Madrid Otaku regresa este fin de semana a Madrid con varios artistas japoneses entre sus invitados

La cuarta edición de Madrid Otaku, el evento de manga, anime, videojuegos y cultura japonesa, se celebrará los días 15 y 16 de junio en el Pabellón de Cristal del Recinto Ferial de la Casa de Campo en Madrid.

El cartel está diseñado, como ya es tradición, por el japonés Makoushi, que también estará presente en esta cuarta edición.

Según han asegurado desde la organización, la Asociación Cultural Nippon, uno de los platos fuertes de la cuarta edición son los invitados, entre quienes se encuentra el productor y DJ japonés Tomotaka Misawa, quien ha realizado trabajos de anime, películas, series y anuncios para televisión, además de ser uno de los DJ de «anisong» más relevantes del momento en Japón. Misawa también es responsable de la producción y planificación de la serie anime Urawa no Usagi-chan, cuyo objetivo es promover Urawa en la prefectura de Saitama, Japón. La serie se estrenó en el país nipón el 9 de abril de 2015 y debido a su éxito contribuyó significativamente en el desarrollo regional.

El cosplayer Knitemaya es el segundo invitado. De origen griego y residente en Australia, cuenta con una prolífica carrera profesional como modelo además de «ser un importante referente internacional en el mundo del cosplay», han asegurado.

El compositor y novelista japonés Sunamori Taketeru es el cuarto invitado. En el año 2013 publicó su primer disco en la discográfica Flying Dog. También ha escrito las novelas ligeras y el guion del manga basado en su obra sonora, Kakusei Love Survivor, publicado por Kadokawa Dengeki. Recientemente ha compuesto bandas sonoras para videojuegos, incluyendo el éxito de Square Enix Grimmsnotes.

La banda de metal japonés IRON ATTACK!, que ya estuvieron presentes en la edición anterior, son los quintos invitados, trayendo con ellos sus nuevos disco. Grupo otaku especializado en arreglos de piezas musicales que aparecen en la franquicia Touhou Project y activos desde 2007, ha sido grupo invitado al Japan Expo de París y realizado un exitoso tour mundial en países como Japón, Alemania, Suiza, Francia, China, Taiwan, etc. Las ventas de discos en Japón ascienden a más de 4000 copias por título.

La cosplayer Yumi Akai es la sexta invitada, habiendo recibido varios premios nacionales por sus actuaciones y trajes. También ha sido invitada en eventos celebrados fuera de España.

El profesor, escritor y humanista Carlos Gracia es el séptimo invitado, además de ser autor de las novelas El factor Raudive, Río de enero y de la antología El horror que vino de Japón, entre otras.

It’s FandubTime es el octavo invitado. Fran Cruz es un actor de doblaje profesional y cantante amateur nacido en Sant Joan d’Alacant. Su canal de YouTube comenzó en 2012, donde se dedica a hacer doblajes caseros y a versionar canciones de anime al español. Fue a partir de su participación en canales como iTownGameplay y su participación como «Fred» en la webserie de Edd00chan & MrDsaster INC que fue creciendo hasta contar con cerca de 200 mil suscriptores. En 2017 comenzó su trayectoria profesional como actor de voz. Desde entonces, ha tenido la oportunidad de interpretar a personajes como «Free de la Hoya» en la serie de Beyblade Burst Evolution retrasmitida en Boing, «Nibi» en la serie anime de Netflix Kujira no Kora wa Sajou ni Utau (Hijos de las ballenas) y el papel de «Baki Hanma», protagonista en la serie Baki, de la misma plataforma.

Hellyon White es una ilustradora y artista conceptual que trabaja asimismo como ilustradora de portadas para Games Tribune. Está creando su propio manga Waltz of Veri y un libro ESP food Gijinka con diseños de personajes basados en la cocina española.

Jill Styler comenzó en el mundo del cosplay en el año 2009 y es cosplayer profesional desde el año 2016. La mayoría de sus fans son españoles y de América latina. Ha sido modelo y cosplayer para Capcom, Blizzard, Meridiem Games, Namco Bandai y Mercury Steam entre otros para promocionar diversos lanzamientos de videjuegos. También ha sido invitada en diversos eventos de toda la geografía nacional además de eventos de América Latina en países como Argentina. Jill Styler formará parte del jurado de los concurso de Cosplay del Madrid Otaku 2019, dará una charla y tendrá un stand de venta de «prints».

Las siguientes invitadas son Heroic Knight, conformado por Hinamiya y Kakai, dos cosplayers procedentes de la prefectura de Shizuoka, Japón. Tuvieron su primer contacto con “Odottemia Dance” (Dance Cover) mediante youtube y NicoNico Douga. Aunque no tenían experiencia anterior con el baile presentaron su primer actuación desde en el escenario de “Mt. Fuji Cosplay World Conference” en 2015. Además crearon Heroic√Knight’ en 2016. Su equipo de cosplay es activo en Shizuoka y Kanto. Hicieron uso de su experiencia en el evento de cosplay y organizaron el evento ‘Fuji Perform’, que se centró principalmente en el rendimiento de cosplay, primero en septiembre de 2016 en la prefectura de Shizuoka. Como equipo acaban de ganar el concurso preliminar de World Cosplay Summit 2019 en Marzo de este año y participarán como participantes de Japón el 19 de Mayo de 2019.

En la línea de cosplay vendrán también Mikado Izumi y Yuuhiouji, que conforman WizUs. Desde 2014, incluyen nuevos métodos como el baile moderno, Tate (lucha de espadas japonés), bailes con espadas y baile tradicional japonés en sus actuaciones con cosplay. Recientemente han realizado una actuación propia de “Tauken Ranbu” y “Fate/Grand Order” en el escenario de distintos eventos de cosplay en la región de Kanto, Japón. También han ganado el 3 lugar en el Japan Representative Contest in World Cosplay Summit en 2018.

La cantante de j-pop y «anisong» Nana Okabe es la siguiente invitada, que trabaja con la discográfica japonesa Haf Records bajo varios registros, desde las «power ballads» hasta el rock o la electrónica. Nana Okabe dará un concierto en Madrid Otaku 2019.

Madrid Otaku contará asimismo con charlas adaptadas con intérprete LSE (Lengua de Signos) para que sean accesibles a las personas sordas durante las distintas conferencias y eventos, entre los que se encontrarán el típico karaoke, charlas sobre Ghibli o viajar a Japón de parte de instituto Kojachi, o sorteos sobre conocimientos de anime, entre otros.

Las entradas al Madrid Otaku 2019, de 8 euros un día y 14 euros los dos, ya se encuentran a la venta a través de su página web.

Algo pasa con los salones de manga y anime en Madrid

Corría el año 2002 y un pequeño evento centrado en el mundo del manga y el anime comenzaba a tomar forma en Madrid, concretamente en el Hotel Puerta de Toledo y bajo en nombre «Expomanga». Entradas desde tres euros, gratuitas para los visitantes que acudieran haciendo cosplay, mangas de regalo y poco espacio para un determinado número de asistentes marcaron estas primeras ediciones de una convención que probablemente aspiraba a seguir los pasos del Salón del Manga de Barcelona, la que sigue siendo principal celebración de estas características a nivel nacional.

Pasaron los años, Expomanga se mudó a los pabellones de la Casa de Campo, pero las entradas, aunque subían, seguían manteniéndose en unos asequibles cinco euros, gratuidad para los cosplayers y un evento que, aunque iba creciendo a ojos vista, seguía manteniendo esa sensación de estar dirigido a ciertos nichos más o menos reducidos del mercado. 

Avanzó el tiempo y dichos grupos fueron aumentando, el pabellón de la Casa de Campo se quedó pequeño, máxime con el aumento de la rigurosidad de las normas tras los desgraciados acontecimientos del Madrid Arena, y Expomanga volvió a mudarse al recinto ferial más grande de la capital, Ifema. Evidentemente, esto conllevaba una subida de tarifas en las entradas a casi quince euros en algunos de los casos. Las entradas gratuitas para cosplayers habían desaparecido ya unos eventos antes por su falta de rentabilidad en una convención que se encontraba masificada.

Una de las últimas celebraciones de Expomanga en la Casa de Campo

Sin embrago, Expomanga no fue la primera en moverse a Ifema, el paso lo había dado antes Japan Weekend, una celebración de la cultura pop japonesa (aunque en ocasiones parezca que cada vez menos), más reciente pero que había crecido a una velocidad más vertiginosa, principalmente por su doble sesión anual en Madrid los meses de febrero y septiembre.

Podríamos decir que, si bien Expomanga es la veterana, Japan Weekend es la que se ha instalado más hondo en este tipo de certámenes capitalinos. Ha sabido aprovechar mejor la marea otaku que se multiplicaba rápidamente en Madrid y, a base de una variante de entradas «anti crisis» (en colaboración con Selecta Visión), a base de traer a curiosos invitados provenientes de Corea y Japón, es seguramente a día de hoy la que mayor número de asistentes atrae.

Expomanga, que estaba organizada principalmente por la Asociación Española de Amigos del Cómic, pasó a manos de Conceptum! Spain, y pasó a denominarse Héroes Manga Madrid. Si bien con este cambio pretendían probablemente crear una asociación con la otra gran convención anual de cómics (no solo japoneses), que también organizaban, Héroes Comic Con (antes Expocómic), lo cierto es que en el imaginario colectivo se sigue escuchando habitualmente flotando la palabra»Expomanga».

Japan Weekend en 2016, celebrándose ya en Ifema

Llegamos a la actualidad, Héroes Manga vuelve a anunciar cambio de organizadores y éstos a su vez que este año no habría cita habitual en abril/mayo (como suele ocurrir desde el inicio de estas celebraciones) para poder mejorar las condiciones de cara al 2020. Y aquí ocurre otra sorpresa en un corto lapso de tiempo. Se anuncia la llegada de la primera edición de Mangadrid.

Mangadrid no guarda relación alguna con la organización detrás de Héroes Manga, pero sí con la de Japan Weekend. Pareciera que han querido aprovechar el vacío (aparentemente temporal) dejado por éstos para intentar ocupar este espacio en abril/mayo.

Ha habido varios problemas con esta jugada. Por un lado, la falta de tiempo (es fácil intuir que organizar este tipo de acontecimientos puede llevar fácilmente varios meses) les ha pasado factura en la ausencia de una carta de invitados abultada, aparte de algunas cantantes y cosplayers, todos ellos nacionales. También, claro está, en la escasez de promoción y de una campaña de marketing amplia y que llegase a un mayor número de gente que la que habitúa este tipo de espacios en redes sociales.

Por otro lado, seamos claro, existe una saturación de este tipo de eventos en Madrid. De una única convención anual con Expomanga se pasaron a tener tres, y posteriormente se les unió Madrid Otaku, que pretende volver a los viejos y añorados tiempos de la Casa de Campo con entradas más asequibles y una interesante carta de invitados. En total ya son cuatro celebraciones del mundo del manga y del anime en la capital.

Madrid Otaku 2018

En frente tenemos a Barcelona, cuna del Salón del Manga, que sigue estando ahí, rígido e imparable, a pesar de que Japan Weekend también ha aterrizado en la ciudad condal. Pero aparte de estos dos eventos, no hay más (nos estamos ciñendo al anime y al manga, recordamos). Madrid los duplica.

¿Y qué podemos hallar de distinto de una convención a otra? Pues, aparte de los invitados y quizás algunas actividades, poco más. En todas ellas encontrarás los mismos stands comerciales (y no todos con material oficial), los mismos concursos (de cosplay, de karaoke, de baile…), sala de proyecciones, etc.

Lo que sigue manteniendo a estos salones es el hecho de que la gente va a pasarlo bien en un espacio donde, por unas pocas horas, puede sentir una sensación parecida a la plena libertad, tras pasarse semanas enteras entre personas que probablemente y salvo excepciones no comparten esta afición. Una especie de refugio repleto de actividades y merchandising que hipnotiza, similar a un sueño. Pero unas entradas cada vez más caras y el mayor número de celebraciones hace que la gente se vuelva selectiva.

Desde aquí deseamos realmente que tanto a Mangadrid (que por cierto ha confirmado volverá a estar presente en mayo de 2020, aparte de las Japan Weekend) como al resto de organizaciones les vaya bien y puedan crecer para ofrecernos cada vez más lujos del mundo otaku; no obstante en ocasiones es necesario pararse a pensar y reflexionar sobre qué es lo realmente necesario para este tipo de consumidores y cómo se puede evolucionar, no solo hacia entradas más abultadas de precio, sino hacia la verdadera innovación.

Mangadrid 2019: Una nueva forma de disfrutar el manga y el anime

Mangadrid llega por primera vez a la capital este fin de semana y contará con la participación de Mina StarliartShiroki, Kokoam y Nebulaluben, cuatro invitadas del panorama cosplay, y Star Berry y Nana Okabe, dos artistas del mundo de la música.

Nebulaluben es una cosplayer madrileña desde 2008, apasionada de los videojuegos y el mundo de la ciencia ficción. Según han indicado en nota de prensa, su objetivo es superarse en el cosplay desde cualquier frente, ya sea costura o impresión 3D.

Con varios premios a sus espaldas, Mina Starliart no ha dejado de destacar en concursos y eventos nacionales como con el grupo Twerking Muses o la Japan Weekend Idol Festival.

Shiroki descubrió su pasión por la costura con el cosplay y centró sus estudios y carrera profesional en ello, gracias a lo cual ha recibido varios premios en territorio nacional.

Kokoam descubrió el mundo de la costura con el cosplay, toda una pasión para ella. Fue elegida para representar a España en Eurocosplay 2017 y será la representante individual de ICL (siglas de International Cosplay League) en la final de este año.

Actuaciones musicales en Mangadrid

Mangadrid dará el pistoletazo de salida la semana que viene en el recinto ferial Ifema y lo hará de la mano de invitados en el terreno musical como Nana Okabe o Star Berry, quien ofrecerá un taller de «wotagei» («arte del otaku») y después actuará el domingo a las 16:30.

La artista Nana Okabe ha publicado varios singles, EP’s y un disco con HAF Records. En Noviembre de 2016 debutó en un recopilatorio junto a otras artistas del panorama «anisong» (temas de anime) y en marzo de 2017 sacó su primer disco en solitario.

Torneos y actividades vinculadas al mundo del manga y del anime

Mangadrid contará asimismo con diversas actividades, habituales en este tipo de eventos, centradas en el mundo del manga y del anime. Tal es el caso de los torneos de videojuegos como Dragon Ball Heroes o Jump Force; o un acercamiento al idioma japonés de la mano de Academia Haru Hana o Instituto Kojachi.

Se dispondrá además de zona de artistas, stands de merchandising y concursos de cosplay o karaoke, entre otros.

Yakusoku No Neverland (The Promised Neverland), infancia truncada

La primera temporada de Yakusoku No Neverland (The Promised Neverland) ha llegado a su fin tras 12 episodios (que adaptan más de 30 del manga creado por Kaiu Shirai y Posuka Demizu) que nos han ido dejando sin respiro y que, en realidad, tienen un arranque inmejorable para ir luego de menos a más.

El estudio Cloverworks (Darling in the Franxx) están al cargo de esta adaptación animada, dirigida por Mamoru Kanbe (Baccano!, Elfen Lied) y con guión de Toshiya Oono (Ao no Exorcist: Kyoto Fujouou-hen). Sin duda alguna, podríamos decir que estos dos elementos son clave en The Promised Neverland, ya que el guión te mantiene enganchado y la dirección se encarga de añadirle tensión y suspense. Lamentablemente, y más aún en comparación con el manga, el anime no siempre llega al sobresaliente en estos apartados.

De hecho, el guión es quizás su punto fuerte y a la vez débil. Por un lado, llega a alcanzar un ritmo endiablado que culmina en dos últimos capítulos brillantes; pero por el otro tiene un intermedio al que en ocasiones le cuesta despegar. El hecho de que adapte tantos capítulos del manga en solo 12 episodios de anime hace que además varias cuestiones se queden en lo superficial y que no lleguemos a empatizar tanto con los personajes como se debiera (la hermana Krone es el caso que más se me viene a la mente).

En cuanto a la dirección, de nuevo valorándola como adaptación, lamentablemente se queda asimismo a medio gas a pesar de algunos momentos muy logrados (el péndulo del reloj, los pasillos) y del último espectacular episodio. Desde luego, no alcanza el nivel de tensión que impregna la atmósfera en el manga. Quizás parte de esto haya sido la decisión, por algún motivo (¿para darle mayor suspense?), de prescindir de los monólogos internos de los protagonistas, una de las características esenciales de la versión en papel y que aportan mayor profundidad a los personajes, lo cual será importante también en tramas futuras.

En cambio, en la adaptación al anime han optado por expresarse a través de conversaciones en voz más alta de lo deseado (recordamos que son niños planificando una huida en una casa no demasiado grande), lo que puede llegar a causar estupor ocasional en el espectador (me sigo preguntando cómo ni «mamá» ni  ninguno de los otros niños pudieron no percatarse de algunas situaciones).

El argumento, que mezcla perfectamente el suspense y momentos de terror, especialmente del psicológico, nos cuenta la vida aparentemente idílica de unos huérfanos en una casa en medio del campo con la mujer a la que llaman «mamá» como única presencia adulta. Sin embargo, la partida de uno de los menores destapa un gran misterio que cambiará sus vidas para siempre.

Entre los protagonistas destacan Norman (voz de Maaya Uchida), Emma (Sumire Morohoshi) y Ray (Mariya Ise), cuya química es esencial para la narrativa, especialmente entre los dos últimos de cara a las tramas inmediatas (como representantes más claros del idealismo y el pragmatismo, respectivamente). Sin embargo, y aparte de Norman, yo me quedo con «mamá» (Yuuko Kaida), la villana que hace que le desees la peor de las muertes para que al final te acabe llegando (un poquito) al corazón.

Por lo demás, Yakusoku No Neverland destaca por su apartado técnico, con una animación muy lograda y con calidad constante en todos los episodios. Los diseños de los personajes, que corren a cargo de la propia Posuka Demizu y de Kazuaki Shimada, y el estilo de dibujo recuerdan a algunos de los anime de la década de 1990, lo que puede llegar a ser nostálgico.

La música, compuesta por Takahiro Obata, es clave en algunos momentos como en el último episodio, pero en otros puede resultar algo desincronizada. Lo mejor en este apartado sin duda es el opening, «Touch Off» de UVERworld; aunque los ending, «Zettai Zetsumei» y»Lamp» de Cö shu Nie, tampoco se le quedan muy atrás.

En definitiva, esta primera temporada de Yakusoku No Neverland es una adaptación muy correcta que en algunos momentos alcanza la perfección, pero lamentablemente en otros se queda a medio gas, especialmente en lo referido a la atmósfera y a la profundidad que se percibe en algunos personajes en el manga. Sin embargo, es fácil verse los 12 episodios en un suspiro y quedarse con ganas de más. Para eso tendremos que esperar a la llegada de la segunda temporada en 2020.

Dororo o la esencia del relato japonés

Osamu Tezuka, conocido popularmente como el «dios del manga» debido a su prolífica carrera en el género cuando todavía no atraía a las masas (especialmente en su país de origen, donde actualmente se calcula que acapara más del 40% del mercado editorial), comenzó a publicar en 1967 Dororo, sobre el periplo de Hyakkimaru, un joven que había nacido sin extremidades ni ninguno de los sentidos y del ladronzuelo que da nombre a la obra, ambientada en el Japón del período Sengoku.

Han pasado los años (Dororo terminó de publicarse, abruptamente, en 1968) y el título de Tezuka sigue generando distintas versiones en formato de largometraje, videojuego o el anime que nos ocupa, desarrollado por el estudio MAPPA (Zankyou No Terror, Yuri!!! on Ice) junto a Tezuka Productions.

Dirigida por Kazuhiro Furuhashi (anime y OVAs de Rurouni Kenshin y HunterxHunter), con guión de Yasuko Kobayashi (Death Note, Shingeki No Kyojin, Claymore), como adelantábamos, la historia sigue los pasos de un misterioso joven llamado Hyakkimaru (voz de Hiroki Suzuki), quien carece de extremidades, nariz, habla, vista, oído y sentido del tacto, en su recorrido por recuperar todo lo perdido mediante la derrota de monstruos o demonios. En su camino se topa con Dororo (Rio Suzuki), un vivaz niño acostumbrado a sobrevivir en la adversidad gracias a su astucia, carisma y audacia.

Portada de la edición blu-ray. MAPPA y Tezuka Productions.

Uno de los grandes aciertos, tanto de la obra original como de esta adaptación, es el vínculo que se va estableciendo entre Hyakkimaru y Dororo. Niños ambos (pues Hyakkimaru no cuenta con más de 16 años y por su experiencia vital sabe del mundo incluso menos que su acompañante), se enfrentan a situaciones límite que únicamente los hace madurar y volverse más fuertes, especialmente en el plano emocional. En este sentido, Hyakkimaru, que es claramente el más aventajado físicamente de los dos, empieza siendo un guerrero bastante peculiar y muy diestro en la pelea debido a su portentosa habilidad nacida del puro deseo de vivir. Sin embargo, y al contrario de lo que pueda pensarse inicialmente, el ir recuperando los sentidos y extremidades no lo vuelve más fuerte. Incluso algunos de ellos (como el del oído) lo confunden en un principio enormemente, «como a una bestia herida que únicamente se refugia». Es, como decíamos, un recorrido hacia la madurez emocional más que la física, en un descubrimiento del mundo en su versión más cruda y más vivaz, lo que lleva inevitablemente a la conclusión de en qué clase de ser humano se convertirá Hyakkimaru, un ser que vivía inocente y «puro» en su mundo que va despertándose en una realidad cruel, pero cuyo vínculo con la humanidad se mantiene en Dororo.

Aparte de Hyakkimaru y Dororo, los claros protagonistas, en la narrativa aparece de forma recurrente el monje ciego Biwamaru (Mutsumi Sasaki), que hace las veces de unión con el espectador y voz de la razón; el «daimyo» y padre de Hyakkimaru, Daigo (Naoya Uchida); el hermano del protagonista, Tahomaru (Shoya Chiba); y de forma mucho más esporádica el médico en busca de redención Jukai (Akio Ootsuka); la joven Mio (Nana Mizuki); o los distintos individuos que se van encontrando los personajes principales en su camino (muchos de los capítulos son autoconclusivos); todos ellos forman un elenco bastante entrañable y repleto de tonalidades de grises, alejándose (generalmente) del maniqueísmo.

Dororo (2019). MAPPA y Tezuka Productions.

Porque Dororo es una obra que muestra la crudeza de la guerra y un Japón alejado de la prosperidad actual, con señores feudales enfrentados entre sí, hambruna e individuos desamparados e incluso fuera del sistema. La otra gran virtud radica, precisamente, en mostrar toda esta crudeza (con pequeños momentos de calma para darnos un respiro) y ahondar en las bases del relato clásico japonés.

Al menos en esta adaptación están presentes de forma preeminente elementos característicos de la cultura e historia del país del Sol Naciente, a saber: del budismo la figura de los dioses, especialmente la diosa de la misericordia o «Guanyin»en su versión china, y la percepción de distintas realidades; del sintoísmo y folclore algunos monstruos o «youkai» propios de las leyendas populares; del confucionismo y taoísmo la figura del mal gobernante con la consecuente pérdida de armonía y la aparente búsqueda de equilibro «yin y yang» o masculino/femenino; entre otros. Por no hablar, claro, de los samuráis, bandidos, monjes y demás figuras tan característicos del imaginario cultural nipón.

Este reflejo del «Japón clásico» se vislumbra asimismo en el estilo artístico, con fondos pintados a mano y acuarelas, así como diseños de personajes de Hiroyuki Asada y Satoshi Iwataki que, más que al estilo de Tezuka, nos recuerda al de los OVAs de Rurouni Kenshin, mucho más realistas.

Dororo (2019). MAPPA y Tezuka Productions.

Sin embargo, esta primera mitad de Dororo (que tendrá un total de 24 episodios) se mantiene algo irregular en la calidad de la animación; aunque nunca es mala. Dicho de otro modo, hay capítulos cuya animación es más soberbia que en otros, y esto es bastante apreciable.

La banda sonora, compuesta por Yoshihiro Ike, también nos ayuda a sumergirnos en Japón y sus sonidos característicos, como lo es la austeridad en sonidos rimbombantes, eclécticos y tecnológicos, y sí con la abundancia de tonos melódicos e instrumentales, sobre todo de elementos provenientes del país nipón como el koto o el shamisen. El opening («Kaen») y ending («Sayonara Gokko») de esta primera mitad, a cargo de Ziyoou-vachi y Amazarashii, respectivamente, son prácticamente insuperables (difícil legado tienen para la segunda tanda Asian Kung-Fu Generation y Eve). Curiosamente, el estilo de dibujo del opening sí se asemeja más al de Tezuka.

En definitiva, nos encontramos ante el que es, para nosotros, anime de la temporada (y eso que The Promised Neverland y Mob Psycho 100 son a su vez productos a la altura). Principalmente por su capacidad para sumergirnos en el Japón feudal y fantástico, por sus personajes tan absolutamente entrañables (teniendo en cuenta que esta versión de Hyakkimaru es mucho más callada y reservada que la original, mayor mérito tiene) y por su ritmo pausado y cargado de emoción contenida (aunque el episodio 12 se nota algo apresurado). No podemos esperar a una segunda y última mitad que, esperamos, sea al menos tan redonda como la primera. A todo esto, se estrenará el próximo 8 de abril y recordamos que puede verse por Amazon Prime. 

Dororo (2019). MAPPA y Tezuka Productions.

Nueva película de Boku No Hero Academia y secuela de Re: Zero, entre las novedades del AnimeJapan

La convención de este año de AnimeJapan, del 23 al 26 de marzo, que reúne toda la actualidad de la industria del anime en Japón, ya ha dado comienzo con varias y jugosas novedades, de entre las que destacan una nueva película de Boku No Hero Academia (My Hero Academia) para el próximo invierno y una secuela de la adaptación a anime de Re: Zero (título completo de las novelas Re:Zero kara Hajimeru Isekai Seikatsu). Se ha confirmado que regresará el casting de voces original para los personajes principales (Subaru Natsuki, Emilia, Pack, Rem, Ram, Beatrice y Roswaal L. Mathers). Pero hay más.

Del nuevo largometraje de Boku No Hero Academia se ha anunciado además que narrará una historia original y que su mangaka, Kouhei Horikoshi, supervisará y diseñará a los nuevos personajes.

Toei Animation ha anunciado a su vez nueva película para conmemorar el 20º aniversario de la franquicia Ojamajo Doremi (más conocida como Doremi a secas en España), cuyo estreno en Japón está previsto para 2020. Se celebrarán además varios eventos en torno a la serie, como una nueva «web-serie» bajo el título Ojamajo Doremi: Owarai Gekijou, que se podrá ver a través del canal oficial de Toei en Youtube; y nuevas novelas ligeras.

El anime sobre el funcionamiento de nuestro cuerpo protagonizado por glóbulos rojos y blancos (entre otros), Hataraku Saibou (Cells at Work!), tendrá segunda temporada. Aún se desconoce fecha de estreno, pero es una GRAN noticia.

El estudio DMM Pictures ha anunciado a su vez una adaptación a anime del videojuego de simulación RPG online Soukou Musume (algo así como Chicas en armadura), bajo el título completo Soukou Musume Senki, que acompañará al manga de Hiroshi Kawamoto, actualmente en publicación. La historia del anime será complementaria a la del juego.

La novela más conocida de Osamu Dazai, Indigno de ser humano (Ningen Shikkaku) tendrá adaptación al anime en formato largometraje este año en Japón. Se espera su estreno también en Occidente. Su título completo es HUMAN LOST Ningen Shikkaku. La historia se situará en Tokio en el año 2036 (111 de la Era Showa), con nanomáquinas internas en los seres humanos y controladas por «S.H.E.L.L.». Bajo su control, se les concede a las personas una vida de 120 años libre de enfermedades y heridas. Sin embargo, esto afecta al sistema en Japón a nivel económico, social y ético, hasta el punto de que algunos humanos se desconectan de «S.H.E.L.L.», transformándose en demonios… o descubriendo su verdadera humanidad. Mamoru Miyano está confirmado como voz del protagonista, Youzou Oba.

Este seiyuu, por cierto, ha sido anunciado asimismo como voz de un nuevo personaje en la película de anime de Ni No Kuni, llamado Yoki, así como Yuki Kaji hará de Danpa. La cinta se estrenará este próximo verano en Japón.

Por otro lado, la novela de detectives Kitsutsuki Tantei-Dokoro, escrita por Kei Ii, tendrá adaptación a anime dentro del proyecto KimiKoe, que busca a los mejores aspirantes a seiyuu en Japón.

La franquicia de novelas ligeras de Goblin Slayer tendrá otro de sus episodios adaptado a anime, que se estrenará en cines japoneses próximamente. El título completo es Goblin Slayer: Goblin’s Crown y se ha confirmado el regreso de las voces de los personajes principales.

Seguimos con las novedades del domingo. Para empezar, Netflix ha anunciado una nueva adaptación a anime del manga de Shuiichi Asou,  Saiki Kusuo no Ψ-nan (también conocida como Saiki Kusuo no Psi-nan). Vuelve a dirigir Hiroaki Sakurai (el título ya dispone de una serie anterior) y realizarán el trabajo los estudios J.C. Staff y Egg Firm. La historia sigue a un estudiante de secundaria, Kusuo Saiki, que hace todo lo posible por ocultar sus habilidades psíquicas y llevar una vida normal.

La última serie de Shinichiro Watanabe (Cowboy Bebop), Carole & Tuesday, cuyo estreno es inminente (el próximo 10 de abril) también ha mostrado a dos nuevos miembros de reparto durante la convención. Alysa será la voz cantante del personaje Angela (cuya voz al natural será de la seiyuu Sumire Uesaka); mientras que Maaya Sakamoto (Aeris o Lightning en la saga Final Fantasy) hará lo propio con Crystal e Hiroki Yasumoto (Sado/Chad en Bleach) con Skip.

Aniplex ha mostrado asimismo una nueva imagen promocional y novedades de la próxima película de la franquicia Fate, titulada Fate/Grand Order: Shinsei Entaku Ryouiki Camelot, que se dividirá en dos partes. La primera de ellas, Wandering; Agateram, se estrenará en cines de Japón en 2020 y será dirigida por Kei Suezawa bajo el estudio de animación Signal.MD. La segunda, Paladin; Agateram, será desarrollada por Production I.G.

Continuando con esta franquicia, además se ha revelado que su próximo título en formato serie,  Fate/Grand Order: Zettai Majuu Sensen Babyloniase estrenará el próximo octubre. En su elenco de voces destacan los nombres de Nobunaga Shimazaki (Yuno en Black Clover) como Ritsuka Fujimaru; Rie Takahashi (Emilia en Re: Zero) como Mash Kyrielight; o de nuevo Maaya Sakamoto y Takahiro Sakurai (Aeris y Cloud en Final Fantasy VII) como Leonardo Da Vinci y Merlín, respectivamente.

El estudio de animación AIC han revelado a su vez un «reboot» del título Megazone 23, el cual ha sido financiado principalmente a través de campañas de «crowdfunding» desde 2017. Megazone 23 fue inicialmente una serie dividida en cuatro partes del mismo estudio lanzado al mercado en 1985 y se encuentra dentro del género cyberpunk. Habría influenciado a películas como Dark City o Matrix. El reinicio se hará en dos partes, Megazone 23 Sin y Megazone 23 Xi y contará con la voz de Moe Toyota como la nueva protagonista, Sakura.

Esto ha sido por ahora lo más destacado en novedades principales de la industria del anime. ¡Seguiremos informando y actualizando esta entrada!

Siete títulos de anime y manga de samuráis para ver y leer

Los samuráis (侍) son una de esas figuras provenientes del país del Sol Naciente que tan fascinantes y atractivas nos resultan desde la perspectiva occidental, mezcla de exotismo, dura disciplina, habilidades prodigiosas y cierta perdurabilidad y cercanía en el tiempo.

El anime y el manga no han sido ajenos a este atractivo, y son varios los títulos que han versado sobre el «bushidô» (武士道) o camino del guerrero, o que han tenido como protagonista a un samurái. Vamos a hacer nuestro listado de cuáles son nuestros preferidos y los motivos, tarea que no ha sido sencilla por la cantidad, calidad o simplemente lo adictivo de varios de ellos (sí, somos conscientes de Gintama).

Rurôni Kenshin (るろうに剣心)

El clásico por excelencia, al menos dentro de los títulos de manga y anime surgidos en la década de 1990. A partir del manga de mismo título creado por Nobuhiro Watsuki, la adaptación al anime de Rurôni Kenshin, llevada a cabo por los estudios Gallop y Deen nos cuenta las vivencias de un «ronin» o samurái vagabundo llamado Kenshin Himura tras encontrarse accidentalmente con la dueña del «dôjô» del estilo Kamiya, Kaoru.

Animación de calidad, personajes carismáticos, acción trepidante (Watsuki es un declarado fan de los cómics norteamericanos) y una banda sonora insuperable  (compuesta por Noriyuki Asakura) logran en conjunto una obra que ha quedado en el recuerdo de muchos de los que crecimos viéndola (en España con el título de El guerrero samurái y en América Latina con Samurai X).

Los OVAs de esta serie (sobre todo los primeros, Tsuiokuhen 追憶編) son además de una sensibilidad y apartado técnico exquisitos, de lo mejor que servidora ha visto en anime y en general en todo el ámbito de lo audiovisual.

Samurai Champloo (サムライチャンプル)

El nombre de Shinichiro Watanabe (Cowboy Bebop, Zenkyou No Terror) es sinónimo de calidad para cualquier seguidor de anime. Su segunda obra como director es la que nos ocupa, siguiendo la estela dorada dejada por su predecesora, el considerado ya clásico Cowboy Bebop. Al igual que ésta, Samurai Champloo se encarga de mezclar géneros tan dispares como la música hip-hop con el cine de samuráis «chanbara» (チャンバラ).

Animada por el estudio Manglobe, que lleva a cabo un trabajo excepcional durante los 26 episodios que la componen, la serie nos cuenta el fortuito encuentro entre la joven Fuu, que busca al samurái que huele como los girasoles, el impulsivo Mugen y el sensato Jin, generándose así una «road movie» con dinámicas muy curiosas, especialidad de Watanabe.

Samurai Deeper Kyo (サムライ ディーパー キョウ)

Volviendo al shônen puro y duro, en 1999 comenzó a publicarse esta obra de Akimine Kamijô, que pronto tendría su adaptación a anime al cargo otra vez del estudio Deen (que abarcaría únicamente una parte de la historia del manga).

La historia parte del vendedor de medicina Kiyoshiro Mibu, quien se encuentra con la cazarrecompensas Yuya Shiina, que desconoce que en realidad dentro del aparentemente inofensivo Kyoshiro vive el alma de Kyo «Ojos de ogro», un samurái famoso por haber matado a más de 1.000 rivales en una sola batalla. El resto de la narrativa se centra en la búsqueda del verdadero cuerpo de Kyo y, de forma muy similar a Rurôni Kenshin, mezcla fantasía y acción a raudales con acontecimientos y personajes históricos verídicos, esta vez ambientados en el período Sengoku (Kenshin lo hacía en el Meiji).

Peace Maker Kurogane (PEACE MAKER 鐵)

Peace Maker Kurogane, manga de Nanae Chrono que empezó a publicarse en 1999, podría tratarse (casi) perfectamente de un «spin off» de Rurôni Kenshin, ya que comparten episodios históricos y hasta personajes que fueron reales como Sanosuke Sanada, Hajime Saito o Souji Okita (retratados aquí de forma muy distinta).

El manga de Chrono tuvo una adaptación al anime por Gonzo Digimation que abarcaba la primera parte argumental y que, si bien se mantiene bastante fiel, ofrece una animación algo más regulera (el dibujo y expresividad de la mangaka simplemente nos parecen espectaculares). Se estrenó además una película, con el sobretítulo Yûmei, en cines japoneses el pasado noviembre.

La narrativa cuenta los últimos días del Shinsengumi (新選組), una especie de cuerpo de policía samurái durante el período final del shogunato en Japón, a través de la llegada de su nuevo miembro, Tetsunosuke Ichimaru, a medida que va topándose con personajes históricos reconocidos en el país nipón como Hijikata Toshizô o los citados Okita y Saito.

La espada del inmortal (無限の住人)

Manga de Hiroaki Samura que se publicó entre los años 1993  y 2012, cuenta con una adaptación al anime de 13 episodios desarrollada por Production I.G. y con una película de imagen real dirigida por Takashi Miike que puede verse en Netflix.

La historia, ambientada esta vez en la era Edo, cuenta las desdichas (porque esta obra está repleta de ellas) de la joven Rin Asano, que busca vengar el asesinato de sus padres. Por suerte para ella, se topa con el samurái Manji, en realidad inmortal debido al hechizo de una monja/bruja, sin importar la cantidad de heridas que reciba. Para librarse de esta «maldición», Manji debe asesinar a otros mil hombres malvados.

Este título es de corte más maduro que los anteriores (salvando quizás los OVAs de Rurôni Kenshin), por lo que es habitual ver en él vísceras y sangre por doquier (la película de Miike también es buen ejemplo de ello). Sin embargo, y a pesar de un final bastante precipitado y edulcorado a mi juicio, ofrece momentos muy de la sensibilidad nipona, y los antagonistas Anotsu y Makie merecen todo tipo de reconocimientos.

Dororo (どろろ)

La última adaptación al anime de Dororo, publicada originalmente por el «dios del manga» Osamu Tezuka entre 1967 y 1968, está siendo (para nosotros, al menos) la revelación de esta temporada. Elaborada por el estudio Mappa, este título, considerado un clásico en Japón, no deja de sorprendernos, a pesar de su historia archi conocida (pero con un final algo inconcluso, ya que Tezuka la terminó precipitadamente y bajo presión).

La narrativa, de nuevo en el período Sengoku, nos cuenta cómo un «daimyo» o señor feudal decide hacer un pacto con los demonios: ofrece a su primogénito a cambio de paz y prosperidad en sus dominios. Así se hace y los entes demoníacos se quedan con las extremidades, piel, nariz, boca, ojos, oídos y sentido del tacto de Hyakkimaru (que así se llamará el recién nacido). Pasan los años y Hyakkimaru, que había sido dado por muerto, crece y busca recuperar todo lo que le han robado a la par que asesina a estos demonios. En su camino se encuentra con Dororo, un joven ladronzuelo muy vivaz.

Aunque la animación está siendo un pelín inconstante, los diseños de monstruos y los personajes, el ritmo y nuevamente sensibilidad de la historia, el reflejo de un Japón feudal con elementos de su mitología y religión y, sobre todo, la dinámica entre Hyakkimaru y Dororo, hacen de este título un imperdible.

Vagabond (バガボンド)

Llegamos a Vagabond, la obra magna de Takehiko Inoue (que todo lo que dibuja, lo dibuja MUY bien), que empezó a editarse en 1998 y todavía se encuentra en publicación.

Vagabond es una obra compleja (de hecho, Inoue siempre se ha negado por ello a que tenga adaptación a anime), por lo que cuenta y por cómo lo narra. Sigue los pasos de Musashi Miyamoto, «el Cid Campeador» de los japoneses, en su periplo por el «bushidô» y su encuentro con personajes asimismo emblemáticos como Kojiro Sasaki.

Nos quedaríamos cortos buscando adjetivos que halaguen este título, partiendo de su dibujo lleno de vida y repleto de detalles, la introspección que hace en la psique de los personajes (Rindo y Baiken…) y la representación (aparentemente bastante fiel) del Japón de los períodos Azuhi-Momoyama y Edo. No por nada, ha sido galardonado con varios premios, como la Condecoración Cultural Tezuka Osamu y la Condecoración Kodansha por Mejor Manga.

Enlaces de interés:

Seis animes de mechas que DEBERÍAS ver

Alita: Ángel de combate, la mejor adaptación de un manga hecha por Hollywood

Tras no pocos intentos y amagues, la película que hoy nos convoca, Alita: Ángel de combate, vio la luz a través de la visión de Robert Rodríguez, encargado de la dirección, y la producción de James Cameron, siendo éste último no ajeno a los personajes femeninos fuertes.

En primer lugar, tenemos a Linda Hamilton, la primera y mejor interpretación de Sarah Connor, heroína por antonomasia e instalada profundamente en el «zeitgest» cultural de los últimos 30 años, luego continuamos con Jessica Alba y Max de Dark Angel para finalmente terminar con la muy lograda Alita, impecablemente interpretada por Rosa Salazar y basada en el personaje creado por Yukito Kishiro en su manga GUNNM.

La historia nos sitúa en el siglo 26, más precisamente en el año 2563, donde tras una guerra postapocalípitica, el mundo como lo conocemos queda dividido en dos partes: Zalem y la Ciudad de Hierro. Divisiones tales de clase alta y baja, y es en el vertedero de ésta última donde el doctor Ido (Christoph Waltz) encuentra a una maltrecha Alita, olvidada trescientos años después del conflicto. Sabiendo su potencial, la lleva a casa donde gracias a un nuevo cuerpo le da vida, propiciando así que Alita se involucre en nuevas aventuras en base a su curiosidad y su inconformismo, ya que ella misma intuye que está destinada a grandes acontecimientos.

Alita: Ángel de combate. 20th Century Fox.

Si bien es cierto que James Cameron estuvo años detrás del proyecto de llevar el manga GUNNM a la pantalla grande, fue Robert Rodríguez quien dio la puntada final a esta obra de arte, ya que el director de Terminator reconoció que va a terminar su carrera dirigiendo la saga de las películas de Avatar.

La visión de un fan confeso de este cómic como lo es Robert Rodriguez por suerte no se vio empañada, en opinión de quien esto suscribe, por los vicios y los lugares comunes en los que suelen pecar las películas de este género.

Se agradecen este tipo de películas de acción actualmente, ya que aportan una variedad que corta lo monótono y mecánica aceitada de productos de Marvel y secuelas varias, que salen como panes para una audiencia aletargada en productos seguros y de repetida fórmula. No me malinterpreten, personalmente a mí me encanta Marvel, pero queda demostrado que otras opciones como también puntos de vista puedan ser aceptados.

El argumento deja abierta la posibilidad de una secuela (el manga de Kishiro abarca varios arcos argumentales) que esperamos se confirme pronto.

Alita: Ángel de combate. 20th Century Fox.

POSITIVOS:

  • Casting: La cinta tuvo un acierto en el casting con la mismísima Alita: Rosa Salazar. Es ella quien carga en sus hombros el argumento de una forma tan convincente que nada malo se puede objetar. Christoph Waltz aporta su usual y probada solvencia en un papel que personalmente me resulta raro, ya que siempre retrata a un antagonista en la mayoría de sus películas anteriores.
  • Argumento: Desde mi humilde óptica, creo que la velocidad argumental se mantiene a un ritmo normal sin altibajos, sin permitir que la acción decaiga en ningún momento. Teniendo en cuenta lo que intenta abarcar a nivel narrativo esta cinta de poco más de dos horas, es todo un logro.
  • Variedad: Alita ofrece, como ya mencionamos anteriormente, una nueva visión y nuevas opciones frente a lo que Marvel y DC nos tienen acostumbrados. Esto se nota asimismo en su apartado artístico, la Ciudad de Hierro cobra vida.
  • Los efectos especiales: Nada nuevo bajo el sol en un título como este. A pesar de los enormes ojos de Alita, uno acaba acostumbrándose. Y se entienden las batallas, algo de agradecer.

NEGATIVOS:

  • Jennifer Connelly: Sentimos que de alguna manera el personaje, y ergo la actriz, está desaprovechado, ya que creemos que su arco argumental tenía muchísima más tela para cortar.
  • Tiempo: Alita, Ángel de Combate no fue indemne a uno de los más usuales errores que se cometen con películas de este género. Aunque se puede decir que está muy bien adaptada desde el manga, cierto es que comprimieron demasiados hechos y arcos argumentales en tan poco tiempo como lo son dos horas (la forma de solucionarlo es un citado punto positivo, pero puede pecar de demasiado compacta e incluso confusa o superficial).
  • Continuación: Como ya mencioné anteriormente, el abanico de posibilidades que se ofrece tras el final es tan grande que una secuela es necesaria. Ojalá se confirme pronto.

Alita: Ángel de combate, como toda película futurista, deja evidencia una vez más de la paradoja de Michael Crichton, que reza que más temprano que tarde somos  y seremos víctimas de la tecnología reinante en el mundo actual que paulatinamente crece a pequeños pasos en lapso de tiempo, pero agigantados en lo que a innovación se refiere.

En este rincón del mundo: «Incluso en la guerra cantan las cigarras y vuelan las mariposas»

En este rincón del mundo (この世界の片隅に «Kono Sekai no Katasumi ni») es una película de los estudios MAPPA y producida por Genco Inc. estrenada en noviembre de 2016 en Japón y a lo largo de 2017 en otros países como España (gracias a Selecta Visión). Aunque la reseña y análisis llegan un poco tarde, no quiero dejarla pasar por la honda impresión que ha dejado en servidora esta absoluta maravilla de la animación (japonesa y no japonesa).

Dirigida y escrita por Sunao Katabuchi (Princesa Arete), un antiguo trabajador de Studio Ghibli que tuvo sus más y sus menos con Hayao Miyazaki, basada en el manga de mismo título de Fumiyo Kôno, la cinta ha sido premiada en numerosos festivales y ha recibido aclamación por parte de la crítica. Entendemos perfectamente el porqué.

La historia nos sitúa en Hiroshima en el año 1938, siguiendo el día a día de una preadolescente bastante despistada y muy creativa llamada Suzu Urano, quien ayuda a su familia con su negocio de algas. Un día, es secuestrada por un «zashiki warashi» junto a otro muchacho, pero gracias a su ingenio ambos escapan. Saltamos a 1943, cuando un misterioso joven llega junto a su padre a la casa de los progenitores de Suzu para pedir su mano, a lo que acceden. Como la familia del futuro esposo vive en Kure (ciudad al sur de Hiroshima), Suzu se traslada hasta allí, donde poco a poco va acostumbrándose a su nueva vida y familia, con la Segunda Guerra Mundial de fondo.

«Las manos de una chica pueden trabajar para esta gran nación»

Sin dar mayores detalles del argumento, una de las numerosas virtudes de En este rincón del mundo es su protagonista: acompañamos a Suzu a través de su madurez (a veces forzada), en los momentos felices, otros de tragedia, sus debilidades y sus nuevas amistades. Al lograr empatizar con ella, entendemos perfectamente cuándo se deprime y por qué, cómo es que se va enamorando de un marido que inicialmente le vino semi-impuesto (Shusaku es simplemente amoroso a su vez), las decisiones que toma… Además, su natural encanto e imaginación sin límites nos muestran una resiliencia que, en medio de un suceso tan dramático como la guerra y lo que ésta conlleva, no es más que de agradecer. Por ello, aunque la película trate un tema tan duro (y hay momentos terribles), similar a La tumba de las luciérnagas, en (casi) ningún momento se hace tan deprimente como aquélla y acabamos con cierto regustillo de esperanza y optimismo a pesar de todo. Todo esto sin perder su mensaje claramente antibelicista y sin ocultar los traumas de un Japón profundamente herido y tocado por el desenlace del conflicto.

En este rincón del mundo es sobre todo (y aparte de antibelicista) feminista, siempre dentro de los límites del realismo. No vamos a ver a Suzu luchando contra los norteamericanos ni nada remotamente similar, es un relato costumbrista (sí, incluso teniendo en cuenta el momento «zashiki warashi» que hemos citado) de cierta región nipona durante la Segunda Guerra Mundial; pero en cuyo argumento no dejaremos de toparnos con mujeres fuertes y que, aún con su limitación a la hora de poder tomar decisiones (ah, otra de las bases del relato), unas más y otras menos, todas logran salir adelante. «Nuestra lucha es sobrevivir con lo que tenemos», le dice Suzu a Shusaku en un momento dado.

Teniendo en cuenta que Katabuchi ha dirigido, además de Princesa Arete, la adaptación al anime de Black Lagoon (dos títulos de corte feminista); y de que la mangaka tras la historia original es una mujer; la cosa se vuelve nítida: En este rincón del mundo nos ofrece a personajes femeninos que no se amedrantan, a pesar de la época y el lugar en el que les ha tocado vivir. Salen adelante, es una muestra más de esa resiliencia que comentábamos. Por supuesto, siguen siendo humanas y sufren, a veces tropiezan, se deprimen, se sienten solas… Juntas (la fortaleza de grupo, tan importante para los nipones) logran mirar hacia el frente. Al igual que suele ocurrir con los títulos de Ghibli, da gusto toparte con personajes femeninos así.

«El pasado, los caminos que no tomamos… todo es pasajero, como un sueño»

Como decíamos, el mensaje base argumental de En este rincón del mundo es la capacidad que tenemos para tomar decisiones y lo que hacemos (o no) con ellas. Shusaku tiene más libertad de acción que Suzu (pero tampoco es completamente libre, como se intuye en su pasado con Lin); su hermana Keiko, aunque mujer, también admite ante la protagonista que ella ha tenido más opciones. Sin embargo, nadie ha tenido menos posibilidades que Lin.

Nacida mujer y pobre, lo cual nos anuncia un fuerte mensaje determinista («No es tan fácil perder tu sitio en este mundo», le comenta a Suzu), Lin sirve, sobre todo en el manga (la película nos deja unos curiosos créditos finales que nos resumen su historia), de otra cara de la moneda a la protagonista. Lin podría fácilmente haber ocupado el lugar de Suzu, pero la frustración de ciertos planes lo impide. El destino nuevamente juega sus cartas.

Los japoneses tienen un importante acervo cultural en la expresión «shoganai» (しょうがない), algo así como nuestro «¡qué le vamos a hacer!», que hace referencia a no perder tiempo en lamentaciones ante acontecimientos que no vamos a poder cambiar. Lo que puede ser visto como conformismo por parte de los occidentales es en este caso una especie de filosofía y forma de supervivencia. Ver a los personajes pasando por las penurias propias de la guerra puede ser una de las máximas expresiones de «shoganai». Por supuesto, esto no borra las huellas que dejan ciertos episodios vitales.

Al final de En este rincón del mundo se respira un mensaje esperanzador, de que con nuestras decisiones y actos podemos hacer un mundo mejor; aunque sea un poquito. La suerte también puede sonreír a los que les ha tocado el peor reparto en la vida.

«Gracias por encontrarme en este rincón del mundo»

No podemos finalizar este análisis sin hacer hincapié en todo el apartado artístico de la película. La animación, aunque de trazo y dibujo simple, es simplemente maravillosa. Otro de los medios con los que logramos empatizar con Suzu es a través de sus dibujos, que no paran de impregnar el metraje, siempre con estilos diferentes según sea su estado anímico o los sucesos que representan. Si encima eres de a los que también les apasiona pintar, el mensaje calará aún más hondo.

Los planos de Hiroshima y Kure en la época, con sus calles, los detalles occidentales que ya se habían introducido en la sociedad japonesa, la Cúpula Genbaku (antes y después de la bomba atómica), los acorazados… la cinta se preocupa en detallarnos cómo era Japón en aquellos años y lo logra sobradamente.

Por ponerle un «pero», se nota que la película ha pasado por varios recortes, siendo la más perjudicada Lin. Esto es algo que al parecer ha lamentado el propio Katabuchi, pero teniendo en cuenta que la duración final es de más de 2 horas y media, tampoco podemos pedir mucho más.

En definitiva, En este rincón del mundo no es solo una cinta para ver y disfrutar de una historia costumbrista sobre la vida de una joven y su nueva familia en la región de Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial; también es un producto que nos hace reflexionar sobre nuestra capacidad de decisión y cómo esto influye en nuestra vida y la de los demás, e incluso si nuestros antepasados (sobre todo ellas) no pasaron acaso por algo similar. Todo ello aderezado con una animación sobresaliente y una banda sonora (compuesta por la artista Kotringo) que no hace más que sumarle melancolía y ciertas dosis de optimismo. Imprescindible.

Japoneando Anime: Bungou Stray Dogs

Bungou Stray Dogs (文豪ストレイドッグス), que significaría «escritores de ficción perros vagabundos» es uno de los últimos anime del estudio Bones (Wolf´s Rain, Boku no Hero Academia, Noragami), adaptación del manga de Kafka Asagiri y Sango Harukawa, lanzado por la revista Young Ace y todavía en publicación (lleva actualmente 15 tomos y la tercera temporada se estrenará el próximo abril).

Bungou Stray Dogs ha sido bastante bien recibida por crítica y público (especialmente en Japón, veremos por qué) debido a su bonito dibujo; su adictiva trama que mezcla acción, thriller y comedia; sus carismáticos y variopintos personajes que recogen nombres y características de reconocidos autores literarios. La adaptación al anime le suma una pegadiza banda sonora (especialmente los ending, «Namae Wo Yobu Yo» y «Kaze ga Fuku Machi», ambos de Luck Life) y una cuidada y equilibrada animación.

Tras ella se encuentra Takuya Igarashi (Ouran High School Host Club, Soul Eater) como director, Yôji Enokido (Revolutionary Girl Utena, FLCL) como guionista y Taku Iwasaki (Tengen Toppa Gurren-Lagann) al cargo de la citada banda sonora. Como veis, un equipo de calidad.

La historia nos sitúa en la Yokohama actual, siguiendo los pasos de un joven llamado Atsushi Nakajima, el cual ha sido expulsado del orfanato donde lo han maltratado siempre. A punto de morir de inanición, Atsushi se topa accidentalmente con un hombre que está intentando suicidarse y que responde al nombre de Osamu Dazai. Éste lo termina introduciendo en la agencia de detectives donde trabaja, cuyos miembros poseen poderes sobrenaturales.

Para los duchos en literatura japonesa del siglo XX, los nombres de Atsushi Nakajima y Osamu Dazai resultarán familiares: ambos son reconocidos autores del país del sol naciente. Porque una de las principales características de Bungou Stray Dogs es que casi todos sus personajes representan a algún autor literario, así como sus poderes a sus principales obras. De eso mismo trataremos en este «Japoneando Anime», la literatura japonesa a través de este recomendadísimo anime.

Osamu Dazai, Sakunosuke Oda y Ango Sakaguchi: los buraiha

Probablemente el personaje más popular (o de los que más, sin duda) de Bungou Stray Dogs sea Osamu Dazai, basado en el autor de mismo nombre que nació en 1909 y murió en 1948 (avisamos que casi todos murieron jóvenes) y que en realidad respondía a Shûji Tsushima (太宰 治); se trata de uno de los escritores más conocidos en el Japón actual, especialmente por parte del público joven. No es de extrañar teniendo en cuenta su estilo claramente inconformista, su vida disoluta y sus posturas cercanas al Partido Comunista. La obra de Dazai más celebrada es Indigno de ser humano («Ningen Shikkaku»), precisamente el poder que guarda el personaje de la ficción, y que consiste en anular los poderes de los demás, por muy fuertes que sean. Quizás como reflejo del nihilismo que exponía el Dazai real. Uno de los aspectos más llamativos de este autor es que intentó suicidarse varias veces a lo largo de su corta vida, sin lograrlo en ninguna de ellas (salvo en la última, claro, muriendo junto a su amante Tomie Yamazaki). El Dazai ficticio también busca cómo suicidarse a lo largo de toda la serie (de hecho, Atsushi lo conoce mientras se estaba ahogando tras tirarse al río, justo como murió en la vida real).

Aparte de Dazai, se considera que los autores Sakunosuke Oda (織田 作之助, «Odasaku», como lo conocían los amigos) y Ango Sakaguchi conformaban el grupo conocido como «buraiha» (無頼派, también conocida como «la escuela de la irresponsabilidad y decadencia»), un grupo de literatos descontentos con el rumbo de Japón tras la Segunda Guerra Mundial, lo que se reflejaba en unas vidas y estilos libertinos, con falta de objetivos y crisis de identidad, abundando en sus obras los «antihéroes». Tanto Odasaku como Ango son introducidos en la novela ligera Dazai Osamu y la Era Oscura, la cual sirve de precuela a la historia principal y que en el anime es adaptada como arco de inicio de la segunda temporada.

Sakunosuke Oda (1913-1947) fue un escritor de Osaka que reflejaba en sus obras (siendo entre las más conocidas Roppakukinsei (六白金星) o Kaette kita otoko (還って来た男), adaptada al cine por Yūzō Kawashima) a protagonistas con un fuerte sentido de la individualidad en medio de un Japón ocupado tras la guerra. Murió repentinamente por un supuesto ataque de tuberculosis; aunque su amigo Osamu Dazai publicó en un encomio emocional tras su fallecimiento que la culpa fue de los críticos literarios.

Ango Sakaguchi (坂口 安吾, 1906-1955, el más longevo de los tres) fue un polémico (al menos durante su etapa de estudiante, ya que se fugó a Tokio tras haber golpeado a uno de sus maestros) escritor y ensayista, alcanzando la fama especialmente a través de sus obras Discurso en decadencia («Darakuron», un ensayo sobre la decadencia de Japón tras la derrota en la guerra y el bushido o «camino del guerrero») y Visión de la Cultura JaponesaMurió por aneurisma cerebral. El poder del personaje ficticio se denomina justamente «Discurso en decadencia» y le permite obtener información de las cosas que toca.

Dazai, Odasaku y Ango son amigos cercanos durante los acontecimientos anteriores a Bungou Stray Dogs, mostrándolos normalmente en ambientes oscuros y algo decadentes (muy al estilo «cine negro»), pero la tragedia los lleva a tomar caminos por separado (no queremos hacer spoilers), en claro reflejo de los autores reales.

Sobre Atsushi Nakajima, Kyouka Izumi y Ryûnosuke Akutagawa

Atsushi Nakajima es el protagonista de Bungou Stray Dogs y el que más sirve de puente de unión con el espectador o lector. Basado en el escritor de mismo nombre (中島 敦, 1909-1942), hijo de una familia erudita «Kangaku» (intelectuales de la cultura china, lo que se reflejó en sus obras), el verdadero Nakajima ejerció además de profesor en países como Corea o Micronesia (ambos bajo ocupación japonesa). Nunca estuvo interesado en la política, centrándose más en escribir relatos juveniles y en cuestiones más universales como la existencia o el origen de uno mismo, muy al estilo de Franz Kafka. De hecho, su título más conocido, Sangetsuki, se considera una versión japonesa de La Metamorfosis, donde el protagonista es un poeta que acaba enloqueciendo y transformándose en tigre. Al contrario que en la novela de Kafka, en la de Nakajima el protagonista posee una consideración hacia sí mismo y moralidad superiores, con capacidad de redención, de ahí que la transformación sea en tigre y no en insecto. Nakajima murió por neumonía y, al contrario que otros autores contemporáneos como Dazai, no es considerado un escritor de la posguerra, sino uno con un estilo más cercano al de Natsume Sôseki o Mori Ôgai (de los cuales hablaremos), ambos del período Meiji. El Atsushi ficticio se muestra como un joven algo ingenuo y de buen fondo, profundamente traumatizado por su pasado, agradable con los demás y cuyo poder, «Bestia bajo la luz lunar» (月下獣, «Gekka-jū»), consiste en la transformación de un tigre blanco que poco a poco va dominando.

Atsushi establece una relación especialmente cercana con Kyouka Izumi, a quien salva de la Port Mafia y con quien vive desde entonces; y también otra (mucho más centrada en la rivalidad) con Ryûnosuke Akutagawa, uno de los altos cargos del susodicho grupo de mafiosos. Los tres son personajes principales en la película Bungou Stray Dogs: Dead Apple, estrenada el pasado marzo en cines de Japón (aquí se puede ver, junto a la serie, en Crunchyroll).

El verdadero Kyouka Izumi (nombre real Kyôtarô Izumi, 泉 鏡太郎, 1873-1939) fue de hecho un hombre, escritor de novelas, relatos cortos y obras de teatro «kabuki», cuyo estilo, que se asemejaba más al de los autores del período Edo que al de sus contemporáneos, constaba de un uso del lenguaje muy lírico y difícil de seguir por su estilismo. En las temáticas abundaban la crítica surrealista a la sociedad japonesa de su época y lo sobrenatural. Entre sus títulos más reconocidos se encuentran Yasha ga Ike, considerada una adaptación de La campana sumergida (Gerhart Hauptmann) al estilo folclórico japonés con «yôkai». La Kyouka ficticia posee la habilidad «Demonio de nieve» (夜叉白雪 «Yasha Shirayuki»), el cual consiste en el espíritu de un demonio con katana que puede ser invocado a través de un teléfono móvil, en clara alusión tanto a lo sobrenatural como a la crítica de la sociedad actual (uso del móvil) que poblaban los relatos del Izumi real. El personaje ficticio además suele ir vestido con kimono, muy al estilo de los japoneses del período Edo.

Ryûnosuke Akutagawa (芥川 龍之介, 1892-1927) es, como Dazai, uno de los autores más reconocidos en el Japón actual, y de hecho uno de los principales premios literarios lleva su nombre. Más perteneciente a la generación de escritores neorrealistas que surgieron tras la Primera Guerra Mundial, Akutagawa escribía sobre todo relatos cortos (destacando Rashomon 羅生門, la cual fue posteriormente adaptada al cine por Akira Kurosawa), centrado sobre todo en aspectos del Japón feudal. Ávido lector desde muy joven (lo utilizaba como forma de huir del temor a haber heredado la locura de su madre y de sus propios ataques nerviosos), creía que la literatura debía ser universal y reunir lo mejor de Occidente y Japón. En sus últimos años tuvo una disputa con el también escritor Jun´ichiro Tanizaki (asimismo personaje de Bungou Stray Dogs, justamente el primero que vemos ser atacado por Akutagawa) por la importancia del contenido sobre el estilo. Akutagawa se suicidó huyendo de la locura con una sobredosis de barbital. El personaje ficticio muestra bastante de este «alma torturada» de la persona real, su aspecto frágil y enfermizo y su inestabilidad (mucho más dramatizada en el anime, claro). Su poder se llama «Rashomon» y consiste en una especie de sombra casi omnipresente que puede invocar y que sirve de fuerza ofensiva o defensiva según sus deseos.

Demás miembros de la agencia y de la Port Mafia

Como esto nos está quedando más largo que un día sin pan y hay todo un rico elenco de personajes en Bungou Stray Dogs basados en autores, vamos a centrarnos brevemente en los más importantes dentro de la agencia armada de detectives y la Port Mafia.

En la agencia destaca desde el inicio del anime y manga Doppo Kunikida (國木田 獨歩, 1871-1908), escritor y periodista del período Meiji que es considerado a su vez como uno de los pioneros del naturalismo en Japón, aunque en algunas de sus obras se percibe un estilo más propio del romanticismo. Uno de sus títulos más conocidos es Musashino, donde mezcla novela, poesía y situaciones reales. El poder de Kunikida en la serie es «Poeta solitario» (独歩吟客 «Doppo Ginkaku»), con el que trae a la existencia objetos que escribe en un papel, en referencia a la capacidad de observación y realismo del escritor. En el anime además hay un breve arco en torno a la «mujer ideal» de Kunikida, algo a su vez vinculado con el autor de carne y hueso, ya que tras perder a su primera esposa, Nobuko Sasaki, escribió otra de sus obras: Azamukazaru no Ki.

En la agencia nos encontramos también con Jun´ichiro Tanizaki (谷崎潤一郎, 1886-1965), a quien ya hemos hecho referencia, autor de novelas, ensayos, relatos cortos, poemas… un poco de todo, vaya. Contrario al naturalismo, Tanizaki prefería la evocación de ambientes y estados de ánimo, además de mostrar una sexualidad bastante liberada (curiosamente, estuvo casado hasta en tres ocasiones y su hermana en la serie, Naomi, está basada en uno de estos personajes de sus obras). Por ello, la habilidad del personaje ficticio se denomina «Nieve luminosa» (細雪, «Sasame Yuki»), que construye ambientes imaginarios de la nada en base a copos de nieve. 

Kenji Miyazawa (宮沢 賢治 1896-1933) fue escritor de libros infantiles, además de profesor de ciencias agrícolas, budista, violonchelista y activista social. A pesar de toda esta actividad y de que escribió varias obras conocidas, como el poema Imbatible por la lluvia (雨ニモマケズ, «Ame ni mo Makezu»), cuyo nombre recoge el poder del personaje del anime, la fama le llego sobre todo póstumamente, ya que murió joven por una neumonía. También conocía algo de esperanto y en torno a este idioma creó el pueblo ficticio de «Ihatov», basado en Iwate y al cual se hace mención en la serie.

Ranpo Edogawa (verdadero nombre Tarô Hirai 平井 太郎, 1894-1965) fue un prolífico escritor de novelas de suspense. Ávido seguidor de Arthur Conan Doyle y de Edgar Allan Poe (de hecho, su nombre artístico es la «japonización» de éste), fue el creador del personaje conocido como Kogorô Akechi, detective que protagonizó varias de sus novelas y líder del «grupo de los jóvenes detectives» (少年探偵団 «Shōnen tantei dan»). Su versión en este anime posee el poder (aunque en realidad no sería tal) de la «Ultradeducción», con el que puede averiguar culpable, motivos y modus operandi de un crimen. A partir del capítulo 66 del manga de Bungou Stray Dogs, creemos que el Edogawa ficticio también recoge características de Tekkan Yosano (与謝野 鉄幹, 1873-1935), marido de Akiko Yosano (hablaremos de ella más adelante) en la realidad, a saber: fundador de una revista literaria titulada Estrella Brillante («Myôjô»), donde congregó a un grupo de poetas famosos; una de las primeras colaboradoras fue una joven que respondía al nombre de Hô Shô, más conocida como Akiko Yosano.

Yukichi Fukuzawa es el presidente de la agencia armada de detectives y está basado en el reconocido (al menos en Japón) filósofo y escritor de mismo nombre (福澤 諭吉, 1835-1901) del período Meiji. Descendiente de una familia de samuráis venida a menos, Fukuzawa se educó en la escuela holandesa y por lo tanto fue empleado por el gobierno de la época para hacer trabajos con los extranjeros tras la apertura de Japón al mundo. Su obra Gakumon no Susume consta de 17 volúmenes, donde destaca la importancia de la igualdad de condiciones, del estudio y de la independencia individual para alcanzar la nacional. Fukuzawa creía que debía enseñar nuevas formas de pensar a la sociedad nipona para fortalecer a su país. En el anime, se trata de un hombre de mediana edad que va siempre vestido de samurái y que se muestra como un serio y equilibrado jefe/mentor.

Por otro lado, tenemos a Chuuya Nakahara (中原 中也, 1907-1937) en el bando de la Port Mafia, basado en el poeta y escritor de más de 350 versos en el momento de su temprana muerte. Su estilo pasaría de la poesía tradicional japonesa «waka» a versos libres, más propio de los dadaístas o incluso de Arthur Rimbaud y Paul Verlaine. Se hizo amigo de por vida del crítico literario Hideo Kobayashi (quien ayudó a promover sus obras póstumamente) y su estilo de vida empezó a ser considerado como bohemio. Murió por una encefalitis, tras haber sufrido varias desgracias en su vida, como los fallecimientos de su hermano menor y de su hijo. El Chuuya ficticio es un mafioso con una curiosa relación de «tira y afloja» con Dazai. Su poder es «Por el dolor corrompido» (汚れっちまった悲しみに, «Yogorecchimatta Kanashimi»), que le permite controlar la gravedad. Entre las obras más conocidas de Nakahara se encuentra la antología poética Yagi no Uta

El feminismo: Akiko Yosano e Ichiyô Higuchi

Dentro de la agencia de detectives nos encontramos asimismo con la doctora Akiko Yosano, quien está inspirada en la escritora, precursora del feminismo, pacifista y poeta de mismo nombre (与謝野 晶子 1878-1942). Akiko se casó con el editor Tekkan Yosano, quien la introdujo en la poesía «tanka». Uno de sus títulos más conocidos es Midare-gami, pero también escribió ensayos en contra de la opresión y a favor de los derechos de la mujer en su país. Falleció de una apoplejía, ganando mayor notoriedad tras su muerte. La Akiko animada se muestra como una mujer fuerte e independiente, que vive una sexualidad (al menos aparentemente) sin prejuicios. Su poder es «Tú no debes morir» (君死給勿, «Kimi Shinitamō Koto Nakare»), con el cual puede curar a cualquier persona siempre que se encuentre medio moribunda (no sirve contra heridas leves).

En la Port Mafia nos encontramos otro ejemplo de personaje basado en una escritora japonesa: Ichiyô Higuchi (verdadero nombre Natsuko Higuchi 樋口 夏子, 1872-1896), autora de cuentos durante el periodo Meiji y considerada la primera mujer escritora del Japón contemporáneo. Su estilo seguía las pautas del japonés clásico en lugar de las influencias occidentales. Higuchi al parecer estuvo enamorada de su maestro, Tosui Nakarai, un mujeriego interesado más en la literatura masiva que complace al gran público en lugar de cosas más serias; de forma similar a la admiración /¿amor? que la Ichiyô ficticia siente por su superior Akutagawa, siendo no correspondida. Debido a una situación precaria, la Higuchi real se vio obligada a mudarse junto a su madre y hermana a la zona roja de Yoshiwara (Tokio). Su cercanía a seres excluidos de la sociedad le hizo simpatizar cada vez más con personas provenientes de los bajos fondos (de nuevo, Akutagawa en el anime es mostrado como alguien de origen muy humilde) y con las mujeres, algo que aparece reflejado en sus títulos Jūsan’ya y Takekurabe, considerados sus mejores trabajos. Higuchi murió muy joven debido a la tuberculosis.

Los «maestros»: Natsume Sôseki y Mori Ôgai

Para ir finalizando, no podemos dejar pasar a dos de las figuras literarias consideradas más importantes y de renombre en el Japón actual: Natsume Sôseki (nombre de nacimiento Natsume Kinnosuke 夏目 金之助, 1867-1916) y Mori Ôgai (森 鴎外, 1862-1922), ambos presentes (en mayor o menor medida) en Bungou Stray Dogs. Contar más sobre ello considero que sería entrar en terreno de spoilers, por lo que nos limitaremos a contar que el Sôseki real fue un profesor de inglés, novelista y autor de «haikus» cuyas mayores obras: Kokoro (ésta especialmente), Soy un gato o Botchan son de obligado estudio en la escuela secundaria de Japón. Su narrativa se caracteriza por la mezcla de componentes culturales japoneses y occidentales y los efectos que ello tenía en la sociedad, además de hacer un gran uso de la sátira y de la introspección; en contraste con Ôgai, de un estilo más austero y menos recargado. Mientras Sôseki se formó en Inglaterra, Ôgai (médico militar de profesión) lo hizo en Alemania, convirtiéndose posteriormente en escritor y traductor de numerosas obras, como La torre del silencio, donde defiende la libertad de pensamiento; o Vita sexualis, en la que une sus conocimientos de medicina a una visión literaria libre. Como curiosidad, el verdadero Akutagawa se vio bastante inspirado por estos dos autores, llegando a considerar a Sôseki como maestro.

Ya que esta entrada nos ha quedado bastante larga, a modo de cierre nos queda decir que hay bastantes autores más pululando por el anime y manga de Bungou Stray Dogs (y no hablemos de las referencias, que las hay hasta a El Quijote), de los cuales no podremos hablar por falta de espacio. Eso sin contar a los escritores no japoneses, como F. Scott Fitzgerald, Lucy M. Montgomery, H.P. LovecraftFiódor Dostoyevski, por citar a solo unos pocos.