Final Fantasy XV: Kingsglaive. Análisis y crítica

Publicado el agosto 31, 2016agosto 31, 2016 por Ana Alonso

Finalmente hemos podido poner todos nuestros sentidos en la película de Final Fantasy XV: Kingsglaive, ya que desde hoy se encuentra disponible en formato digital en tiendas como la oficial de Play Station, Itunes o Amazon.

La película, dirigida por Takeshi Nozue (quien co-dirigiera Advent Children) y producida por Hajime Tabata (director del videojuego Final Fantasy XV), se sitúa durante el inicio de la historia que nos contará las aventuras de Noctis y sus amigos. Es decir, que es indiferente si uno es disfrutado antes que el otro, ya que los acontecimientos suceden a la par y se complementan. En palabras de Nozue y Tabata, no es necesario ver la película para poder comprender el juego, pero sí sería conveniente hacerlo para poder disfrutar la experiencia que nos brindará el universo de Final Fantasy XV al completo.

¿De qué trata Kingsglaive? En pocas palabras, nos presenta el mundo de Eos y la guerra en que se encuentran el reino de Lucis (que posee el último cristal, lo que le otorga ciertos poderes mágicos) y el imperio de Niflheim (que, a falta de cristal, ha desarrollado poderosamente su maquinaria y tecnología). Gracias al poder del cristal, mezclado con las capacidades que poseen los monarcas de Lucis, la capital de este reino, Insomnia, permanece protegida por una enorme barrera que ni tan siquiera Niflheim ha podido traspasar. Asimismo, el rey de Lucis, que en la actualidad es Regis, posee un cuerpo personal de habilidosos guerreros, llamados glaives (de ahí el título, que literalmente significaría «la espada del rey»). Entre sus filas se encuentra Nyx, nuestro protagonista, un joven especialmente talentoso en la batalla procedente de Galahd, una de las ciudades anexionadas a Lucis. Pronto, la tensión en Insomnia se eleva cuando reciben la visita de Ardyn, consejero del emperador Iedolas, quien viene a proponer un tratado de paz entre Lucis y Niflheim: el rey Regis entregará sus provincias a Niflheim a cambio de un tratado de paz. Además, su hijo, el príncipe Noctis, contraerá matrimonio con Lunafreya, la oráculo procedente de Tenebrae (invadida por Niflheim). Si cumplen estas dos peticiones, Niflheim promete dejar en paz a Insomnia. Regis, que ya se encuentra avejentado debido al poder del cristal y del anillo de los monarcas de Lucis, accede a ello, lo que provoca no pocas protestas por parte del pueblo y entre los propios glaives.

Y ese es el punto de partida de la película que, como vemos, tiene una temática profundamente política. No por nada, algunos ya la han comparado con Final Fantasy XII o incluso con la serie Juego de Tronos por su mezcla de conspiraciones políticas con magia y fantasía. Pero, si ahondamos un poco y miramos incluso en los orígenes de la historia (sí, nos referimos a Final Fantasy Versus XIII), podemos hallar más, mucho más… (a partir de aquí habrá SPOILERS).

El mundo real mezclado con la fantasía

Si algo destaca en Kingsglaive es su impresionante capacidad gráfica. No por nada, la misma ciudad de Insomnia, que parece una mezcla entre Tokio y Berlín (¿con algo de Londres?), cobra vida ante nuestros ojos. Los suburbios a los que acuden Nyx y sus compañeros a tomar una copa, o los dibujos animados estilo Looney Tunes protagonizados por un Malboro. Todo nos evocará a nuestra realidad, pero sin olvidarnos de los elementos fantásticos, siempre ahí, presentes (o no…).

Ese es uno de los motivos por los que Kingsglaive cumple con creces como prólogo de Final Fantasy XV: nos presenta su mundo, al menos la parte correspondiente a Insomnia… y queremos más. Mucho más.

No todas las muertes valen lo mismo

No queremos meternos en el tema (escamoso y de rabiosa actualidad) de los refugiados y el trato recibido por los nativos de un lugar. Sin embargo, sí podemos decir que Kingsglaive muestra que, lamentablemente, no todas las vidas (y, por lo tanto, las muertes) valen lo mismo. No es lo mismo una huérfana que pertenece a una de las guardias del rey que el capitán de la dicha guardia. Como tampoco lo es un joven (también sin familia) procedente de una provincia que está lejos de los muros de la capital, en comparación con el príncipe de la misma. Es uno de los aspectos que suman a la tragedia que es Kingsglaive (¿y a Final Fantasy XV?) y, especialmente, al personaje de Nyx Ulric.

«Nada es bueno o malo, el pensamiento humano lo hace así»

Para los olvidadizos (o para quienes no hayan estado siguiendo la ruta de Final Fantasy XV desde los días en que se titulaba Final Fantasy Versus XIII), esta es una cita de Shakespeare que Nomura utilizó en sus días en la promoción del juego. Pues bien, parece que algo del tema pudiera seguir presente de una u otra forma. Por ejemplo, en los motivos que tienen, por un lado, Nyx o Libertus, frente a los del general Glauca o los de Luna y Regis. Los de Nyx, Libertus y Glauca son muy similares, pero cada uno los enfoca de una manera distinta: Nyx lo hace proyectándolo en un futuro apacible, armonioso y justo para los demás; Libertus se centra en el pasado, pero también en el presente (lo que lo ayuda a avanzar); y Glauca está atascado completamente en un ideal surgido a raíz de los episodios traumáticos que haya podido vivir su lugar de nacimiento (y él mismo). Regis y Luna, por otro lado, están por encima de todo eso, y piensan en el bien común sobre lo demás (Incluyendo su bienestar y felicidad). Pero el bien común que busca Regis es quizás el de Insomnia y no el de otros lugares (o eso podrían pensar otros «desde fuera»). Ninguno es, entonces, totalmente bueno ni malo (bueno, algunas decisiones de Glauca sí son de dudosa moralidad), sino que lo que los otros piensen de ello es lo que los coloca en un bando o en otro.

Otro punto de Shakespeare que parece seguir presente en la historia lo veremos a continuación.

El príncipe elegido, el legado que le depara a Final Fantasy XV

Hablando de príncipes, Noctis no lo tiene nada fácil tras ver el panorama que ha dejado Kingsglaive. Pero ese es parte del encanto de la aventura que nos depara. Hay que reclamar el trono.

Si echamos un vistazo a las obras históricas de Shakespeare (un hombre que vivió en Inglaterra durante la segunda mitad del siglo XVI), como Ricardo II, Eduardo III o Ricardo III, veremos a reyes y príncipes despojados (por la fuerza, generalmente) de sus coronas. Algunos tratan de regresar, otros no. La mayoría acaba encontrando la muerte antes que el trono. En la época en la que se escribieron estas novelas, las monarquías eran el principal régimen de poder en Europa. Pero no solo eso: eran monarquías por derecho divino, es decir, los asignaba Dios, y no debían ser arrebatados de un lugar que les pertenecía por la providencia (y la dinastía de Lucis parece tener el apoyo de ciertos entes todopoderosos). Sin embargo, un rey o príncipe también podía pecar de no ser el adecuado, ya sea porque éste a su vez usurpara el trono o porque no sabe proteger y repartir justicia a su pueblo. Porque lo que más importaba en la época no era que el rey fuese campechano o atendiese a los pobres, sino que supiera proteger las fronteras frente al enemigo (normalmente, otras monarquías «usurpadoras») y que no fuese un déspota. O al menos, así era en teoría.

Otra mentalidad propia de la Edad Moderna (siglo XVI, en este caso) corresponde a la imagen de la llegada de un príncipe justiciero. Esto sucedía especialmente cuando el reinado en cuestión resultaba ineficaz, o cuando justamente se había usurpado el trono: se esperaba entonces que llegase un príncipe «repentinamente» para reclamar la Corona y devolver esa justicia y protección propias de los buenos monarcas. Para los interesados en la historia, una de estas corrientes más famosas fue la del sebastianismo en Portugal. Todo esto está muy asociado con el mesianismo, el cual podemos observar se encuentra muy presente en la figura de Noctis (todos esperan su llegada, todos esperan un futuro próspero a partir de su reinado).

Para finalizar

No podemos terminar este análisis de Kingsglaive sin mencionar otros de los mejores aspectos de la película. Estos son, por un lado, los personajes de Luna, Nyx y Regis. Es cierto que el resto no tiene mucho tiempo para brillar, pero es que estos tres lo hacen con una fuerza conmovedora. Tanto que deseamos más que nada poder volver a verlos en el juego. Cuanto antes. A Luna hay que añadirle que refleja estupendamente la figura de una heroína activa (aunque no sea el personaje con mayor poder ni fuerza), decidida, hasta el punto de quizás rayar lo impulsivo y temerario. Faltaría, quizás, explicar un poco mejor la base de su relación con Noctis (es un poco difícil imaginar un enamoramiento de una chica de doce años hacia un niño de ocho, que eran las edades que tenía cada uno la última vez que se vieron), pero eso ya es tarea del videojuego.

Otro de los mejores puntos de la película, especialmente para los fanáticos de la saga, es la cantidad de guiños que hay a varios de los Final Fantasy más emblemáticos. Desde Ultros (Final Fantasy VI) hasta Arma Diamante (Final Fantasy VII), pasando por los Caballeros de la Mesa Redonda (Final Fantasy VII) o la escena de la fiesta con Somnus y el arte de Amano representando a la diosa Etro de fondo (Final Fantasy Versus XIII). Parece que la saga realmente quiere recuperar el esplendor de los viejos tiempos.

Es verdad que la película guarda algunos aspectos negativos, como lo caótico de algunas escenas de acción o alguna duda con el guión (¿Libertus y Luna se dedican a dar vueltas por la ciudad con el coche hasta el amanecer?), pero, realmente, son nimiedades para todos aquellos que hayamos estado esperando la salida de Final Fantasy XV (antes Versus XIII) desde hace diez años. Kingsglaive sabe, sin duda, como complacernos. No podemos esperar para saber más sobre el mundo de Eos, las aventuras de Luna, Noctis y los demás, y lo que les deparará el destino. El 29 de noviembre queda demasiado lejos.

Japoneando Anime: Bleach

Publicado el agosto 30, 2016agosto 19, 2020 por Ana Alonso

En realidad, la decisión de dedicar esta entrega de Japoneando Anime a Bleach vino a última hora, debido a la finalización de dicho manga (y deberíamos puntualizar que esta entrada sería más bien un «Japoneando Manga«, ya que el anime de Bleach se canceló hace años). Pero comencemos…

Bleach es la obra de Tite Kubo, quien ha estado hasta quince años dedicándole su tiempo y esfuerzo (concretamente, desde el 2001 al 2016), llevando en total más de 66 volúmenes (tankôbon 単行本) recopilados. La adaptación al anime fue llevada a cabo por el estudio Pierrot desde el año 2004 al 2012 y consta de un total de 366 episodios.

¿De qué trata Bleach? Ichigo Kurosaki es un estudiante adolescente que reside en Tokio junto a su familia y que lleva una vida aparentemente normal. Sin embargo, Ichigo posee una extraña capacidad: puede ver las almas de los muertos. Un día se encuentra con un extraño monstruo y una chica vestida con un kimono negro: es una shinigami (死神), un dios de la muerte. Debido a los incidentes causados por el bicho (que después conoceremos que se trata de un hollow), la mujer shinigami se ve obligada a traspasarle sus poderes a Ichigo. Y así comienzan un sinfín de aventuras y batallas que juntan la vida terrenal con el más allá, y en donde habrá cabida para un sinfín de personajes de todo tipo y condición (desde los amigos de Ichigo hasta el resto de shinigamis o Sociedad de Almas, pasando por los arrancar, quincies y demás).

En su punto álgido, el éxito de Bleach llegó a ser tal que se la solía comparar con las otras dos grandes top en ventas de la Shônen Jump (revista donde se publicaba): Naruto y One Piece. En el 2009, por ejemplo, fue la tercera serie más vendida en Japón, justo por detrás de las dos susodichas. Sin embargo, Bleach no supo o no pudo aguantar el ritmo, y poco a poco fue decayendo hasta pasar por la cancelación del anime (en el 2012) y del propio manga (hace un par de semanas). ¿Por qué ha podido ser esto?

Relación entre mangakas y editores: entre el amor y el odio

Es bien sabido por los que llevamos años siguiendo este mundillo que la vida del mangaka (漫画家 dibujante de manga) de éxito no es fácil. Firman contratos realmente estrictos con las editoriales, donde se pueden llegar a incluir cláusulas que van desde lo más habitual (número de páginas, fechas de entrega, etc.) hasta lo más controlador (el mangaka de éxito no puede ser pillado viendo escaparates de dudosa moralidad, por poner un ejemplo). Las fechas de entrega, sobre todo, suelen ser bastante cortas (para todo lo que hay que realizar), ya que las tiradas de más éxito suelen ser publicadas en la Shônen Jump, cuya periodicidad es semanal. Por ello, gran parte de mangakas cuentan con la ayuda de uno o varios asistentes, que pueden llegar a desarrollar tareas de todo tipo (desde planificación de la obra y trato con el editor hasta dibujar solo determinado tipo de cosas, como maquinaria o vegetación). Aclamados mangakas de la actualidad, como Eichiro Oda (One Piece) o Nobuhiro Watsuki (Rurouni Kenshin) iniciaron sus andaduras siendo asistentes de otros mangakas veteranos.

Tite Kubo y sus obras

En el caso de Tite Kubo, su carrera al parecer no comenzó como asistente, sino con una pequeña obra de título Zombie Powder. Debido a que no tuvo el éxito necesario y a que la consideraron demasiado violenta, terminó siendo cancelada. Entonces comenzó Bleach. Con el caso de esta serie, tenemos algo curioso: tiene un ritmo MUY distinto en las diferentes sagas que la componen. Por ejemplo, la saga de la Sociedad de Almas (para la mayoría, la mejor de todas) posee un ritmo dinámico, donde descubrimos nuevos lugares y conocemos a los personajes, que van creciendo ante nosotros. También tiene grandes dosis de acción, pero sin llegar a saturar. Es, en definitiva, una narrativa (al más puro estilo shônen, claro) equilibrada. Llegamos al arco argumental de Hueco Mundo, y las batallas van alargándose más, pero no por ello los personajes quedan perdidos en un fondo del que nunca volveremos a saber (hay excepciones, claro, como Grimmjow o Szayel, personajes que serán retomados años más tarde). Y, amigo, llega la saga de los quincy. Para entonces, Bleach ya había ido perdiendo progresivamente interés, pero con este arco argumental directamente todo se va al carajo: batallas eternas una detrás de la otra y casi cero interacción entre los personajes. Hay escasos momentos como lo de Nemu y Mayuri en los que parece que Bleach retoma su esencia, pero duran poco (y, además, Mayuri nunca fue uno de los personajes principales). El desdibujamiento de prácticamente todos los personajes, en favor de mostrar nuevas técnicas (sin mucho sentido) y transformaciones, llega hasta tal punto que Rukia e Ichigo (los dos protagonistas) pueden pasarse capítulos y capítulos sin dirigirse la palabra. Imaginaros en ese sentido a Dragon Ball y a Vegeta y a Goku, que llevan años sin cruzarse. Es más, Vegeta lleva tres años sin aparecer más que en dos viñetas. Impensable, ¿verdad? Pues a ese punto había llegado Belach.

Pero, siendo justos, Bleach nos ha regalado grandes momentos en el pasado: la revelación de Aizen, el juicio de Rukia, sus recuerdos de Kaien, el final de Ulquiorra… En definitiva, grandes momentos protagonizados por personajes bien desarrollados, que quedarán siempre en el recuerdo de los lectores. ¿Qué había pasado entonces con ESE Tite Kubo?

Muchos creen haber hallado la respuesta en la editorial (en este caso, Shûeisha). Todo mangaka tiene a un editor que sirve de vínculo entre su trabajo y la editorial. El editor puede llegara involucrarse más o menos en los resultados de la obra, hasta el punto de llegara cambiarlo todo. Algunos editores llegan a ser verdaderos colaboradores de los mangakas, y otros en cambio pueden convertirse en su peor pesadilla. El ejemplo más famoso es el de Akira Toriyama (autor de Dragon Ball). Toriyama, acostumbrado a realizar historias cortas, quiso poner punto final a su serie en varias ocasiones, pero la editorial, debido al enorme éxito alcanzado, lo presionaba para seguir. El mayor cambio llegó con Dragon Ball Z (titulada así en el anime, no en el manga), cuando llegó otro editor (de Torishima Kazuhiko pasó a Yû Kondô) y éste ideó que, para que la serie alcanzase todavía más popularidad, la historia se orientase más hacia la acción y adquiriera tonos más dramáticos. El culmen llegó con la saga de Cell, donde Toriyama se vio obligado a cambiar los diseños de los androides hasta tres veces (C19 y C20 eran «un gordo y un viejo», C17 y C18 «unos críos», y Cell pasó de «tener aspecto de bicho deforme» a «cara de idiota»), llegando a improvisar semana tras semana. El hartazgo de Toriyama llegó hasta tal punto que, una vez pudo finalizar Dragon Ball con la saga de Boo, no quiso volver a hacerse cargo nunca más (Dragon Ball GT es un producto exclusivo de Toei y en las sagas y películas posteriores su papel se ha visto limitado a supervisar diseños y ayudar en la elaboración de los guiones, pero poco más).

: Los tres editores que tuvo Toriyama en Dragon Ball sirvieron de inspiración para los diseños de los villanos de la serie

En el caso de Tite Kubo, parece bastante obvio suponer que el editor ha debido de tener algo que ver en los cambios de ritmo y hasta de narrativa. También cabe la posibilidad de que Kubo se hubiera hartado de su obra, al más puro estilo Toriyama, y ya no supiera qué hacer. Pero al menos Toriyama supo darle un «final» (que no es tal) más que digno a Dragon Ball. En cualquier caso, la relación entre editores y mangakas no siempre es fácil (por no hablar de las veces en que el mangaka, probablemente superado por la presión, «desaparece» o se «enferma» cada determinado tiempo). Un manga y anime (bastante recomendable, por cierto) que trata muy bien las vicisitudes de este mundillo es Bakuman (Tsugumi Ôba y Takeshi Obata).

En definitiva, que como lectora que he sido de Bleach desde hace años (concretamente, desde la primera aparición de Ulquiorra y Yammy), el giro que tomó Bleach tras la saga de Hueco Mundo me entristeció bastante. También me decepcionó, por qué no decirlo. Pero hay que procurar quedarse con lo bueno: con los inicios de la relación entre Ichigo y Rukia, con toda (TODA) la saga de la Sociedad de Almas, con personajes realmente carismáticos y cuidados diseños (Gin… Gin y su final es otro de esos MOMENTAZOS). En cuanto al anime, nos hubiera gustado comentar más sobre la simbología y mitología habida tras la figura de los shinigamis en Japón, también con su concepto del «más allá», pero bueno, probablemente para otra ocasión. Y su banda sonora… cómo no recordar su banda sonora. Hasta siempre, Bleach, te recordaremos por lo que pudiste llegar a ser.

https://www.youtube.com/watch?v=UFGHBiRjy5M

Novedades de Final Fantasy XV: duración y gráficos

Publicado el agosto 26, 2016agosto 26, 2016 por Ana Alonso

Día de novedades sobre Final Fantasy XV, el esperadísimo juego de Square Enix que se ha visto retrasado hasta el 29 de noviembre.

ACTUALIZADO: Además, habrá concierto en vivo (streaming incluido) el día 7 de septiembre en los estudios Abbey Road de Londres. Será sobre la banda sonora del juego y acompañará la Orquesta Filarmónica de Londres, junto con la presencia de Yoko Shimomura.

Por un lado, en una entrevista a la revista japonesa Famitsu, el director del juego, Hajime Tabata, ha confirmado que la historia constará de un total de 15 capítulos. Recordamos que en la Gamescom de hace unos días se mostró una demo que abarcaba los tres primeros episodios, por que aquello sería un 15% del total del juego. En realidad, Tabata cree que la historia principal nos llevará unas 40 ó 50 horas. En el último E3 ya comentó que, incluyendo todas las misiones secundarias, el juego podría llevarnos hasta 200 horas de entretenimiento.

En cuanto al contenido descargable, Tabata ya ha anunciado que habrá todavía más aparte del anunciado en el Season Pass. No ha querido dar más detalles, puesto que todavía se encuentran en fase de planificación, pero pretenden prolongar la experiencia en el Universo Final Fantasy XV lo máximo posible. Esto incluiría también los episodios de realidad virtual (VR.). Recordemos que en el E3 ya anunciaron uno de estos protagonizado por Prompto, que será totalmente distinto del contenido descargable que también protagonizará dicho personaje.

Por otro lado, Square Enix ha desplegado un panel sobre Final Fantasy XV en la feria CEDEC 2016 en Japón. En él, se han mostrado enorme cantidad de vídeos y de fotos que muestran la capacidad gráfica y la realización del videojuego. Para deleitarnos la vista:

Las shipping wars en Final Fantasy: Parte III. Compilation of Final Fantasy VII

Publicado el agosto 23, 2016agosto 23, 2016 por Ana Alonso

Tras hacer un repaso a las parejas más seguidas por el fandom de Final Fantasy en la Parte I, y haber dedicado la Parte II a los debates habidos hasta la fecha entre los Cloti (CloudxTifa) y los Clerith (CloudxAerith), hoy le toca el turno al resto de la Compilation de Final Fantasy VII. Porque, como todo seguidor de la séptima entrega de la serie sabrá, la Compilation de Final Fantasy VII abrió muchas heridas no solo a nivel de historia, inconsistencias y nuevos personajes (coffGenesiscoff), sino que además aportó su granito de arena dentro de estas shipping wars (o guerras de parejas, para entendernos).

No nos extenderemos mucho más en la relación del rubio con la morena y la castaña, ya que para eso está la citada Parte II, y ambas parejas reciben su dosis de fan service con Advent Children. Pero hay una pareja que no parecía tener gran presencia, que con la aparición de Crisis Core, el juego para PSP precuela de la historia original (y, probablemente, lo único potable que nos ha dado la Compilation; aunque Advent Children también tenía sus momentitos…) se multiplicó x10. Sí, hablamos del ZackxAerith (o Zerith, para los fans). Por cierto, habrá SPOILERS para los que no hayan jugado a ninguno de estos juegos. Y ah, las ilustraciones no son nuestras, más quisiéramos.

Zack y Aerith, la primera pareja oficial de Final Fantasy VII

Bueno, en realidad no es la primera PRIMERA (¿Barret x su mujer?). Pero sí la primera que envuelve a los personajes principales, o al menos a uno de los que se ven envueltos en el eterno triángulo amoroso de esta entrega de Square Enix (por aquel entonces Squaresoft). Gran parte de su popularidad tiene que ver con el carisma de Zack, el protagonista de Crisis Core (el mismo solo aparecía diez minutos en una escena optativa del juego original, menciones aparte, por lo que apenas tuvo tiempo de despertar simpatías, por muy potente y trágica que fuera la dicha escena). Con la llegada de Crisis Core, Zack surgió como personaje completo, como un joven apasionado y simpático que aspira a convertirse en héroe dentro de Soldado (algo así como la milicia de Shinra). Primero, a imagen y semejanza del ejemplo de todos: Sephiroth. Y después, del que será su maestro, sabio y noble: Angeal.

Buena parte del cariño que despierta Zack entre los fans es debido a que lo acompañamos en su crecimiento y evolución como personaje: de «cachorro» a joven Soldado sólido y formado. El otro gran componente de este personaje es la cantidad de momentos dramáticos a los que tiene que hacer frente, incluyendo su final… El cual dejó a más de uno impactado y en un mar de lágrimas. A pesar de todo, Zack no pierde su sonrisa y su forma optimista de ser (comprensibles momentos de bajón aparte), lo que lo convierte en, probablemente (y quizás, junto con Aerith) en el personaje emocionalmente más fuerte de la saga.

En cuanto a su relación con Aerith, es un componente añadido al carisma del personaje. Por un lado, los desarrolladores (Hajime Tabata, director de Final Fantasy XV, también lo fue de este juego, en el que Tetsuya Nomura tuvo mucho que decir también) tomaron la decisión acertada (a nivel fandom) de reducir el optimismo de la Aerith original que vemos en Final Fantasy VII, sin llegar a perderlo del todo (las 69 cartas que manda a Zack sin respuesta son la mayor prueba de ello). Por eso, encontramos en Crisis Core a una Aerith algo más tímida e introvertida que su contraparte de 1997. Claro que también puede achacarse a la juventud del personaje (15-17 años en Crisis Core frente a los 22 de Final Fantasy VII). Lo cual, justamente, le va como anillo al dedo al más decidido e impulsivo Zack.

Lo que nos lleva al siguiente punto fuerte sobre la pareja: buena parte de sus momentos son decisivos para comprender lo que veremos a continuación en Final Fantasy VII. Aunque, a decir verdad, muchos de estos «guiños» pueden verse como algo tramposo o forzado para tirar de la nostalgia del espectador (vale que la caída en la iglesia de Zack sea un guiño a la original de Cloud, pero que sea el moreno el que decida hasta el nombre del futuro bar de Tifa nos parece excesivo). Sin embargo, lo dicho, cumple su objetivo de sacar el lado más nostálgico de los seguidores.

Otro componente, que ya mencionábamos con anterioridad con Zack (como personaje), es que esta pareja se encuentra rodeada de tragedia. Lo que, paradójicamente, puede llegar a conducirnos a un hipotético «final feliz» entre ambos (si pasamos por alto las novelas Maiden Over The Planet, cuya oficialidad está discutida; o The Case Of Lifestream). Sea como sea, seguro tendremos más de Zack en el remake de Final Fantasy VII. No hay más que ver cómo aumentaron su presencia en Advent Children Complete, a raíz del éxito de Crisis Core.

Zerith versus Clerith

Por si no tuvieran poco con el Cloti, los Clerith ahora también tienen que hacer frente al fandom del Zerith (que, en muchos casos, se encuentra bastante vinculado con el Cloti, de forma similar a lo que ocurría con los Sasusaku y Naruhina en Naruto). ¿Qué puntos son los más discutidos?

Por un lado, que el Cloud del primer disco (que es el que desarrolla mayor relación con Aerith) fuera el verdadero Cloud o no, debido fundamentalmente a sus recuerdos confundidos con los de Zack. Es este aparente parecido (WTF si solo visten igual… quizás por eso añadieron lo de la misma caída en la iglesia de ambos personajes) entre Cloud y Zack lo que lleva a Aerith, originalmente, a acercarse a Cloud (dicho por ella misma en la cita del Gold Saucer). Sin embargo, Aerith iría poco a poco dándose cuenta de que Cloud y Zack son dos personas totalmente distintas (a buenas horas se da cuenta la muchacha). No es para menos, ya que la personalidad de ambos es totalmente diferente: Cloud es, desde el inicio, un personaje apático y borde, con un toque algo oscuro en su personalidad (sí es cierto que esta oscuridad va despejándose a posteriori, especialmente tras el episodio de la Corriente Vital). Mientras que Zack es, como decíamos, un joven despierto y simpático con todos, dispuesto a ayudar y que cree realmente en lo que hace. Si tuviéramos que comparar a otros personajes de Final Fantasy con Zack, no nos vendría a la mente Cloud, sino Yitán/Zidane (Final Fantasy IX) o Tidus (Final Fantasy X), probablemente. En cualquier caso, esta confusión inicial entre Cloud y Zack es lo que más dirige los debates entre distintos grupos de fans.

Por otro lado, la muerte de Aerith, después de la de Zack, convertiría la relación entre ambos en un «final feliz más allá de la muerte». Que ambos aparezcan juntos frente a Cloud en Advent Children también suma a esta idea. Una vez más, es ese componente trágico, con toques agridulces, lo que aumenta la popularidad del ZackxAerith.

Poco más tenemos que aportar a esta pareja, de la cual hemos querido resumir sus puntos más fuertes (al menos, para el fandom). Es, sin lugar a dudas, la pareja que ha obtenido más seguidores a raíz de la Compilation de Final Fantasy VII. Han surgido otras, claro, como el Yuffientine (VincentxYuffie), pero no se acercan al nivel de encanto y carisma alcanzado por la historia entre el joven héroe de Soldado y la florista de los suburbios de Midgar.

Esos finales desesperantes… (y malos)

Publicado el agosto 19, 2016agosto 19, 2016 por Ana Alonso

O finales desesperadamente malos. Porque, ahora que Bleach ha terminado, un año y medio más tarde que Naruto, lo normal es que todo el mundo esté hablando de su final. Pero, en este caso, parece haberse sumado lo decepcionante que ha sido. Pero el manga de Tite Kubo no ha sido el único. ¿Qué otros finales desastrosos recordamos? Por supuesto, avisamos de que habrá SPOILERS.

Lost/Perdidos (2004-2010)

Para muchos, la serie de televisión que dio inicio al fenómeno de seguimiento de masas, redes sociales y foros incluidos, con merchandising añadido y locas teorías y debates que nos dejaban sin dormir. Todo ello terminó un 23 de mayo del 2010.

Como muchos recordarán, Lost trataba sobre una serie de supervivientes de un vuelo que se había estrellado en medio de una isla. Allí, no solo tendrían que preocuparse por sobrevivir, sino también por la multitud de fenómenos y sucesos extraños que iban ocurriendo (desde osos polares aparecidos de la nada hasta misteriosas personas que raptaban niños). Seis temporadas más y la serie tenía tantas incógnitas abiertas como para llenar páginas y páginas enteras en los foros de internet. Y claro, el final no pudo satisfacer a todos. O más bien, no satisfizo a casi nadie. ¿La isla era un purgatorio? ¿Se salvaban todos menos Jack (y el perro)? ¿Era todo un sueño de Antonio Resines? ¿Por qué Hurley no adelgazaba, si en la isla apenas tenían comida para todos? Por suerte, siempre nos quedarán Desmond, Benjamin Linus (hasta las 5ª temporada) y grandes momentos. «Not Penny´s Boat«.

Rurôuni Kenshin (1994-1999)

Uno de los shônen (manga para chicos adolescentes) más emblemáticos de la década de 1990 es este sobre un samurái vagabundo que huye de su pasado y que en el camino va encontrándose con otros samuráis, niños aprendices, ninjas y todo lo que se te pueda ocurrir sobre el Japón feudal (aunque en realidad estaba ambientado en la segunda mitad del siglo XIX, en la Era Meiji). El manga de Nobuhiro Watsuki, más conocido como El guerrero samurái en España, o Samurai X en Latinoamérica, nos dejaba a todos clavados en el sofá y con ganas de más.

Y llegó el final. Un final que variaba entre el manga, el anime… y los OVAs. Porque, veamos, el final del manga y del anime estaba bien, dejaba a los personajes felices y comiendo perdices. Kenshin por fin había logrado dejar atrás su pasado y asentarse con la insoportable de Kaoru. Pero los OVAs, ay amigos los OVAs…

Los OVAs de Rurôuni Kenshin siempre han intentado tener un estilo más realista y contemplativo que el de la serie. Algo que lograron, especialmente en esa maravilla que es Tsuiokuhen, donde se narraba el pasado de Kenshin, alejándolo de enemigos que parecían sacados de Marvel y de batallas con saltos y efectos imposibles. Debido al éxito de éstos, el Studio DEEN (encargados de su desarrollo) quisieron más y llevaron a cabo la segunda serie de OVAs de Rurôuni Kenshin, con el título Seisôhen (Final). Siguiendo el estilo realista de Tsuiokuhen, aquí nos muestran a un Kenshin envejecido, enfermo y cansado. Además, sufre el rechazo de su hijo Kenji por haberse sentido abandonado. Kaoru tampoco es que haya visto mucho a su marido en los últimos años, ya que éste se habría dedicado a viajar asistiendo a enfermos de lepra. En definitiva, todo un drama que acababa con los buenos y alegres sentimientos que dejaban el anime y el manga. Los fans prefieren en su mayoría hacer como que nunca existió.

Cómo conocí a vuestra madre (2005-2014)

La que fuera anunciada como «la sucesora de Friends» (y al final no llega ni a la mitad) acaba teniendo, probablemente, el final más trolleante de todos los tiempos. O quizás sea el título lo más trolleante de todo.

Ted Mosby le cuenta a sus hijos, a través de flashbacks, cómo conoció a su madre. En realidad, es todo un pretexto para narrarnos historias sobre él y su grupo de amigos compuesto por Marshall, Lily, Robin y Barney. ¿La madre del título? Bien, gracias. Aparece durante los tres últimos capítulos y se muere en seguida de cáncer. Al final, todo era un pretexto para que un viudo Ted pudiera conseguir la aprobación de sus hijos y pedirle volver a salir (ooooootra vez) a la «tía Robin». Vamos, que sí, como Rachel y Ross, pero aún más cansinos. Por no hablar de que en el mismo y último capítulo nos cuentan cómo el aclamado matrimonio entre Barney y Robin (dedicaron TODA una temporada a su boda) se rompe en cuestión de minutos, Barney tiene una hija y Lily y Marshall… ya ni me acuerdo de Lily y Marshall, entre tanta información colada de golpe y a ritmo frenético (volvemos a repetir: el resto de la temporada la habían centrado en UNA boda).

X-1999 (1997- Hasta el infinito y más allá)

Tenemos que incluir este manga de Clamp, sí, sobre todo porque NO tiene final. Así, como se lee, lleva desde el año 1997 dando vueltas y con 18 tomos publicados. Pero, por algún extraño motivo que nunca conoceremos (se habla de enfrentamientos con la editorial, censura, que las Clamp habían perdido el juicio…) el final nunca salió (y eso que se percibe en la lectura que ya habían alcanzado el último tramo en la historia).

En fin (nunca mejor dicho), ¿de qué va esta obra del aclamado grupo de autoras? Pues sobre el fin del mundo, que llegaría en el año 1999 (milenarismo). Así, se forman dos grupos: los Dragones del Cielo (que creen en una convivencia pacífica entre la humanidad y la naturaleza) y los Dragones de la Tierra (que creen que la humanidad debe ser erradicada de la Tierra). En medio de todos ellos, y el que parece tener la clave para que uno u otro salga victorioso, se encuentra Kamui, un adolescente aparentemente normal y que solo parece buscar la protección de sus amigos de la infancia, Fuuma y Kotori.

Aunque salió una película que narraba (a toda pastilla) los acontecimientos de la serie, y tenía un final lo más traumático posible, y un anime con una conclusión algo más agridulce, lo cierto es que el manga quedó totalmente inacabado. Los fans todavía siguen esperando a que, un día de estos, las Clamp retomen su manga X.

Bleach (2001-2016)

De no haber sido por este manga de Tite Kubo, no habría surgido el realizar este breve recopilatorio, por lo que hemos de dedicarle al menos un espacio.

Ichigo Kurosaki es un adolescente con la habilidad de ver muertos. Un día se topa en su camino Rukia Kuchiki, una shinigami (dios de la muerte) que se ve obligada a traspasarle sus poderes. A partir de ahí, se verán envueltos en numerosas aventuras (shônen) con otros shinigamis, hollows, quincy, arrancar, y todo ser no viviente que se pueda ocurrir. La serie llegó a alcanzar tanta popularidad que, en sus días, se decía que mantenía el podio de la Shônen Jump junto a One Piece y Naruto. Y ayer muchos fans pudimos conocer su último capítulo.

Pero es que menudo último capítulo. Vale que Bleach había dejado de ser interesante hace años (concretamente, desde la derrota de Aizen), pero lo del último capítulo es, es… En fin, mejor que cada uno lo vea por sí mismo. No por nada, se rumorea que a Tite Kubo le han obligado a cancelar la serie, debido a su pérdida de popularidad. Quizás por eso, por la falta de tiempo, no pudo atar todos los cabos que había sueltos. Claro que también cabe la posibilidad de que hace tiempo se le hubiera acabado el interés por su propio manga, y no supiera ni cómo seguirlo (hay otros ejemplos conocidos, como Akira Toriyama con Dragon Ball… claro que al menos Toriyama supo darle un final digno a su serie). Para ir resumiendo, el final de Bleach trata de imitar al de Naruto (Harry Potter también ha sentado precedentes), pero en peor. Al menos en Naruto, Kishimoto no se olvida de personajes como Kakashi o Rock Lee.

Y aquí llega nuestro breve recopilatorio de los finales más desastrosos que recordamos, aquéllos que prácticamente provocan la ruina de todo el resto de la serie. Y vosotros, ¿qué final más horripilante recordáis?

Todas las novedades de Final Fantasy XV durante la Gamescom

Publicado el agosto 17, 2016agosto 18, 2016 por Ana Alonso

Todavía no ha abierto las puertas al público, pero la Gamescom ya tiene montones de material para ofrecernos. No es para menos, ya que tras la reciente confirmación de que Final Fantasy XV se atrasaba hasta el 29 de noviembre, Square Enix tiene que encargarse de volver a levantar el hype por el juego. Y vaya si lo están haciendo.

Empezamos fuerte, y es que han publicado un vídeo donde muestran más de 50 minutos de jugabilidad dentro de los tres primeros capítulos del juego. Los cuales, por cierto, le han llevado hasta 25 horas a Famitsu (misiones secundarias y todo). Carreras de chocobos, cacerías, minijuegos de pesca… todo tiene cabida en Final Fantasy XV. Pero qué mejor que poder verlo con los propios ojos (avisamos de SPOILERS, ya que la historia comienza fuerte):

Además, y por si acaso os habéis perdido partes del vídeo, Square Enix ha sacado montones de capturas del mismo:

Por otro lado, la revista Famitsu ha lanzado modelos de todos los personajes principales, a saber: Noctis, Prompto, Ignis, Gladiolus, Ardyn, Aranea, Gentiana, Kuna, Regis y Noctis madurito:

Desde las 17 horas de hoy (17/08/2016) también se ha subido el capítulo 4 del anime de Final Fantasy XV: Brotherhood, centrado en Ignis:

Coincidiendo también con la Gamescom y con el estreno de la película en Estados Unidos (el día 19), el portal IGN ha lanzado los 12 primeros minutos de la cinta Kingsglaive, basada en los acontecimientos del inicio de Final Fantasy XV:

ACTUALIZADO: En una serie de preguntas y respuestas con asistentes a la Gamescom, el director Hajime Tabata y el director artístico Tomohiro Hasegawa han tenido ocasión de dar más información sobre Final Fantasy XV.

Lo primero de todo es que han confirmado que la Ultimate Collectors Edition del juego (sí, la que cuesta 270 euros) no será modificada ni tendrá ningún contenido adicional (del que se anunció desde el principio). Esto incluye el Season Pass.

Por otro lado, dijeron sobre las famosas filtraciones que han ido apareciendo en los foros de 4chan (algunas han acertado alguna cosa…), que no van a detener las habladurías. No obstante, todavía no han visto ninguna filtración que haya acertado en todo.

Sobre la historia, aventuraron que sí se tocarán los temas de romance entre Noctis y Luna, pero que no esperemos una gran historia de amor al estilo Tidus y Yuna (Final Fantasy X). Luna es descrita como una mujer moderna y fuerte, y esto se reflejará en su relación con Noctis. En ese sentido, es muy distinta a otras heroínas que han ido apareciendo por los distintos Final Fantasy.

En cuanto a si habrá nuevo contenido una vez finalizado el juego por primera vez, Tabata ha hablado por ejemplo de áreas (y monstruos) que antes eran inaccesibles y que a partir de una segunda partida podrán ser exploradas.

Eso ha sido todo por ahora. Tabata y Hasegawa han dado las gracias a todos los asistentes y han asegurado en varias ocasiones encontrarse extremadamente ocupados con el desarrollo del juego. De hecho, Hasegawa lo primero que hará tras finalizarlo será pedirse unas vacaciones.

Desglosando a: Trunks del futuro (Dragon Ball Z)

Publicado el agosto 15, 2016agosto 16, 2016 por Ana Alonso

Hay varias historias y leyendas que circulan sobre el desarrollo de Dragon Ball (manga). Es bien sabido por los fans de esta mítica serie que en realidad Akira Toriyama (su autor) pretendía haberla terminado tras la primera transformación de Goku en ozaru. El editor de aquel entonces lo animó a que continuara enfocándolo más en las artes marciales, por lo que de ahí surgieron los famosos torneos. Entonces Dragon Ball subió varios puestos en ventas: ahora no se podía dar por finalizada. Y Toriyama se vio (casi) obligado a continuar hasta Dragon Ball Z (que en el manga siguió siendo Dragon Ball a secas), con cambio de editor, mayor enfoque en las batallas y la introducción de nuevos personajes en forma de «hijos de…» y alienígenas provenientes de planetas lejanos. El tono de Dragon Ball a Dragon Ball Z se tornó mucho más serio y dramático, aunque nunca abandonó del todo sus dosis de humor.

El culmen del dramatismo llegó con la saga de los androides/Cell. El tono general se volvió mucho más oscuro y se empezó a hablar de futuros alternativos apocalípticos. Curiosamente, esta es la saga que Toriyama recuerda como más caótica para él, admitiendo que no sabía ni lo que estaba escribiendo, improvisando semana a semana. Por suerte, el propio Toriyama se sorprende de haber sido capaz de haber hilado tan fino, teniendo en cuenta los niveles de improvisación.El punto de partida, dijo, fue la llegada de Trunks (el del futuro, también conocido como Mirai Trunks).

No se sabe a ciencia cierta, pero parece una obviedad que la figura de Trunks, desde su primera aparición, parece sacada de una fusión entre John Connor y Kyle, ambos personajes importantes del universo de Terminator. Toriyama siempre se ha declarado fan del cine de Hollywood, y las referencias en su obra se multiplican. Con el caso de Trunks, se nos junta además la coincidencia de los años (Terminator II se estrenó en 1992, la saga de Cell dio inicio en 1993). Si a eso le sumamos que el diseño del personaje que nos ocupa se parece sorprendentemente a la apariencia del actor Edward Furlong en la susodicha cinta de James Cameron, pues lo tenemos blanco y en botella.

El papel que viene a cumplir Trunks es el de mensajero, el punto de partida tras el que vendrán multitud de acontecimientos: es él el que avisa a Goku de su inminente muerte y de la llegada de los androides, y también tiene que ver con él la aparición de Cell. En ese sentido, es más similar al personaje de Kyle en la primera película de Terminator. Lamentablemente, Trunks es el punto de partida de todo el arco argumental, pero va quedando desdibujado a medida que avanza la trama, en favor de Goku y, finalmente, Gohan. Es uno de los elementos que caracteriza a los shônen: el protagonista (o su hijo, en este caso) SIEMPRE acabará dando el ataque definitivo.

Sin embargo, el personaje de Trunks sí causó un efecto a medio y largo plazo sorprendente: su enorme popularidad entre el fandom de la serie llega hasta nuestros días, lo que ha provocado que en Dragon Ball Super hasta le dediquen un arco argumental con su nombre (y, ya de paso, cierren su historia completamente). Especialmente entre las féminas que seguían (seguimos) la saga, ya que además Trunks se convirtió en «el guaperas» oficial de la serie. No podía ser menos del hijo de Bulma y Vegeta.

Ese fue otro de los puntos más impactantes con la llegada de Trunks: Bulma y Vegeta tendrían un hijo. ¡Bulma y Vegeta! Sí, esos personajes que apenas se habían cruzado unas palabras (añandiéndole que él en su primera aparición había sido uno de los causantes indirectos de la muerte del novio de ella por aquel entonces, Yamcha). Si nos fijamos, Dragon Ball siempre ha parecido seleccionar sus parejas de forma totalmente aleatoria (Toriyama ha admitido no ser bueno para narrar romances): Goku se casó con Chichi por error al pensarse que el matrimonio era un plato de comida, Bulma y Vegeta tuvieron a Trunks por accidente (éste último se lo cuenta así a Goku cuando llega por primera vez, advirtiéndole de que no diga nada debido a que peligraría su existencia), Krilín y A18 se enamoraron no sabemos muy bien cómo, y el propio Trunks del futuro está ahora arrejuntado con una Mai (sí, la misma villana que va con Pilaf desde los inicios de Dragon Ball) rejuvenecida por accidente. La única pareja que parece haber tenido algo de desarrollo ha sido la de Videl y Gohan, quién sabe si porque Toriyama ya estaba cansado del tono oscuro y quiso volver a los tiempos más desenfadados de Dragon Ball, enredándose con líos de instituto y todo. Sin embargo, todas estas parejas han tenido una gran aceptación y popularidad entre el fandom, siendo probablemente la de Vegeta y Bulma la que se lleve el primer puesto. Uno de los enormes encantos de esta serie.

Volviendo al Trunks del futuro, su creciente popularidad se vio favorecida por su imagen. Trunks fue diseñado para ser lo más cool posible. Pero es que, además, el personaje es REALMENTE cool. No solo porque llevara una chaqueta de lo más molona, o una espada medieval, sino también por su propia actitud, a medio camino entre la chulería de su padre (Vegeta) y la timidez y educación de su mentor (Son Gohan). Nada puede salir mal de una fusión entre Vegeta y Gohan con la apariencia de una Bulma versión masculina y con espada. Es probablemente este el principal motivo por el que el Trunks del futuro supera en popularidad a su versión niño/presente: éste último es más una copia de Vegeta (ya que en la línea temporal actual no ha sido asesinado por los androides) en tamaño mini. Y Vegeta solo hay uno.

Otro de los puntos fuertes del Trunks del futuro, y que provoca su mayor popularidad (de nuevo, también en comparación con su versión del presente) es la historia que lleva detrás, mucho más dramática. Este Trunks viene de un mundo desolado y distópico, con unos androides muy poderosos y sádicos, que al haber matado a todos los Guerreros Z (incluyendo Piccolo) ya no encuentran rival. La única esperanza que queda en este universo es Trunks (lo que provoca que el personaje además tenga un componente mesiánico), que ha sabido esconderse de los androides gracias en buena parte a su madre, Bulma (también con vida), y a su mentor, Gohan (asesinado al final por los androides, protagonizando uno de los momentos más dramáticos de la serie). Volviendo a las referencias con Terminator, al público le gustan los mundos distópicos, probablemente por las posibilidades que ofrecen, casi todas ellas cargadas de angustia y dramatismo. Es una forma imaginaria y ociosa de ver hasta qué punto puede aguantar el ser humano, como sociedad y como individuo. Ya lo demuestran Terminator, Mad Max, Blade Runner, Interstellar, Los juegos del hambre, y un largo etcétera. En ese sentido, Trunks del futuro ha demostrado ser el personaje con mayor resiliencia de todo Dragon Ball: ha sobrevivido desde bebé, y sin conocer a su padre ni a ninguno de sus camaradas, en medio de caos y destrucción, plantándoles cara aún a los androides (y al final saliendo victorioso). Y todavía tiene tiempo de ser educado y agradecido como Gohan.

Por eso, muchos son los fans que sienten la frustración de que este Trunks no se merezca todas las desgracias que están volviéndole a pasar ahora en Dragon Ball Super (suerte que se confirmó que Mai sigue con vida, al menos). No solo el futuro ha vuelto a ser un mundo distópico con Black Goku, sino que encima hasta Bulma (en el futuro) ha terminado siendo asesinada. Por lo tanto, tenemos en estos momentos ante nosotros a un Trunks con un síndrome post traumático de caballo y que todavía no ha mostrado todo su potencial (por suerte, de momento Super está sabiendo llevar mejor al personaje que Z, esperemos que no termine diluyéndose en un tercer plano también en esta ocasión). Son muchos los fans que pedían el regreso de Trunks del futuro, para ver cómo iba su vida, hasta qué transformación había podido llegar. Ahora, es la oportunidad de darle un punto final ideal, donde Trunks pueda volver a su línea temporal y ser definitivamente feliz, aún más poderoso, y hasta con la posibilidad de poder formar él mismo una familia.

P.D.: Nuestros amigos de Hobby Consolas han dedicado también un reportaje a este maravilloso personaje, donde podréis ver todas las apariciones que ha hecho (oficiales o no) en el amplio universo de Dragon Ball.

El fan art no es nuestro, más quisiéramos

Las shipping wars en Final Fantasy: Parte II. Final Fantasy VII

Publicado el agosto 9, 2016agosto 9, 2016 por Ana Alonso

Como adelantábamos en nuestro repaso de la Parte I, Final Fantasy VII supuso el culmen en muchos elementos dentro de la emblemática saga de Square Enix (antes Squaresoft), y también lo fue en las llamadas shipping wars (guerras de parejas, para que nos entendamos). Las ilustraciones no son nuestras, más quisiéramos.

No era para menos: Cloud podía elegir según preferencias del jugador entre tener una cita con Aerith, Tifa, Yuffie o Barret. Para ello, te daban varias opciones a elegir en los diálogos con estos y otros personajes. Por ejemplo, cuando Cloud se reencuentra con Aerith en la iglesia y ésta le pregunta si se acuerda de ella, el jugador puede elegir entre la opción de «¡Claro!» y «Eras el borracho de la esquina» (algo así, estoy parafraseando). Y así, fueron surgiendo las diversas interpretaciones, debates y discusiones acaloradas. Porque… ¿de quien diablos era la mano del final? Y no es broma, esto supuso horas de discusiones en la red hasta que saliera Advent Children y dedicaran el mismo guiño, esta vez sí, claramente con Aerith.

Dejando de lado las opciones de Yuffie y Barret, que eran las más complicadas de obtener y que perseguían el recurso humorístico, solo nos quedan Aerith y Tifa como potenciales intereses amorosos de Cloud. Esto dio origen a que los fandoms de cada pareja recibieran los nombres de Clerith y Cloti. Pero, ¿por qué sigue tan incendiado el debate, aún en la actualidad (casi 20 años más tarde)? ¿Qué suponen una y otra pareja a nivel narrativa y para las preferencias de los jugadores? Vamos a verlo.

Cloud y Aerith, Clerith, el reflejo del «amor imposible»

Ojo, que lo de «amor imposible» (o «amor que nunca será») no lo decimos nosotros, sino un anuncio del Final Fantasy VII original allá por 1997. Incluso antes de que saliera el juego al mercado ya estaban preparando el terreno.

Veamos, Cloud y Aerith, Aerith y Cloud. Claramente, Aerith es la representación de «la chica nueva que irrumpe como un torbellino» frente a Tifa, la amiga de la infancia «la vecina guapa con la que todo chico sueña». No es la única historia que ha usado este recurso: seguro que a muchos nos vienen a la mente series como Shigatsu wa kimi no uso (Your Lie In April). Aerith, con su presencia vivaracha y misteriosa, con sus enormes ojos verdes, parece encandilar a Cloud casi desde el principio (si creemos, al menos, la versión narrada en Dismantled (Kaitai Shinsho), cuya oficialidad es discutida todavía hoy en día por los fans, a pesar de que el libreto fuese publicado por Squaresoft). No es para menos, puesto que Aerith está hecha para eso, para encandilar. Sino, su muerte perdería buena parte de su efecto.

Y he aquí que viene el punto que más trunca la posible relación amorosa que pudieran establecer Cloud y Aerith: la muerte de la muchacha a poco más de la mitad del juego. Es cierto que uno de los principales temas de Final Fantasy VII es la vida, y así se refleja en la muerte y en cómo todo queda perdurando en el recuerdo. Aerith muere, pero Cloud y los demás siguen recordándola en varios momentos del juego y en Advent Children. Pero admitámoslo, establecer un romance con un fallecido es… ¿imposible? ¿contraproducente? ¿insano? Así que el encanto de esta relación yace en su imposibilidad, en su dramatismo de lo que «pudo ser» (sobre todo si hacemos caso a las predicciones de Cait Sith), en que perdure más allá de la muerte.

Otro punto que defienden a capa y espada los fans del Clerith es que Cloud parece mostrarse mucho más abierto (y afable) con Aerith que con el resto de personajes (incluyendo a Tifa). Es cierto que Cloud es un caos mental y de recuerdos confusos durante buena parte del juego, pero también lo es que sí, con Aerith se muestra más jovial (no por nada, la única escena en la que ríe durante todo el juego es con Aerith y en Advent Children se hace hincapié en su sonrisa cuando ve finalmente a su amiga fallecida). Por otro lado, ¿qué significa esto en el plano romántico? Puede que Cloud y Aerith tengan una química especial (en mi opinión, la tienen), pero también que Aerith tenga esa forma de ser que saca la parte más optimista de todos. No le pasa solo a Cloud, sino también a Tifa, por ejemplo. Ésta última, en cambio, es más tímida e introvertida, lo que no da lugar a que Cloud (otro tímido e introvertido) saque su lado más jocoso. Y no, no creemos que sea por los efectos de Zack. Cloud confunde sus recuerdos con los de Zack, pero las personalidades de ambos son totalmente diferentes a lo largo de todo el juego (Zack nunca se muestra tan borde como Cloud al principio, y un largo etcétera).

Así que, ¿qué más queda de Cloud y Aerith? Pues que las secuelas y spin offs de Final Fantasy VII también han puesto su granito de arena. Ya hemos mencionado a Advent Children, pero la florista también hace un cameo junto a Cloud en juegos de la compañía como Final Fantasy Tactics, la saga Kingdom Hearts (el primer Kingdom Hearts puede ser hasta revelador en este sentido), el Itadaki Street Special, Final Fantasy Record Keepers, etc.

Cloud y Tifa, Cloti, el amor que perdura en el tiempo

Como decíamos en el apartado anterior, mientras que Aerith es «la chica nueva que deja una enorme impresión», Tifa es «la amiga de la infancia», la que siempre está ahí de una forma u otra. En realidad, Tifa y Cloud no eran tan amigos de niños, pero lo cierto es que la chica es el principal vínculo del rubio con su pasado (punto muy importante en el juego y que lleva a una escena muy reveladora: la de la Corriente Vital).

Tifa no solo destaca por ser el nexo de unión entre Cloud y su pasado, sino por su absoluta devoción hacia el protagonista durante años y años (concretamente, desde que éste se fuera a Soldado). Algo que conmueve a un gran número de jugadores hasta el punto de haber convertido a Tifa en la favorita de muchos (admito que a mí, en cambio, este punto de la morena me echa bastante para atrás, lo cual demuestra lo mucho que plasmamos nuestras formas de ser y preferencias en todo lo que nos rodea). Cuando Tifa se pone seria, en cambio, y muestra ese lado más maduro y maternal, es cuando pienso que mejor sabe llevar y complementa a Cloud (que en ocasiones es un absoluto lío de inmadurez emocional). Por ejemplo, cuando le deja las cosas claras en Advent Children, o durante la susodicha escena de la Corriente Vital.

La otra gran baza para los Cloti es, básicamente, que Tifa es la chica que queda con vida. Y además ella, Cloud, Barret y Marlene se van a vivir juntos tras los acontecimientos de Final Fantasy VII (claro que esto a su vez puede jugar en contra de la pareja, puesto que Square Enix y su eterna ambigüedad nunca los llega a mostrar como claramente juntos, a pesar de la convivencia). Sin embargo, Cloud y Tifa son jóvenes, y tienen toda una vida por delante, por lo que la imaginación del fan tiene muchísimo más margen de movimiento que con el caso de Aerith. Además, no todos, pero sí muchos miembros del fandom de esta pareja son asimismo fans de Zack y Aerith, por lo que el final sería aparentemente feliz para todos. Es, por así decirlo, la versión «happy end», que no puede ocurrir con Cloud y Aerith (¿por qué creen que aún a día de hoy se sigue pidiendo la posibilidad de resucitar a la muchacha en algunas partes del fandom?).

En cuanto a Cloud y Tifa, la Compilation y juegos posteriores relacionados con Final Fantasy VII se han encargado de darles más protagonismo. Es el caso de Kingdom Hearts II, Crisis Core, Final Fantasy Dissidia 012, Final Fantasy VII G-Bike, etc.

Poco más que decir. En realidad, pueden leerse kilómetros de tinta sobre teorías sobre ambas parejas, o por qué una es más válida que la otra. No pretendíamos que ese fuera nuestro cometido (y también tenemos nuestros favoritos, como todos), sino realizar un resumen sobre cuáles son los puntos fuertes de una y de otra, o lo que más plasman los fans de ambas. Si somos sinceros, nosotros pensamos que cualquiera de las parejas puede darse dentro del juego, ya que dan opciones para que ocurra en ambos casos (muertes aparte, si nos ceñimos a los sentimientos de Cloud). El resto, final abierto mediante (y grandes dosis de sacar pasta por parte de Square Enix), lo dejan a la imaginación del jugador. Sí, es cierto que Cloud ha sido nombrado como «el amante (koibito) de Aerith» en una novela posterior escrita por Nojima, pero en cualquier caso Tifa también ha tenido y tiene otros puntos a su favor. Vamos, que una no invalida a la otra.

Trataremos más sobre Zack, Aerith y otras posibles parejas surgidas a raíz de la Compilation de Final Fantasy VII en la Parte III. Hasta dentro de dos semanas, jóvenes padawans.

Edición coleccionista de Final Fantasy XV: Kingsglaive y más novedades

Publicado el agosto 8, 2016agosto 8, 2016 por Ana Alonso

Acaba de finalizar un Active Time Report lanzado por Square Enix, centrado especialmente en la película de Final Fantasy XV: Kingsglaive, estrenada el 9 de julio en Japón y el próximo 19 de agosto en Estados Unidos (donde, al parecer, algunos afortunados podrán adquirir una postal dibujada para la ocasión con Nyx, Libertus y Crowe). También se ha confirmado que estará en algunos cines alemanes a partir del próximo 258, y que hay una premiere el futuro 15 de septiembre en los cines Le Grand Rex de París. La película, que cuenta en su versión en inglés con las voces de Lena Headey, Sean Bean y Aaron Paul, no parece que vaya a ser lanzada en carteleras de España (al menos de momento).

En esta ocasión, se ha revelado que la película contará con una edición coleccionista, al menos en Japón. Tendrá dos versiones: una con videojuego de Final Fantasy XV incluido y otra sin él (la primera costará unos 178 euros y la otra unos 86 en Amazon Japan). En cualquier caso, ambos formatos traerán la edición blu-ray de Kingsglaive con contenido adicional como entrevistas y making off, la edición blu-ray del anime Brotherhood con más de 98 minutos de contenido extra (que incluirá, entre otros, el primer encuentro entre Noctis y Luna) y un libro de arte. Todo irá guardado en una preciosa caja para la ocasión.

Se ha confirmado asimismo que la banda sonora de Kingsglaive estará disponible a partir del 7 de septiembre. No irá incluida en ninguna de las ediciones de la película (al menos hasta la fecha).

Además, aunque no han querido adelantar más detalles, han anunciado que Kingsglaive se emitirá en versión 4D en un futuro cercano.

Por lo demás, la versión digital de la película será lanzada el día 30 de agosto a nivel mundial, con audios japonés e inglés. Han avisado de los canales por lo que podrá obtenerse la cinta, a continuación:

Asimismo, y para poner la guinda en el pastel, han advertido de que habrá una emisión especial de Kingsglaive (se desconoce cuándo, y al parecer será solo en televisiones de Japón), que tendrá contenido adicional de hasta 22 minutos.

Eso es todo por ahora, al menos hasta el 28 de agosto, que será cuando lancen otro Active Time Report contando toda la información del Universo Final Fantasy XV recopilada durante la Gamescom (que se celebrará los próximos días 18 a 21 de agosto).

Dragon Ball Super 54: O cuando el relleno puede llegar a tener calidad

Publicado el agosto 7, 2016agosto 7, 2016 por Ana Alonso

Hoy se ha emitido el capítulo 54 de Dragon Ball Super, donde se nos prometía un entrenamiento de Vegeta a Trunks del futuro (o Mirai Trunks) y, por lo tanto, interesantes a intensas interacciones entre padre e hijo. Lamentablemente, el capítulo no ha sido lo que prometía, y de Vegeta y Trunkes hemos tenido los últimos cinco minutos del capítulo. Entre medias, un arranque de relleno muy flojo y, posteriormente, una interesante escena entre Zamasu y Gowasu que sirve para aumentar las dosis de misterio en torno a ambos kaioshin y la figura de Black.

Vayamos por partes, ¿qué ha pasado en el episodio 54 de Dragon Ball Super (ATENCIÓN, SPOILERS)? Pues bien, empezamos en la Capsule Corp y con un Mirai Trunks que se encuentra intentando imaginar ideas para poder derrotar a Black. Por mucho que se esfuerce, no haya ninguna, siendo el final siempre el mismo: Black derrotándolo. Mientras, Mai y Shuu lo contemplan con la primera embelesada e imaginándose en un futuro con el Trunks mayor. El Dr. Brief, Pilaf y Bulma, a su vez, ya ultiman los detalles para poder arrancar la máquina del tiempo, puesto que han logrado acumular suficiente combustible como para un viaje. En esos momentos regresan Goku, Bills y Whis, que le pasan el informe a Mirai Trunks: efectivamente, Zamasu y Black tienen un ki extremadamente similar. No obstante, no pueden afirmar que se trate de la misma persona. Goku cree que es probable que no lo sean, ya que el ki de Black transmitía mucha maldad, mientras que el de Zamasu no. Además, Zamasu no había reconocido a Goku al verlo. Bills se pregunta si acaso Black no será Zamasu en un futuro, después de que haya pasado algo que lo haya hecho actuar así.

Volviendo con los kaioshin, Gowasu se lamenta de que el té que prepara Zamasu ha dejado de saber tan bien como antes, simbolizando que algo anda mal en el interior de su aprendiz. Mientras tanto, observa a una nueva especie que ha surgido en el planeta Barbari. Dicha especie parece poseer inteligencia, sin embargo actúan de forma poco civilizada. Para saciar su curiosidad, Gowasu decide viajar varios siglos en el futuro para contemplar cómo han evolucionado los susodichos. Le pide a Zamasu que lo acompañe, contándole en el camino cómo van creándose los anillos que permiten viajar en el tiempo y que solo pueden usar los kaioshin (menciona que el último anillo surgió por la alteración temporal que creó Mirai Trunks al viajar al pasado para derrotar a los androides). Los dichos anillos permiten dar saltos siempre hacia el futuro, no al pasado, puesto que cambiar la historia está estrictamente prohibido. Llegan a Barbari y efectivamente contemplan cómo la especie ha desarrollado bases culturales, pero que sin embargo siguen peleándose y matándose entre ellos. En esas, Gowasu le ofrece a Zamasu un ascenso, ya que solo los kaioshin (no los aprendices) pueden viajar en el tiempo. Por ello, le da uno de sus pendientes, advirtiéndole que tenga cuidado al colocárselo, ya que si llevan cada uno en una oreja diferente, se fusionarían irremediablemente (y ninguno quiere eso). Ambos vuelven a su linea temporal con Zamasu maldiciendo la existencia de todos los mortales.

De vuelta a la Tierra, Vegeta ha decidido darle una sesión de entrenamiento a Mirai Trunks. Por ello, le muestra su transformación más poderosa: el super saiyan god blue (o super saiyan god super saiyan), ante la que Trunks piensa que no puede hacer nada. Vegeta lo anima diciéndole que será suficiente si logra golpearlo solo una vez. Entonces el hijo se transforma en super saiyan grado 3 (aquella versión ultra musculada que utilizó sin éxito contra Cell), pero para engañar al padre e intentar pillarlo por sorpresa. Vegeta empieza a pegarle una paliza a Trunks, hasta que éste último se lamenta diciendo que Goku y él serían suficiente para derrotar a Black, y que a él no lo necesitan para nada. Ante estas palabras, Vegeta se enfada y le suelta a Trunks que un verdadero portador de la sangre saiyan, y más si es su hijo, nunca se rinde ni se deja vencer por ningún adversario, sea el que sea. En esas llegan Goku y Bulma, quien se altera al contemplar la dureza con la que Vegeta está tratando a Trunks. Entonces el (ahora) peliazul pilla desprevenido a su padre y lo golpea, tumbándolo. Trunks le agradece a su padre la lección aprendida y que gracias a él haya vuelto a ganar confianza. Mientras tanto, en el planeta de Bills y Whis, aparece el dios todopoderoso Zeno, quien anuncia que quiere ver a Son Goku.

Como vemos, un capítulo mayoritariamente de transición, quitando el aspecto motivacional de Mirai Trunks y alguna explicación de Gowasu. La primera parte del episodio directamente sobraría y, realmente, las bromas de la banda de Pilaf hace tiempo que empezaron a resultar cansinas y cargantes. Harían mejor en mostrar cómo le va a la Mai del futuro, que desde el final del capítulo 50 (y la revelación de que estaba con vida) no hemos vuelto a saber nada de ella. Tiene que estar más asada que un pollo al spiedo.

Quitando, lo dicho, el arranque del episodio, lo cierto es que el resto no ha estado mal. La parte de Gowasu y Zamasu ha servido básicamente para aumentar la atmósfera de tensión que ya se había creado en el capítulo anterior. Efectivamente, parece que Gowasu sabe más de lo que ha dejado ver ante Whills y Bills, y la forma que tiene de dirigirse hacia su aprendiz y de revelarle ciertas cosas en determinados momentos, no hace sino aumentar la sospecha de que quizás él tenga más que ver con Black que el propio Zamasu. Éste último, en cambio, continúa siendo la opción más evidente, con su creciente odio hacia los mortales y su aparente inquietud emocional (a la cual Goku parece no darle excesiva importancia).

Los minutos dedicados a Trunks y Vegeta han resultado, quizás, lo más intenso del episodio. También lo más nostálgico, puesto que el nuevo entrenamiento se ha encontrado bastante respaldado por flashbacks y guiños a Dragon Ball Z: desde las transformaciones de Vegeta y Trunks (saga de Cell), hasta la apuesta de Vegeta de que Trunks llegue a golpearlo siquiera una vez (saga de Boo, cuando Vegeta y Trunks niño entrenan en la cápsula de gravedad). El clímax de este entrenamiento ha servido para motivar a Mirai Trunks y decidirse a superar tanto a Black como a su padre. Veamos si lo logra. De momento, va en camino de convertirse en el nuevo Gohan (ya que el original se encuentra dando conferencias en universidades y haciéndole moñerías a Pan).

En cuanto a la animación, ha mejorado en relación con los capítulos anteriores, pero sigue siendo regulera. Y podrían haber pensado en cortarle el pelo a Trunks en su transformación en super saiyan grado 3, en lugar de copiar tal cual su imagen de la saga de Cell (cuando llevaba el pelo largo). Parece que en el 55 sí vamos a tener animación de mayor calidad.

Poco más que comentar sobre el episodio, donde quizás lo mejor ha sido la reacción de Bills al encontrarse con Zeno. Ha sido realmente un capítulo de transición, de asentar bases para posibles futuras tramas. En el 55, y en el 56 y en el 57, parece que «la acción» va a estar especialmente centrada en Goku. Mientras no siga siendo una versión desmejorada de Luffy (One Piece), no tendré nada más que objetar. También nos presentarán a nuevos personajes, que parecen estar relacionados con el mundo de los dioses. Veremos qué tal. Por cierto, el capítulo 55 está fechado para emitirse el día 21 de agosto, por lo que la próxima semana no habrá Dragon Ball Super. Esperemos que se pase rápido.