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Lo mejor del año 2017 en cine, series y videojuegos

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Al igual que hiciéramos en el 2016, este año ya va llegando a su fin y toca hacer reflexión y recopilación de lo que, desde nuestra experiencia, ha sido lo mejor en los ámbitos de cine, series y videojuegos. Admito que yo al menos no tenía muchas esperanzas puestas en este 2017 cuando echaba un vistazo a la lista de estrenos, pero lo cierto es que las expectativas han sido superadas con creces, y creo que lo mejor de este año ha superado en calidad al anterior.

5- Logan (James Mangold)

El cierre al personaje interpretado desde hace más de una década por Hugh Jackman es también su mejor película, y con diferencia (incluyendo a las de X-Men donde aparece). Logan es pura crudeza y melancolía del cine crepuscular, con un Jackman en estado de gracia acompañado por unos también carismáticos Patrick Stewart (Charles Xavier) y Dafne Keen (X-23, Laura).

La cinta se sitúa en un futuro postapocalítico, con un Logan desencantado con la vida y cuidando de un avejentado (y casi senil) profesor Xavier, a la vez que se esconden de la caza de mutantes surgida a raíz de cierto incidente. En su camino se topará con una misteriosa mujer que le suplicará ayuda para una niña que la acompaña y que resultará estar bastante vinculada a nuestro protagonista.

En Logan confluyen una dirección espectacular, con un ritmo que no decae, unas interpretaciones carismáticas y, sobre todo, mucha llorera, especialmente para los que hemos amado al personaje desde su nacimiento en las viñetas. Para mí, la mejor cinta de superhéroes hasta la fecha (admitiendo que no soy especialmente fan del género).

Puedes leer nuestra crítica de Logan aquí.

4- Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve)

Había muchos recelos ante la confirmación de una secuela de una obra de culto como lo es Blade Runner (Ridley Scott, 1982), por mi parte también, aunque al proyecto fuesen sumándose nombres como Denis Villeneuve, Ryan Gosling y los propios Ridley Scott y Harrison Ford. El resultado despejó todas mis dudas, topándome con una película que conserva lo mejor de su antecesora y atreviéndose a dar unos pasos más allá.

Es cierto que esos contados atrevimientos son casi lo peor de la cinta, ya que dejan entrever la idea de expandir un universo que, aunque atractivo, mejor dejarlo como está por si acaso la cagan.

Centrándonos ahora en Blade Runner 2049, lo mejor es sin duda su cinematografía (Roger Deakins merece un Oscar), seguido de un guión que trae temas de rabiosa actualidad y que te dejan pensando (como su predecesora) y unos personajes que, al menos a mí, me resultaron bastante atractivos.

En su contra juegan una historia demasiado larga y que se desinfla por momentos y, como decíamos, esas tramas abiertas con planteamientos de secuelas (innecesarias, sí). Lamentablemente, Blade Runner nunca fue un producto que atrajera al público mayoritario, algo que se ha visto reflejado en los número de taquilla.

Puedes leer nuestra crítica y análisis de Blade Runner 2049 aquí.

3- Coco (Lee Unkrich)

El tándem Disney-Pixar suele resultar (casi siempre) una apuesta seguro por el entretenimiento de calidad, de la animación que es capaz de divertir a los niños y emocionar a los adultos. Lamentablemente, la casa de Flexo llevaba unos últimos productos que no lograban calar tan hondo como algunos de sus clásicos (Toy Story, Monstruos S.A., Wall-E). Coco parecía que iba a ser más de lo mismo, oliendo además a refrito de El libro de la vida.

No pude alegrarme más de estar equivocada. Coco es simplemente maravillosa, con una animación espectacular, un respeto reverencial y cándido hacia la cultura mexicana y una historia con unos personajes que te sacan las lágrimas en más de una ocasión. Y por supuesto la música, aquí especialmente importante, también en homenaje a México.

Puedes leer nuestra crítica de Coco aquí.

2- Star Wars: Los últimos jedi (Rian Johnson)

La gente todavía está hablando bastante de la última película perteneciente a la saga Star Wars… lo cual ya de por sí es bueno, aunque no siempre sea en buenos términos. Para nosotros, el octavo episodio no es perfecto, pero es lo más cercano a una película de la franquicia creada por George Lucas que nos ha tenido entre obsesionados y perturbados durante días, tras un séptimo capítulo con mayor adrenalina, pero también más calcado y «sobre seguro».

Los últimos jedi es una historia fundamentalmente sobre personajes, sobre su psique, a lo que ayuda el contar con un actor de la categoría de Adam Driver (Osacr Isaac, Laura Dern, Benicio del Toro y Domhnall Gleeson están más desaprovechados), un «Anakin bien hecho», en contraposición a un Hayden Christensen que no tenía el respaldo de un guión con diálogos al menos aceptables.

La cinematografía es el otro gran componente de esta cinta, con planos que quedan grabados en la retina (sin querer hacer spoiler, cierto momento con una nave y otro frente a unos AT-AT y soles) y otros que te dejan los pelos como escarpias.

El hecho de que esté levantando tanto odios como pasiones deja en claro algo: Los últimos jedi ha ido a arriesgar, algo que no hizo su predecesora y que recuerda a las reacciones guardadas de algunos espectadores tras los primeros visionados de El imperio contraataca. Solo esperamos que J.J. Abrams sepa estar a la altura para poder ponerle un broche de oro.

Puedes leer nuestra crítica sin spoilers de Star Wars Los últimos jedi aquí.

1- NieR Automata (Yoko Taro)

Y llegó NieR. Lo cierto es que servidores no habíamos jugado ningún juego de NieR ni de Drakengard con anterioridad, por lo que llegábamos a Automata con la mente en blanco y atraídos por una estética muy de anime y una jugabilidad entre la acción y el RPG adictiva. Y qué MARAVILLA nos encontramos.

NieR Automata no es la mejor experiencia de ocio de este 2017, lo es desde hace varios años. Su poderosa narrativa, con momentos que te hacen reír y llorar, cuestiones existencialistas, personajes que te llegan al alma y un (o varios) final que te dejará estupefacto y con sonrisa bobalicona durante días (¡incluso semanas!). Si le añades la citada jugabilidad y una banda sonora compuesta por el siempre espectacular Keiichi Okabe hallamos esta OBRA MAESTRA.

Su director, Yoko Taro, no quiso quedarse ceñido a las barreras que ofrece un videojuego al que Square Enix apostó tras varias paupérrimas inversiones en el pasado, y decidió expandir aún más el universo de Yohra, los androides y su eterna guerra contra las máquinas a través de novelas, conciertos y videoclips que también dejan huella. Hasta ahí llegan 2B, 9S y A2, los tres personajes principales que, espero, me acompañen durante mucho más tiempo, aún con toda su melancolía. Y que Yoko Taro nunca los mate.

Puedes leer nuestra crítica de NieR Automata aquí.

Puedes leer nuestro análisis sobre NieR Automata y las construcciones de género por este otro lado.

Y puedes leer todos los conciertos traducidos e historietas cortas de NieR Automata en nuestro blog dedicado.

Menciones de honor

Por supuesto, la segunda temporada de Stranger Things (crítica aquí) hubiese entrado fácilmente en este top5, pero como ya incluimos a su también extraordinaria primera parte en la lista de 2016 no queríamos parecer demasiado repetitivos.

En cuanto a anime y manga, han habido varios descubrimientos en este 2017, destacando a mi parecer Koe no Katachi (análisis aquí) y La pequeña forastera (Totsukuni no Shoujo, análisis también por aquí), pero ninguna es realmente de este año, por lo que aquí lo dejamos.

Coco (2017): Cuando Pixar sabe emocionar

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Pixar se ha convertido, por mérito propio, en ese estudio de animación que de por sí ofrece una garantía de calidad, sin importar lo que haga. Lamentablemente, han habido algunos altibajos en su carrera, los más evidentes en forma de secuelas (Cars 2, Monsters University y Cars 3 se vienen a la cabeza), pero cuando la compañía asociada a Disney brilla, lo hace como nadie.

Es el caso de Coco (2017), su último estreno dirigido por Lee Unkrich y Adrian Molina e inspirado en el Día de los Muertos mexicano y en el folklore en general de dicho país. De este modo, la historia se centra en Miguel, uno de los miembros de las generaciones más jóvenes del clan Rivera, quienes tradicionalmente se han dedicado a la fabricación de zapatos. Miguel, al contrario que sus parientes y ancestros, ansía en realidad ser músico, con el (no) pequeño inconveniente de que el resto de su familia detesta la música.

Un día, Miguel descubre por casualidad que su tatarabuelo es en realidad Ernesto de la Cruz, una de las grandes voces de la historia de México y quien supuestamente años atrás abandonó a su mujer y a su hija (la Coco del título) para dedicarse al lanzamiento de su carrera y a disfrutar de las mieles del éxito. Con el firme objetivo de emular sus pasos, Miguel se ve arrastrado accidentalmente al mundo de los muertos durante la jornada de su festividad.

No queremos contar más porque, aparte de ser susceptible de spoiler, ansiamos que lo descubráis por vosotros mismos. Y es que cada minuto de Coco rezuma magia, cariño y buen hacer en una cinta de animación que sirve perfectamente de homenaje a la cultura y tradiciones mexicanas. De hecho, no son pocos los cameos de personajes emblemáticos de México y los guiños a su historia y cultura. Nosotros nos quedamos especialmente con el dedicado a Frida Kalho, donde Pixar deja entrever además su vertiente más vanguardista.

Coco destaca prácticamente en todos sus apartados, con una animación asombrosa (en serio, mirad a la bisabuela Coco) y colorida en honor a México; una banda sonora compuesta por Michael Giacchino con el respaldo de varios artistas mexicanos, lo que se percibe en cada una de sus notas; una historia que, aunque puntualmente caiga en clichés, da giros sorprendentes a una trama que emociona; y sobre todo con unos personajes que se dejan querer y que se comen la película, especialmente ese esqueleto que responde al nombre de Héctor (al que le da voz en inglés y español Gael García Bernal).

Y es que cada uno de los protagonistas poseen su encanto y calidez, empezando por esa familia Rivera TAN latinoamericana (aquí no incluyo solamente a México) y siguiendo por el elenco que nos vamos encontrando en el mundo de los muertos, destacando (ya lo hemos dicho) a Héctor y a la matriarca de la familia, Imelda, una mujer de armas tomar y que ha sabido salir adelante ella sola con su hija (cuando estaba viva, claro).

También hallamos un aporte de calidad en la cantidad de sutilezas que van pululando por Coco (y somos conscientes de que probablemente no habremos pillado todas, teniendo en cuenta que la hemos visto una sola vez). Aparte de los citados cameos y guiños a México, lo es la simbología que desprende esa frontera entre el mundo de los muertos y el de los vivos, lugar donde no todos tienen acceso. Al igual que esa burocracia taaaan molesta e irritante que inunda cualquier cotidianidad actual.

Asimismo hallamos el poderoso mensaje que tienen la memoria y las tradiciones orales, ambas intrínsecamente unidas, donde uno no deja de existir al morir, sino al ser olvidado. Incluso un personaje que aparentemente sirve como mera vis cómica para los más pequeños, el perro Dante, tiene su quehacer en la película, partiendo de lo que representa su propio nombre (Dante Alighieri y su Divina Comedia) y que sea de la raza xoloitzcuintle o perro sin pelo, originaria de México y que en culturas mexicas representaba al dios de los espíritus Xólotl, que guiaba a los muertos en su viaje al Mictlán.

En definitiva, nos encontramos ante el mejor Pixar, ese que pone mimo a sus proyectos (la cinta lleva más de seis años de desarrollo y son numerosos los viajes a México realizados por el equipo durante el mismo), que sabe emocionar al espectador, que deleita sus sentidos y que demuestra que no es simple cine de animación «para niños». Un mensaje potente y conmovedor, que todo aquel que haya perdido a un ser querido sabrá reconocer, junto con el canto de amor que es a México hacen el resto.

P.D.: Definitivamente, Lee Unkrich sabe hacer finales (entre este y el de Toy Story 3…)

P.P.D.: La mejor de Pixar desde Wall-E, al menos para quien esto suscribe.

P.P.P.D.: Héctor se come la película.

Hasta las escenas eliminadas de Zootrópolis son buenas

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Ya hace casi un mes de que salieran a la venta los dvd y blu-ray de Zootrópolis (Zootopia para algunas partes del globo), la última gran producción de Disney Pixar (con permiso de Dory, que es de la parte Pixar del dúo). Tras la buena acogida que tuvo tanto en taquilla como en crítica, el público se encontraba ansioso por poner sus pezuñas en las versiones de vídeo doméstico, con todos los extras que éstos suelen incluir (más en el blu-ray que en el dvd, por lo general).

Para quien aún no haya acudido a ver Zootrópolis (¡sacrílego!), avisamos que habrá SPOILERS, ya que hablaremos de las escenas eliminadas que han ido saliendo entre todo este material extra. Acordes con la calidad del producto, por cierto. Por lo que todo fan de Zootrópolis echarles un vistazo.

zootropolis deleted scene 6

 

  • Versión alternativa de la escena del polo

Cuando Judy ve a Nick por primera vez, éste se encuentra en una heladería para grandes herbívoros con Finnick haciéndose pasar por su hijo disfrazado de elefante. En la versión final, ante la negativa del dependiente de venderle algo a Nick (y a su «hijo»), Judy lo amenazaba con avisar a defensa del consumidor (o su equivalente en Zootrópolis) de que en ese lugar servían helados sin ponerse protección en las trompas (algo totalmente antihigiénico), a lo que el vendedor accedía a atender a Nick. En esta versión anterior, es Nick el que se encarga de vender una tierna historia de un padre con su hijo adoptivo que quiere ser (sin mucho éxito) un elefante. Se ahonda más en el supuesto dramatismo y se muestra más las diferencias entre especies dentro de Zootrópolis (el equivalente a la xenofobia). Es el dependiente mismo el que se enternece y decide atender a Nick, por lo que Judy no interviene (totalmente conmovida) hasta más adelante.

 

  • Escena introductoria alternativa

Como sabemos, Zootrópolis comienza con una obra de teatro escolar, en la que Judy hace como que es atacada (y asesinada) por un carnívoro. A continuación, los niños explican que en la actualidad presas y depredadores conviven juntos y en armonía, y cada uno de ellos expresa su deseo de ser algo de mayores (en el caso de Judy, una policía). Pero no siempre fue así. En una versión anterior, la película daba comienzo con la misma obra teatral, pero los niños ya viven en Zootrópolis (en la versión final Judy proviene de Madrigueras) y eran otros los que fingían la caza/asesinato (algo más gore en esta versión). Luego ya entrarían Judy y otros niños en escena. Las principales diferencias (aparte de las ya mencionadas) radican en la aparición de una profesora armadillo y de un policía tigre hacia al final, que felicita a Judy y le dice aquello de «en Zootrópolis puedes ser lo que quieras» (que a su vez y años más tarde ella se lo diría a Finnick).

 

  • El primer (y horrible) día de Judy

Como sabemos, Judy finaliza su primer día como vigilante de parquímetros bastante decepcionada. No sólo porque el departamento de la policía de Zootrçopolis no era lo que esperaba, sino también por la enorme cantidad de prejuicios y hostilidades con los que se topa en la gran ciudad. Cuando llega a su apartamento recibe una llamada de sus padres. En la versión final aparecían solamente éstos, pero anteriormente se pensó en mostrar asimismo a algunos de sus hermanos y hasta a sus abuelos.

https://www.youtube.com/watch?v=ix97G37HQ3g

 

  • Nick y el collar eléctrico (o de domesticación)

En una versión anterior, había una trama añadida que se centraba en la colocación de collares que lanzan descargas eléctricas a los depredadores. Nick, como buen zorro que es, no se libraría de esta «metodología de domesticación», aunque soñara con ello…

 

  • El collar eléctrico y la fiesta

Relacionado con lo anterior, el mencionado collar de descargas eléctricas se regalaría entre los depredadores al alcanzar una edad, como una especie de regalo simbólico por «haberse hecho adultos». Esto es lo que ven Judy y Nick al colarse en una fiesta de cumpleaños de un osezno cuyo padre le regala este collar. Lo que al principio parece un momento feliz y lleno de orgullo se torna bastante dramático cuando el osezno (ya con el collar) percibe que no es tan bueno como inicialmente le parecía. Algo de lo que también se percata Judy, que se voltea a ver que Nick también lleva puesto uno de esos collares. Como es lógico pensar, al final se retiró esta trama de la película por considerarla demasiado «oscura».

 

  • «Wild Times» y su cierre

En otra de las tramas eliminadas de la película hallamos una especie de lugar de ocio y recreación para depredadores que crea y regenta Nick Wilde, llamado «Wild Times» (literalmente, «tiempos salvajes»). Este parque se encuentra relacionado con la escena eliminada (puesta más arriba) donde le quitan momentáneamente el collar eléctrico a Nick. Durante esos breves instante, Nick tiene un sueño/epifanía donde los depredadores corren y se divierten en libertad. De ahí surge «Wild Times«, lugar donde los depredadores podrán caminara sus anchas y divertirse sin tener que llevar el citado collar. Para eludir a las presas y a las autoridades, Nick disfraza el centro como si se tratase de un centro clínico, desde el cual se accedería al verdadero parque de atracciones. Al final, todo se descubre y acaban cerrando el lugar.

 

  • Judy se cuela en el despacho de un elefante

Durante su investigación para averiguar el paradero del señor Nutrianson, Judy se cuela en el despacho de un colega elefante para poder averiguar algunos datos. Más allá de lo curioso y divertido de la escena, lo cierto es que tampoco aporta mucho.

 

  • Judy presenta a Nick a sus padres

Para finalizar, una escena eliminada que hubiera hecho las delicias de los fans del NickxJudy (o el Wildehopps, como se conoce entre parte del fandom) es aquella donde ambos protagonistas llegan al apartamento de la conejita… para encontrarse con una visita sorpresa de los padres de ésta. Evidentemente, éstos se quedan shockeados al ver a Nick, y piensan que podría tratarse del novio de Judy. La coneja defiende a su amigo ante sus padres, diciendo que es un buen tipo y que a quien no le guste estar con él debería marcharse de su cuarto. En ese momento uno de los hermanos de Judy descubre su uniforme de vigilante de parquímetros, ante lo que el padre se enfada y amenaza con llevarse a Judy de regreso a Madrigueras (ya que no le parecía buena idea ni que fuera a Zootrópolis ni que se hiciera policía, algo que sí ha permanecido en la versión final). Entonces Nick sale en defensa de su amiga, diciéndoles a los padres más o menos lo mismo que le cuenta en la película definitiva al jefe Bogo (y, por cierto, le pregunta al padre de Judy si podría llamarlo «papá»). Al final, padres y hermanos se marchan dándole una segunda oportunidad a Judy. El vídeo puede verse por aquí.

 

 

Qué mundos queremos ver en Kingdom Hearts III

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Mucho y largo se ha escrito sobre Kingdom Hearts III desde que se anunciara su existencia, allá por el 2013. A día de hoy, y todavía desconociendo su fecha de salida al mercado, solo nos queda especular sobre su posible argumento, personajes, jugabilidad… y mundos de Disney. Porque no se olvida, claro, que Kingdom Hearts es una saga producto de Square Enix y de Disney Interactive. Por lo que vamos a unirnos a la divagación, y en esta tarde de domingo nos preguntamos: ¿qué universos de Disney nos haría más ilusión que hicieran su debut en la próxima entrega? Hacemos hincapié en lo de debut porque vamos a hablar de aquéllos que aún no han hecho su aparición. Y sí, creemos que mundos como los de Atlántica (La Sirenita) y El Bosque de los 100 Acres (Winnie The Pooh) van siendo totalmente prescindibles. Pero ese es otro tema.

Como sabemos, los únicos universos Disney que están confirmado para Kingdom Hearts III son el de Enredados y el de Big Hero 6. ¿Pero qué más nos gustaría encontrarnos? Para empezar, la que creemos es la mejo película de Disney en los últimos años: Zootrópolis (o Zootopia). Sí, sabemos que es poco probable que aparezca, debido al avanzado estado de producción en el que se encuentra el videojuego (la película se estrenó en Estados Unidos el pasado mes de marzo), pero quién sabe… Además, a nuestro favor diremos que Zootrópolis ha marcado el mejor estreno en taquilla de Disney en toda su historia, superando incluso a Frozen. Y que la crítica la adora (98% en rotten tomatoes). Y el mundo que crearon para Zootrópolis es taaan espectacular y ofrece taaantas posibilidades que de imaginarlo en Kingdom Hearts (cameos de Nick y Judy incluidos) solo hace que se nos hagan chiribitas en los ojos.

Fan art by Herb

Fan art by Herb

Pero no solo Zootrópolis ha sido uno de los mejores estrenos recientes de Disney. Rompe Ralph (Wreck-It Ralph) salió al mercado en el año 2012 y es otro de los grandes y últimos divertimentos que podemos encontrar en la casa del ratón Mickey. Y además, ¿quién no querría ver a Sora y compañía paseándose por el interior de los videojuegos, y ser re-transformados, a su vez, en personajes de otros juegos? Vale que ya hicieron algo similar en Tron durante el Kingdom Hearts II, pero seguimos pensando en la cantidad de maravillosas posibilidades que un mundo (y unos personajes) como los de Rompe Ralph podrían ofrecernos en la saga de Nomura.

Y, naturalmente, Disney hace ya unos años que dejó de llamarse Disney a secas. Por lo que las posibilidades de que por fin se incluya algún universo de Pixar aumentan exponencialmente. Casi todas las películas de Pixar son joyas en sí mismas, pero creemos que, dentro de Kingdom Hearts, las que más jugo podrían ofrecer serían Toy Story, Inside Out (Del revés) y Brave (Indomable). Por partes:

Fan art by MRLIPSCHUTZ

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Toy Story es una saga que por sí misma ofrece infinitas posibilidades. Y ver a Sora, Donald y Goofy transformados en juguetes que cobran vida propia podría ser algo de lo más divertido. Enfrentándose todos juntos contra Sid o contra el emperador Zurg: apoteósico.

Con Inside Out pasa algo similar: su universo ofrece muchas posibilidades… y a la vez se encuentra extremadamente limitado (recordemos que los protagonistas de la cinta son nuestras propias emociones). Pero sería curioso intuir en qué clase de emociones podrían convertirse Sora, Donald y Goofy (aunque una idea nos hacemos). Venga, sí, que ver a Donald como Ira (o a ambos juntos) sería genial, y punto.

Y en cuanto a Brave, si bien no nos parece una de las mejores películas de Pixar, ver a Escocia en dibujos y perfecto 3D siempre es un placer para nuestras retinas. Y las interacciones entre Sora y Mérida podrían resultar de lo más interesantes.

Y eso que no nos hemos adentrado en toda la enorme cantidad de universos de Marvel y de Star Wars… pero es que eso daría para otras siete entradas. Mientras tanto, ¿qué opináis vosotros? ¿Cuál sería el mundo de Disney Pixar que más os gustaría ver por primera vez en Kingdom Hearts III?

kingdom hearts Brave by TiaBlackRaven

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