Esos clásicos inolvidables: Cowboy Bebop. Parte III

Si bien en la Parte I hablamos de la parte técnica y argumental, y en la Parte II hicimos lo propio con los personajes (Spike y Faye), en esta Parte III les toca el turno a Jet, Ed, Ein, el resto de esa tripulación de lujo que pulula por el universo de Cowboy Bebop. ATENCIÓN, que habrá SPOILERS (ved la serie, leñe).

Empezamos por Jet, Jet Black, del cual me gustaría hacer una especie de reivindicación. Al no ser un bishonen (chico guapetón) como Spike o Vicious, o al ser un personaje más equilibrado, Jet no suele resaltar tanto entre los fans de la serie. El problema es cuando los mismos fans trasladan esa aparente indiferencia hacia el argumento y los mensajes que transmite Cowboy Bebop. Por ejemplo: para Spike, en ocasiones (siempre desde la perspectiva de una parte del fandom) pudiera parecer que Jet no existe; o bien está atrapado por su pasado (Julia), o bebe los vientos (es un decir) por Faye, pero a Jet se lo pasa por alto, como si estuviera de paso. Pues bien: Jet es, sin duda, la persona (del presente) más importante para Spike… del mismo modo que quizás en el pasado lo era Vicious (y no Julia, como se suele creer). Son relaciones distintas, y ese es uno de los puntos fuertes de Cowboy Bebop.

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Vayamos al grano: Jet Black es un antiguo agente de la ISSP (el cuerpo de policía en el universo Bebop) que, cansado de la cantidad de corrupción que lo rodeaba, y tras un amargo episodio donde perdió el brazo izquierdo, decidió retirarse y convertirse en cazarrecompensas. Así, y de algún modo que nos es desconocido, conoció a Spike, y ambos se aliaron para fundar la Bebop (el barco pesquero-nave espacial al que da origen el título). Si bien ambos son bastante reticentes a hablar sobre sus vidas pasadas (ninguno de ellos pregunta), y que en ocasiones discuten, lo cierto es que Spike y Jet se llevan bien. Es algo visible desde el episodio I. Probablemente porque sus personalidades congenian: Jet es razonable, serio, responsable, centrado y aparenta ser bastante más mayor de lo que es (36 años); mientras que Spike, como ya sabemos, es más bien un (aparente) holgazán al que (aparentemente) le da igual todo. Es ese tipo de contraste en sus personalidades lo que hace que se complementen, especialmente a la hora de trabajar (y no hay que olvidar que, antes que cazarrecompensas, uno de ellos fue poli y el otro sicario).

Así, Jet forma el eje central y organizador de toda esa familia disfuncional y tremendamente divertida que es la tripulación de la Bebop. Jet sería el padre responsable, como comentamos en una de las partes anteriores, mientras que Faye y Spike serían los hijos díscolos. Esto se hace más aparente cuando se observa que Jet es, además, de los que saben escuchar… y encima dar (buenos) consejos. Se lo ve así con Spike en varias escenas, fundamentalmente, en los dos episodios finales, con las fábulas y con Jet «animando» a Spike a que salga al encuentro de su pasado. Curiosamente, en episodios anteriores (concretamente en Jupiter Jazz) Jet hace justamente lo contrario: reta a Spike por salir al encuentro de «Julia» (por aquel entonces, para Jet es solo un nombre) y lo invita a no volver más a la nave. Esto es debido a dos motivos básicos: por un lado, y como decíamos, Jet no conoce nada de Julia (ni del pasado de Spike; de hecho Jet nunca llega a ver ni a Julia ni a Vicious); y por otro han de ir a buscar a Faye, que había huido de la Bebop momentos antes llevándose la caja fuerte. Como vemos, queda claro quién es el padre responsable y el «adolescente» que va a la suya. Como se puede imaginar, Spike no logra su objetivo y acaba volviendo a la Bebop. Y Jet lo recibe sin recriminaciones y sin solicitar explicaciones de ningún tipo. Es este tipo de empatía, que Jet sabe tener tanto con Spike, como con Faye (es Jet el que se da cuenta de que Faye se comporta como lo hace para llamar la atención), como con Ed, como con Ein (después de Ed, creo que queda bastante claro que Jet es con la persona que Ein guarda mejor relación dentro de la Bebop), lo que hace de Jet un gran personaje, sin el cual la tripulación Bebop nunca hubiese tenido lugar (eso para empezar).

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Jet contrasta además con Spike en las formas que ambos tienen de lidiar con el pasado. Jet también ha sufrido el abandono de un ser querido (una ex novia), además de la traición de aquellos que él creía camaradas. Como vemos, un pasado que, a grandes rasgos, no se diferencia especialmente del de Spike (quitando que el nivel de amenaza que ofrece la ISSP no es el mismo que el del Dragón Rojo). Sin embargo, Jet lo confronta y «pasa página» sin grandes melodramatismos. Sabe lo que tiene que hacer y cuándo. Quizás por eso, y en ese sentido, Jet resulta un personaje más aburrido que Spike. Porque es más equilibrado y «mundano», en definitiva.

Sobre el resto de la tripulación de la Bebop, no podemos dejar de mencionar a Ed y a Ein, la niña-hacker y el perro ultra inteligente (escapado de un laboratorio). Ed, cuyo nombre completo es Edward Wong Hau Pepelu Tivrusky IV, es una muchacha de 13 años, terrícola y (aparentemente) huérfana. Se topa con la Bebop debido a un episodio de extrañas señales (al más puro estilo Nazca) que estaban siendo hechas en la superficie de la Tierra desde un satélite; puesto que Ed pudo infiltrarse en la red y destapar todo el misterio. A cambio, y a modo de recompensa, solicitó unirse a la Bebop (con desconocimiento de Jet y Spike, ya que fue Faye la que cerró el trato).

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Ed transmite la sensación de ser un personaje del que puede hablarse muchísimo o absolutamente nada. No porque carezca de interés, sino todo lo contrario: Ed va pululando por la Bebop, sin inmiscuirse (normalmente) en los asuntos «de los mayores», pero cuando surge, su aportación suele ser contundente. Suyo es (y de Ein) el que es, para muchos, el mejor momento de toda la serie: Call me call me. Su desaparición de la serie a dos capítulos de que ésta termine no es casual: Ed no debía (ni podía) estar presente en el ¿final? de Spike. ¿Por qué? Bueno, fundamentalmente porque Ed solo tiene ante sí futuro. No porque sea una adolescente (que también), sino por su misma forma de ser. Cuando Ed se reencuentra con su (amnésico) padre, se da cuenta de eso mismo: ante ella solo hay camino que recorrer, un futuro y una vida que construir. Y por eso no puede seguir en la Bebop, lugar donde todos los personajes (con excepción de Ein, como veremos) son cazados por ese dichoso pasado.

Ein (proveniente de Einstein), un perro de raza corgi galés de Pembroke, es, como decíamos, un perro que huyó de un laboratorio. Por tanto, es un can de inteligencia superior, no solo en comparación con otros perros, sino también con las personas. Es un tipo de inteligencia silenciosa (no es un perro parlante ni nada parecido), que en apariencia actúa como un perro normal. Seguramente por esto, Ed es quien mejor se lleva con Ein, debido a que la comunicación entre ellos no es verbal, y ambos se entienden sin necesidad de palabrería ni grandes actos. Al final, Ein se ve en la tesitura de seguir a Ed o permanecer en la Bebop (curiosamente, Ed «se despide» de Spike mientras que Ein hace lo mismo con Jet). Decide irse con Ed, caminando hacia el futuro. No obstante, no es una despedida definitiva, y así reza el rótulo final del capítulo:

See you, Cowgirl. Someday, somewhere!

Esos clásicos inolvidables: Cowboy Bebop. Parte II

Continuamos con nuestro especial dedicado a una de esas series que ya son consideradas de culto (y ojo al dato, que estamos hablando de un anime que se estrenó hace ya dieciocho años). La Parte I podéis encontrarla (o releerla) aquí.

Ya habíamos comentado la parte más técnica y algo de la trama de Cowboy Bebop. Ahora llega el momento de la que es, para nosotros, parte inmejorable de esta obra, conductora de toda la trama y principal responsable de que nos sumerjamos en el universo Bebop (música y ambientación aparte): los personajes. Y es que los personajes que pululan por todo el basto espacio de Cowboy Bebop tienen vida propia: temores, motivaciones, recelos, frustraciones… Todos cobran vida, desde los componentes de la tripulación del Bebop hasta Vincent, el villano de la película. Pero no podemos hablar de todos ellos sin crear un libro de cientos de páginas, por lo que en esta Parte II vamos a dedicarnos a los que serían considerados (quizás) protagonistas masculino y femenina de la serie. Sí, hablamos de Spike Spiegel y Faye Valentine.

OJO, a partir de aquí hay SPOILERS (pero no me cansaré de repetirlo…. si no has visto aún la serie, ¿a qué estás esperando? ¡Es fantástica!).

Reconocimiento al autor de este fan art (por desgracia, no sabemos quién es)

Reconocimiento al autor de este fan art (por desgracia, no sabemos quién es)

Spike Spiegel, o el hombre cazado por su pasado; frente a Faye Valentine, la mujer sin pasado

Pasado, presente y futuro son temas fundamentales en Cowboy Bebop. La serie posee un toque nihilista considerable, donde nosotros y nuestras acciones quedamos en nada frente a la inmensidad del espacio y al irremediable (e incontrolable) transcurrir del tiempo.

En estas se nos presenta a Spike Spiegel, gozada de personaje y de protagonista. Spike es un joven de 27 años, nacido en Marte, de pelo revuelto color verde oscuro y ojos de distinto color (debido a que uno de ellos es artificial, ojo al dato que es importante). Siempre viste con un traje casual y corbata, sin dejar de tener por ello un toque desaliñado. Claramente, ya observando a Spike, vemos que toda la tripulación Bebop tiene una clara influencia (en cuanto a diseño, al menos) de los personajes de Lupin III. Vamos, que Spike es un Lupin en versión trascendental. Otras influencias para su diseño son el actor japonés Yusaku Matsuda (esta está confirmada por el propio diseñador de personajes) y Bob Dylan.

Sin embargo, lo más llamativo de Spike es su personalidad. Aparentemente apático y abúlico hacia (casi) todo (se pasa la mitad de la serie durmiendo, algo que recalcan Faye y Jet), con un sentido del humor más bien cínico, Spike intenta mostrarse como una persona que no es. Es decir, en realidad Spike es un hombre atormentado por su pasado, ya que perteneció a una organización criminal llamada El Dragón Rojo, de la cual se vio obligado a huir y esconderse por variados motivos. No obstante, Spike es visto a lo largo de la serie mencionando a sus compañeros la importancia de mirar hacia adelante, hacia el futuro (por ejemplo, se lo dice a Faye al final del capítulo My funny Valentine).

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Pero no confundamos (y esto es algo que en lo personal he visto en muchas opiniones de fans de esta serie): que Spike viva atormentado por el pasado, no significa que el presente carezca de importancia (ni viceversa). Spike dice no tenerle miedo a la muerte, y sin embargo se lo ve aterrado cuando está a punto de morir a manos de Pierrot Le Fou; Spike menciona que no le gustan las mujeres con carácter («tías aprovechadas», en el doblaje español), y sin embargo le hemos visto ir detrás de Julia, Electra (en la película) y de la propia Faye (todas ellas son, diría yo, mujeres con MUCHO carácter). Y esto último nos lleva a Spike mostrarse indiferente hacia Faye (y, a veces, hacia todos los miembros de la Bebop), y, sin embargo, el propio Watanabe ha comentado que a Spike le gusta Faye, si bien eso mismo es lo que hace que se esfuerce por mostrar lo contrario. También se puede observar a Spike pasando buenos ratos con Jet, o preocuparse por Ed (y hasta por Ein). En definitiva, el presente ES importante para Spike, más de lo que a él le gustaría. No obstante, uno de sus ojos mira precisamente hacia el presente, el momento que se está viviendo.

Otro aspecto importante de la serie, que ya hemos mencionado en el personaje de Spike, es el del sueño frente a la realidad. A través de Spike, que se pasa la vida durmiendo, que camina casi como si fuera un sonámbulo, podemos contemplar que quizás para él la vida es como un sueño del que no ha despertado. Es una filosofía similar a la del bushido, según la cual la vida es puro sueño del que despiertas en el momento en que mueres (de la posible muerte/despertar de Spike hablaremos en otra parte). Por eso, no es de extrañar que en Cowboy Bebop abunden las escenas oníricas (la película es buena muestra de ello), hasta el punto de no saber si lo que te están mostrando forma parte de uno de los sueños de Spike o de la realidad (el final vuelve a venir a la mente).

Faye sirve como contraparte de Spike en prácticamente todo. Spike es la figura masculina principal y ella la femenina; Spike es aparentemente apagado y Faye es en apariencia vivaz y sensual; Spike vive anclado en el pasado y Faye directamente carece de uno; en el diseño de Spike predominan colores oscuros (azul) y en el de Faye claros y vivos (amarillo, rojo). Si bien también es cierto que Faye y Spike tienen bastante en común, especialmente en lo referente a sus personalidades: ambos son más bien interesados y se preocupan especialmente por no demostrar lo que verdaderamente sienten. Spike lo hace a través de la apatía y Faye del gorroneo (o del abandono una vez siente que se está encariñando demasiado con algo/alguien). Tiene su lógica: ambos han sido profundamente engañados en el pasado por seres queridos.

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Si nos centramos en Faye, conocida como Faye Valentine, se trata de una (especialmente) atractiva joven de 23 años que no recuerda su pasado, puesto que despertó un día tras pasar años enteros criogenizada. Se encuentra con Spike y Jet casi por accidente: Spike se le acercó en un casino para tirarle los tejos y Faye lo confundió con otra persona a quienes unos criminales buscaban. De ahí en adelante una serie de infortunios hizo que acabase acoplándose a la Bebop (en contra de los deseos iniciales de Spike), hasta acabar cogiéndoles cariño al lugar y a todos los miembros de la tripulación. Por eso mismo, Faye abandona en varias ocasiones la nave (de paso robando alimentos o carburante), porque tiene miedo de anclarse en ese mismo lugar al que poco a poco puede acabar llamando «hogar», junto con la gente que allí habita.

Curiosamente, no es Spike la persona que mejor sabe leer a Faye, sino Jet. Todo forma parte de esa familia desestructurada (y tremendamente divertida) que es la Bebop. Jet es el padre y Faye y Spike los hijos (díscolos, que suelen ir a la suya); mientras que Ed y Ein están ahí, como mascotas o como niños. Y precisamente, es Jet el que le advierte a Spike que Faye actúa de la forma en que lo hace como tapadera, para llamar la atención. Curiosamente, el momento en el que Spike comienza a entender mejor a Faye es hacia el final, cuando se empiezan a descubrir aspectos del pasado de la muchacha (como buena tripulante de la Bebop, a Faye tampoco le gusta hablar de su pasado, o de lo poco que tiene de él). Es ahí cuando Spike le aconseja que mire hacia el futuro, o cuando empieza a abrirse, momentáneamente, a ella. Porque, y este es el principal problema de la relación entre Spike y Faye, ambos son personas que se molestan enormemente por no demostrar lo que verdaderamente sienten, mucho menos hablar de ello.

En relación con Spike (y su pasado), Faye también sirve como contraposición a Julia. No solo en diseño, también en el rol. Por eso es tan importante que sea precisamente Faye la única tripulante de la Bebop (presente de Spike) en cruzarse tanto con Vicious como con Julia (pasado). Faye también es a la última persona que Spike ve antes de salir al encuentro de Vicious (y del Dragón Rojo). Y es la única (del presente) que aparece en los flashbacks/sueños del peliverde, concretamente en el episodio Jupiter Jazz. Así, el contraste entre el pasado y presente de Spike (ojo derecho/ojo izquierdo) es marcado asimismo y fundamentalmente por dos mujeres: Julia (pasado) y Faye (presente). Con esto en mente, la escena final entre Faye y Spike cobra aún mayor significado (al estar dejando Spike el presente atrás, para plantar cara a su pasado).

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Esto nos conlleva a otro punto, ya para ir terminado esta parte (pero no por ello menos importante): como ya mencionábamos más arriba, Spike no solo valora su pasado, también hace lo propio con su presente. Se suele pasar por alto que, en el episodio final, Spike no acude al enfrentamiento contra Vicious y el Dragón Rojo SOLO por venganza por la muerte de Julia (que también), sino para proteger a Faye y Jet. Spike ya no es un jovenzuelo que hace trabajos para la mafia: sabe de lo que ésta es capaz y pretende evitar ataduras de mayor calado (y así no volver a repetir la tragedia de Julia y Vicious). Por eso, en el momento final de Ballad of Fallen Angels, el flashback/sueño de Spike que muestra a Julia cantando se superpone con el presente/despertar y Faye haciendo lo propio. Y por eso Spike se muestra borde con Faye en ese mismo instante: porque el sueño/pasado ya no existen y eso molesta, sí; pero también porque no quiere volver a repetir la misma historia con Faye. Que Spike se obsesione con su pasado no significa, en definitiva, que éste le guste, o que esté de acuerdo con ello. Es, simplemente, algo que no puede evitar (y que intenta hacerlo). Es otra de las cosas que demuestra la fábula final con el gato inmortal que acaba dejándose morir por una gata: Spike odia esa historia.

Para ir terminando con esta parte, y antes de dar inicio a la Parte III, anunciamos que continuaremos con el Especial de Cowboy Bebop que estamos haciendo por radio, el sábado 26/03/2016 a partir de las 12:30 (hora española), en el programa El Sótano,  ¡No os lo perdáis!

See you, Space Cowboy

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Entrevista a cosplayer: Kiddo Cosplay

Volvemos con la sección de cosplay, en esta ocasión con una entrevista muy especial.  Y es que la persona que esta vez ha aceptado tan amablemente ser entrevistada por nosotros no solo hace cosplay como hobby, sino también como acto benéfico. Así es, Kiddo Cosplay (nombre artístico, facebook oficial aquí) y el grupo del que forma parte, Fanvención, facebook oficial aquí), visitan hospitales, refugios, etc. disfrazados de los personajes favoritos de los niños que más necesitan en esos momentos un momento (por muy breve que sea) de ocio y diversión. Como cualquier otro niño de su edad.

¡Vamos con la entrevista!

¿En qué momento empezaste a interesarte por el mundo del cosplay?

Pues fue en el año 2009, que visité por primera vez un evento en Madrid, y yo no sabía ni lo que era el cosplay, pero al entrar me quedé realmente sorprendida, porque la gente estaba vestida como los personajes de las series y películas. En ese mismo momento supe que yo también quería formar parte de ellos y disfrutar como veía que lo estaban haciendo.

¿Crees que el mundo del cosplay (y los cosplayers) ha cambiado en España en los últimos años? Si es así, ¿en qué sentido/aspectos?

No hace tantos años que hago cosplay, pero sí he notado una diferencia de nivel muy importante de un tiempo atrás hasta esta época. Ahora hay muchísimo más nivel a mi parecer, también es verdad que es más fácil encontrar materiales y hay mil tutoriales de lo que sea. Pero la gente tiene mucho nivel, más de lo que en general se cree y en cualquier evento ves cosplays que quitan el hipo.

¿Qué es lo que más te atrae de realizar cosplay? ¿Y lo que menos?

No podría decir solo una cosa que me atraiga la atención del hecho de realizar cosplay, todo lo que conlleva me emociona. El estar trabajando durante meses en un trabajo y estrenarlo con todo el orgullo en un evento. La cantidad de creatividad que te hace desarrollar, costura, pintura, manualidades, trabajar madera, etc. El compartir esta afición con tus compañeros y evadirte por un día de quien eres e interpretar a tu personaje. Todo en esta afición es especial y me atrae.

Por otro lado, lo que menos me llama la atención son los malos rollos que se crean y la competitividad excesiva. Esto ante todo es un hobby y no entiendo que la gente se lo tome tan a pecho hasta llegar al punto de menospreciar el trabajo de los demás.

SueStorm (Los 4 Fantásticos), foto de Prnze

SueStorm (Los 4 Fantásticos), foto de Prnze

¿Qué te hizo pensar en hacer cosplay en hospitales y eventos benéficos? ¿Cómo ocurrió?

Desde siempre había tenido la espinita de querer visitar los hospitales con alguno de mis cosplay para que lo disfrutaran los niños. Hace unos 3 años conocí al presidente de la ONG llamada Fanvención, que es a la que pertenezco actualmente y me invitaron a asistir a un evento benéfico vestida de Campanilla. Me lo pasé tan increíblemente bien viendo a los niños tan ilusionados pensando que era el personaje real, que sabía que esto era una de las cosas que buscaba a la hora de hacer cosplay.

¿Te encontraste con alguna dificultad a la hora de intentar acceder disfrazada a los hospitales? Si es así, ¿qué tipo de dificultades (por ejemplo, burocráticas, prejuicios, etc.)?

Yo personalmente no soy la que lleva el hecho de concertar las citas con los hospitales o diferentes organizaciones, entonces no sabría decirte a ciencia cierta cómo se lleva este tema. Lo que pasa por ejemplo con algunos hospitales, es que distribuyen cada sección del hospital para que solo sea visitada por una ONG en concreto, entonces no visitamos a todos los niños que desearíamos, por desgracia.

Imaginamos que las diferencias existen, ¿pero podrías contarnos algo sobre las principales diferencias que encuentras entre realizar cosplay en hospitales/eventos benéficos y realizarlo en convenciones?

La gran diferencia es la gratitud. El hecho de visitar a los más pequeños que tienen problemas médicos es romper su rutina, no ser visitado siempre por médicos o enfermeras. De repente ven que por su puerta entran el Capitán América, Spiderman, Elsa o Rapunzel, y hacemos que se olviden durante unas horas de dónde están. Y ver la ilusión que muestran y los contentos que se ponen tanto ellos como sus familiares, lo cambia todo.

En un evento pocas ocasiones he llegado a sentir lo que se siente cuando visitas un hospital.

¿Cuál es uno de los mejores recuerdos que guardas haciendo cosplay?

Sin duda, un día que visitamos el Hospital 12 de Octubre y estábamos acompañando a otra ONG llamada Asion, y tenían preparadas para regalarles a los niños cometas para hacerlas volar en la terraza del hospital. Pero no soplaba nada de aire. Yo como iba vestida de campanilla les eché a las cometas polvo de hada, y dio la grandísima casualidad que sopló una ráfaga de viento que las hizo levantar y los niños no paraban de gritar “¡Funciona! ¡El polvo de hada funciona!”. Fue un momento lleno de magia.

Otro de mis momentos favoritos fue el año pasado en Expocomic. Yo estaba vestida de Venom y me encontré con un niño de unos 5 años que iba de Spiderman, con un muñequito en la mano de Venom. Nos miramos y empezamos a “pelearnos” y lanzarnos telarañas, en un instante la gente hizo un corro enorme sacándonos fotos, fue genial.

Venom (Spiderman),foto de Veronica Davila

Venom (Spiderman),foto de Veronica Davila

¿Crees que en España el cosplay está estigmatizado? ¿Cómo es la situación al respecto en los hospitales? ¿Crees que haya diferencias con el mundo anglosajón?

Sí, creo que todavía hay cierto recelo respecto al cosplay, y la gente ajena a ello lo sigue viendo con unas connotaciones un tanto negativas. Pienso que aún quedan bastantes años para normalizar esta situación, como por ejemplo en otros países que sí está más aceptado.

En cambio, en los hospitales, desde mi punto de vista es algo que está visto con mejores ojos, porque no está visto como un hobby, sino como una labor benéfica.

Para aquellos/as que quieran iniciarse en el mundo cosplayer, ¿les darías alguna recomendación?

Empezar por algún personaje sencillito para no agobiarse y empezar los cosplay con tiempo, que yo creo que todos los cosplayers pecamos un poco de dejar las cosas para el último momento. Pero, ante todo, que lo disfruten y se diviertan. Esto es un hobby y si no lo disfrutamos  de la forma más sana posible no merece la pena.

Boushh (Star Wars)

Boushh (Star Wars)

Como hemos podido apreciar a lo largo de esta genial entrevista, no solo de convenciones vive el cosplay; también pueden realizarse a través de él actividades realmente beneficiosas para la sociedad, aunque sea a una parte de ella. El mundo del cosplay es, en verdad, un mundo rico y apasionante en matices. ¡Muchas gracias a Kiddo Cosplay por la entrevista!

Esos clásicos inolvidables: Cowboy Bebop. Parte I

Retomamos el blog pensando en los clásicos, esas obras (ya sean de anime, cine, videojuegos, literatura) que se han convertido, con el paso de los años, en culto, en representantes del máximo esplendor de una creación.

¿Qué pasa si sumamos jazz/soul/blues + western + ciencia-ficción + BUEN GUSTO? De ahí sale Cowboy Bebop, un anime de 26 episodios (más película, más sucedáneos varios como manga y videojuegos), producido por Sunrise, que lleva calando hondo desde 1998, y que aún a día de hoy, dieciocho años después, sigue generando interesantes y profundos debates.

Y es que Cowboy Bebop es una obra (maestra) que puede gustar tanto a aquellos que aman el anime y el manga como a los que no han visto ni un solo minuto seguido de Dragon Ball. Ahí reside una de sus grandes virtudes. Es una obra cuidada al máximo detalle tanto en guión (narrativa), como en animación, personajes o banda sonora. Tengamos en cuenta que se estrenó en 1998 y que aún a día de hoy puede seguir disfrutándose la gran calidad de su animación, y su narrativa trepidante y pausada cuando requiere serlo. En definitiva, que es un anime que puede ser visto (y de qué manera) por todo tipo de público (bueno, infantes no, está más dirigida a un público adulto) y en cualquier década desde su estreno. Y no deja de ganar en encanto.

Pasando a la parte más técnica, Cowboy Bebop surge de la mente de Shinichiro Watanabe, por aquel entonces un desconocido que apenas había dirigido algunos episodios de Macross Plus. El éxito de crítica y de público que alcanzó con Cowboy Bebop fue tal, que al poco tiempo ya estaba dirigiendo su propia película (de Cowboy Bebop también). Desde entonces, no ha parado de darnos joyas del anime (unas más relucientes que otras), pero el grado de excelencia que obtuvo en Cowboy Bebop no ha podido volver a repetirlo (él mismo dice que cada vez que inicia un proyecto piensa «voy a hacerlo tan bueno como Cowboy Bebop», para inmediatamente después darse cuenta de que no tiene ni idea de cómo hizo tan buena a Cowboy Bebop). Algunas de estas obras posteriores incluyen a Samurai Champloo (para una servidora, la segunda mejor), el cortometraje Baby Blue o Sakamichi no Apollon (Kids on the Slope).

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Uno de los elementos comunes en todas estas obras de Watanabe es la música, que pasa a ser uno de los personajes principales. En Samurai Champloo, por ejemplo, el hip hop, rap y r&b juegan su papel, mientras que en Sakamichi no Apollon y en Cowboy Bebop lo hacen el jazz (en la última, el blues y el soul también se suman). De hecho, la mayor parte de episodios de Cowboy Bebop (y su cortometraje Baby Blue) tienen nombres de famosas canciones (Honkey Tonk Woman, Sympathy for the Devil, Wild Horses son algunos ejemplos). Sin embargo, la principal encargada de que la música en Cowboy Bebop sea TAN memorable es Yoko Kanno, quien volvería a trabajar con Watanabe en Sakamichi no Apollon. Kanno despliega toda su maestría y buen hacer en los episodios de esta serie, dejándonos temas para el recuerdo como The Real Folk Blues, Tank! (ending y opening de la serie, respectivamente), Space Lion o Blue, entre muchos otros. Pero no sólo del jazz, blues y soul vive Cowboy Bebop, ya que Kanno hasta se atreve con la bossa nova o el heavy metal.

El diseño de personajes, otro de los enormes alicientes de Cowboy Bebop, recae en Toshihiro Kawamoto (MUY recomendable el art book que sacaron, traducido al inglés, con sus diseños y notas para la serie); mientras que el de las naves lo hace en Kimitoshi Yamane. Ambos son los encargados de (en parte) dotarles de la abrumadora personalidad y vida propia que tienen todos dentro del universo Bebop. Sobre las distintas influencias para cada personaje, lo trataremos más adelante en otro apartado. Los diseños de Kawamoto pueden ser vistos nuevamente en, por ejemplo, Wolf´s Rain (otro anime bastante digno).

https://www.youtube.com/watch?v=Aw3fN3OPk3A

Parte de estos memorables personajes son también las voces. Y aquí vamos a arrojarnos al vacío (y quizás muchos lectores nos miren de manera asesina), pero las de Cowboy Bebop merecen ser escuchadas en inglés. No por nada, según las malas lenguas de la red, el propio Watanabe reconoció que ama el doblaje (norte)americano para esta serie. Sin menospreciar para nada al original japonés, que cuenta con, entre otros, las memorables Megumi Hayashibara y Maaya Sakamoto; e incluso el español tiene aquí un pase (Spike tiene la voz de Woody Allen en español de España y ni se nota, mérito fundamental de Joan Pera): ¿Por qué en inglés, entonces? Bueno, la ambientación tiene algo que ver: Cowbpy Bebop está repleto de guiños y homenajes a la cultura pop, que es proveniente fundamentalmente de Estados Unidos. Por otro lado, la profunda y sugerente voz de Steve Blum para Spike y la ultra sexy voz de Wendee Lee para Faye hacen el resto.

Vamos a ir terminando esta Parte I introduciendo brevemente (hay muuuuucho para escribir de ella, pero mejor lo veremos a través de los personajes) la temática. Cowboy Bebop se sitúa en un futuro no muy lejano (2027), donde la humanidad ha conquistado el espacio, moviéndose libremente por él en naves (la Tierra, mientras tanto, ya se encuentra prácticamente destruida y desolada). El crimen se ha trasladado al espacio también claro, por lo que para contrarrestarlo han surgido las figuras de cowboys, los cazarrecompensas de toda la vida, que persiguen y atrapan a los criminales que tienen puesto precio a su cabeza. Entre estos cowboys, nos encontramos a Jet y Spike, ambos a bordo de la Bebop, una enorme nave-pesquero donde se trasladan, trabajan y viven. Inicialmente un dúo, acabarán siendo un cuarteto (más un perro) por los avatares del destino (y muy a pesar de Spike). Pero todo eso, lo veremos en la Parte II =)

See you, space cowboy

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Historias de amor que (nos) marcaron (para siempre)

En el día y mes del amor, no podemos dejar pasar un artículo dedicado a este tema tan universal y abarcado en todas las ramas del arte, desde la antigüedad hasta nuestros días: el amor (romántico, claro).

Así que me he puesto a pensar en las cinco (para hacer un recorte) romances que más me han impacatado, y así en general, he llegado a las siguientes conclusiones:

  • Me interesa más el amor platónico, lo espiritual, que el carnal y más obvio (es decir, la parte más emocional del amor).
  • Todas tienen un final triste.
  • Ergo, soy masoca.
  • He intentado que cada historia de amor provenga de un soporte diferente (videojuegos, literatura, anime, cine).
  • He decidido poner historias que ya estén «conclusas» (siempre que no decidan hacer más secuelas/remakes/loqueseaparasacarpasta (te miro a ti, Square Enix). Por eso he optado por no meter algunas como el YatoxHiyori (Noragami), o el ZerefxMavis (Fairy Tail). Por mucho que me puedan gustar, no se sabe aún qué va a pasar con ellas (aunque el ZerefxMavis ya sea oficial). También he tenido en cuenta el factor tiempo, y lo que estas historias trascienden en el mismo.
  • AVISO: Todas contienen SPOILERS de sus respectivas series, claro (así como los vídeos del final).

Pasemos, entonces, con la clasificación:

5- Heathcliff y Catherine Earnshaw

¿Quién no conoce a Heathcliff, el protagonista absoluto de Cumbres Borrascosas? La emblemática novela de Emily Brontë trata sobre cómo la pasión absoluta que este personaje siente por su hermanastra, Catherine, lo destruye a sí mismo y a todos los que le rodean. Heatcliff es adoptado de niño por el dueño de una finca (de ahí las Cumbres Borrascosas del título), quien lo cría junto a sus otros dos hijos, Hindley y Catherine. Como Heathcliff tiende a ser un niño solitario y taciturno, al principio no causa buena impresión en los niños. Pero con el paso del tiempo, acaba congeniando (y enamorándose) de Catherine. El señor Earnshaw fallece, lo sucede su hijo Hindley (que sigue sin soportar a Heathcliff, esforzándose por humillarlo). Catherine, a su vez, conoce a otro muchacho rico vecino, Edgar Linton, y acepta su propuesta de matrimonio (no obstante, Catherine admite aquí amar verdaderamente a Heathcliff, no pudiendo casarse con él debido a su diferente posición social). Heathcliff, oyéndolo todo, decide huir, lleno de odio y resentimiento, de Cumbres Borrascosas, regresando tres años más tarde convertido en un hombre rico, y decidido a vengarse. Con ello, destruye la vida de los Linton y de los Earnshaw, haciéndose propietario de Cumbres Borrascosas. Las cosas sólo empeoran con la muerte de Catherine, ya que Heathcliff taslada sus traumas a su descendencia. Finalmente, y pasados los años, se deja morir para poder estar eternamente junto a Catherine.

La historia de Heathcliff y Catherine ha llegado a ser increíblemente popular, con numerosas adaptaciones cinematográficas (con menor o mayor éxito). Sin embargo, representan ese amor destructivo, egoísta, pasional, muy propio del romanticismo del siglo XIX. Solo los hijos de Heathcliff (si bien Hareton no es su hijo biológico, él sí lo llega a visualizar como padre) y Catherine (también llamada Cathy) logran romper la barrera de odio que Heathcliff ha creado en torno a Cumbres Borrascosas.

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4- Severus Snape y Lily Evans

Qué vamos a contar de ellos que no hayamos hecho ya (en dos entradas anteriores, por ejemplo). Snape y Lily ocupan este puesto, nuevamente, no por ser un ejemplo de amor modélico y relación sana, sino más bien lo contrario. El amor que Severus siente hacia la madre de Harry Potter no es correspondido, pero pudo haberlo sido si éste no hubiera tomado ciertas decisiones en su vida (como la propia Rowling confirma en cierta entrevista). Es este abanico de posibilidades, que nunca se dieron, lo que convierte esta historia de amor, y al personaje de Snape más particularmente, en toda una tragedia.

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3- Edward y Kim

Los protagonistas de Eduardo Manostijeras, la película que Tim Burton dirigiera (con Johnny Depp y Winona Ryder haciendo sendos papeles) en 1990. Siempre he sentido debilidad por la película, por Johnny, y por el personaje. Y siempre que veo su final (y cierta escena de baile), lloro. Quizás sea la banda sonora de Danny Elfman. El caso es que Edward, hombre-robot que vive solo en una torre derruida a las afueras del típico suburbio estadounidense (lleno de marujas y demás fauna), es encontrado de pura casualidad por una vendedora ambulante de cosméticos, quien no tiene mejor idea que llevárselo a su casa. Allí, Edward conoce a toda la mencionada fauna y a Kim, la hija de la vendedora, enamorándose de ella casi a primera vista. Con Edward hay un pequeño problema sin mucha importancia: está inacabado (su creador murió), y por lo tanto sus manos tienen forma de cortadoras de lechuga (de ahí las tijeras del título). Kim al principio tiene novio, el típico chuloplayas del insti, con peinado de Nick Carter, quien por supuesto no tolera la presencia de Edward (a no ser que pueda manipularlo a su antojo). Pero ay amiga, Kim acaba viendo la ternura y sensibilidad que derrocha Edward por todos sus costados, enamorándose también de él y mandando al novio a freír espárragos. La historia acaba mal, claro (ya lo avisábamos), ya que un ser como Edward no puede vivir entre tanta maruja, y se ve obligado a huir de vuelta a la torre, haciéndose pasar por muerto y quedándose allí (solo) para siempre. Pasan los años y Kim, ya anciana y con nietos, aún recuerda a Edward, y la historia que compartieron.

En este caso, lo llamativo es la sensibilidad del personaje de Edward y de la historia: es un hombre demasiado amable como para poder integrarse en la sociedad. No será olvidado: Kim lo recuerda cada vez que baila baja la nieve. Y Edward a su vez la recuerda a ella, esculpiéndola en hielo con sus manos de tijera.

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2- Jintan y Menma

El número 1 y 2 están complicados, así que opto por un empate técnico. Al fin y al cabo, las historias son similares.

Jintan y Menma (o Jinta Yadomi y Meiko Honma, respectivamente) son los protagonistas de Anohana, anime de 11 episodios (más una película) con el que no pararás de llorar. La historia (a medio camino entre Ghost y Cuenta conmigo) nos sitúa (en el Japón actual) en la vida de Jintan, un adolescente hikikomori (gente que vive autorecluida en Japón, ya que no pueden soportar la presión social), a quien un día de verano se le aparece el fantasma de Menma, una amiga de la infancia que murió hace años en un accidente. Menma, a pesar de su forma incorpórea, ha crecido (físicamente) y puede interactuar con el entorno, pero solamente Jintan puede verla y hablar con ella (de ahí que en principio él crea que se trata de una alucinación causa del estrés). Menma tiene una petición: está para que «todos» (los miembros del grupo cuando eran niños, que en la actualidad cada uno va por su lado) cumplan un deseo que tenía antes de morir… pero no recuerda cuál es. De ahí, la historia va progresando mientras Jintan va intentando averiguar cuál es el deseo de Menma, reuniendo de vuelta a todos los amigos en el proceso (y dejando de ser un hikikomori). Mientras tanto, va redescubriendo sus sentimientos hacia Menma, llegando a plantearse un debate interno: ¿debería cumplir el deseo de Menma, provocando así que ésta vuelva a marcharse, o estaría mejor que ella se quedara para siempre a su lado (aunque fuera en forma de fantasma)?

La historia de Jintan y Menma no solo resulta tierna (en especial por su vínculo de cuando eran niños), sino que además muestra lo que vendría a ser (en contraposición al HeathcliffxCatherine que comentamos anteriormente) amor de verdad y del bueno. Jintan tiene dudas, sí, son dudas egoístas, pero finalmente el bienestar de Menma y sus deseos están por delante de los suyos (aunque le duela). Tres cuartas partes de lo mismo sucede con Menma: ella quiere a Jintan (lo quiere «como para querer ser su esposa»), pero sabe que quedarse en forma fantasmal solo causaría daño y sufrimiento a ambos (Jintan nunca podría pasar página, y ella «viviría» sin poder interactuar con nadie más, salvo con él). Toda la serie es una muestra de ello: mientras Jintan piensa en Menma, sus miedos, alegrías y tristezas; Menma piensa en los de Jintan. Es por eso que no podemos dejar de llorar al final <3

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1- Cloud y Aerith

Cloud y Aerith, o Cloud y Aeris, los protagonistas del Final Fantasy más popular (para bien o para mal): el Final Fantasy VII (además de participaciones varias en juegos como Kingdom Hearts, Final Fantasy Tactics, Itadaki Street o Final Fantasy Dissidia). Sí, somos conscientes de que el romance dentro de este jego puede ser optativo (y también nos gusta el CloudxTifa), pero es el CloudxAerith la historia de amor que más nos ha marcado, y es por la famosa muerte de la florista, y el trauma (bueno, el trauma que se suma a los múltiples traumas que ya tenía) que esto causa a Cloud, por lo que nos hemos decantado. Al fin y al cabo, el tema que se quería abarcar con Final Fantasy VII es el de la vida, y con la muerte de Aerith (y su trascendencia) este tema es cuando se vuelve esencial.

Por el principio, Aerith es la última de los Cetra (una raza que habitaba anteriormente en Gaia, que podían comunicarse con el planeta) y a la vez una florista que vive en los suburbios de Midgar. Un día conoce a Cloud, un ex soldado de Shinra que ahora trabaja como mercenario, y juntos terminan embarcándose en una aventura donde tendrán que hacer frente a la todopoderosa corporación y a Sephiroth. Hasta que éste último acaba hartándose de Cloud (a quien ya le tenía ojeriza por cierto episodio anterior) y decide matar a Aerith delante de sus narices. No por ello Aerith desaparece del mapa. Como buena Cetra que es, es capaz de controlar el flujo de la Corriente Vital (flujo de almas de los seres que una vez vivieron en el planeta) y además de invocar a Sagrado (la única magia capaz de detener al Meteorito invocado por Sephiroth para acabar con Gaia), siendo así ella la que finalmente salva al planeta (no obstante, su rostro es lo primero y último que vemos en el juego).

Su historia con Cloud emociona porque, como decíamos, trasciende la vida y la muerte. Podría decirse que es similar al JintanxMenma, o a Jack y Rose en Titanic, pero en esta ocasión el tema se aborda dando un paso más allá: Cloud cree, al final del juego, que puede reencontrarse con Aerith en la Tierra Prometida (lástima que nunca quede del todo claro qué es esto; aunque para Aerith es una muestra de la subjetividad de la Tierra Prometida misma: es el lugar de suprema felicidad para quien la encuentra). En Advent Children, secuela del juego (se sitúa dos años después), Cloud sigue deprimido por la muerte de Aerith, viviendo en solitario en la iglesia donde la conoció, pero esto esto no es lo relevante. Lo relevante es que, al final de Advent Children, Cloud vuelve a darse cuenta (¿otra vez?) de que la felicidad reside en poder vivir plenamente con los seres queridos… y que Aerith, no por estar muerta, va a dejar de acompañarlo. Ella está presente dentro de él, dentro de los recuerdos de los demás, está presente en la Corriente Vital y en la lluvia sanadora que invoca para curar a todos (incluido al propio Cloud) del Geostigma, está en la iglesia (donde siempre crecen flores) y está en Denzel (no obstante, Cloud cree que Aerith fue quien le mandó al niño).

cloud aerith

Entrevista a Cosplayer: Motoko Kagemusha

¡Estrenamos sección dedicada al cosplay! Sí, para aquellos y aquellas que no sepan a qué se refiere el término (¿dónde habéis estado?), cosplay es la palabra que proviene de «costume player», es decir, disfrazarse de un personaje. Pero no sólo del disfraz vive el hombre (?), el cosplayer (así se le denomina a la persona que realiza cosplays de manera más o menos habitual) también practica poses y comportamientos típicos del personaje del que va disfrazado. En pocas palabras: no basta con ponerse un traje rojo y una barba blanca y no saber que Papá Noel no hace su típica risotada «JO JO JO».

Los cosplayers hacen del cosplay su profesión, y los más dedicados son habituales en convenciones varias que van realizándose a lo largo y ancho del país (o incluso del planeta). No hay más que echar un breve vistazo para poder observar que hay verdaderos ARTISTAS metidos en este tema.

Hoy, y para abrir la sección, os traemos a una de los mencionados artistas del cosplay en nuestro país: ¡Motoko Kagemusha!

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Kayle (League of Legends), por Hello Gam3r

Motoko es una de las veteranas en el mundillo del cosplay en España, y así los demuestran las grandes cantidades de disfraces y personajes que ha representado, y además, ¡con mucho arte, mimo y cuidado! Si queréis saber y ver más sobre Motoko y sus cosplays, tenéis su facebook oficial Motoko Kagemusha Cosplay, además de ser bien conocida en las redes cosplayer =)

Y aquí empezamos con la entrevista a Motoko Kagemusha. Hablaremos sobre cómo empezó todo, cómo ha evolucionado el mundo del cosplay en España, lo más divertido (y lo que menos) de ser cosplayer, algunas polémicas de los últimos tiempos, ¡y mucho más!:

– ¿Cuándo empezaste a ser cosplayer? ¿Qué fue lo que te atrajo al mundillo?

Empecé bastante desconocedora de lo que era todo, la verdad que ni siquiera sabía que era “ser cosplayer”, yo leía mangas y un día fui al Expocomic de Madrid (cuando se celebraba en Conde Duque), y descubrí que había algunas personas que se disfrazaban de sus personajes favoritos de los comics…y pensé, ¿por qué no?, asique al año siguiente, decidí ir a Expomanga disfrazada (decir que todo era rasete y no había tantas telas como ahora, tú decías, es para un disfraz, y te daban eso) y así fui, al Expomanga ( en el Hotel Puerta de Toledo) disfrazada de Lima del Manga Saber Marionette J.

– ¿Qué cambios significativos has observado en el mundo del cosplay español? ¿Crees que ha evolucionado? ¿Qué echarías en falta?

Uuff, ha cambiado una barbaridad; antes éramos cuatro gatos con trajes y pelucas brillantes haciendo el cafre por decirlo así, y que ni nos fijábamos si estaba bien rematado algo o no. Ahora, todo es por decirlo así, super-evolucionado, hay mil telas, mil técnicas nuevas para usar la goma eva, mil abalorios… Me gusta mucho, eso sí, porque ves cada maravilla… En todos estos años yo también he evolucionado, claro que sí, aunque creo que de una forma más lenta de cómo va la gente ahora jajaja.

Y echar en falta…el buen rollo, que hoy por decirlo así, la gente echa muchas piedras fuera y no disfruta realmente de lo que es ser cosplayer, llevar tu traje y que dé igual de qué vaya el otro, que es para pasárselo bien y disfrutar del hobby que se tiene en común y no criticar por criticar, alabar el trabajo del amigo o del desconocido y no pensar en cosas como… yo soy mejor que tal o que cual solo por saber o no coser. Ninguno somos modistos y ninguno empezamos sabiéndolo todo.

Nidalee Leopard (League of Legends), por Dani Diaz

– ¿Cuál de todos tus cosplays te ha costado más llevar a cabo y por qué? ¿Cuál es el que recuerdas con más cariño/con el que mejor lo pasaste?

El que más me ha costado, es difícil de decidir porque tengo muchos que me han dado más de un dolor de cabeza, sobre todo alguno que no lo pensé cuando empecé con ellos, como el de Sweet pea de Sucker Punch, tenía tantos cortes y patrones raros… que no supe cómo hacerlo y pasé días pensando cómo despiezarlo. Otro fue el de Musqueter de Granado Espada, que tiene mil cosas y m mil patrones y mil piezas.

Y con el que mejor me lo pasé… (decir que después de tantos años se me puede pasar alguna cosa porque son muchas experiencias con cada traje) pero sobre todo con el de Viola de Eternal Sonata, Mugen de Samurai Champloo y Sokka nación del fuego de Avatar, por poner unos ejemplos.

– ¿Qué parte de todo el proceso de realizar un traje y un cosplay es la que más trabajo requiere para ti? ¿La peor y la mejor parte?

El trabajo más duro que veo yo, es el de patronar una pieza, ya sea de tela o de armadura, ya que tiene que “quedar bien”, sino…te pasarás horas reajustando y gastando material hasta que salga y eso frustra muchísimo, es en lo que más tardo.

La peor pensar todo el proceso de las cosas que tienes que comprar, como irá el traje, si podrás moverte, si debes hacer algún cambio para reajustarlo a tu cuerpo etc.

Y la mejor, el llevarlo,  sin duda.

– ¿Alguna experiencia fatídica? ¿Y otra memorable?

En general las malas experiencias son cuando te rompe alguien algo del traje o se te descose algo antes de una exhibición o simplemente se te descose y no tienes cómo arreglarlo.

Y las memorables, cuando alguien reconoce el personaje del que vas cosplayeado y se emociona al verte.

– Pregunta «arriesgada»: ¿cosplay por amor al arte o por amor a la exposición/reconocimiento/premios?

Jajajaja pregunta trampa más bien, pues realmente empezó por amor al arte y por probar algo nuevo, a mí que me gustan mucho las manualidades y ponerme retos, era una forma fácil de hacerlo, pero una vez han pasado los años, te vas emocionando más por hacer algunos casi imposibles, y quieres grupales para estar con gente que le gusta lo mismo e ir todos juntos. Claro que gusta que te reconozcan, y claro que gusta ganar, pero principalmente lo que me lleva a hacer cosplays es pasármelo bien, y nunca negaré eso, disfruto mucho de la compañía de mis amigos y de la gente que le gusta lo mismo que a mí y sobre todo, llevarlos. Me hace sentir muy feliz y que puedo con todo, me hace evadirme de la realidad y estar en una situación y momento diferente al que estoy normalmente, y eso me hace feliz.

– Otra pregunta (más) arriesgada: ¿crees que se hacen trampas en este mundillo? Por ejemplo, gente que se compra el traje entero hecho en lugar de fabricárselo uno mismo… ¿Se tiene en cuenta ese tipo de detalles entre los cosplayes? ¿Y entre los jurados de los concursos?

Trampas..no lo creo como tal, una cosa es que te compres el traje porque no sabes coser y no tienes tiempo para ello, y otra es presentarte a un concurso con él para ganar algún premio o distinción por tu trabajo, yo soy de las personas que piensan que si te gusta y no puedes, págalo y disfrutas de llevarlo, pero si te vas a presentar a un concurso con el traje que has comprado, no juegas con la misma moneda que el resto de concursantes que se lo ha currado ellos, ya sea más o menos elaborado. Todo cosplay lleva su trabajo, eso me parece más que trampas, injusto y que no se debería permitir; e insisto, para presentarse a un concurso de cosplay, no para llevarlo a un evento.

– ¿Qué recomendaciones harías a aquéllos/as que quieran introducirse en el mundo del  cosplay?

Que dejen a un lado todo eso de… ese es mejor o ese es peor, todos empezados sin saber, yo la primera, y disfrutar del hobby, conocer gente con los m ismos gustos y compartir cosas es lo mejor y lo que te deja siempre un buen sabor de boca. Que pidan ayuda si no saben hacer algo, todos los que estamos en esto hemos pedido y la seguimos pidiendo y nunca vamos a negar ayuda al que lo necesite (ayuda, no el ”házmelo por que sí”). Y que no se echen atrás porque haya gente fea que se meta con ellos, que es un hobby y es con lo que venimos a pasárnoslo bien y disfrutar de una actividad sana, y los que contaminan, ¡a la calle!

Muchas gracias por la entrevista, Motoko. Abajo os dejamos una muy breve galería y muestra de algunos de sus (impresionantes) cosplays (y la impresionante labor de los respectivos fotógrafos). Y no os despistéis, ¡que esto del cosplay no ha hecho más que empezar!

Expocómic Madrid 2015

Un año más la Asociación Española de Amigos del Cómic nos traen el evento protagonizado por el denomiado «9º arte» más importante de Madrid. Con el Pabellón de Cristal del Recinto Ferial Casa de Campo como escenario, nuevamente.

Lo primero a resaltar es que, al menos durante el domingo (día en el que servidora asistió) no hubo que hacer colas para entrar, ni durante la mañana (Y eso que no madrugamos mucho), ni después de comer… algo que se agradece tras las experiencias vividas en otros eventos similares. Supongo que la organización estuvo acertada en ese aspecto (también observé a varios miembros del staff una vez dentro del recinto).

Sobre el tema que suele llamar más la atención durante estos acontecimientos: el cosplay. Teniendo en cuenta que el domingo no fue el día del concurso, me sorprendió ver varios de mucha calidad, y bastante variados. Estaba claro, la estrella (nunca mejor dicho) este año iba a ser Star Wars, como así lo ha demostrado la propia organización paseándose por el recinto con varios soldados imperiales. Por otro lado, sectores como el de Deadpool han supuesto un soplo de aire fresco, y un gran acierto el haber contado con los varios «Deadpools» que había pululando por el salón, todos ellos unos gamberros (como el personaje al que representan): de hecho, no he sido capaz de sacarles ni una sóla foto donde no se movieran (mi cámara del siglo pasado tampoco ayudaba…).

En resumen, una vez más el Expocómic ha supuesto una reunión de todos aquellos amantes del cómic en general (no sólo el manga, que también), donde se ha disfrutado de un dinámico fin de semana, con varios eventos, una organización correcta, gente muy maja y cosplays muy muy trabajados. ¡Qué pena que se pase tan rápido!

Por supuesto, no quiero terminar sin agradecer a todos y todas aquellos cosplayers que se han prestado a posar para las fotos. Desde Nemesis Cosplay, Sanae Prime, Yoliwyvern, hasta Motoko Kagemusha ( y perdón que no me acuerde ni nombre al resto, pero de verdad, a todos, ¡GRACIAS!).

Esos reticentes (y desgraciados) inmortales…

ATENCIÓN, TEXTO CON SPOILERS DE LAS RESPECTIVAS SERIES/PELÍCULAS/VIDEOJUEGOS QUE SE COMENTAN

 

– Drácula (el de Bram Stocker y dirigido por Francis Ford Coppola):

Cómo no vamos a empezar por el más emblemático de los inmortales. EL vampiro por antonomasia. En manos del director de cine Francis Ford Coppola, y con la imagen de un jovencito (y sexy) Gary Oldman, el personaje adquiere unas dosis de dramatismo y romanticismo (del bueno), que nunca antes le habían caracterizado (el Drácula tradicional era un «lady killer» sin más).

En esta ocasión, tenemos a nuestro afamado antihéroe/villano herido en su inmortal corazón desde el minuto uno de la cinta, cuando se nos cuenta que (antes de ser inmortal y siendo conocido como Vlad Tepes) su mujer Elisabetta se suicida tirándose desde lo alto de una torre. Vlad puede sufrir derrotas, barbaridades y atrocidades, pero no que su amada se mate, así que él mismo, corroído de dolor, hace un pacto con el demonio para hacerse inmortal y así poder volverse a encontrar con la reencarnación de su amada… cosa que sucede unos cuantos siglos después (en la Inglaterra victoriana, para más datos). Elisabetta es ahora (o es exactamente igual, ya que a ambas las interpreta Winona Ryder) Mina, prometida de un carapálico con peinado de Nick Carter que responde al nombre de Jonathan Harker (no importa Keanu, tú siempre estarás hermoso). Evidentemente, aquí no hay color, y en cuanto Mina ve a Drácula vestido con traje y sombrero y susurrándole guarradas al oído, ya cae rendida a sus pies, y al Jonathan que le den. Pero no terminan aquí las desdichas de este Drácula, ya que aparece en escena un tal Van Hellsing (aquí es sir Anthony Hopkins quien le pone rostro), que quiere dar caza al vampiro. Una cosa lleva a la otra y bueno, Drácula acaba muriendo en brazos de su amada Mina/Elisabetta, quien además le da el golpe de gracia. Muy romántico todo

– Kaim (y casi todos los protagonistas de Lost Odyssey)

Cuando Hironobu Sakaguchi se fue de Square Enix, juró que seguiría haciendo historias épicas para las consolas de nueva generación. Así y con todo acabó surgiendo Lost Odyssey, una de las maravillas del RPG para X-Box 360.

La historia de Lost Odyssey nos presenta a Kaim, el principal protagonista, que da la casualidad de ser inmortal, y lleva más de mil años vivo. Esto en sí no significaría nada, aparte de ser el sueño húmedo de villanos de toda la vida como Freezer, Vegeta (cuando era malo), Voldemort, Orochimaru, etc. Pero resulta que Sakaguchi nos presenta esta situación en el videojuego como una maldición, algo con lo que hay que cargar y que te acaba llevando por un camino lleno de pérdidas y de soledad (para más inri, los inmortales de este juego van perdiendo sus recuerdos y al final no se acuerdan ni de quiénes eran sus hijos/nietos/abuelos). La magistralidad de todo esto es que Sakaguchi nos presenta estos momentos de introspección y profundidad de la mente de los personajes a través de breves historias o cuentos narrados en forma de sueños de Kaim a lo largo de todo el videojuego, lo que provoca que a más de uno se le salga la lagrimilla. Para muestra, un botón:

https://www.youtube.com/watch?v=CdOpxvlNw48

– Eduardo Manostijeras

No es que sea exactamente inmortal… más que nada, porque es más una máquina que un ser humano, y como máquina no envejece. No obstante, el final de la película de Tim Burton me parece uno de los más desoladores de cuantos he visto. Por un lado está Kim (otra vez Wynona Ryder, que en los 90 estaba en todas partes), envejecida, contándole su historia y la de Edward en forma de cuento a su nieta, dentro de una cálida casa mientras afuera nieva… Y por el otro está Edward, exactamente igual a como lo recordaba Kim de joven, viviendo solo en un castillo zarrapastroso y realizando figuras de hielo. Una de ellas, de Kim bailando bajo la nieve, quizás lo más parecido a una compañía que pueda tener. Y es que a Edward lo ha acompañado la soledad desde su «nacimiento».

Fue creado por un viejo inventor (el mítico Vincent Price) que asimismo fabricaba galletas y trabajaba con alimentos. Este señor un día vio una cortadora de lechuga y le entró la inspiración, y de ahí surgió Edward. Lástima que, justo cuando este señor padre le iba a entregar a Edward lo último que le faltaba para «estar completo», que eran unas manos, va y le da un chungo y se muere. Desde entonces Edward se queda compuesto y sin manos… hasta que llega una señora vendiendo cosméticos (por algún extraño motivo, pensé que algo podría vender en el castillo zarrapastroso). La señora (que da la casualidad es la madre de Kim) se encuentra con Edward, le enternece (y a quién no, si era un espectacular Johnny Depp) y se lo lleva al residencial donde viven ella, su familia y todos sus asquerosos vecinos (moraleja de la película: en TODAS partes hallarás vecinos asquerosos). Al principio como Edward es exótico y novedoso, pues es la atracción principal de las marujas del barrio… pero como, básicamente, nunca ha estado con gente más allá de su «padre», Edward no tiene ningún tipo de concepto de lo que es vivir en sociedad. Súmale a eso la increíble asquerosidad de los vecinos y el chuloputas celoso del insti ex novio de Kim. Y ahí tienes el resultado: policía, griterío, Edward huyendo de vuelta al castillo derruido (y siendo dado por muerto) y una Kim que ya se había enamorado del muchacho nerd y que también se queda sola… pero que luego acaba teniendo nietos, no se vayan a creer, así que el que más solo y desgraciado se queda es Edward.

– Zeref Dragneel

El antagonista principal de Fairy Tail es el más desgraciado de los villanos y también el más desdichado de los inmortales. En serio. Veamos por qué:

Primero que no es un tipo lo que se dice malo MALO, para nada. Zeref era un muchachito estudiante de magia que hace 400 años empezó a interesarse por magias prohibidas debido al fallecimiento de su hermano menor, Natsu (original…). Hasta ahí todo bien. No tenía malas intenciones ni quería fastidiarle la vida a nadie, ni conquistar el universo, sino sólo entender por qué la gente nacía y moría. Desoyó los consejos de sus maestros, quienes horrorizados por sus investigaciones le pidieron que no siguiera por ahí. Pero Zeref llegó a la adolescencia y como todo adolescente se pasó los consejos de los mayores por donde todos imaginamos. Así que acabó siendo maldito por la magia negra de Ankhseram, lo que le causó no sólo ser inmortal, sino que además todo aquello que se le acercase acabaría muerto, puesto que dicha maldición también era conocida como la maldición contradictoria (esto es, a más apreciaras algo, antes desaparecería). De este modo, lo primero que le pasó a Zeref es que todos aquéllos que estaban cerca de él (sus maestros, etc.) murieron en el momento en que se dieron cuenta de que estaba maldito. Visto lo traumático de la experiencia, no es de extrañara que Zeref se autorecluyera y se dedicara de ahí en adelante a vagar sólo por el mundo, ya que su maldición se hacía extensible a animales y plantas. Bueno, no sólo eso, también se dedicó, en sus ratos libres (que en 400 años dan para mucho) a crear su propio «mundo virtual» de seres por los que no sentiría nada, por lo que tampoco podrían morir. Entre sus creaciones, finalmente logró revivir a su hermano, dotándolo de poderes que de tal forma pudiese ser él el que acabase matándolo (nota añadida: como buen inmortal, Zeref no puede morir así intente suicidarse o le caiga un camión encima).

Peeeeero no acaba aquí la cosa. Faltaba una historia de amor (trágica, claro, como todo en la vida de este chico). Así que Zeref conoce por casualidad a Mavis, una maga que acabaría siendo la fundadora del gremio Fairy Tail que da título al manga. Al principio se hacen amigos (ya que Mavis es capaz de crear ilusiones de seres vivos, que se acercan a Zeref sin que la maldición de éste los mate) y de ahí Zeref acaba enseñándole su magia negra a Mavis… lo que provoca que ésta también acabe con la misma maldición. Así las cosas, Mavis y Zeref, como dos malditos inmortales que son, acaban juntos y consolándose el uno al otro. Y Zeref besa a Mavis. Para qué. Pues va y la mata (sin querer, claro). Y tenemos de nuevo a otro inmortal solo, compuesto y sin novia.

Hay muuuuchos más inmortales (más si incluimos a los zombies) por ahí, pero no da para hacer todo un artículo sobre ellos. Pensé en meter a algunos muy emblemáticos y desgraciados también, como Hohenheim, el padre de los populares hermanos Elric; pero creo que Zeref ya se asemejaba bastante a él (y apuesto mi diente de oro a que va a terminar de una forma similar también).