos a centrarnos en una película que está causando furor en Japón (ha logrado el puesto de película de animación que no es de Ghibli que más ha recaudado en la historia, lleva un 8,9 en IMDB y un 94% de opinión del público en Rotten Tomatoes): Kimi no na wa (君の名は también conocida como Your Name). La idea, guión y dirección corren a cargo de Makoto Shinkai, para muchos fans de la animación un nombre ya conocido (5 cm. por segundo, El jardín de las palabras), con la animación a cargo del estudio CoMix Wave Film (que ya se encargó de las otras obras del director).
La película trata, al menos en principio, sobre la vida en un apacible pueblo, Itomori, de Mitsuha Miyamizu, una estudiante de secundaria que se siente atrapada allí y ansía con ir a Tokio. A su vez, un estudiante también de secundaria de nombre Taki Tachibana pasa sus días también tranquilamente en la capital japonesa. Hasta que un día ambos se despiertan, por algún motivo desconocido, encerrados en el cuerpo del otro. Y ese es el punto de partida (no queremos desvelar más porque la historia da varios giros, todos ellos igual de impresionantes).
El hilo rojo del destino (赤い糸 en japonés) es uno de los conceptos que más podremos observar en obras audiovisuales procedentes del país nipón y, en realidad, de todo el noreste asiático. En realidad, se trataría más bien de una leyenda, cuyo equivalente más cercano en Occidente sería el de «las almas gemelas». Como tal, el hilo o cordón rojo se encuentra atado por los dioses (e invisible a los ojos humanos) a los dedos meñique o muñecas de dos personas, las cuales estarán destinadas a ser amantes, independientemente de las circunstancias. Por lo tanto, el hilo rojo podrá alargarse, enredarse o contraerse, pero nunca romperse.
En realidad, esta creencia procede de China (donde el cordón estaría atado a los dedos de los pies), pero se extendió por Japón, donde sigue estando muy presente. El hilo rojo del destino puede verse, por ejemplo, en animes y mangas tan conocidos como Ranma½, Inuyasha (ambas de Rumiko Takahashi) y xxxHolic (Clamp). Takeshi Kitano también llevó a cabo su particular visión de la leyenda en su película Dolls.
En Kimi no na wa está claro desde un principio que Taki y Mitsuha están destinados a encontrarse, siendo de hecho así la única manera (posible, hipotética) en que sus extraños «sueños» se detengan. No queremos desvelar mucho del argumento, pero una de las escenas clave (y más hermosas) de la película muestra claramente este hilo rojo que une a ambos protagonistas.
Musubi y sintoísmo
En otra importante escena de la cinta, la abuela de Mitsuha le explica a ésta (o a quien cree que es ésta) y a su hermana el concepto de «musubi», una forma antigua de nombrar al guardián del santuario local. Sin embargo, musubi contiene un significado más profundo.
La palabra en sí se encuentra compuesta por los kanjis que significan generar-espíritu, y que implica entrelazar, unir, lo que a su vez vuelve a recordarnos a la leyenda del hilo rojo del destino. En el sintoísmo (como sabemos, religión mayoritaria y propia de Japón), musubi implica el nacimiento, creación y crecimiento. Es la vida misma. Así se lo asegura la propia abuela de Mitsuha a sus nietas. Musubi, en definitiva, contiene un alto significado espiritual y se encuentra en todo lo que nos compone y nos desarrolla en crecimiento y vida.
Pero además, la palabra musu también puede significar fermentar, como es el caso de la fermentación del arroz para la elaboración del sake (酒). Algo muy presente en una de las escenas del inicio de la película, donde Mitsuha y su hermana menor realizan un ritual de nombre kuchikami-sake (口噛みの酒 kuchikami no sake), mostrándonos a ambas elaborar con su saliva (ahí el arroz se dejará en fermentación) el sake que más tarde entregarán a los dioses. Este sake significará «la mitad» de ellas y será clave en la historia. Resulta que en Japón, tradicionalmente, el sake se realizaba con la saliva de vírgenes, de ahí que continúe llevándose a cabo este tipo de ritual, al menos de forma puntual y para determinadas celebraciones.
Otro concepto de igual importancia, asimismo muy relacionado con el sintoísmo, es el kataware-doki, que hace referencia a ese momento en el día, durante el atardecer, en que el cielo aún está brillante, pero el sol ya no se ve. Durante este periodo es cuando podríamos percibir figuras y seres no humanos, lo que cobrará un significado absoluto en cierto momento entre Taki y Mitsuha.
Concluyendo
Hemos intentado hacer una breve elaboración de todos los conceptos que rodean a esta película. O a algunos, porque en realidad nos dejamos en el tintero temas que también atañen a la sociedad y cultura japonesas como el binomio campo/ciudad o la construcción de roles de género. Sin embargo, como estos son temas que también se hallan presentes en otros animes y mangas, hemos preferido centrarnos más en la simbología y significado de algunos elementos propios del sintoísmo, que no son tan fáciles de encontrar. En este sentido Kimi no na wa también es una película MUY interesante.
En definitiva, no debéis perdérosla. Una historia emotiva y maravillosa, que mezcla perfectamente elementos costumbristas y fantásticos, cuyo ritmo no decae. Y qué decir de la animación, que creo que es, y esto lo digo sinceramente, la más bonita que he visto nunca. Además, Selecta Visión ha anunciado su lanzamiento en España (aunque todavía no han especificado cuándo ni cómo), pero llegar, llegará. Es lo mínimo, teniendo en cuenta los récords que está cumpliendo en Japón.
Tras haber realizado un perfil de Jyn Erso, la otra protagonista de la futura Rogue One: Una historia de Star Wars, toca hacer lo propio con el capitán Cassian Andor, interpretado por Diego Luna (Y tu mamá también, La Terminal, La casa de mi padre).
¿Qué sabemos de este personaje? Pues, por suerte o por desgracia, más bien poco (como casi todo lo que rodea a la historia de esta película, la cual se está librando sorprendentemente bien de supuestas filtraciones y spoilers). Un capitán de la Alianza Rebelde, con experiencia en la lucha aunque más centrado en las misiones de inteligencia, disciplinado, responsable y más bien callado. Suele ir acompañado por el droide K-2SO (Alan Tudyk, con quien nos desternillamos en Un funeral de muerte), el cual él mismo reprogramó (originalmente era maquinaria del Imperio), su mejor y probablemente único amigo. Hasta que se topa con Jyn y ambos se embarcan juntos en una misión para robar los planos de la Estrella de la Muerte que está construyendo el Imperio.
Hay algo en Cassian que me llama poderosamente la atención, más incluso que en Jyn. Admito mi debilidad por Diego Luna, un actor que ha demostrado en varias ocasiones que sabe sobradamente lo que hace. Y su perfil de ser «un buen tipo» pero con secretos (los realizadores hablan de «errores del pasado», o que quizás no le gusta hablar por todo lo que ha visto), me enternece de extraña manera. Además, qué carajo, es el primer actor latino con un papel principal en una película de Star Wars(sí, teníamos al también brillante Oscar Isaac en El despertar de la Fuerza, pero estaba bastante desaprovechado…). Con esto en mente, no son pocas las teorías y posibles escenarios que se han ido forjando en mi mente sobre el capitán Cassian Andor.
Un chico y su robot
Nos gustan las películas que tratan sobre el establecimiento de vínculos emocionales entre jóvenes humanos y robots. El ejemplo que más rápido se me viene a la mente es el de esa joya animada que es El gigante de hierro (The Iron Giant, 1999), cuyo protagonista metálico, a todo esto, recuerda bastante en su diseño a este K-2SO del que vamos a hablar.
K-2SO es de algún modo encontrado por Cassian y reprogramado por éste para pasar a servir la causa de la Alianza Rebelde. O mejor dicho, para servir a la causa de Cassian Andor. Tal como hemos podido apreciar en los trailers, el droide parece hacer todo lo que el capitán le diga, aunque no vaya exactamente con sus intereses o gustos. Por ejemplo, parece no encajar del todo bien la llegada de Jyn al grupo de dos, aunque tendremos que ver si esta hostilidad inicial va evolucionando hacia otra cosa.
Personalmente, y aquí voy a adentrarme en el terreno de las hipótesis, creo que K-2SO es uno de los personajes más susceptibles de sacrificarse a lo largo de la película. No solo por su anterior pertenencia al Imperio, lo cual supondría una prueba de fidelidad mayor hacia la Alianza Rebelde, sino además por el impacto emocional que esto supondría en el personaje de Cassian, especialmente si tenemos en cuenta que es su único amigo. A partir del 16 de diciembre lo sabremos.
La (posible) importancia de Cassian
El hecho de que conozcamos hasta la fecha (a menos de tres meses del estreno) tan poco sobre Cassian Andor (en comparación con la familia Erso; aunque de no ser por la sinopsis de Catalyst tampoco conoceríamos muchos datos sobre ellos) conlleva que se abra un amplio abanico de hipótesis y posibilidades de todo tipo. Vamos a abrir una caja de Pandora: ¿Y si el hecho de que nos estén mostrando tan poco de él significase que al final nos va a dar una gran sorpresa, al más puro estilo Rey en El despertar de la Fuerza(a partir de aquí, SPOILERS sobre la susodicha)? Recordamos que durante la intensa campaña de marketing de ésta última, Rey apenas aparecía en comparación con Finn, quien incluso era mostrado como el portador del sable láser de Anakin/Luke. Esto fue un aspecto algo criticado, sobre todo en lo relacionado con el merchandising (donde Rey inicialmente no aparecía mucho tampoco) y porque, a la postre, Finn no solo supuso una cortina de humo, sino y además una especie de nuevo bufón dentro de la séptima entrega (aunque a mí la vis cómica de John Boyega me gusta). Y no, espero con todas mis fuerzas que Cassian NO termine siendo un mero chiste con piernas, por muy bien que pueda hacerlo Diego Luna.
Tampoco estamos esperando que Cassian vaya a ser el nuevo y ultrapoderoso jedi que acabe venciendo a Darth Vader tras un despertar repentino de sus poderes y una profunda epifanía. No solo sería repetitivo, sino además igual de ridículo (doy fe que me gustó la cinta de J.J. Abrams, pero la derrota de Kylo Ren a manos de Rey fue sin duda lo más descabellado de todo). Pero, quizás, y solo quizás, acabe dando un sorprendente golpe de efecto que nadie (ni tan siquiera Jyn) se espera. ¿Y por qué Cassian y no, por ejemplo, la misma Jyn? Pues porque Jyn es la que aparece demasiado en la campaña de marketing, todas las atenciones están depositadas en ella. Y además, volvería a ser demasiado repetitivo en comparación con lo que hicieron con Rey. Y bastante tenemos ya con todas las (inevitables) comparaciones entre Jyn y Rey.
Lo cual me sirve para aprovechar y abrir otra caja de Pandora aún más arriesgada: todos hemos pensado nada más ver el rostro de Felicity Jones que ella y Daisy Ridley se parecen (caucásicas, delgadas, castañas, ojos claros…). Y, claro está, muchas son las voces que han empezado a sostener que Jyn pueda ser la madre de Rey, aún cuando la propia Daisy Ridley ha negado dicha posibilidad. Pero, qué carajo, ¿y si lo es? ¿Y si Cassian es el padre? Porque Daisy podría perfectamente pasar por una mezcla de ambos. Claro, nos faltaría el «pequeño» detalle de la Fuerza (¿se transfiere genéticamente?), pero con lo poco que sabemos (hoy por hoy) de unos y de otros… a saber. Por mí, mientras no sea hija de Luke, todo fetén.
Volviendo a Cassian, son muchas las esperanzas que tengo depositadas en él. Más aún que en Jyn (aunque también me resulta llamativa). Quizás sea por el misterio que lo envuelve, o por el maravilloso rostro (y buen hacer) de Diego Luna, el caso es que espero realmente que Cassian acabe dando la sorpresa o, al menos, nos deje recordarlo como un personaje digno. Sea como sea, lo veremos el 16 de diciembre. No olvidéis que tenemos una cita ese día en los cines Dreams Palacio de Hielo, donde habrá numerosas sorpresas, tanto dentro como fuera de la película.
Sí, somos unos oportunistas. Fue anunciarse que Disney va a hacer un remake de El rey león(The Lion King, 1994, Roger Allers y Rob Minkoff), con Jon Favreau (Iron Man, remake de El libro de la selva) detrás de las cámaras, y nos entró un repentino ataque de nostalgia. Porque la cinta que nos ocupa supuso un punto y aparte en la infancia de los niños que crecimos en la década de 1990 (y posteriores, gracias al mercado doméstico, donde por cierto El rey león conserva el récord de película más vendida). Es escuchar el «Aaaaah chigüeña» (que en realidad no dicen eso, sino «Nants ingonyama bagithi Baba (…)», que vendría a ser «Ahí llega el león, Padre») y ponerse ya los pelos de punta. Hemos llegado a leer casos en la red de gente que no ha querido volver a ver la película en su edad adulta por los recuerdos que trae, no solo de sus vidas, sino de una época y una cultura pop que hace tiempo desapareció, siendo invadida por grandes dosis de todo lo que es considerado políticamente correcto.
Otro elemento que trajo consigo El rey león, antes aún de la entrada por todo lo grande de Pixar (con Toy Story, en 1995), fue el hecho de que los adultos que acompañaban a los niños al cine pudieran disfrutar a su vez de la película y no sufrir ni echarse una buena siesta en el proceso. No estamos diciendo que anteriores películas de animación de Disney no resultasen entretenidas para mayores de 18, pero El rey león trata temas algo más adultos que, por ejemplo, Aladdín o La bella durmiente (otras de nuestras favoritas, a todo esto). Fue el hecho de que abarcase este tipo de temas lo que hizo que, originalmente, casi nadie en los estudios Disney apostase por ella, pensando «¿quién querría ver una cinta que trata sobre un cachorro de león que es acusado de asesinato?». Paradójicamente, el Proyecto A de los estudios de animación por aquel entonces era Pocahontas, mientras que El rey león quedaba en Proyecto B, algo con lo que tener ocupados al resto de animadores. Al final, El rey león fue un rotundo éxito de crítica (8,5 en IMDB, 92% en Rotten Tomatoes, 83% en Metacritic) y de taquilla (hasta la llegada de Frozen, fue la cinta de animación con mejor recaudación), mientras que Pocahontas obtuvo unas críticas mucho más desiguales (6,7 en IMDB, 56% en Rotten Tomatoes, 58% en Metacritic) y unos números muy por debajo. Irónicamente, el que era considerado como «proyecto experimental» acabó convenciendo mucho más que el «Romeo y Julieta de América», quedando para el recuerdo y siendo aún hoy en día considerada como la cuarta mejor película de animación de la historia en Estados Unidos.
La banda sonora, esencial
El rey león no sería lo mismo sin su apoteósica banda sonora, compuesta por Tim Rice, Elton John y Hans Zimmer. Curiosamente, Elton John se adhirió al proyecto por petición expresa de Rice, quien pensó que sería imposible que pudiera participar debido a su apretadísima agenda. Sin embargo, pudo, y gracias a eso nos han llegado temazos como The Circle Of Life, Hakuna Matata o Can U Feel The Love Tonight (por la que ganaron un Oscar).
Por otro lado, Hans Zimmer (conocidísimo compositor de bandas sonoras como las de la trilogía de Batman de Nolan, Titanic o Thelma y Louise) se encargó de dar forma a todas las melodías, repletas de ritmos africanos. Como curiosidad, también estuvo cerca de no participar, ya que Zimmer consideraba las películas de animación como proyectos de menor envergadura. Por suerte acabó accediendo y en la actualidad considera esta colaboración como una de las más gratificantes de toda su carrera. De los coros africanos se encargó su amigo personal Lebo M., quien en el pasado había trabajado como aparcacoches (sí, es el que canta asimismo la famosa letra con que da inicio la película). Tardaron hasta dos años en dar con los ritmos africanos adecuados, habiendo probado todo tipo de sonidos e instrumentos, desde los más tradicionales hasta los menos usados.
El otro gran componente técnico de El rey león es su animación. Los directores y productores del proyecto realizaron (cuando éste apenas comenzaba) un viaje a Kenia, donde tuvieron ocasión de contemplar toda serie de paisajes y animales que serían plasmados en la película. La cosa no quedaría ahí, y posteriormente llevaron al estudio un cachorro y un león adulto para que el equipo de animadores pudieran observarlos en movimiento y tomar notas. Por eso, los movimientos de los animales en El rey león tienen esa fluidez. Son evidentemente antropomorfos, pero la forma en que luchan Scar y Simba, o cuando Nala persigue a Pumbaa, transmiten un dinamismo y un realismo que pocas veces habremos visto en otra cinta de animación protagonizada por animales.
Otro de los componentes que más influyeron a la hora de animar a los personajes fueron las voces. En la versión original, participaron reconocidos actores como Jeremy Irons (Scar), Matthew Broderick (Simba adulto), Rowan Atkinson (Zazu) o James Earl Jones (Mufasa). Curiosamente, las voces y diálogos se grababan siguiendo el guión y los story board antes de que la película tomase forma, por lo que terminaron plasmándose rasgos de estas personalidades en los diseños finales de los personajes que pululan por la cinta. El caso más llamativo es el de Jeremy Irons, cuyos rasgos acabaron en el diseño definitivo de Scar, pero la influencia también puede percibirse en otros personajes como la hiena Shenzi, cuya voz es la de Whoopi Goldberg.
Bamblet
Un producto de estas características no podría salir redondo si la historia no funcionase. Bueno, está claro que en El rey león funciona, y lo hace de maravilla. Y eso aún teniendo en cuenta las acusaciones (justificadas, todo hay que decirlo) de plagio a una de las grandes obras de Osamu Tezuka: Kimba, el león blanco (ジャングル大帝, manga en 1950, anime en 1965). Por su parte, Disney siempre ha negado dichas acusaciones, argumentando que todas las coincidencias entre ambas obras se han dado por mera casualidad.
Pero yendo al grano: la historia de El rey león bebe fundamentalmente de Hamlet, de Shakespeare. Los que conozcan a grandes rasgos la obra del dramaturgo inglés verán rápidamente todas las similitudes. Esto es algo que Disney sí ha admitido desde el principio, con la guionista Irene Mecchi nombrando «Bamblet» al proyecto, debido a su cruce entre Hamlet y Bambi. No es la única obra de Shakespeare de la que se toma inspiración, puesto que las hienas recuerdan en muchos aspectos a las brujas de Macbeth.
Si bien la obra shakesperiana es lo primero que se nos viene a la mente, lo cierto es que la fábula del príncipe «por derecho divino» cuyo trono es usurpado por un impostor, hasta que es capaz de regresar mesiánicamente y recuperarlo, restaurando el orden de todas las cosas, es tan vieja como las estructuras socio-políticas medianamente complejas. Encontramos este tipo de relatos ya en las figuras divinas de Horus, Seth y Osiris en el Antiguo Egipto, así como en tradiciones orales del mismo continente africano.
El componente africano también se encuentra presente en el guión de El rey león, por ejemplo en los nombres de varios de los personajes: Simba, que en swahili significa león; Nala, regalo; Sarabi, milagro; Rafiki, amigo; Pumbaa, simplón; Shenzi, bárbaro. El mismísimo concepto Hakuna Matata lo aprendieron los miembros del equipo en el citado viaje a Kenia.
Los personajes, alma mater de la cinta, son a su vez carismáticos y llenos de vida: recorremos rápidamente la vida de Simba, desde que es un travieso cachorro hasta su búsqueda de identidad ya de adulto; Mufasa es la figura paternal, lleno de seguridad y sabiduría, mientras que Nala es pura dulzura o Timón y Pumbaa sirven a la perfección como componentes cómicos (sin llegar a resultar tan cargantes como otras demostraciones en el mismo sentido de Disney… como por ejemplo las gárgolas de El jorobado de Notre Dame o los animalitos de Pocahontas). Pero si hay un personaje que probablemente resalte sobre el resto ese es el villano Scar, quizás uno de los más malignos en toda la historia de la casa del ratón.
Conclusiones
El rey león es, en definitiva, una de las mejores obras que ha parido Disney (sino e incluso la mejor). Y eso a pesar del paso de los años (más de veinte ya), con los que esta joya no envejece. Más al contrario, se hace doblemente disfrutable: probablemente tú fuiste al cine con tus padres a verla de niño, y ahora es tu turno de mostrársela a tus sobrinos/hijos/primos menores. Y lo más seguro es que lloren, rían y se emocionen de la misma forma en que tú lo hiciste. Es, a fin de cuentas, el ciclo de la vida.
La revista japonesa Famitsu ha dedicado su último número a la próxima gran promesa de Square Enix: Final Fantasy XV, dedicándole varias páginas con algunos datos nuevos y entrevista a Hajime Tabata (director) incluida. Gracias a Mognetcentral hemos podido conocer alguna novedad. Atención porque, para aquellos que quieran conocer lo menos posible del juego, habrá SPOILERS.
Ficha del Noctis mayor:
Es el propio Noctis, el protagonista, con los años pasando pesadamente sobre él. Sus rasgos son severos y sus ojos brillan con una luz roja.
Sobre Noctis:
Parece que le gusta hacer las cosas a su manera, pero en realidad observa y lee al mundo y a otras personas más detenidamente que el resto.
Sobre personajes invitados en el equipo:
A lo largo de la historia, el equipo a veces crecerá y tendrá hasta cinco miembros. Por ahora, sabemos que Cor y Luna están en ese grupo de personajes que le echarán una mano al equipo. Siendo un militar de Lucis, las habilidades con la espada de Cor son más que formidables. Los detalles sobre la intervención de Luna nos son desconocidos por ahora, pero teniendo en cuenta su personalidad proactiva, probablemente cuidará de sí misma.
Sobre el grupo de Noctis:
Ignis, Prompto y Gladiolus son aliados irreemplazables para Noctis, pero el viaje de los cuatro no será ni sencillo ni divertido. A medida que la situación se vaya tornando más complicada y seria, los conflictos interpersonales se volverán inevitables.
Sobre la pesca, la fotografía y el anillo mágico:
Pregunta: ¿Qué te aportarán las habilidades de Noctis en la pesca a medida que suba de nivel?»
Tabata: Serás capaz de descubrir nuevos tipos de peces que antes no veías, podrás usar más equipamiento, etc. Se vuelve más divertido. Hay misiones donde podrás conseguir nuevos equipamientos para la pesca, por cierto. El pez que puedas capturar dependerá también de factores como el clima o el momento del día que sea.
Pregunta: ¿Y qué hay sobre la fotografía?
Tabata: Al principio, las habilidades fotográficas de Prompto son horribles. Sus fotos salen fuera de foco, también (risas). Pero va mejorando a medida que subes de nivel y guardas las mejores fotos durante tu descanso en posadas o en acampadas.
Pregunta: ¿Hay algunas magias clásicas que conozcamos de otros Final Fantasy?
Tabata: La magia que utiliza la familia real de Lucis a través de su anillo es diferente de los hechizos comunes. Para ser más preciso, invoca magias como Muerte. También hay magia que se encuentra intrínsecamente vinculada a la historia del juego.
Sobre las armas:
Pregunta: ¿Qué hace a las pistolas especiales?
Tabata: Te permiten atacar desde lejos, pero como punto débil no puedes realizar ataques conjuntos con ellas. Viene bien usarlas en infiltraciones y misiones así, ya que puedes abatir al enemigo desde una distancia. En relación al guión, van vinculadas a los avances tecnológicos de Niflheim. Ya que estamos hablando de maquinaria, también pueden ser customizadas y subir de nivel. Pero no puedes «distorsionarte» (nota: se refiere a la capacidad de Noctis de poder teletransportarse con sus armas) con ellas.
Pregunta: ¿Y qué hay sobre las espadas fantasma (Phantom Swords)? ¿Qué ocurre si las utilizas en combates normales?
Tabata: Las «distorsiones» (misma nota que antes) se vuelven más ágiles y ganas habilidades muy poderosas que varían según el arma. Sus estadísticas son además muy altas, pero atacar con ellas te come buena parte de los PM (Puntos de Magia. Nota: algunas traducciones hablan de PH, Puntos de Habilidad).
Sobre el mundo:
El conflicto entre el imperio de Niflheim, una gran potencia militar, y el reino de Lucis, una tierra de magia y guardianes del cristal sagrado, se ha ido desarrollando durante mucho tiempo. Pero la animosidad entre estas dos naciones es difícilmente el único problema que hay en el mundo. El planeta en sí mismo se está desgastando, afligido por un fenómeno conocido como «la plaga». Estad atentos a cómo esta realidad va afectando al viaje de los cuatro protagonistas.
En el mundo de Final Fantasy XV, las noches van creciendo gradualmente a partir de cierto momento decisivo en la historia. La oscuridad es el momento en que aparecen monstruos peligrosos conocidos como «daemons» (demonios). Las zonas habitables comienzan a reducirse y aventurarse al exterior se torna peligroso. Noctis y los suyos se toparán también con «daemons», que serán obstáculos formidables en su camino. A medida que se alargue la noche, su viaje se volverá más difícil.
Sobre la escena del discurso de Luna:
Noctis observa a Luna mientras ella da un discurso. Debido a que ella puede hablar con los dioses, ¿qué es lo que quiere que la gente escuche?
«Estamos perdiendo el mundo…»
Pregunta: ¿Qué es exactamente «la plaga»?
Tabata: Lo llamamos plaga, pero veréis lo que es exactamente a medida que vayáis avanzando en el juego. No quiero hacer spoilers, pero es un tipo de calamidad.
Pregunta: ¿Cuál es la relación entre las invocaciones, Luna y Noctis?
Tabata: Los Astrales son seres divinos en este mundo. Luna, siendo una oráculo, puede comunicarse con los dioses como la mediadora de su planeta. También puede despertarlos de ser necesario. La relación entre ellos y Noctis es diferente, los astrales pueden acudir a él si quieren traspasarle sus poderes.
Ficha de Gentiana:
Asistente de Luna y una mujer llena de misterios. Parece saber mucho sobre el funcionamiento del mundo. Recientemente apareció en una escena (en el trailer del Tokyo Game Show) donde explica al joven Noctis la naturaleza de la relación entre el rey y la oráculo.
(Nota: la información sobre Luna y Ardyn es la misma de siempre: ella es la oráculo, él se encarga de los magitek, etc.)
Sobre Shiva:
Tabata: de entre las invocaciones, es particularmente autónoma. Te ayuda cuando cree que lo necesitas, así que sí, es una de las complicadas (risas). No puedes llamarla a voluntad, pero su ataque Polvo de Diamantes es realmente poderoso.
Poco más que añadir, salvo que, como curiosidad, Tabata ha querido aclarar por qué el juego empieza con un prólogo que nos sitúa ya con un Noctis adulto (al igual que sus compañeros). Debido a su experiencia con Final Fantasy VII: Crisis Core(era el director), donde el juego daba inicio con nosotros (jugadores) ya conociendo su final, pero no por ello sin que éste dejara de impactarnos. Tabata ha querido ir más allá con el mismo concepto en Final Fantasy XV: nos sitúa en un momento avanzado de la historia, dejando al jugador ansioso por descubrir cómo llegar hasta allí.
Sabremos de esto y todo lo demás el 29 de noviembre. Mientras tanto, para ir haciendo más llevadera la espera, os recordamos que mañana (viernes) a las 11:30 tendremos un Active Time Report con el propio Tabata.
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