Orígenes del fandom de la ciencia ficción: los futurianos

Hubo un tiempo en el que el mundo del fandom difería considerablemente de lo que conocemos ahora. En sus orígenes estos grupos de aficionados estaban compuestos por escritores, editores, intelectuales y auténticos especímenes contraculturales.

En la década de 1930 puede decirse que fue el origen del fandom tal y como lo podemos conocer ahora: grupos de aficionados contactaban y compartían sus aficiones, especialmente  por la ciencia ficción, que estaba en pleno auge y viviendo su época dorada.

Si hemos de destacar uno de estos grupos, sin lugar a dudas  es el de ¨Los futurianos¨, con origen en Nueva York y liderados por el que luego ha sido uno de los escritores más importantes de la ciencia ficción: Frederik Pohl (Pórtico, Mercaderes del Espacio).

Desde este grupo se generaron una de las generaciones de escritores más importantes del género, y por supuesto la mitad de las revistas fantásticas de la época estaban editadas por futurianos.

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Pohl, Wollheim y Michel (1938)

Los cuatro miembros fundadores fueron el propio Pohl, John Michel, Robert A.W Lowndes y Donald A. Wollheim, pero también destacaron otros miembros como Damon Knigth, James Blish, y por supuesto la aparición de las primeras escritoras de este género, como la increíble y fantástica Judith Merril (quien a su vez tuvo un hijo con Frederick Pohl, por cierto).

Los futurianos fueron el ala subversiva de la ciencia ficción, en su mayoría militantes de   izquierdas, algo que no gustaba en los otros aficionados y que provocó su propio rechazo, llegándoles a prohibir la entrada en la primera Worldcom. Todo esto provocó que los futurianos organizasen una contra-convención de fandoms.

Los futurianos influyeron notablemente en este género y plantearon nuevas ideas y enfoques, contribuyeron a aportar ideas más reflexivas y sociales. Estas características pueden percibirse, por ejemplo, en la obra Mercaderes del espacio, una de las novelas distópicas que mejor han interpretado la evolución del capitalismo.

Uno de los sucesos más interesantes de estos locos, fue la fundación de «la casa futuriana». En 1939 Pohl y su mujer, la futuriana Leslie Perri (es importante reflejar el protagonismo que tuvo la mujer en este grupo, considerando la época), alquilaron una casa en Brooklyn, donde invitaron a otros futurianos a vivir en ella. Al tiempo acabaron expulsados por las quejas de los vecinos, pero esto no quedó así, hubo otras casas futurianas como el apartamento en Benford Avenue que fue bautizado ¨La Torre de Marfil¨.

Estas casas se convirtieron en lugares legendarios, donde los futurianos escribían continuamente, se editaban revistas y fanzines y por supuesto reinaba un ambiente ¨bohemio¨ y distendido, donde también se acogían a otros aficionados venidos de afuera, ¿Os imagináis un lugar así ahora? Cabe también resaltar las visitas constantes de Isaac Asimov, que al final también se considero como otro futuriano más.

Estos «hippies tecnológicos» ( así los llamaba Bruce Sterling) siempre estaban en activo, imaginaros esta casa llena de pequeñas imprentas, papeles tirados y gente de lo más excéntrica dentro, escribiendo sin parar, pero no todo fue diversión. Sus ideologías socialistas ( con la excepción de James Blish, que coqueteó un tiempo con el fascismo) no fueron bien aceptadas por la sociedad americana de la época, y muchos de sus miembros, que pertenecían al partido comunista, fueron vigilados por el servicio secreto. Los agentes muchas veces entraban en la casa buscando espías soviéticos, encontrando solo historias futuristas sobre robots y alienígenas.

Wollheim, Rothman, Pohl y Michel

Wollheim, Rothman, Pohl y Michel

En los años 40 la última casa futuriana se cerró, y el grupo acabo diluyéndose.

Con este artículo quiero hacer reflexionar a las nuevas generaciones de amantes del género de ciencia ficción o fantástico.Quizás es bueno recordar los orígenes para poder encauzar nuestro futuro y pensar que siempre podemos ser algo más que consumidores de productos. Podemos interactuar más entre nosotros, debatir, organizarnos y sobre todo ser creativos y participar de una forma más activa. Si tienes inquietudes no dudes en crear un blog o un fanzine, o ponte a escribir y compartir, organiza reuniones y por supuesto busca tu propio hogar futuriano.

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Probamos la última sensación: Pokémon Go

A estas alturas todos hemos oído hablar de PokémonGo, vamos, que ha salido hasta en las noticias (y en programas de marujas, no diré más). Posiblemente tú mismo hayas podido probarlo (si el servidor no estaba caído, claro), aun así, en Fantasy Cloud queremos daros nuestra opinión sobre el juego en el tiempo que hemos podido disfrutarlo.

Y entonces, ¿qué es PokémonGo? Pues un juego, ¿qué más va a ser?, pero no cualquier juego, es EL JUEGO que hemos estado esperando desde que conocimos las aventuras de los jóvenes entrenadores Pokémon tanto de los videojuegos, como del anime que se transmitió y se sigue transmitiendo en tv añadiendo pokémon nuevos y personajes desde finales de los 90’s. Puede que ahora roces los 30 años, o solo seas un adolescente, sin embargo las ganas de poder capturar un pokémon en la “vida real” por fin se ha hecho posible. Así que, ¿qué es PokémonGo? Es un sueño hecho realidad.

¿Qué vemos al acceder? Nada más entrar nos pide nuestra fecha de nacimiento y por lo que vemos, no puedes ser menor de 6 meses de vida para ello. La siguiente pantalla te permite tener una cuenta sea por medio de tu cuenta personal de Google o creándote una en Club de Entrenadores Pokémon.

Solo diré que aprenderás a odiar la siguiente pantalla (la primera vez te hace una ilusión que no te lo crees). Por cierto, siempre debéis tener puesta la ubicación del móvil mientras estéis jugando.

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Después podrás crear tu avatar en el juego y tendrás una breve introducción por parte del Profesor Willow y ¡¡TACHÁN!! Podrás elegir entre Charmarder, Bulbasaur y Squirtle (hay truquillos para acceder a Pikachu, pero eso os lo dejo de tarea). Queda cutre decirlo, pero yo encontré mi Bulbasaur bajo mi cama. Contadnos, ¿dónde encontrasteis vuestro primer pokémon?(el primer pokémon es la mejor parte, te da como un subidón jaja)

¡¡¡Con esto ya estás listo para explorar e ir por el mundo capturando pokémon!!! O casi…

Cuando ya estás jugando, ves tu avatar en el mapa, tu nivel, una PokeBall y los pokémon que están cerca de ti. Hasta que no los tengas registrados en tu Pokédex, aparecerán solo sus siluetas y bajo estas pueden salir unas huellitas, cada una son unos 100 m. de distancia.

Nunca podría adivinar cuál es ese pokémon en gris

Nunca podría adivinar cuál es ese pokémon en gris

Cuando haya un pokémon cerca, tu móvil vibrará avisándote y le verás cerca de ti y entonces, ¡podrás capturarlo!

Una vez capturado, podrás ver qué has conseguido al capturar a este pokémon: puntos de experiencia, un tubito con Polvos Estelares para aumentar los PC de tu pokémon y Caramelos que pueden ayudarlos a evolucionar (cada uno tiene su propio tipo).

Si vuelves a la pantalla inicial y seleccionáis vuestro avatar podréis ver un registro de vuestro nivel, puntos de experiencia, monedas para comprar objetos (como veis, no tengo ni una), el equipo al que pertenecéis (esto lo entenderéis más adelante) y más cosillas. Diario te muestra toda tu actividad hasta la fecha, es decir, capturas y Poké Paradas que has visitado (id a cuantas podáis, allí conseguiréis objetos como Poké Balls entre otras cosas).

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Al volver a la pantalla inicial y darle a la PokéBall que hay al centro, os encontráis la pantalla que da acceso a ver vuestros pokémon capturados, los Objetos que tenéis en vuestra mochila, una pequeña guía de Consejos en la que el Profesor Willow os dirá qué es qué.

Por último, un apartado que ha salido esta semana (si, el fin de semana pasado, las pocas veces que había acceso aún no aparecía), la Configuración de la aplicación.

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Como pudisteis ver, no tengo mucho nivel, pero sí puedo deciros que al llegar al Nivel 5 consigues el acceso a los gimnasios, tanto para hacerte con uno, reclamarlo, o entrenar en uno que pertenezca a tu equipo. Y me diréis ¿qué es eso de “tu equipo”? Pues, es en este punto cuando te unes a uno de los tres equipos que llevan los gimnasios:

Equipo Instinto, amarillo, aprenden de los pokémon por el uso del instinto (mira que no lo podía imaginar cuando leí su nombre).

Equipo sabiduría, azul (al que me he unido), aprenden de los pokémon desde la “investigación”, quieren saber ¿por qué evolucionan?.

Equipo Valor, rojo, aprenden de los pokémon por su fuerza.

Y llegamos a la parte más personal, ¡mi experiencia! Pues no hay mucho que decir por la sencilla razón de que ¡¡¡el servidor ha estado más tiempo caído de lo que he podido jugar!!!… (puede que por estos fallos técnicos apenas hoy lo sacaran en Japón). El juego es entretenido, te hace mucha ilusión poder ir capturando pokémon, pero el nivel de frustración que produce también es alto, más de una vez se me ha quedado pillada, vamos, que no puedo ni salir de la aplicación o sencillamente no puedo entrar (ojalá eso se solucione pronto). Si ya engancha, como todo vaya bien esto se puede convertir en un vicio (en el mejor de los sentidos). Me daba un poco de miedo dejarme los datos del móvil mientras jugaba fuera de una zona con WiFi, peeero he de decir que no se gastan tanto… bueno eso también dependerá de cuánto tiempo andéis por ahí capturando pokémon. Si no queréis salir por culpa del calor, no desesperéis que estando en casita pueden llegaros pokémon interesantes (mi segundo Ponyta lo capturé en el salón de casa)

La sensación de poderlos ver por medio de la cámara en un entorno que nos es conocido da una extraña felicidad, obviamente si no quieres ver de fondo el salón de tu casa, puedes darle a RA (en la esquina superior derecha) y el fondo cambiará a un entorno virtual. ¿Decidme que no mola sacarles fotos? Y para ello está la maravillosa camarita que aparece a la derecha de la pantalla.

Y seguro que habréis visto u oído mogollón de datos curiosos desde que el juego ha salido (además de críticas, muchas de ellas contra los jugadores y no contra el juego), el más sonado el Vaporeon en Central Park, o los sensatos consejos de la Policía Nacional Española (a más de uno le vienen bien porque no tienen mucho sentido común); pero es que hay pokémon en todas partes, ¡hasta en el Vaticano!

https://www.youtube.com/watch?v=myDeVug1XVk

Si quieres saber más, lo mejor es que te pases por la web oficial, y no te preocupes si no sabes inglés, la web está en castellano: http://www.pokemongo.com/es-es/ Y si tienes mucha más experiencia que yo con el juego, o tienes tu propia anécdota, ¡coméntanoslo por favor!

 

Japoneando Anime: Sakamichi no Apollon (Kids on the Slope)

Volvemos con la sección Japoneando Anime y, como no podía ser de otro modo, con una serie del gran Shinichiro Watanabe (Cowboy Bebop, Zankyou no Terror, Samurai Champloo). En este caso le toca a Sakamichi no Apollon, traducida como Kids on the Slope («Niños en la ladera»), un manga original de Yuki Kodama y adaptado al anime por el mencionado Watanabe.

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La adaptación al anime consta de 12 episodios de unos 25 minutos cada uno. De la animación se encargó el estudio MAPPA (que repetiría posteriormente con Watanabe en Zankyou no Terror). En el apartado musical (un aspecto esencial en esta serie) se encuentra la inigualable Yoko Kanno, otra de las habituales colaboradoras de Watanabe. Aunque, todo hay que decirlo, muchas de las piezas que suenan a lo largo de este anime son adaptaciones de clásicos del jazz y del blues (género musical importantísimo asimismo en Cowboy Bebop). El opening se titula Sakamichi no Melody (坂道のメロディ) y es interpretado por YUKI, mientras que el ending Altair (アルタイル) es cantado por Motohiro Hata en colaboración con Sakamichi no Apollon.

Adentrándonos en el argumento de este anime, podría decirse que entraría dentro del género shôjo, es decir, manga para chicas jóvenes/adolescentes. Aunque, a decir verdad, algunos de los temas aquí tratados son algo más adultos de lo que habitualmente podríamos hallar en un shôjo. Sin embargo, el tema principal en Sakamichi no Apollon y que resuena en cada una de sus partes es el jazz. Como tal, la serie se encuentra ambientada en Japón durante el verano del año 1966. ¿Por qué esta época? Ahora lo veremos.

 

Kaoru Nishimi es un tímido joven que poseo un gran talento para la música (concretamente para tocar el piano) y que acaba de llegar a vivir a la prefectura de Nagasaki con unos parientes. En su nuevo instituto, conoce a dos jóvenes que le cambiarán la vida: Sentaro Kawabuchi, un joven impulsivo y que suele meterse en problemas, pero que al igual que Kaoru le apasiona la música; y Ritsuko Mukae, una chia responsable y delegada de la clase de Kaoru. Pronto, los tres se hacen inseparables y Sentaro y Kaoru acaban tocando juntos en un grupo de música jazz, donde ambos encuentran más fácil y sencillo expresar sus sentimientos. A través de la música…

  • El jazz y el blues

Hagamos un paréntesis aquí, ya que, como todo el mundo sabrá, jazz y blues son dos géneros musicales originarios de Estados Unidos y que se han ido expandiendo por todo el mundo, también en Japón. No obstante, tal como indicábamos, estos géneros musicales son ampliamente escuchados a lo largo de Sakamichi no Apollon, con piezas como: My Favorite Things (John Coltrane), Someday My Prince Will Come (Miles Davis) y Moanin´(Art Blackey & The Jazz Messengers), entre muchas otras.

Es imposible explicar en dos párrafos un género musical que se originó a finales del siglo XIX (que se dice pronto) en Nueva Orleans, como una forma de expresión artística de la comunidad afroamericana y que traía influencias tanto de la música europea como de la africana. Tres de los rasgos característicos comunes del jazz serían: un ritmo especial conocido como swing, un fraseo y un sonido que dejan entrever la personalidad del músico y la importancia de la improvisación. El segundo es quizás por lo que el jazz cobra tanta importancia en Sakamichi no Apollon: el gamberro Sentaro y el introvertido Kaoru pueden expresarse mejor a través de su música.

No por nada, el propio Watanabe ha explicado que su fanatismo por este estilo de música y el hecho de sentirse identificado con la época en la que está ambientado el manga es lo que provocó que se decidiera a dirigir la adaptación al anime.

  • Japón y las revueltas estudiantiles de los 60

Muchos pensamos en tranquilidad y armonía social cuando pensamos en Japón. Un país donde siempre hay educación y respeto por el otro, donde el orden y la seguridad imperan. Sin embargo, no siempre fue así.

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Tras finalizar la II Guerra Mundial, habiendo admitido el emperador Hirohito la derrota frente a los estadounidenses, lo cierto es que se originó entre la población nipona un fuerte sentimiento contrario a todo lo proveniente del país norteamericano. Este sentimiento fue canalizado de diversas formas, siendo una de ellas la formación del Partido Comunista Japonés, el cual acabó ramificándose en el llamado Zengakuren (全学連) o Federación Japonesa de Asociaciones Estudiantiles, en 1948, solo tres años tras el final de la guerra.

Las actividades del Zengakuren iban desde lo más diplomático hasta el uso de la violencia, y protagonizaron varios episodios. Sin embargo, su presencia se intensificó con el estallido de la Guerra de Vietnam (1955-1975), y fue especialmente convulsa entre los años 1968 y 1970 (recordemos las revueltas de mayo del 68 en Francia y todo lo que aquello desencadenó). De forma similar al país galo, los estudiantes universitarios japoneses tomaron varios edificios del campus en reclamo de mejoras salariales (para los estudiantes de medicina en prácticas, por ejemplo) o como protesta contra las subidas de las tasas universitarias. A todo ello se le sumaba que las universidades públicas no solían hacer tanto uso de la seguridad(privada o policial), en comparación con las privadas. Así, universidades como la de Tokio o la Nihon fueron tomadas y en su interior los grupos de protesta se reestructuraron en el Zenkyôtô (Zengaku Kyoto Kaigi o Comité Inter-Campus de Lucha Conjunta), cuyo modus operandi se basaba en la democracia de masas y en los mítines abiertos. Seguían las influencias de movimientos como la Revolución Cultural China o los de liberación en países del tercer mundo. Las tensiones, violencia y cada vez mayor intervención de los antidisturbios en los edificios de las universidades públicas desembocó en barricadas y barrios tomados (al estilo parisino) y, finalmente, bajo la intervención directa del Ministerio de Educación, en miles de arrestados y heridos. Las huelgas y manifestaciones no prosperaron y todos estos movimientos acabaron disolviéndose.

En Sakamichi no Apollon tenemos al personaje de Junichi como representante de este tipo de ideologías (al menos en un principio, o a través de flashbacks). No por nada, la serie está ambientada en la década de 1960. También cabe preguntarse si Watanabe mismo no guardará algo de simpatía hacia este tipo de grupos e ideologías, puesto que en Zankyou no Terror volvería a sacar a coalición estos temas, y hasta uno de los detectives se lamenta de la ausencia de movimientos protesta entre los jóvenes del Japón actual. En cualquier caso, eso quedaría dentro de la brillante cabeza de este genio.

  • Conclusión

Sakamichi no Apollon es, en conclusión, una oda a la música. Pero no a cualquier música, sino al jazz y a su enriquecedor número de sub-géneros, y cómo éste puede servir de hilo conductor para que un grupo de jóvenes dispares se exprese y se vincule irremediablemente. Porque, para empezar, Kaoru y Sentaro no pueden ser más diferentes: uno de clase alta, estirado y tímido; el otro de clase más humilde, impulsivo y desaliñado. Sin embargo, ambos se unen a través de su pasión por el jazz. En medio, una historia que nos habla sobre la madurez que inevitablemente llega en cualquier época y contexto, sobre las relaciones de amistad y de amor. La década de 1960 en Japón como telón de fondo, la dirección de Watanabe y la batuta de Kanno: no se puede pedir más.

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Dragon Ball Super 52: de reencuentros y «Son Gohans»

Llegamos al episodio 52 de Dragon Ball Super, y sexto de la saga de Trunks del futuro. Tras un comienzo trepidante (quizás demasiado apresurado), lo cierto es que los dos últimos capítulos han pegado un bajón de ritmo considerable. Podrían considerarse perfectamente episodios de transición, donde lo importante es construir las relaciones entre los distintos personajes y asentar las bases para las futuras líneas argumentales. ¿Cumple el capítulo 52 con esto? Vamos a verlo.

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Primero, ¿de qué trata el episodio 52? (a continuación llegan los SPOILERS para quienes aún no lo hayan visto). Como sabíamos por anteriores capítulos, Bulma y su padre se han puesto a reparar la máquina del tiempo, lo que al parecer les llevará algunos días. Sin embargo, cuentan con la ayuda de la banda de Pilaf, entre los que se encuentra una entusiasmada Mai. Trunks del presente, sintiéndose celoso de su contraparte del futuro, intenta impresionar en el proceso a la muchacha, sin mucho éxito. Vegeta, por su parte, sigue entrenando en la habitación de la gravedad, enfadado por lo que Black le ha hecho a su familia de la línea temporal alternativa. Mientras tanto, Trunks del futuro (o Mirai Trunks) intenta dormir, pero las pesadillas de Black atacando a Mai se lo impiden. Tras levantarse, acude a ver cómo va la reparación de la máquina del tiempo. Bulma le informa que por suerte ya tienen parte de la energía necesaria para el viaje (casualmente, era el líquido azul que le ayudó a obtener Monaka en capítulos anteriores) y que las reparaciones llevarán unos días más de tiempo. Trunks se tranquiliza (y sorprende) tras escuchar la rapidez con la que están logrando todo, y Bulma lo achaca a que en esta línea temporal hay mucha más abundancia de recursos. Mirai Trunks aprovecha entonces para ir a visitar a Son Gohan, que en su línea temporal fue su mentor hasta que lo mataron los androides, y tras esto Trunks nunca tuvo ocasión de agradecerle todo lo que había hecho por él. Tras preguntarles a Krilín y Piccolo el paradero del primogénito de Son Goku (el namekiano ya le advierte que Gohan no será de mucha ayuda, puesto que ahora es un hombre de familia y estudios), se dirige a buscarlo a la salida de una conferencia en la universidad. Allí, Gohan lo reconoce enseguida y lo invita a tomar un helado y a cenar a su casa, para que así pueda conocer a su familia. Al llegar al susodicho hogar, se encentra con Videl, Pan (a quienes no conocía) y con Mr. Satán (a quien sí había visto en los juegos de Cell). Mientras Gohan prepara unos trabajos y Videl prepara la cena, Satán le enseña unos vídeos de sus victorias a Trunks. Entonces el suegro de Gohan acude a ayudar a su hija, dejando a la pequeña Pan al cuidado del (ahora) peliazul. Resulta que el bebé es más o menos un pequeño monstruo que ya sabe volar y que posee una considerable fuerza, poniendo en varios aprietos a Trunks. En ese momento llega Gohan y se encuentra con la habitación semi destruida por su hija y con un Trunks algo alterado. Los tres salen fuera, donde Trunks observa a Gohan jugando con su hija y siendo un padre de familia feliz, lo que nunca pudo contemplar en su línea temporal. Este pensamiento de qué sería de su vida ahora, con Mai y Bulma, de no existir Black, hunde bastante a Trunks, hasta que les avisan de que la cena ya está lista. Tras finalizar la velada, Trunks se despide de Gohan y su familia y regresa a la Capsule Corp., agradeciéndole a su antigua maestro que le haya descubierto el motivo por el que seguir luchando: poder ver a los demás algún día así de felices en el futuro. Mientras, Videl le pregunta a su marido por qué había vuelto Trunks al pasado, a lo que Gohan responde que se le había olvidado preguntárselo. De vuelta en casa, Trunks se cambia de ropa y pregunta dónde se encuentra Goku. Los demás le indican que se ha ido con Whis y Bills a buscar a un kaio shin del universo 10, ya que habían percibido un ki similar en él al de Black.

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Como vemos, y tal como íbamos adelantando, un capítulo de escasa (o nula) acción, donde lo importante son las interacciones entre los personajes. Siempre es de agradecer que Mirai Trunks se haya acordado de Son Gohan en esta ocasión, ya que durante la saga de Cell ambos personajes apenas coincidieron. Por otro lado, es altamente probable que los fans del primogénito de Goku no estén del todo contentos con el enfoque que le están dando a este personaje. Especialmente tras la saga de la resurrección de Freezer (o Frieza), que en la versión anime mostraba a un Gohan decidido a volver a entrenar tras la muerte de Piccolo. Esto en la película que abarca el mismo arco argumental no sucedía, por lo que algunos (me incluyo) esperábamos que Toei hubiese añadido dicho escenario para intentar recuperar a nuestro Gohan favorito. Sin embargo, parece que no va a ser así, puesto que este episodio más bien parece haberse decantado por la opción de un Gohan estudiante y familiar, siendo feliz así. Para ponerle la guinda al pastel, además lo muestran como desconocedor del motivo por el que Trunks habría regresado al pasado (una conveniencia argumental total, ya que resulta forzado creer que Son Gohan no le haya podido preguntar a Mirai Trunks cómo le va la vida -con todo lo que eso supone- tras reencontrarse después de muchos años y haber cenado juntos). Es decir que, para no desilusionarnos, lo mejor será esperar una escasa (o nula, directamente) intervención de Gohan durante esta saga. Toei podría haberse ahorrado las escenas adicionales que mencionábamos durante el arco de la resurrección de Freezer, eso sí.

Cambiando de tercio: la animación. Sí, sabemos que Dragon Ball Super tiene varios episodios con animación más bien mediocre… y este es uno de ellos, al menos en nuestra opinión. Si bien hay algunos primeros planos logrados (Vegeta entrenando, Mirai Trunks en los flashbacks y en el presente llorando), lo cierto es que a nivel general el dibujo deja bastante que desear. Y como sigan adelgazando a Mr. Satán va a acabar volatilizándose. La cosa se agrava cuando vuelven a animar algunas escenas del famoso OVA «Un futuro diferente: Gohan y Trunks«, ya que ni por asomo se acercan a la calidad de ésta última, perdiendo emotividad y dejando atrás un grato recuerdo en el camino. Que por cierto, Toei sigue empeñada en hacernos creer que el pelo de Mirai Trunks fue siempre azul.

Y a falta de Black, lo mejor del capítulo ha sido definitivamente Pan. Sí, aún no nos explicamos cómo es posible que un bebé ya sepa volar (cuando al mismo Son Goten le costó aprender a hacerlo), pero en cualquier caso sirve y cumple como complemento humorístico. Está claro que, a pesar de todo, ha hecho buenas migas con Mirai Trunks… lo que nos hace pensar que este episodio ha servido fundamentalmente para ahondar más en la personalidad de este personaje y (probablemente, sobre todo ahora que se ha confirmado que la Mai del futuro sigue con vida) terminar cerrando su arco argumental con él formando su propia familia (o con vistas a hacerlo). Algo más satisfactorio que el hecho de seguir viviendo eternamente con su madre… por mucho que ésta sea Bulma.

El capítulo 53 promete grandes revelaciones y tener más acción, ya que nos presentará definitivamente a Zamasu, el aprendiz de kaio shin del universo 10, y su (posible) relación con Black. Además parece que sabe luchar, a juzgar por las escenas del adelanto en el que se lo ve peleando con Goku. Pero para poder verlo… tendremos que esperar al día 31 de julio, ya que el 24 no emitirán capítulo en Japón. Esperemos que tiempo de espera pase rápido.

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La polémica en torno a Tetsuya Nomura

Vamos a darle un descanso semanal a Japoneando Anime, que (al menos durante el verano) pasará a ser quincenal, para centrarnos por otro lado en debates que giran alrededor de la saga Final Fantasy, que como muchos sabrán (y habrán intuido solo por el título de esta humilde sociedad) es uno de los pilares sobre los que nos fundamentamos. Ya hemos realizado algún artículo que gira en torno a estas polémicas con anterioridad, como «Las mujeres en Final Fantasy VII» y «Luna vs. Stella«. Ahora le toca el turno a una de las figuras más representativas, no ya de Final Fantasy, sino de todo Square Enix: Tetsuya Nomura.

¿Por qué Tetsuya Nomura? Empecemos por hacer una breve biografía del hombre, ya que si decimos que es el encargado de todo lo que hay detrás de Kingdom Hearts, de personajes como Cloud o Aerith, o de las ideas originales del Universo Final Fantasy XV, pues no es moco de pavo. Nomura nació en el año 1970 y, antes de entrar a trabajar en Squaresoft (previamente a su fusión con Enix), se desempeñaba como dibujante en una agencia publicitaria (curiosamente, similar a los orígenes de otro gran personaje del mundillo: Akira Toriyama). Nomura empezó en la gran compañía de la industria del videojuego como encargado de los gráficos de batalla en Final Fantasy V. Parece que su labor gustó tanto que ascendió a director gráfico en Final Fantasy VI, y diseñador de personajes de Final Fantasy VII en adelante (con excepciones como Final Fantasy IX o Final Fantasy XII). A partir de ahí, su carrera ha sido un no parar: director de los videojuegos Kingdom Hearts y Kingdom Hearts II (y Kingdom Hearts III, si es que algún día se decide a salir al mercado), director de la película Final Fantasy VII: Advent Children (y uno de los ideólogos de toda la Compilation del mencionado videojuego) y director de Final Fantasy Versus XIII antes de convertirse en Final Fantasy XV y pasarle la batuta a Hajime Tabata. Ahora mismo, aparte del citado Kingdom Hearts III, se encuentra dirigiendo el remake de Final Fantasy VII. Como vemos, un hombre ocupado.

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Sin embargo, no todo lo que hemos mencionado en su (resumida) carrera ha sido positivo… ni tampoco negativo. No por nada, Nomura es uno de los personajes dentro de la industria del JRPG (Japanese-Rol-Playing-Games) con mayor polémica entre los fans. ¿Y esto por qué? Echemos un repaso…

  • Luces

Es innegable que Nomura ha sido el ideólogo de muchos de los personajes, e incluso historias, que en la actualidad adoramos más aún que a nuestros primos (por poner algo). Es el ejemplo de Cloud, Aerith, Tifa, Sephiroth, Squall, Zell, Tidus, Yuna, Auron, Lightning, Fang, Noctis o Sora, solo por mencionar algunos ejemplos dentro de su prolífica carrera como diseñador de personajes.Su estilo de dibujo, claramente influenciado por la estética del anime y bonito a la vista, es en buena parte el culpable de haber atraído a las grandes masas. Todo hay que decirlo: las ilustraciones de Nomura son una gozada para la vista. Eso sí, si te inclinas más hacia estilos únicos y no tan «preciosistas», de trazo más refinado, quizás Nomura no sea lo tuyo (y sí Amano, por ejemplo). En cualquier caso, ambos artistas no son comparables.

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Sin él, Cloud no hubiera tenido su característico pelo de chocobo, ni Sephiroth esa apariencia a medio camino entre andrógino y temible, ni Tifa esa… personalidad. Que hablando de personalidades, también fue idea de Nomura la crisis de identidad que tendría Cloud durante más de la mitad del juego y que supondría un punto y aparte en su personaje (y de paso serviría para presentarnos a otro de los grandes: Zack).

Y es que Nomura siempre ha mostrado cierta fascinación por los lados oscuros de la personalidad, esos lugares recónditos a los que (casi) nadie tiene acceso. La cosa se profundizaría más con Squall en Final Fantasy VIII, hasta el punto de volver al personaje insoportable para algunos. En Kingdom Hearts estos aspectos serían explotados al máximo, llegando a existir hasta cinco versiones de Sora diferentes.

Adentrándonos más en Kingdom Hearts, este es claramente otra de las luces de Nomura. El juego colaboración de Disney y Square Enix se ha ganado una legión de fans a lo largo y ancho del planeta realmente abrumadora. Lo cierto es que el encanto y magia que suelen desprender los juegos de esta saga lo merecen. Y no es poco lo obtenido con esta franquicia: superventas, ganancias para ambas compañías en forma de secuelas, precuelas, spin offs, aplicaciones para móviles, mangas, conciertos y multitud de merchandising. Nada que envidiarle a Sakaguchi.

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En definitiva, podría decirse que el GRAN aspecto positivo de Nomura como realizador (él mismo lo dice: se encarga a hacer videojuegos, no solo a dibujarlos) es su atrevimiento con todo, que raya casi en lo ambicioso. Ambición (algunos podrían llamarle «curiosidad») que siempre viene bien a la hora de abordar nuevos parámetros y posibilidades argumentales. Sin embargo…

  • Sombras

He aquí uno de los puntos que más critican a Nomura: se acaba enredando demasiado con sus historias. Digamos que peca un poco de pretenciosidad en ellas. Es el caso de la saga Kingdom Hearts: lo que parte como un argumento aparentemente sencillo acaba recargándose tanto con cada entrega que apenas puede entenderse (y mucho menos seguirse a no ser que poseas casi todas las consolas del mercado, además de un buen teléfono móvil y bastante pasta, claro). Así, se puede intentar hacer pasar al argumento de Kingdom Hearts (saga) como algo de lo más complejo cuando en realidad partía de una idea muy sencilla, que es el de la luz contra la oscuridad y la figura de un elegido en medio de eso.

Pero lo más sangrante de este último aspecto de Nomura ha sido con la Compilation de Final Fantasy VII. Intentar vendernos Kingdom Hearts (saga completa) como algo aparentemente complejo todavía tiene un pase, pero tratar lo mismo con Advent Children… no. La película es un sucedáneo de nostalgia por ver a queridos personajes en glorioso y detallado CGI con escenas de acción imposibles y en ocasiones hasta mareantes. ¿El argumento? Inexistente. Sin embargo, son muchos los fans de Final Fantasy VII que les gusta (me incluyo). Ahora, intenta ponerle la película a tu madre que lo máximo que sacará en claro es el dolor de cabeza que se le ha puesto.

Pero lo más detestado de Nomura en los últimos años (casi décadas ya) no es su narrativa rococó, ni sus autoplagios en los diseños… sino su (supuesta) lentitud a la hora de trabajar. Ya dejaba ver algo de esto cuando en La leyenda de Final Fantasy VIII se cuenta su fijación por mostrar las plumas revoloteando y las olas del mar yendo y viniendo sobre la orilla en la intro del citado videojuego, lo que causó no pocos quebraderos de cabeza a los programadores. Siendo claros: Nomura parece ser un perfeccionista de la estética y «lo bonito que queda todo», lo que a su vez supone más tiempo de dedicación en todos estos detalles. Hoy, por ejemplo, sabemos que en los siete años que estuvo al mando del Final Fantasy Versus XIII apenas había completado un 25%. Se realizaban los vistosos trailers para mostrar en las ferias y convenciones y poco más: el juego no estaba ni a medio hacer. Por eso deberíamos estarle agradecidos a Tabata de que al menos podamos tener Final Fantasy XV en nuestras estanterías a partir del 30 de septiembre. Creo que hubo una época bastante larga en la que el juego simplemente estuvo flotando en el limbo.

Ahora, Nomura tiene pendiente de salida el aclamado Kingdom Hearts III (que ya lleva sus años de desarrollo también, y sin fecha de estreno), y el no menos popular remake de Final Fantasy VII. La polémica no ha hecho más que empezar.

P.D.: Como curiosidad, ¿sabiáis que es amigo de Hideo Kojima? Otro del que podría escribirse hasta un libro entero.

kojima nomura

Dragon Ball Super 51: Punto de inflexión

Ya llevamos varios capítulos (cinco, en realidad) de la saga de Trunks del futuro en Dragon Ball Super, y lo cierto es que, haciendo balance, no es que haya sucedido mucho. Ahora, ¿debería sorprendernos? Si pensamos un poco en Dragon Ball Z, podíamos perdernos fácilmente cinco capítulos de la batalla entre Goku y Frieza (o Freezer, que el nombre tiene sus muchas variedades) y al volver no había pasado nada. Unos puñetazos, alguna pirueta (con suerte, bien animada) y bastante habladuría de dos chuloputas tan típicos del género shônen. No es que me esté metiendo con Dragon Ball Z para defender a Super (Kamisama me libre), pero percibo cierta tendencia a lo contrario en varios sitios. Y no, Dragon Ball Z no era ninguna obra maestra. Tampoco lo es Dragon Ball Super, claro está. Es altamente probable que en muchos casos nos estemos dejando llevar por la nostalgia, y es que un niño de unos 10 años no piensa en si Goku está mejor o peor animado, o en que la narrativa es más lenta que mi tortuga de río. Y siendo sinceros, los dibujos de ahora los hacen con un ritmo mucho más dinámico (a veces demasiado para una servidora, que los japoneses siempre han tenido un toque contemplativo, incluso en Dragon Ball, que me hace mucho tilín) que los de antaño. Es propio de la época en la que vivimos, rodeados de aparatos electrónicos y redes sociales. Todo es instantáneo.

Con esta introducción (que no tiene mucho que ver con el capítulo 51, todo sea dicho) quería aprovechar y desahogarme con esta división de opiniones (que llegan a los ataques personales, de uno y otro bando) que tanto se está dejando ver por la red. Y lo ha escrito alguien que no pudo terminar de ver las tres primeras sagas de Dragon Ball Super (las películas me parecieron que al menos estaban mejor animadas). Al menos esta cuarta me está resultando entretenida, que ya es algo.

Yendo al capítulo 51, empecemos por su argumento, que está acaparado especialmente por flashbacks (algunos sacados directamente de Dragon Ball Z, precisamente). Para quien no lo haya visto, habrá SPOILERS:

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Tal como nos dejó el episodio 50, Bulma había recordado que tenía guardada en alguna parte la máquina del tiempo en la que había llegado Cell. La primera parte del 51 la han utilizado para explicar cómo el dichoso aparato llegó hasta las manos de Bulma, quien se la había pedido a Trunks del futuro (o Mirai Trunks) antes de que éste regresara a su tiempo en la ocasión anterior. Justo tras la explicación aparecen los padres de Bulma, que se encontraban de viaje en alguna parte. El doctor Brief, viendo el panorama, se decide a colaborar con su hija para poder arreglar la máquina de Cell (que, recordemos, estaba en un estado bastante cochambroso). Vegeta y Goku, por su parte, deciden irse a entrenar (cada uno por su cuenta, ya que Vegeta parece estar cabreado por algún motivo… o, bueno, él simplemente es así la mayoría de las veces). Mientras tanto, Mirai Trunks termina de reconocer a la (nuevamente) pequeña Mai, y ambos comparten un momento (junto con el Trunks del presente) en el que el ahora peliazul le cuenta a la muchacha cómo ambos (en su versión mayor, en el futuro) peleaban contra Black. Aquí la Mai del futuro es presentada como una especie de Sarah Connor (Terminator), líder de algunos movimientos de humanos supervivientes que osan plantarle cara a la nueva gran amenaza. Evidentemente, no logran hacerle ningún daño a Black, y en estas llega Mirai Trunks al rescate. Entonces Black le explica que él se encuentra allí para acabar con la humanidad, a la que ve como una especie de creación errónea de los dioses. El hijo de Vegeta tampoco logra plantarle cara al misterioso ser, y termina huyendo con la ayuda de Mai. Terminado el flashback, re aparece Goku, ya que Kaio del Norte aún se encuentra enfadado con él por los últimos destrozos realizados a su planeta/hogar, y se niega a ayudarlo a entrenar y a darle de comer. Al final, entre unas cosas y otras, Bills y Whis comentan sobre el extraño ki oscuro de Black, ya que a ambos les resulta familiar. Whis se compromete a ponerse a investigar sobre ello.

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Como vemos, capítulo de flashbacks y que se supone de presentación de temáticas potentes que vendrán en los próximos episodios (el siguiente será de un reencuentro entre Gohan del presente y Trunks del futuro, por lo que suponemos que seguirá en la línea del 51 y se centrará más en las interacciones de los personajes). Lo mejor, como siempre, Black, al que curiosamente se empeñan en animar mejor que al propio Goku en cada episodio. En esta ocasión se nos sigue revelando más sobre su existencia, en este caso sobre sus objetivos, que parecen estar relacionados con los dioses. Poco a poco, parece irse confirmando la teoría de que Black probablemente sea un kaio shin renegado (¿Zamasu? a quien por cierto veremos en el próximo capítulo). Y poco más sobre él, aparte de una mirada de lo más inquietante a Mai (el rostro mejor animado de todo el capítulo, sin duda).

Pasando a otros personajes, en este capítulo cabría destacar el papel de Bills y Whis. Por suerte, han dejado de lado su vena cómica (aunque Bills presenta uno de los mejores gifs/momentos con pajita incluida) y han decidido ponerse serios con el tema que los ocupa. Por lo tanto, su intervención en este nuevo arco argumental (que, al parecer, tomará una vertiente de thriller o misterio) comienza a estar justificada, lo que es de agradecer.

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No sucede lo mismo con la banda de Pilaf, lamentablemente. Evidentemente, Mai sí tiene un papel importante debido a su relación con Trunks del futuro (¿madre de posible nueva generación de saiyans?), pero Shuu y, especialmente, Pilaf, sobran en casi todos los momentos en los que intervienen. Es aquí, quizás, cuando más se nota que Dragon Ball Super está dirigido a un público infantil, más aún de lo que lo estaban Dragon Ball y Dragon Ball Z.

En cuanto a la animación… pues sigue con los mismos altibajos. En general, en este capítulo ha sido bastante mediocre, notándose especialmente en comparación con los flashbacks de Dragon Ball Z, los que por cierto han decidido convenientemente poner en blanco y negro para que no percibamos el antiguo color lila del pelo de Mirai Trunks. Son estas cosas de Toei las que sí pueden llegar a resultar más molestas para el fan promedio, ya que ha resultado ser un cambio sacado de la nada y sin explicación alguna, intentando hacerlo parecer como que siempre fue así. Bueno, al menos el Trunks niño sí sigue con el pelo morado (lo que desconcierta aún más).

Para el próximo episodio, como ya adelantábamos, se espera reencuentro entre Son Gohan y Mirai Trunks, con flashbacks de Gohan del futuro incluidos. Por cierto, será mejor no esperar nada épico del Gohan del presente (al menos de momento), ya que lo que se ha podido ver hasta ahora del episodio 52 lo muestra especialmente como un hombre de familia. MUY intrigados con la figura de Zamasu y su relación con Black, eso sí.

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Resúmenes de los episodios 51 a 54 de Dragon Ball Super

Con la salida del último número de la revista Newtype en Japón nos han llegado los resúmenes y títulos de los capítulos de Dragon Ball Super que se emitirán en julio. Vamos con ello (gracias a @Herms98 en twitter por la traducción del japonés al inglés… y ah, SPOILERS para quien quiera mantener la sorpresa):

  • Capítulo 51: Sentimientos que trascienden el tiempo: Trunks y Mai. 10 de julio. Goku Black, cuya imagen es como la de Goku y que amenaza con destruir la Tierra del futuro, apareció en el presente vía las distorsiones (espacio-temporales, se entiende). Justo antes de de que Black sea devuelto al futuro por el mismo agujero temporal, éste destruye la máquina del tiempo en la que había llegado Trunks del futuro. Sin embargo, Bulma tenía guardada la máquina del tiempo de Cell dentro de una cápsula. Goku y los demás resuelven reparar la máquina del tiempo e ir detrás de Black al futuro.

La verdad, desconocemos porqué el resumen del episodio 51 parece más del 50, pero en cualquier caso (y por suerte) saldremos de duda en unos días. Por lo que sabemos del 51, se tratará de un episodio de flashbacks, ya que Trunks del futuro contará a los demás cómo conoció a Mai y juntos se enfrentaron a Black.

Fan art de Kazuharuhina

Fan art de Kazuharuhina

  • Capítulo 52: Maestro y alumno se reúnen: Son Gohan y Trunks del futuro. 17 de julio. Bulma se apresura a reparar la máquina del tiempo y comprender su energía. Mientras tanto, Trunks del futuro acude a hacerle una visita a Gohan, quien había sido su maestro en su línea temporal. Sin embargo, Trunks se desconcierte al encontrar que el Gohan que aparece ante él es totalmente distinto de aquel que conocía.

Parece que este será más un capítulo de transición, pero con desarrollo de personajes y que parece prometer buenas (o, al menos, interesantes) interactuaciones. En nuestra opinión, Gohan es el personaje que más ha sufrido el salto de Dragon Ball Z a Super (sucedió más o menos lo mismo en Dragon Ball GT), así que puede resultar algo prometedor (aunque mejor no elevar mucho las expectativas, que hay probabilidades de que el primogénito de Goku siga siendo un personaje casi irrelevante). En cuanto a Trunks, el resumen no especifica qué tipo de sentimientos despierta en él ver a este «nuevo» Gohan: quizás se emocione al ver que al fin su antiguo maestro ha podido llevar una vida tranquila y formar una familia; o se decepcione al comprobar que ha dejado de entrenar y que ahora mismo hasta Piccolo lo supera. Veremos.

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  • Capítulo 53: Se revela la verdadera identidad de Black! Ahora, hacia el reino de los Kaioshin del Universo 10! 31 de julio (el 24 no hay episodio). Tras darse cuenta de que Black posee el mismo ki que Zamasu, el kaioshin aprendiz del Universo 10, el dios de la destrucción Bills, junto a su asistente Whis y con Goku, se dirigen hacia el Universo 10. Con el objetivo de comprobar su ki, Goku le reta a Zamasu (quien desconfía de la humanidad) a una batalla, pero…

En este episodio parece confirmarse que Black es en realidad el kaioshin Zamasu, que de alguna forma habría poseído el cuerpo de Goku en una realidad alternativa. De todos modos, no parece que vaya a ponérselo fácil a Goku y compañía…

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  • Capítulo 54: El heredero de la sangre saiyan: La resolución de Trunks. 7 de agosto. A pesar de que saben que Black y Zamasu poseen un ki extraordinariamente similar, son incapaces de obtener alguna prueba que demuestre que ambos son la misma persona. Mientras tanto, Vegeta le dice a Trunks del futuro: «Voy a entrenarte».

Las cosas van poniéndose interesantes. Y no solo por la revelación de Zamasu (que también), sino por comprobar que Trunks del futuro no va a quedar relegado a un segundo plano, sino que va a formar una parte activa (al menos en principio) dentro de toda la trama. ¿Quizás hasta pueda alcanzar el nivel de super saiyan dios? Nosotros nos conformamos con que Dragon Ball Super no se limite a ser «el show de Goku y Vegeta«.

Fan art de Art Level: Over 9000!

Fan art de Art Level: Over 9000!

Japoneando Anime: One-Punch Man

Esta semana en Japoneando Anime os traemos el shônen de los shônen, al superhéroe de los superhéroes, al único e irrepetible One-Punch Man (más conocido quizás como Saitama o Calvo con Capa). Para los no iniciados, One-Punch Man es un manga con guión del artista One y dibujo de Yusuke Murata (Eyeshield 21) cuyo origen se encuentra en el formato web cómic (es decir, viñetas o tiras autoconclusivas publicadas exclusivamente en la red). Debido al éxito que tuvo, el mencionado dibujante contactó con One para crear un manga como Saitama manda, y así surgió la serie tal como la conocemos hoy en día. La adaptación al anime no se hizo esperar, y ésta llegó en forma de serie de 12 capítulos (más 6 especiales), de 25 minutos de duración cada uno. Debido a que el manga todavía se encuentra en publicación, es altamente probable que realicen más temporadas en un futuro (esperamos que no muy lejano).

¿De qué trata One-Punch Man? Saitama es un apático joven que en sus ratos libres se dedica a salvar el mundo (ficticio, aunque basado en el Japón actual), ya que éste se encuentra constantemente amenazado por monstruos de diversa índole. En su trayectoria se van cruzando otros héroes como Genos o Cyborg Demonio (quien, sorprendido ante su enorme fuerza, le suplica ser su aprendiz), Tatsumaki o Tornado del Terror, o Mummen Rider; y monstruos como el Rey del Mar/Sea King, Lord Boros o el Hombre-Cangrejo, entre otros. El reparto de personajes, todo sea dicho, no puede ser más variopinto (e hilarante).

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  • El shônen (少年)

Muchos sabréis ya que el shônen es uno de los géneros dentro del manga y el anime más populares, tanto dentro como fuera del país nipón. Por si acaso, y para ir refrescando la memoria, empezaremos recordando que el shônen es aquel género del manga y del anime cuyo público mayoritario al que va destinado son niños mayores y adolescentes (masculinos, aunque en realidad puede verlo y disfrutarlo cualquiera). Algunas de sus características comunes son héroes con super poderes (ya sea una gran fuerza, o una poderosa magia, o algún tipo de mutación o condición ventajosa, etc.), personajes femeninos pechugones, mucha acción, dinamismo en las batallas (aunque en algunos casos éstas pueden verse alargadas hasta el infinito y más allá), exaltación del poder de la amistad (los ya famosos nakama) y uno o varios villanos carismáticos (que suelen asimismo entrar en el terreno del bishônen (美少年), es decir, «chico guapo»). Con todo esto en mente, seguro que los que halláis visto animes como Dragon Ball, One Piece, Naruto, Bleach, Saint Seiya o Rurôni Kenshin ya los habréis identificado como shônen.

One-Punch Man es claramente un shônen… tanto, que se encarga en realidad de parodiar a todos ellos. Echemos un vistazo a Saitama, por ejemplo. A simple vista, es lo contrario de un héroe shônen: apático, calvo, mirada perdida, traje estrafalario, etc. Sin embargo, en cuanto despliega su inmensa fuerza no tiene rival. Tanto, que los enemigos tan solo le duran un puñetazo… para pesar de Saitama, que no encuentra ningún tipo de estímulo ni motivación en lo que hace, ya que no encuentra rival a su altura. Los villanos, a su vez, son presentados como seres terribles a los que no le frena nada ni nadie. De hecho, uno de los grandes alicientes de One-Punch Man es la creación de un ambiente cargado de tensión en cuanto aparece un nuevo villano. Muy similar a lo que hacen los shônen, éstos son presentados como seres muy poderosos y sádicos. Sin embargo, en cuanto aparece Saitama, con un puñetazo ya está todo arreglado. Es una forma de reírse de las típicas batallas en los shônen, que como mencionábamos antes se prolongan hasta lo indecible para al final acabar ganando el héroe, que en el fondo es lo que todos sabíamos desde el principio que iba a pasar (en serio, ¿alguien se espera que en Dragon Ball Goku y los Guerreros Z pierdan, acaben muertos y con todo destruido?).

Sucede algo similar cuando al fin Saitama revela el secreto de su fuerza: su GRAN entrenamiento consistía en correr 10 kilómetros todos los días, durante 3 años, hacer 100 sentadillas, 100 flexiones y 100 abdominales también a diario, comer 3 veces al día (desayunando solo un plátano), y no utilizar nunca ni aire acondicionado ni calefacción. Como vemos, nada del otro mundo (para quien esté metido en asuntos de gimnasio). Sin embargo, por algún extraño motivo, al protagonista de One-Punch Man le ha funcionado hasta el punto de no poder hallar rival. Esto es asimismo una parodia de los típicos «entrenamientos» que siguen los héroes en los shônen, tras los cuales y por lo general reaparecen con su poder aumentado de tal forma que ya pueden derrotar a todos los villanos. Pero ojo, esto solo les sucede sistemáticamente y por norma a los protagonistas. No esperéis lo mismo de los personajes secundarios o ayudantes; aunque sigan exactamente ese mismo entrenamiento.

  • Los mechas, monstruos y demás bestialidades

Otros de los géneros (o sub-géneros) más conocidos dentro del mundo del anime y el manga (decimos lo de «sub» porque suelen ir vinculados a los shônen) son los mechas y los kaijus (怪獣). También tenemos bastante de ellos en One-Punch Man. Especialmente de éstos últimos, ya que todos los enemigos (o la absoluta mayoría) con los que va topándose Saitama son monstruos. En cuanto a los mechas (cuyo término proviene de mechanical), hace referencia a los robots gigantes… que suelen ser los que se enfrentan a los monstruos. Pensemos en este sentido en Evangelion o en Mazinger Z. En One-Punch Man no hay mechas en sí, en formato mastodóntico, pero el propio Genos sí es un robot (a secas), que planta cara muy efectivamente a las amenazas.

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Toda esta fijación que hay en Japón por las cosas enormes y muy destructivas tiene una explicación, que son las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki. Como muchos sabrán, antes de finalizar la guerra, Estados Unidos lanzó en pleno verano del año 1945 dos bombas nucleares sobre el país nipón (ambos eran enemigos declarados, obviamente). Ambas cayeron sobre población civil (tanto Hiroshima como Nagasaki eran -y son- dos centros urbanos de un considerable tamaño) y acabaron con la vida de numerosas víctimas, ya que no solo el momento de la explosión causó (evidentes) pérdidas, sino también los efectos secundarios a posteriori, causados por la radiación, que provocaron elevados (y mortales) casos de cáncer, entre otros.

Se piensa que el impacto de las bombas atómicas sobre Japón fue tal, que no solo causó la rendición inmediata del país (y con ello la victoria para los EEUU), sino a su vez numerosos ejemplos de imaginarios colectivos plasmados en medios audiovisuales. Es el caso de Godzilla, archiconocido monstruo con forma de lagarto gigante y que destruye todo a su paso. Godzilla es una amenaza desconocida que aparece repentinamente desde el mar (es decir, viene de fuera) y que arrasa con todo a su paso. Nos suena, ¿verdad? Además, la primera película de Godzilla fue estrenada en el año 1954, solo nueve después de la explosión de las bombas.

  • Conclusión

One-Punch Man resulta un manga y anime de lo más ameno y caricaturesco, con una historia versión shônen que se ríe del resto de los shônen. Algunos podrían pensar que entonces sería algo similar a One Piece… pero, en realidad, One Piece es un shônen de humor con momentos dramáticos (y, no lo olvidemos, el poder de los nakama).. One-Punch Man nunca llega a tomarse a sí misma totalmente en serio, a pesar de lo tensa que pueda volverse la atmósfera. Es aparecer Saitama y todo ello se esfuma. Goku y Luffy pierden o lo tienen complicado alguna vez, al menos.

Todo esto no significa que no pueda disfrutarse igualmente One-Punch Man, pero convendría tener en consideración su carácter paródico. Por lo demás, una animación fluida y una banda sonora potente hacen el resto. Nada más escuchar el pegadizo opening cantado por (entre otros) Hironobu Kageyama (sí, el mismo que canta el Cha la head cha la original) ya sabes que viene algo épico. Y MUY DIVERTIDO.

Hasta las escenas eliminadas de Zootrópolis son buenas

Ya hace casi un mes de que salieran a la venta los dvd y blu-ray de Zootrópolis (Zootopia para algunas partes del globo), la última gran producción de Disney Pixar (con permiso de Dory, que es de la parte Pixar del dúo). Tras la buena acogida que tuvo tanto en taquilla como en crítica, el público se encontraba ansioso por poner sus pezuñas en las versiones de vídeo doméstico, con todos los extras que éstos suelen incluir (más en el blu-ray que en el dvd, por lo general).

Para quien aún no haya acudido a ver Zootrópolis (¡sacrílego!), avisamos que habrá SPOILERS, ya que hablaremos de las escenas eliminadas que han ido saliendo entre todo este material extra. Acordes con la calidad del producto, por cierto. Por lo que todo fan de Zootrópolis echarles un vistazo.

zootropolis deleted scene 6

 

  • Versión alternativa de la escena del polo

Cuando Judy ve a Nick por primera vez, éste se encuentra en una heladería para grandes herbívoros con Finnick haciéndose pasar por su hijo disfrazado de elefante. En la versión final, ante la negativa del dependiente de venderle algo a Nick (y a su «hijo»), Judy lo amenazaba con avisar a defensa del consumidor (o su equivalente en Zootrópolis) de que en ese lugar servían helados sin ponerse protección en las trompas (algo totalmente antihigiénico), a lo que el vendedor accedía a atender a Nick. En esta versión anterior, es Nick el que se encarga de vender una tierna historia de un padre con su hijo adoptivo que quiere ser (sin mucho éxito) un elefante. Se ahonda más en el supuesto dramatismo y se muestra más las diferencias entre especies dentro de Zootrópolis (el equivalente a la xenofobia). Es el dependiente mismo el que se enternece y decide atender a Nick, por lo que Judy no interviene (totalmente conmovida) hasta más adelante.

 

  • Escena introductoria alternativa

Como sabemos, Zootrópolis comienza con una obra de teatro escolar, en la que Judy hace como que es atacada (y asesinada) por un carnívoro. A continuación, los niños explican que en la actualidad presas y depredadores conviven juntos y en armonía, y cada uno de ellos expresa su deseo de ser algo de mayores (en el caso de Judy, una policía). Pero no siempre fue así. En una versión anterior, la película daba comienzo con la misma obra teatral, pero los niños ya viven en Zootrópolis (en la versión final Judy proviene de Madrigueras) y eran otros los que fingían la caza/asesinato (algo más gore en esta versión). Luego ya entrarían Judy y otros niños en escena. Las principales diferencias (aparte de las ya mencionadas) radican en la aparición de una profesora armadillo y de un policía tigre hacia al final, que felicita a Judy y le dice aquello de «en Zootrópolis puedes ser lo que quieras» (que a su vez y años más tarde ella se lo diría a Finnick).

 

  • El primer (y horrible) día de Judy

Como sabemos, Judy finaliza su primer día como vigilante de parquímetros bastante decepcionada. No sólo porque el departamento de la policía de Zootrçopolis no era lo que esperaba, sino también por la enorme cantidad de prejuicios y hostilidades con los que se topa en la gran ciudad. Cuando llega a su apartamento recibe una llamada de sus padres. En la versión final aparecían solamente éstos, pero anteriormente se pensó en mostrar asimismo a algunos de sus hermanos y hasta a sus abuelos.

https://www.youtube.com/watch?v=ix97G37HQ3g

 

  • Nick y el collar eléctrico (o de domesticación)

En una versión anterior, había una trama añadida que se centraba en la colocación de collares que lanzan descargas eléctricas a los depredadores. Nick, como buen zorro que es, no se libraría de esta «metodología de domesticación», aunque soñara con ello…

 

  • El collar eléctrico y la fiesta

Relacionado con lo anterior, el mencionado collar de descargas eléctricas se regalaría entre los depredadores al alcanzar una edad, como una especie de regalo simbólico por «haberse hecho adultos». Esto es lo que ven Judy y Nick al colarse en una fiesta de cumpleaños de un osezno cuyo padre le regala este collar. Lo que al principio parece un momento feliz y lleno de orgullo se torna bastante dramático cuando el osezno (ya con el collar) percibe que no es tan bueno como inicialmente le parecía. Algo de lo que también se percata Judy, que se voltea a ver que Nick también lleva puesto uno de esos collares. Como es lógico pensar, al final se retiró esta trama de la película por considerarla demasiado «oscura».

 

  • «Wild Times» y su cierre

En otra de las tramas eliminadas de la película hallamos una especie de lugar de ocio y recreación para depredadores que crea y regenta Nick Wilde, llamado «Wild Times» (literalmente, «tiempos salvajes»). Este parque se encuentra relacionado con la escena eliminada (puesta más arriba) donde le quitan momentáneamente el collar eléctrico a Nick. Durante esos breves instante, Nick tiene un sueño/epifanía donde los depredadores corren y se divierten en libertad. De ahí surge «Wild Times«, lugar donde los depredadores podrán caminara sus anchas y divertirse sin tener que llevar el citado collar. Para eludir a las presas y a las autoridades, Nick disfraza el centro como si se tratase de un centro clínico, desde el cual se accedería al verdadero parque de atracciones. Al final, todo se descubre y acaban cerrando el lugar.

 

  • Judy se cuela en el despacho de un elefante

Durante su investigación para averiguar el paradero del señor Nutrianson, Judy se cuela en el despacho de un colega elefante para poder averiguar algunos datos. Más allá de lo curioso y divertido de la escena, lo cierto es que tampoco aporta mucho.

 

  • Judy presenta a Nick a sus padres

Para finalizar, una escena eliminada que hubiera hecho las delicias de los fans del NickxJudy (o el Wildehopps, como se conoce entre parte del fandom) es aquella donde ambos protagonistas llegan al apartamento de la conejita… para encontrarse con una visita sorpresa de los padres de ésta. Evidentemente, éstos se quedan shockeados al ver a Nick, y piensan que podría tratarse del novio de Judy. La coneja defiende a su amigo ante sus padres, diciendo que es un buen tipo y que a quien no le guste estar con él debería marcharse de su cuarto. En ese momento uno de los hermanos de Judy descubre su uniforme de vigilante de parquímetros, ante lo que el padre se enfada y amenaza con llevarse a Judy de regreso a Madrigueras (ya que no le parecía buena idea ni que fuera a Zootrópolis ni que se hiciera policía, algo que sí ha permanecido en la versión final). Entonces Nick sale en defensa de su amiga, diciéndoles a los padres más o menos lo mismo que le cuenta en la película definitiva al jefe Bogo (y, por cierto, le pregunta al padre de Judy si podría llamarlo «papá»). Al final, padres y hermanos se marchan dándole una segunda oportunidad a Judy. El vídeo puede verse por aquí.

 

 

Dragon Ball Super 50: Goku contra ¿Goku?

Nueva semana, lo que significa nuevo capítulo de Dragon Ball Super, concretamente el número 50. Recordemos que el 49 se había quedado con la llegada de Black al presente, siguiendo el camino de Trunks del futuro (o Mirai Trunks), confrontando así a Son Goku y demás Guerreros Z.

Pues bien, en este episodio tenemos lo que nos promete el título: acción, pero (por sorpresa al menos para mí) también con nuevos elementos que suman a la historia y a los misterios que ya tenemos por delante. Entonces, ¿de qué trata el capítulo 50 de Dragon Ball Super? A partir de ahora, habrá SPOILERS.

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Con la llegada de Black, quien por cierto reconoce a Vegeta y a Bills, Trunks intenta plantarle cara, pero su padre lo frena diciéndole (con razón) que en estos momentos no es rival para él. Se le adelanta así Son Goku, que emocionado comienza un combate contra el nuevo archienemigo. Para medir su fuerza (y porque Goku es un vacilón, para qué negarlo) lo hace en forma de super saiyan nivel 2 (esta vez sí, con el pelo bien dibujado). Black a su vez va aprendiendo la forma de luchar de Goku, mientras que su ki va elevándose a medida que avanza la pelea. Hasta que llega a un punto en que es absorvido por el mismo agujero de tiempo en el que vino, llevándolo (a la fuerza) de regreso al futuro. Allí, Black se aprieta el pecho mientras se alegra de haber podido conocer la forma de luchar de Goku. Además, como tuvo tiempo de destruir la máquina del tiempo en la que viajó Trunks, cree que éste no podrá volver nunca más a la línea temporal, convirtiéndolo a él en el ser más poderoso.

Mientras tanto, en el presente, Mirai Trunks lamenta la pérdida de la única vía que tenía para volver a casa y poder salvar su mundo. Bulma entonces tiene una idea y sale corriendo. Vegeta anima a su hijo y todos hablan sobre el misterioso anillo que llevaba Black y de los viajes en el tiempo (o su prohibición). Finalmente, Bulma reaparece con una cápsula, en la cual se halla… ¡la máquina del tiempo en la que llegó Cell! Pero no acaba ahí la cosa: de vuelta al futuro, se nos muestra el cuerpo yacente de Mai… ¡que está viva!

Tenemos aquí, por lo tanto, un buen capítulo que equilibra acción y dramatismo, con algunas dosis de historia y sorpresas finales incluidas. Sí, también hay un breve instante de comedia, pero la verdad nos parece que en esta ocasión sobraba (rompe totalmente con el aura de tristeza e impotencia que se forma en torno a ambos Trunks), y casi hasta agradeceríamos que la banda de Pilaf se largase a otra parte. Los diálogos están bien hilados por lo general (aunque ese Trunks mencionando la existencia de la máquina del tiempo a escasos metros de Black no demuestra mucha inteligencia por su parte). Y se agradece que Bills y Whis interfieran lo menos posible, pero sí que estén ahí para explicar algunas cosas (como el anillo que permite realizar viajes en el tiempo, pero siempre obligando a regresar a la línea temporal que se pertenece).

Por otro lado, si bien resulta algo molesto esa «manía» (que bien menciona Vegeta) de Goku de no ir a por todas contra los villanos (eliminando así posibles futuras amenazas mayores), es este un elemento que siempre ha estado en el protagonista de Dragon Ball. Lo mencionamos porque han surgido voces en contra de esto, como si resultase algo nuevo. No, muchachos y muchachas, Goku siempre ha sido así de irresponsable: lo fue cuando le pidió a Krilin que dejase vivir a Vegeta (después de que éste se hubiera cargado a la mitad de sus amigos y dejado paralítico al mismo Goku), lo fue cuando pidió a Bulma que por favor no destruyesen la base secreta donde se encontrarían los androides antes de despertarse, lo fue cuando evitó transformarse en super saiyan 3 en su enfrentamiento contra Majin Vegeta, y un largo etcétera. El mismo Toriyama ha llegado a mencionar que para él Goku no es tan heroico como le gusta mostrarlo a la Toei.

En cuanto al apartado técnico, la animación en este episodio da un salto de gigante y se posiciona mucho más alto que la del capítulo 49. No solo porque a Goku le hayan dibujado bien el pelo en super saiyan 2, sino por lo fluido de la batalla contra Black y el buen acabado de algunos rostros. Sin embargo, hay una notoria bajada de calidad en la segunda mitad del episodio, cuando Black ya ha desaparecido. Pero sigue siendo mejor que la del 49. De la banda sonora qué más decir, Sumitomo se sigue superando, parece que está inspiradísimo con este arco argumental. Para muestra, una escena, que nos parece además la mejor de todo el capítulo (y que demuestra a la perfección el crecimiento que ha tenido Vegeta):

Y en el apartado «hablemos de Black» de esta semana, poco a poco van descubriéndose algunos (pequeños) datos del personaje. Para empezar, parece que va alejándose la posibilidad de que sea un Son Goku maligno alternativo, o Son Goten en otra época. La misma forma que tiene Black de hablar sobre «este cuerpo» y de referirse a Son Goku como si nunca lo hubiera visto en persona (ni conocer su forma de combatir) así lo reafirman. Los propios Whis y Bills, junto con Piccolo, detectan un ki extraño en el nuevo enemigo, que no se asemeja al de Son Goku. Descartan (al menos por ahora) que pueda tratarse de un kaio shin, ya que no existe ninguno con la apariencia de Goku. Sin embargo, el anillo que porta Black sí es propio de estos dioses. Por otro lado, la forma que tiene Black de llevarse la mano al pecho con muecas de dolor parece indicarnos que podría estar sufriendo del corazón… ¿quizás la enfermedad que mató al Son Goku del futuro? ¿Acaso estará Black usando el cuerpo de este Goku de otra línea temporal? Si así fuera… ¿cómo podría haberlo obtenido, teniendo en cuenta que dicho cuerpo ya llevaría unos 30 años descomponiéndose? Como vemos, más datos, pero también más misterios.

Para finalizar, es de agradecer que se hayan acordado de la máquina del tiempo que usó Cell para llegar al presente (y que se encuentra bastante destrozada). Suponemos que Bulma, con ayuda del cuaderno dejado por su yo del futuro, podrá arreglarla y conseguir así que Mirai Trunks regrese a su línea temporal junto con Vegeta y Goku. Y el final con Mai viva en el futuro nos deja con numerosas cuestiones, siendo la principal de ellas: ¿cómo leches va a hacer para sobrevivir a la bestia parda que es Black? Parece que en el capítulo 51 (titulado «Sentimientos a través del tiempo: Mai y Trunks«) volverá a aparecer, aunque nos falta por descubrir si será en forma de flashbacks o es que Mirai Trunks ya ha podido regresar a su época. ¡Que pase rápido la semana!

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