Detective Pikachu, un impactrueno de ternura y monería

Pokémon es actualmente una de las franquicias con mayor éxito a nivel mundial y sobre todo en su país de origen, Japón, donde desde su nacimiento en las consolas portátiles de Nintendo ha sido todo un superventas y hoy en día tiene en su haber hasta centros comerciales dedicados exclusivamente a ellos, los Pokémon Center, así como su propia compañía desarrolladora, The Pokémon Factory.

Era cuestión de tiempo que Hollywood, concretamente Warner, se interesara por el título, decidiendo probar suerte a raíz de uno de los videojuegos para Nintendo 3DS: Detective Pikachu. Tomando el mismo título, ha creado la que es hasta la fecha mejor adaptación al cine de un videojuego… lo cual tampoco estaba muy complicado.

En la dirección contrataron a Rob Letterman (la película de Pesadillas), quien se encarga a su vez del guión junto a Nicole Perlman, también escritora de Guardianes de la galaxia o Capitana Marvel, lo que nos habla todo ello del tono general de la cinta que nos ocupa.

El argumento, que sigue una narrativa de suspense y thriller bastante «light» pero efectiva y entretenida, cuenta cómo el joven Tim Goodman (Justice Smith) es llamado un día debido al aparente fallecimiento de su padre, un aclamado detective. El muchacho se pone así rumbo a Ryme City, lugar creado para que humanos y pokémon convivan en armonía, sin ser unos los dueños de los otros ni someterlos a peleas. Mientras recoge lo que le ha dejado su progenitor, Tim se topa con un Pikachu (voz de Ryan Reynolds) parlante (que en realidad solo él puede entender) y amnésico que lo anima a buscar el verdadero paradero de su padre.

Detective Pikachu. Warner Bros.

Aunque la trama sí ofrezca su intriga, el verdadero motor de la cinta se encuentra en la enorme cantidad de cameos de pokémon de todas las generaciones, desde Charmander y Squirtle hasta Torterra, pasando por un sinfín de ellos que pululan por casi todas las escenas.

El otro factor realmente llamativo es Pikachu, a quien Reynolds otorga de una actitud algo canallesca y vivaz, alejado del emblemático roedor al que estamos acostumbrados a ver en el anime, promociones y videojuegos; frente al mucho más apagado Tim. La dupla que ambos conforman en este sentido es la típica de las «buddy movies» y como tal cumple.

Junto a Pikachu tendremos también a Psyduck, el pokémon compañero de la reportera Lucy Stevens (Kathryn Newton), otro de los grandes aciertos, sobre todo desde una perspectiva cómica (y que resulta asimismo arrebatadoramente adorable).

Frente a todo este desfile de pokémon, los humanos palidecen; aunque seguramente este fuera el objetivo de la película, que va a atraer a niños y nuevos adeptos como churros (y cuya secuela está ya anunciada). Las partes más dramáticas tampoco llegan a la altura de las humorísticas, dejando patentemente claro su tono desenfadado y ligero.

Detective Pikachu. Warner Bros.

Los grandes triunfadores en este punto han sido los diseñadores y trabajadores de efectos especiales (que no habrán sido pocos), ya que han sabido crear a toda una serie de animales ficticios que no desentonan, poseen carisma y que son la mar de adorables. A ellos se le deben el 90% del encanto de toda la película.

Por lo demás, Detective Pikachu es lo que se espera de ella: un entretenimiento dirigido a todas las edades (con lo que eso conlleva) y que viene dispuesta a arrasar con la venta de merchandising. Las interpretaciones cumplen sin más (a pesar de la presencia de Bill Nighy o Ken Watanabe), el argumento es llevadero y el humor resulta en su gran mayoría apto para todas las edades.

P.D.: Evidentemente, hay numerosos guiños dirigidos a los que hemos crecido (más o menos de cerca) junto a la franquicia y que dibujarán más de una sonrisa (e incluso causará carcajadas).

Sabremos más sobre los orígenes de la Primera Orden y los Caballeros de Ren en Star Wars: El ascenso de Skywalker

Vanity Fair ha dedicado su último número a la esperada novena (y por ahora última) entrega de Star Wars: El ascenso de Skywalker, donde, aparte de llamativas fotos realizadas por la aclamada Annie Leivobitz, se ha brindado numerosa y nueva información sobre lo que está por venir.

Quizás lo más llamativo es que se confirma el regreso de los Caballeros de Ren, quienes ya aparecieron en la alucinación de Rey (Daisy Ridley) durante El despertar de la Fuerza… para no volver a saber de ellos. En principio, a la revista parece que se le ha escapado que uno de ellos será derrumbado por Kylo Ren (Adam Driver), tal como hemos visto en el primer tráiler de la película durante la anterior Star Wars Celebration. La publicación ha señalado posteriormente que esto último se habría tratado de una errata.

El general Pryde y Zorri Bliss, entre los nuevos rostros

También sabremos más sobre los orígenes de la Primera Orden, ha asegurado el escritor Lev Grossman en su reportaje. Es entre los villanos donde veremos al nuevo personaje interpretado por Richard E. Grant, llamado General Pryde, quien ocupa un alto cargo y que quizás esté aliado con Hux (Domhnall Gleeson) para complotar contra Kylo, ahora Líder Supremo tras la caída de Snoke en Los últimos jedi.

Se ha revelado asimismo el nombre completo de otro nuevo rostro, esta vez puesto (aparentemente) por Keri Russell: Zorri Bliss. Este enigmático personaje, que nos trae a la mente a Boba Fett, aparecerá en el barrio de los ladrones del planeta Kijimi y no se sabrá muy bien a qué bando ayudará, si es que se alía acaso con alguno, al estilo DJ (Benicio del Toro) en el octavo episodio.

Otra nombre que surge de entre las novedades es el de Jannah (Naomi Ackie), a quien ya pudimos ver en Star Wars Celebration. Aquí la podemos apreciar junto a Finn (John Boyega) cabalgando una especie de caballos intergalácticos denominados «orbaks».

La relación entre Rey y Kylo Ren será un elemento central

Hablando de Finn, como ya sabemos seguirá evidentemente su lucha en la Resistencia junto a Rey y Poe (Oscar Isaac). Éste último justamente ha definido a su compañero de batalla como «su familia». Rey también será parte del grupo, pero al parecer se sentirá un poco apartada por ser la única capaz de usar la Fuerza, algo que la aleja de sus amigos y que la acerca inevitablemente a Kylo Ren.

La relación entre Rey y Kylo Ren será de hecho uno de los puntos centrales de El ascenso de Skywalker y tanto Ridley como Driver la han descrito como «muy profunda», algo que va más allá del amor o la amistad. En el reportaje se ha asegurado que el vínculo que ambos establecieron a través de la Fuerza en Los últimos jedi alcanzará aquí nuevos niveles, nunca antes vistos.

Daisy Ridley durante el rodaje. Vanity Fair.

Rey seguirá realmente molesta con Ren tras los acontecimientos de El último jedi, pero sobre si él habrá dado ese vínculo por perdido o no es lo que estará por ver.

Se profundizará asimismo en el ascenso de Poe dentro de la Resistencia y en el entrenamiento de Rey como jedi, que se verá «casi completado» gracias a los libros antiguos que se llevó consigo en el anterior episodio. Esto último llevará al final del conflicto entre los jedi y los sith, algo que lleva arrastrándose centurias y que caerá principalmente sobre los hombros de Kylo y Rey.

Nexos con las trilogías anteriores

Luke (Mark Hamill) también tendrá algo que decir al respecto, y la lente de Leibovitz nos lo muestra por primera vez en El ascenso de Skywalker junto a R2D2. Sobre si sus apariciones formarán parte de flashbacks o será un fantasma de la Fuerza, o ambas, todavía está por verse.

El personaje que sí verá incrementado su papel en esta novena entrega es C3PO (Anthony Daniels), aunque no sabemos aún muy bien cómo. Sí que servirá de nexo con las trilogías anteriores, al igual que Lando Calrissian (Billy Dee Williams) y Leia (fotogramas recuperados de Carrie Fisher y que han sido especialmente tratados para la ocasión, en palabras del director J.J. Abrams).

Sobre los planetas que veremos en El ascenso de Skywalker, Vanity Fair ha revelado dos novedades, el ya citado Kijimi, cubierto de nieve y cenizas, donde encontraremos a Zorri y el barrio de ladrones; y el desértico Pasaana, localizado en los límites de la galaxia y donde conoceremos a una nueva especie alienígena, los «Aki-Aki» junto a los citados «orbaks».

Avengers Endgame: Un digno final para muchos caminos

Llegar al final, la cima o el cenit es una satisfacción tanto por el  objetivo conseguido pero también por todo lo que se logra y asimismo se pierde en el camino. Como siempre, el paralelismo entre DC y Marvel y el cuento de la liebre nos viene en esta oportunidad como anillo al dedo, demostrado  en el final de un camino, o como reza el dicho, el descanso del guerrero, o guerreros en este caso, con esta muy digna y épica Avengers: Endgame.

La factoría de Kevin Feige y Stan Lee vuelve a la carga para dejar su última gran huella en la llamada Fase 4 del Universo Marvel, con un elenco estelar como el tridente de los tres Chris…estos son Evans, Hemsworth y Pratt, Tilda Swinton, Robert Downey Jr., y un largo etcétera.

Una de las características de todo el universo de la factoría de Stan Lee es dejar en la mayoría de sus películas una sensación de vacío en cada final o más bien el quid flotante de «¿qué va a ocurrir ahora?». Muchos fans de los cómics se pueden dar una idea, pero para mortales que no solemos leer Marvel como un servidor, todo puede pasar. Y esta película es el cúmulo tal vez de todas esas preguntas sin respuesta, aunque todavía quedan algunas cuestiones en el aire.

Avengers: Infinity War dejaba un escenario desolador, en el cual solo sobreviven unos pocos de los Vengadores, y es gracias al regreso de alguien inesperado que las cartas se ordenan en la mesa para la jugada final. Pero todo lleva su tiempo y estas cartas tardan en acomodarse.

Como se preveía en el final del tanque cinematográfico anterior, los viajes en el tiempo están a la orden del día y son de necesidad para detener a Thanos. Esto propicia un recuento y revisión de situaciones y momentos memorables en algunas de las películas anteriores en búsqueda de las gemas del infinito. Muchos de estos momentos dejan una sensación flotante de «¿Qué hubiese pasado si…?». Asimismo permite ver a algunos personajes en circunstancias que no hubiésemos imaginado.

Una vez más y como siempre, Marvel cumple y con creces pero a expensas de no arriesgar y quedarse con su fórmula mágica de entretenimiento seguro y sin sobresaltos a nivel argumental. En contrapartida, si bien siempre se le achaca a Warner y DC que la cosa no termina de cuajar del todo, podemos inferir en que estos últimos siempre intentan innovar aunque sea solo un poco.

Algo que le debemos reconocer a Marvel es que a través de todas sus películas ha tocado diferentes temáticas y realidades, tales como la no discriminación, el empoderamiento de la mujer, la necesidad de dialogo, no importa cuál sea el conflicto, permitiendo que en una sociedad donde la aceptación y la tolerancia se abre en muchos ámbitos, son estos superhéroes un modelo a seguir.

PUNTOS POSITIVOS:

  • Punto épico: Como última película, donde culminan varias líneas argumentales, la película da un digno cierre con sus buenas dosis de enfrentamientos, entre buenos y malos , considerando así un (buen) fan service en toda regla.
  • Menor foco en la acción: Como todo relato que debe tener su cierre, relegaron acertadamente las escenas de acción a un segundo plano, dando lugar al dialogo y así enfocarse en los personajes y sus respectivos arcos argumentales; en este caso para explicar los múltiples eventos que suceden en un film de estas características.
  • Más emoción: Creemos que esta resultó, a diferencia de anteriores entregas, una película catártica, introspectiva, lo cual tal vez nos lleva a deducir un viraje de estilo más profundo en futuras entregas. ¿Tal vez?

PUNTOS NEGATIVOS:

  • Exceso de bromas: No sabemos si es porque Marvel pertenece a Disney con todo lo políticamente correcto, que debe tener cierto chiste o gag para salir en cualquier dialogo, pero sentimos que así denostan o eliminan la seriedad o la carga emotiva de algunas de las escena donde había  estos chascarrillos.
  • Personajes sin mucho brillo: Se entiende que en un largometraje de tal envergadura se hagan sacrificios en función del tiempo y metraje, pero hay personajes que irónicamente no obtuvieron la buena justicia que realmente se merecían (el caso más polémico, y con cierta razón, sea probablemente el de Thor).
  • Agujeros de guión: Hay cosas que no están debidamente explicadas y dejan al espectador con mucha confusión más que emoción… Por otra parte, algo habitual en argumentos que giran en torno a los viajes temporales.

En conclusión…

Consideramos que la película es causa y efecto de todo este tiempo que transcurrió desde el comienzo del Universo Cinematográfico de Marvel, allá por 2008, cuando no pocos apostaban a esta fórmula para toda la familia de cine de superhéroes, no sin sus tropiezos pero con un resultado en general más que satisfactorio.

Quiero comerme tu páncreas, emotividad con buen gusto y melancolía

Selecta Visión está trayendo cada vez más licencias de películas de anime que se salen de lo que es masivamente conocido. De hecho, durante la última Japan Weekend de Madrid aseguraron que gracias a éxitos como el de Dragon Ball Super: Broly podrían seguir trayendo títulos menos famosos, como es el caso de Quiero comerme tu páncreas (Kimi No Suizô Wo Tabetai, 君の膵臓をたべたい).

Es una suerte poder llegar a disfrutar de una cinta de este calibre en una sala de cine, y no lo decimos únicamente por su destacado apartado técnico. Quiero comerme tu páncreas es melodrama del bueno, del que sabe cuándo contenerse y cuándo dejarse llevar, el que te roba un hueco de tu «kokoro» por la cercanía que logra establecer con el espectador.

Admito que iba con las expectativas bajas a ver esta película, lo cual puede haber influenciado (o no) en su resultado. Tras cierta saturación de melodramas en la animación japonesa, y con cintas de reciente visionado como El himno del corazón o Maquia que no me acababan de cuajar, Quiero comerme tu páncreas se me anticipaba como más de lo mismo.

Quiero comerme tu páncreas. Estudio VOLN

No nos engañemos: es más de lo mismo, pero está muy bien ejecutado (en la mayoría de las situaciones). Para ponernos en antecendentes y que el título no nos engañe (aunque guarda relación con la historia), la cinta cuenta cómo un estudiante de preparatoria asocial y refugiado en los libros se topa accidentalmente con un cuaderno tirado en el hospital. Al recogerlo y echar un vistazo a lo que contiene, se da cuenta de que se trata del diario de una chica moribunda. La susodicha resulta ser Sakura Yamauchi (con voz de una inspirada Lynn en la versión japonesa), una compañera de clase aparentemente opuesta a él en todo y que aparece para solicitarle que se lo devuelva. Al ver la apatía con la que aborda su caso, ella decide seguirlo y pasar una buena parte del tiempo de vida que le queda con él, pues aparte de su familia y médicos es el único que conoce su enfermedad.

Este es el inicio de un guión bastante previsible, salvo quizás algún giro hacia el final que por otro lado no termina de funcionar. Como decíamos, en lo que destaca Quiero comerme tu páncreas es en su ejecución, en cómo aborda los temas que trata y en la química y desarrollo de la relación (que pasa por varias fases y facetas de forma sorprendentemente creíble y tierna) entre los dos protagonistas, verdadero epicentro de la historia.

El hecho de que el director, Shinichirô Ushijima, haya estado al cargo de algunos capítulos de la serie Death Parade es notorio en este abordaje y en el buen gusto con el que suele manejar temas tan melodramáticos y con los que es excesivamente fácil caer en la pornografía emocional. En su caso, los mezcla brillantemente con situaciones absolutamente cotidianas, guiños a la cultura pop (Death Note y Mario Kart entre ellos) incluidos, lo que la vuelve más cercana al espectador y te transfiere una sensación de nostalgia y melancolía propias de los años estudiantiles. Algunos asuntos como la aceptación e inevitabilidad de la muerte o la relación entre ambos protagonistas nos pueden recordar fácilmente a su obra anterior (o en la que participó activamente), alcanzando aquí un resultado más satisfactorio.

Quiero comerme tu páncreas. Estudio VOLN

El tratarse del primer título importante desarrollado por el estudio VOLN lo convierte aún en algo más sobresaliente, pues se trata de un producto casi redondo asimismo en su apartado técnico. El estilo de dibujo y especialmente la paleta de colores nos recordará inevitablemente a las obras de Makoto Shinkai, lo cual no es malo en absoluto. La animación puede pecar de algo simple en determinados momentos, pero la expresividad y los movimientos fluidos de los personajes (especialmente Sakura, lo cual dice mucho del personaje) son excelentes.

La banda sonora, compuesta por Hiroko Sebu, es también destacable por su emotividad a veces contenida, a veces más explosiva, así como acompañamiento en los momentos más pausados.

Curiosamente, esta adaptación de Quiero comerme tu páncreas proviene de una novela publicada en internet por Yoru Sumino y que ha sido galardonada con varios premios. Hay versiones anteriores a esta cinta, como una película en imagen real y un manga publicado en España por ECC Ediciones. No hemos leído ni visto ninguno de ellos, pero lo cierto es que esta adaptación de anime funciona por sí misma a la perfección, aunque tenemos entendido que cierto giro algo brusco del final cobra más sentido en la novela.

En definitiva, Quiero comerme tu páncreas se acerca más a ser una versión anime de la película occidental Yo, él y Raquel (Me, Earl and the Dying Girl) que con la mucho más comparada (y cargante) Shigatsu Wa Kimi No Uso (Your Lie in April), lo cual personalmente agradecemos por la delicadeza con la que aborda ciertos temas difíciles o melodramáticos y la brillante mezcla que hace con la cotidianidad de dos jóvenes en el Japón actual. Esto es gracias en buena parte a la entrañable relación que se va estableciendo entre unos protagonistas no carentes de estereotipos ni de lugares comunes, pero no por ello menos cercanos.

P.D.: A pesar de los buenos esfuerzos de Selecta Visión y del equipo de doblaje, creemos que esta es una de esas películas que se disfrutan más y se perciben más matices viéndolas en versión original. Lamentablemente, llega a muy pocos cines en este formato.

Capitana Marvel: Una líder necesaria

Originalmente, el nombre de Capitana o Capitán  Marvel fue usado por distintos superhéroes de la editorial Marvel Cómics. Entre los muchos que supieron llevar el nombre y legado, los siguientes son los más destacados:

  • Mar-Vell
  • Mónica Rambeau
  • Genis-Vell
  • Phyla-Vell
  • Khn’nr
  • Noh-Varr
  • Carol Danvers.

Aunque está demostrado  que es un personaje con muchas encarnaciones y no falto de cierto grado de polémica, es por ahora su última y más conocida etapa la que hoy nos convoca.

Hay un dicho  en el folclore popular que reza que a veces es bueno dar dos pasos para atrás para luego dar uno hacia adelante. Esta película lo confirma, ya que funciona tanto como una precuela así como paso inicial de un universo en ciernes que es hoy una aceitada máquina, un reloj suizo del entretenimiento sin más.

Capitana Marvel. Disney y Marvel

Capitana Marvel propone, un atractivo y apetecible viaje en el tiempo no solo para conocer el comienzo de todo, sino también un retorno a la  década de 1990, la cual humildemente un servidor considera idílica por varias razones.

Brie Larson aterriza en el papel de Carol Danvers con credenciales destacadas anteriores tales como The Room, Scott Pilgrim contra el mundo o Tienda de Unicornios, ésta última donde además de encarnar a la protagonista también dirige.

El puntapié inicial de su historia se apoya en que Carol Danvers, excelente piloto cuya necesidad de probar que es capaz para hacer todo lo que se propone es relegada o rechazada por su entorno, se propone a sí misma para acompañar a la doctora Lawson (una sorprendente Annette Benning) en un vuelo de pruebas para el proyecto PEGASUS. Sufriendo un accidente tras una trepidante persecución, Carol es víctima de una explosión donde le son legados sus poderes.  Muy malherida después de esto, ella es salvada gracias Yon-Rogg (Jude Law), quien la toma bajo su tutela para entrenarla, siendo consciente del gran poder que ella heredó. Es así como Carol Danvers pasa a ser Vers, una soldado principiante, quien no pierde la chispa y las ganas para demostrar de lo que es capaz.

Capitana Marvel. Disney y Marvel

En una misión, donde las cosas no salen como se esperaba, Vers tiene un aterrizaje forzoso en la tierra, más precisamente en el techo de una tienda de Blockbuster (un guiño en pos de Netflix, productora a su vez de su debut como directora).

Es en la Tierra donde paulatinamente se desvelan los no pocos misterios de este personaje, que al igual que su cronología en el universo cinematográfico de Marvel, viene a reivindicar no solo el hecho de ser mujer, sino además que son las mujeres quienes pueden perfectamente liderar en tiempos de crisis.

La película es la guinda en el pastel del «UCM» por muchas razones:

  • Dar a la mujer el espacio que le corresponde no solo para pelear, sino también para liderar.
  • Que sea ejemplo de temple y confianza para muchas personas en los tiempos tan agitados que corren.
  • Brinda un mensaje feminista (con el que Disney no ha sido nada sutil), dando la pauta de que los tiempos pueden y deben cambiar.

Capitana Marvel. Disney y Marvel

Puntos positivos

  • Aunque DC se haya adelantado reclutando a Patty Jenkins para dirigir Wonder Woman, por parte de Marvel esta es su primera película dirigida por Anna Boden, una prometedora directora del círculo indie.
  • El regreso a la década de los 90’s tanto en ambientación como a través de la música se agradece, con canciones de bandas como No Doubt, Nirvana y Garbage, entre otros, es algo que un servidor ha encontrado nostálgico a la par que gratificante.
  • Brie Larson brinda una interpretación compacta y reivindicativa, habiendo mostrado sus credenciales en películas tales como The Room y hasta recibiendo saludos y felicitaciones por parte de Gal Gadot. Su química con Samuel L. Jackson es de lo mejorcito de la película.
  • Goose.

Puntos negativos

  • El guión presenta ciertas lagunas que luego no se explican y creo que toda película de este tipo debe ser clara para la gente que tal vez no haya leído los cómics.
  • Creo que Marvel podría haber adelantado todo mensaje feminista positivo ya a través de la Viuda Negra (Black Widow), interpretada en varias ocasiones dentro de su universo cinematográfico por Scarlett Johansson, pero sin haber tenido todavía una película en solitario, hecho que está pautado en un futuro no tan lejano (y desde hace varios años).
  • Las precuelas sirven para introducir nuevos personajes, explicar cosas inconclusas o para darle más relevancia a cierto hecho determinado, pero como a todas las de su tipo le falta la epicidad que derrochan por ejemplo las últimas de Los Vengadores y algunos elementos quedan en el aire (probablemente de cara a futuras secuelas).

Humildemente creo que la película se apoya demasiado en dar un mensaje positivo y lo logra con creces a expensas de dejar puntos demasiado ambiguos y un guión que cae demasiado en lugares comunes. Dicho de otro modo, la cinta cumple como punto de partida y nos brinda a un prometedor personaje, pero habiendo visto ya más de diez títulos de este calibre entre Marvel y DC, uno siente que se queda a medio gas.

Información y primer e impresionante avance de Star Wars: The Rise of Skywalker

La convención Star Wars Celebration ya ha abierto nuevamente sus puertas, esta vez en Chicago, y prometía traernos las primeras novedades sustanciales del noveno (y por ahora último) episodio de Star Wars. Y vaya si lo ha hecho.

En el panel dedicado a esta entrega, con Stephen Colbert presidiendo, acompañado por el director, J.J. Abrams; la productora, Kathleen Kennedy; R2D2 y el actor que encarna a C3PO, Anthony Daniels; Daisy Ridley (Rey); John Boyega (Finn); Oscar Isaac (Poe Dameron); Kelly Marie Tran (Rose Tico); Billy Dee Williams (Lando Calrissian); Joonas Suotamo (Chewbacca); Naomi Ackie (Jannah); y… sorpresa final, el regreso de Ian McDiarmid (Palpatine), lo que terminó por enloquecer a los asistentes y a reproducir por segunda vez el primer avance.

A lo largo del panel se mencionó, como información sobre lo que viene con Star Wars: The Rise of Skywalker (que traducido de forma literal sería El alzamiento de Skywalker), el director y la productora mencionaron que toda esta trilogía gira en torno a la nueva generación. Abrams en concreto ha asegurado estar ilusionado con las dinámicas entre los personajes.

Hablando de éstas, han bromeado sobre un triángulo entre Rose, Finn y Rey que John Boyega ha corregido que en realidad sería un pentágono con Poe, a quien según él sin duda deberían añadir. Daisy Ridely ha definido el vínculo entre el trío protagonista como «es amistad. Es familia (…). Una colección preciosa de gente».

Sobre lo que veremos entre Kylo y Rey, Daisy Ridley ha señalado que tendremos que esperar a la película. Según ha informado el periodista Clayton Sandell, Ridley le habría dado su opinión sobre esta relación a Abrams, en la que se profundiza mucho más en el noveno episodio. También han comentado divertidos sobre la famosa escena de Ben semi-desnudo en Los últimos jedi.

Por su parte, Billy Dee Williams parecía estar encantado con Abrams y ha defendido las decisiones que tomó Lando en El imperio contraataca.

Aparte de esto, bromas entre los actores y realizadores aparte, se ha confirmado que el personaje interpretado por Naomi Ackie se llama Jannah y que BB8 tendría un nuevo «amigo droide» llamado Dio.

Por lo demás, el primer avance (realmente impresionante, sorpresa final incluida) nos intuye la aparición (o mejor dicho, regreso) de una amenaza mayor que seguramente pondrá contra las cuerdas a todo el equipo, incluyendo seguramente a Kylo Ren (interpretado por Adam Driver, quien no pudo asistir por problemas de agenda). Este enemigo entre las sombras ataría asimismo las tres trilogías y cierto legado que se referencia de forma directa y explícita en el título.

Filtraciones hechas por usuarios «de fiar» con anterioridad en Reddit y en el portal MakingStarWars hablaban de que C3PO tendría mayor protagonismo (lo que podría confirmarse en una de las imágenes mostradas durante el panel) y un papel más activo esta vez, que los llevaría a él y a los protagonistas a algún tipo de artefacto vinculado a Anakin.

El usuario de Reddit habló a su vez de un incipiente posible romance entre Kylo Ren y Rey (o al menos de sentimientos románticos de éste hacia la muchacha, que lo tendrían confundido) y que el ahora Líder Supremo estaría buscando (o invocaría) a un nuevo personaje denominado «Oráculo», una especie de parásito enorme sobre la cabeza gigantesca de un bebé.

The Rise of… ¿Skywalker?

Por otro lado, hemos tenido la revelación del título de esta última entrega, el cual suena a la par épico (por todo lo que conlleva de cierre de tramas y uniones) y misterioso. Porque, claro, lo de Skywalker es cuanto menos ambiguo.

El único Skywalker que oficialmente queda pululando con vida es el mismo Kylo Ren (descartamos a Leia por el trágico fallecimiento de Carrie Fisher, a pesar de que el personaje continúe con vida mediante escenas rodadas de capítulos anteriores), quien en dicho caso daría a entender una redención, ya que al final de Los últimos jedi claramente se había quedado más en el Lado Oscuro. El hecho de que se pueda escuchar brevemente el tema de Kylo durante la revelación del título en el tráiler y de que quizás una cinta de algo menos de 3 horas  de duración(con varias cosas que contar y arcos para cerrar) no daría para tantos giros apoyan esta teoría.

La aparición de Palpatine (confirmada con la presencia sorpresa de McDiarmid en el panel y posteriormente por el propio Abrams) también hace pensar en la posibilidad de la redención de Ben Solo, ya que se vería obligado a unir fuerzas con el otro bando para acabar con la verdadera y temible amenaza, al igual que ya hiciera su abuelo. Por otro lado, las palabras de Kylo Ren en El despertar de la Fuerza sobre terminar lo que Darth Vader empezó cobrarían aquí un mayor significado.

Otra posibilidad que se baraja (y que no excluye a la anterior) es un regreso (¿físico? ¿espiritual?) de Luke (que sabemos será interpretado aquí por Mark Hamill, ya sea en forma de fantasma con la Fuerza, flashback, etc.), lo cual sumaría peso al título.

Finalmente, otra teoría que lleva circulando por la red desde el inicio de esta trilogía es que sea Rey esta Skywalker, como una especie de hija secreta de Luke o similar. En Los últimos jedi Kylo le decía a la muchacha que no era más que la hija de un par de borrachos de Jakku, algo que, en palabras del director Rian Johnson, era cierto desde la perspectiva de Solo. Abrams ha declarado en esta Star Wars Celebration que, si bien el noveno episodio «honrará al octavo», también «hay algo más» a explorar en los orígenes de Rey.

Hay otra idea que sobresale entre los espectadores: ¿y si Rey en realidad estuviera de alguna forma vinculada con Palpatine? Esta es otra teoría que lleva años circulando y que, con el regreso del ex emperador, no hace más que ganar posiciones.

El significado del título puede ser asimismo simbólico, máxime con el archienemigo que es Palpatine de vuelta. Tanto éste como los Skywalker han sido los que han impulsado la narrativa de la historia desde la primera trilogía y (por lo que se ve) hasta la última. Que Ben (solo o probablemente acompañado) acabe de una vez por todas con ese desequilibrio mayor en la Fuerza y en la historia de la galaxia que es Sidious y establezca(n) la victoria final y definitiva de los Skywalker (de nuevo, acabando lo que Vader empezó) los asentaría a su vez como linaje y legado.

Sea como sea, aún queda mucho para el estreno el próximo 19 de diciembre de Star Wars: The Rise of Skywalker, y todos sabemos lo habitual que es para J.J. Abrams jugar a confundir al espectador.

Por cierto, todas las imágenes corresponden a fotos sacadas por asistentes al evento y subidas a Twitter. No son nuestras. Mostramos las que nos han parecido más relevantes.

Enlaces de interés:

Star Wars IX presenta posible poster y diseños de los personajes

Glass, una efectiva y arriesgada vuelta de tuerca al género de superhéroes

M. Night Shyamalan ya tenía pensado hacer una trilogía mientras rodaba El Protegido (Unbreakable, 2000), ya que se dio cuenta de que no podía meter a Kevin Wendell Crumb (quien posteriormente será interpretado magistralmente por James McAvoy) en una historia donde ya brillaban los personajes interpretados por Samuel L. Jackson (Elijah Prince) y Bruce Willis (David Dunn). Además, su productora de aquél entonces, Touchstone (actualmente perteneciente a Disney), se negó a financiar una secuela, a pesar de que a la cinta le fue bastante bien en taquilla. Fue así como, 16 años más tarde, surge la muy notable Múltiple (Split) y, en 2019, Glass.

Glass es de este modo el culmen de la historia ideada por Shyamalan allá por el 2000, una efectiva y arriesgada vuelta de tuerca al género de superhéroes que plantea cuestiones bastante interesantes y universales, como «¿es mi mente la que limita mis capacidades físicas?» o «¿hasta dónde puedo/quiero llegar?». Advertimos que al ser una secuela de ambas, El protegido y Múltiple, habrá SPOILERS de aquéllas.

Han pasado tres semanas desde la desaparición de Kevin Wendell Crumb (James McAvoy), más conocido por una de sus 24 personalidades La Bestia, o el conjunto de algunas de ellas, La Horda; a la par que encontraban con vida a una de las chicas que había secuestrado, Casey Cooke (Anya Taylor-Joy). Mientras, David Dunn (Bruce Willis) le sigue la pista junto a la ayuda de su hijo, el ya adulto Joseph (Spencer Treat Clark), a la vez que se ha ido granjeando el nombre de misterioso justiciero, el Centinela. Una serie de catastróficas desdichas lleva a que la policía encuentre a la vez a La Horda y a Dunn y sean llevados al hospital psiquiátrico Raven Hill, donde se encuentra interno desde hace años Elijah Prince (Samuel L. Jackson) y en donde los tratará a todos ellos la doctora Ellie Staple (Sarah Paulson).

Glass. Universal Pictures y Buena Vista International.

Este es sólo el punto de partida de una cinta que contiene elementos del cine de suspense, del de superhéroes y que suma características de títulos de internamientos (en algunos puntos puede incluso llegar a recordar a Alguien voló sobre el nido del cuco) y una última media hora repleta de giros sorprendentes, especialidad de Shyamalan.

Una de las cosas que más destacan en Glass es cómo ha ido hilando todo su director, también guionista y productor, hasta los más pequeños detalles, y cómo ha ido evolucionando en la trilogía desde una cinta más intimista como El Protegido hasta el thriller psicológico que te mantiene de principio a fin en tensión que es Múltiple, para volver al desarrollo de planteamientos que ya se iniciaban con la primera y que culminan aquí en Glass.

Otra virtud es cómo llega a lograr que todos los personajes brillen por igual, al menos los principales, labor que no debemos agradecer únicamente al guión sino al inmenso trabajo de sus actores. Desde un James McAvoy que se come la pantalla hasta un carismático Samuel L. Jackson, pasando por un Bruce Willis que encarna a la perfección la imagen del héroe ya entrado en una edad y que aún así se mantiene en movimiento por un estricto código de justicia. Lo mejor es que, a pesar de que la división entre el bien y el mal queda meridianamente clara, ninguno de ellos te cae mal y hasta sufres por su destino. La que sí logra ser centro de las iras también con bastante solvencia es el personaje que interpreta Sarah Paulson.

Glass. Universal Pictures y Buena Vista International.

Los secundarios Anya Taylor-Joy, Spencer Treat Clark y Charlayne Woodard se mantienen evidentemente en un tercer plano, pero su papel e influencia son a la postre esenciales en uno de los mejores finales que recuerdo y que Shyamalan de nuevo sabe unir a los orígenes de tan conocidos superhéroes como Superman.

La labor de dirección de Shyamalan y el trabajo de fotografía de Mike Gioulakis son asimismo notorios, manipulando juegos de luces y colores (por ejemplo, a David lo representa el verde, a Elijah el morado y a Kevin los ocres, y esto a su vez compone un significado en torno a sus psiques y roles). También se puede percibir cómo varía la intensidad de los tonos según las circunstancias emocionales de los protagonistas y algunos manejos de cámara van vinculados al argumento.

La banda sonora, compuesta por West Dylan Thordson (quien ya hizo lo propio en Múltiple), tras el legado de James Newton Howard en El Protegido, de quien de hecho ha recuperado algunas piezas para la ocasión, cumple en cuanto a la creación de una atmósfera a veces inquietante, otrora armoniosa, pero siempre envolvente.

Glass. Universal Pictures y Buena Vista International.

Algo positivo y negativo tanto de Glass en particular como de Shyamalan en general es que arriesga, lo que ha dado lugar a algún que otro bodrio frente a resultados magistrales. Para nosotros, esta cinta pertenece a éste último grupo, aunque la conclusión de alguno de los personajes y los giros de tuerca puedan dejar ojipláticos a más de un espectador (y no necesariamente para bien).

Esto a su vez conlleva que algunas decisiones o situaciones en el guión puedan verse un poco forzadas (¿no trabaja más gente en un psiquiátrico?), pero que al fin y al cabo siempre pueden justificarse en la manida y válida para todo «magia del cine».

En definitiva, si quieres ver una cinta de superhéroes más al uso, sin grandes sorpresas (positivas y negativas), pero que te va a hacer pasar un buen rato y ya, continua con las de Marvel o DC habituales. Pero si quieres algo más original dentro del género, que te puede dejar pensando y con unos personajes cuya psicología es algo más compleja y profunda (a pesar de que la división entre el bien y el mal sigue estando ahí), sin duda dale una oportunidad a Glass y (si no lo has hecho ya) a El Protegido y Múltiple.

Aquaman: DC resurge desde el oceáno

Con Aquaman tenemos una vuelta asegurada hacia las buenas y sustanciales películas de DC. Ya hemos hablado anteriormente de que, a diferencia del lento cocinado de Marvel, DC ha trabajado con no escasos baches para estar a la par de su competidor más directo. El camino correcto hacia cierta resurrección de DC lo dejó Patty Jenkins con Wonder Woman.

La idea de realizar este largometraje viene de por lo menos 10 años atrás. El proyecto sufrió un sinfín de reveses, ya que en un principio iba a ser Leonardo DiCaprio el protagonista (quien inicialmente también iba a producir la película).

Dirigida finalmente por el malayo James Wan, quien sorprende gratamente saliendo de su zona de confort que son las cintas de terror y suspense, la película cumple sus expectativas con un guión algo simple, pero inevitablemente abusando un poco de los efectos especiales y el CGI, lo que es habitual en este tipo de productos. Sin tener un ritmo frenético, la película resulta interesante para alguien que no está sumergido en el universo del Rey de los Siete Mares y a su vez es un conjunto de merecidos homenajes y guiños para quien sí conoce un poco más al personaje.

La premisa de la película abre el argumento en que la reina Attlana (encarnada por una eficiente Nicole Kidman) yace malherida en las orillas cerca donde vive y trabaja Thomas Curry (Temuera Morrison), el cuidador del faro. Después de brindarle los debidos cuidados, ambos caen en las redes mutuas del amor y de esta unión nace Arthur (Jason Momoa). Los primeros años transcurren idílicamente hasta que es llevada contra su voluntad nuevamente hacia las profundidades del océano.

Arthur crece sabiendo que es especial, pero rechazando sus poderes y dándolo todo para vivir una vida mundana y simple junto con su padre. Poco sabe él que su poder es la llave de paz entre el mundo marino y el terrestre.

Aunque ya hemos mencionado que el guión es simple y hay de alguna manera un abuso no disimulado de los efectos especiales, estos últimos son para destacar. La gravedad del agua y cómo afecta al habla de los personajes y sus ropas y el detalle de toda la ambientación marina son para resaltar.

ACIERTOS

Elenco: Es un conjunto que llama la atención, desde el casting de Nicole Kidman hasta Willem Dafoe, pasando por Dolph Lundgren, Temuera Morrison y Patrick Wilson (actor fetiche de James Wan), entre otros

Nicole Kidman: Ya fue parte del universo del cómic en la olvidable contribución por parte Joel Schumacher, Batman Forever, con un papel secundario encarnando a la doctora Chase Meridian. Obtiene su merecida redención aquí como la reina Attlana, una mujer de armas tomar.

Apuesta fuerte: Aquaman, junto con Wonder Woman, ha demostrado que tiene elementos varios para darle un respiro al universo cinematográfico de DC en cuanto a anteriores tropiezos.

Desparpajo: James Wan hizo el personaje a la medida de Jason Momoa, quien con su desfachatez y su improvisación logra ser uno de los puntos más fuertes de la película.

DESACIERTOS

Guión: Se sabe que la finalidad de este tipo de largometrajes es la del entretenimiento puro y duro, pero esto no justifica cierta pobreza en el guión, sin profundidad y hasta de momentos muy previsibles.

Reacción tardía: Parecemos el perro del hortelano, habiendo mencionado alguna vez que ya bien podría DC copiar en ciertos aspectos la fórmula segura, sin embargo, repetitiva, que tanto éxito ha dado a Marvel. Creemos que el camino se abrió con la cinta amazónica de Gal Gadot y por fin James Wan, junto a Jason Momoa, por fin le siguieron la huella.

Justas y certeras cuotas de humor y el tono bonachón y campechano que el protagonista aporta junto muchos otros factores más positivos que negativos dan la pauta de que Warner y DC se dieron cuenta de cuál es el camino correcto para que el barco, nunca mejor dicho en este caso, llegue a buen puerto. Esperemos que Shazam!, de próximo estreno y buenos augurios de “performance”, termine de cerrar esta incertidumbre de una vez por todas.

Star Wars IX presenta posible poster y diseños de los personajes

La próxima Star Wars Celebration dará comienzo el 11 de abril en Chicago, donde se prevé que el director de la última película de la franquicia ideada por George Lucas, J.J. Abrams, junto a la productora Kathleen Kennedy y una parte del elenco, revelen el título oficial y el primer tráiler de este noveno episodio.

Sin embargo, ya han empezado a surgir las primeras filtraciones, a todas luces oficiales, como el que podría ser primer cartel de Star Wars IX, según el portal web The Geekiverse.

Del póster destacan los «nuevos» atuendos de Kylo Ren y Rey, que parecen un claro regreso a sus versiones de El despertar de la Fuerza, pero con notorias diferencias: Rey lleva tapada la cicatriz que se hizo durante la batalla junto a Ben contra la guardia de Snoke; y Kylo por su parte parece llevar una túnica con capucha similar a la del Emperador Palpatine.

Más allá de esto, por supuesto no podemos dejar de fijarnos en los Caballeros Ren y en los soldados de asalto rojos. C3PO figura asimismo en una posición predominante (sobre todo respecto a las dos anteriores entregas de esta trilogía), lo que coincide con últimas filtraciones sobre el argumento, que hablan de que el droide sería determinante en el hallazgo de un holograma/recuerdos grabados por Anakin Skywalker que hablan de un viejo artefacto jedi.

Un usuario de Reddit además ha compartido esta nueva imagen donde podemos ver de forma más nítida (en comparación con filtraciones anteriores) a los protagonistas de la última trilogía y a nuevos personajes, así como al esperado Lando Calrissian (a quien vuelve a encarnar Billy Dee Williams).

De entre los nuevos rostros, destaca aquí el personaje de Jannah, que es interpretada por Naomi Ackie; y la misteriosa Zorii, también presentes en el póster.

Star Wars IX, aún sin título oficial, se estrenará el próximo 19 de diciembre. Repiten en el reparto Daisy Ridley (Rey), John Boyega (Finn), Oscar Isaac (Poe Dameron), Adam Driver (Kylo Ren), Mark Hamill (Luke Skywalker), Billy Dee Williams (Lando Calrissian), Joonas Suotamo (Chewbacca), Domhnall Gleeson (General Hux), Kelly Marie Tran (Rose), Anthony Daniels (C3PO), Jimmy Vee (R2D2), Lupita Niong´o (Maz Kanata), Billie Lourd (Connix) y grabaciones de Carrie Fisher en anteriores episodios para Leia. De caras nuevas, a la mencionada Naomi Ackie se unen Richard E. Grant, Keri Russell y Dominic Monaghan.

Mirai, mi hermana pequeña. Kun y Mirai adolescente

Mirai, mi hermana pequeña: Un canto a la familia y a la cotidianidad

Esta semana llega a nuestra cartelera Mirai, mi hermana pequeñauna película que me cautivó desde el primer fotograma. El nuevo anime de Mamoru Hosoda, director de El niño y la bestia, es una maravillosa película que enamorará a todos los públicos por abordar temas tan universales como los celos en la infancia o la conciliación familiar.

Sinopsis

Mirai, mi hermana pequeña cuenta la historia de Kun, un niño cuyos celos hacia su hermana Mirai le llevarán a emprender una serie de aventuras a través del tiempo junto a una Mirai adolescente que le enseñará el valor de la familia.

Mirai y la conciliación familiar

Mirai, mi hermana pequeña es una obra de arte llena de virtudes que destaca por encima de todo por presentar de forma natural y directa el tema de la conciliación familiar

En esta película, la madre había abandonado su exitosa carrera como periodista para poder criar a Kun, su primogénito. Tras volver a dar a luz, el matrimonio decide que sea el padre el que se ocupe de los niños para que ella pueda volver a su trabajo.

Este tema, que está empezando a tomar cada vez más relevancia, es desarrollado a lo largo de la película de forma magistral, mostrando las preocupaciones del matrimonio a la hora de hacer frente al mundo laboral y a la vez formar una familia.

Además, en Mirai, mi hermana pequeña, la madre es representada como una mujer real que desea retomar su vida anterior a sus hijos y contar con la ayuda de su marido en el hogar.

Mirai, mi hermana pequeña. Sherlock Films

La magia y la aventura en la cotidianidad familiar

Mirai, mi hermana pequeña es un viaje de iniciación en el que se dan la mano la cotidianidad y la magia.

La película comienza con la llegada de un nuevo miembro a una familia y cómo esta debe hacer frente a la nueva situación. Los celos de Kun hacia su hermana desencadenarán elementos mágicos que convertirán situaciones que todos hemos vivido en extraordinarias aventuras. En este sentido, sorprende la forma tan original en que se presentan situaciones tan anodinas como recoger el cuarto o aprender a montar en bicicleta.

La combinación de estos elementos supone otra de las mayores virtudes de Mirai, mi hermana pequeña. En esta película, la magia es introducida con cuentagotas hasta apoderarse completamente de ella. De esta forma, el director consigue sumergirnos completamente en la historia de esta familia.

Mirai, mi hermana pequeña Kun en campo

Mirai, mi hermana pequeña. Sherlock Films

Cine de animación para todas las edades

Por último, destacar el hecho de que Mirai, mi hermana pequeña, es una de esas películas que rompen los tópicos establecidos por ciertos críticos al señalar al cine de animación como infantil o friki.

Tras su condición de anime, Mirai, mi hermana pequeña, esconde tantas virtudes que la convierten en una de las mejores películas estrenadas en 2019 independientemente de su género.

Su guion es adulto pero sencillo y fácilmente comprensible por cualquier niño. La animación en dos dimensiones transpira naturalidad y tanto el montaje como la preciosa banda sonora engrandecen ciertas escenas como la del juego del escondite elevando a la película a la categoría de obra maestra.

Por todos estos motivos considero que Mirai, mi hermana pequeña gustará a una amplia variedad de público. Es una película que entretendrá a los más pequeños y tocará la fibra sensible de los adultos sin llegar a ser lacrimógena.

Mirai, mi hermana pequeña. Kun en ventana

Mirai, mi hermana pequeña. Sherlock Films

Conclusión

Mirai, mi hermana pequeña es una de las películas que más me han gustado en mucho tiempo. Cada vez que la recuerdo, una sonrisa de oreja a oreja inunda mi cara. Es una película sencilla que se pasa volando, llena de humor y magia, y en la que todo el mundo se sentirá identificado en algún momento.

Nota: 9/10

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