Héroes de Papel abre reservas para «Zelda, detrás de la leyenda»

Publicado el enero 17, 2018enero 17, 2018 por José María Garate

La historia de The Legend of Zelda es la de todas y cada de unas de las consolas que Nintendo ha lanzado al mercado. Una larga travesía repleta de ideas acertadas, también errores, pero siempre impregnada por la voluntad de innovar y tratar de cambiar todo lo establecido en el mundo del videojuego. Poder, valor, sabiduría… pero también magia, fantasía y aventura han sido los ingredientes principales de esta saga a lo largo de sus más de treinta años de existencia.

En Zelda, detrás de la leyenda se encuentran las interioridades de cada una de las entregas de la franquicia, además de un exhaustivo análisis de sus personajes, mecánicas y tramas argumentales. Un libro que profundiza también en el contexto y en las mentes de los creadores que han dado vida a videojuegos inolvidables. ¿Qué papel ha jugado Shigeru Miyamoto dentro de la saga? ¿Cómo ha sido la evolución profesional de Hiidemaro Fujibayashi? ¿Por qué Yoshiaki Koizumi no siguió en el equipo?¿Quién marcará el devenir de The Legend of Zelda en el futuro?

Salva Fernández, periodista especializado de reconocida trayectoria, tratará de dar respuesta a esta y otras preguntas en las páginas de este libro, que constituye también un tributo a una de las franquicias más longevas e icónicas de la historia del videojuego.

El libro estará a la venta el próximo 16 de febrero, pero desde este mismo momento ya puedes reservar tu ejemplar en heroesdepapel.es y llevarte de regalo un set de pegatinas con diseños exclusivos inspirados en la popular franquicia, además de un marcapáginas. La obra cuenta también con una edición especial con estampación dorada, sellada y limitada a 300 ejemplares, únicamente disponible a través de la página web de la editorial.

La Liga de la Justicia es un buen entretenimiento que no innova

Publicado el diciembre 3, 2017diciembre 3, 2017 por José María Garate

Tras un proceso de filmación plagado de trágicos contratiempos tales como el lamentable suicidio de Autumn Snyder, hija del realizador, el consecuente y lógico abandono en la dirección por parte de Zack Snyder y el reemplazo y la refilmación de algunas escenas por parte de Joss Whedon, así como el bigote de Henry Cavill (Superman), que resultó ser hasta ahora el mostacho más caro de la historia del cine, podemos y debemos hacer la crítica de esta película que no resulta ser mala ni aburrida, pero como siempre se queda a mitad de camino.

Si bien es evidente que Warner Bros/DC corre con una gran desventaja en cuanto a asentamiento y asimilación de sus productos con respecto a Marvel, La Liga de la Justicia es una película, que a pesar de los ya remanidos vicios de Zack Snyder, entretiene y cumple sin más su cometido.

La fórmula de la película, sin querer o tal vez queriendo, remite a las de su casa competidora. En el universo de Marvel son las seis Gemas del Infinito para controlar el universo y en el universo DC son las tres cajas madre que sirven para controlar la energía de todos los planetas.

Las nuevas adiciones estelares las conforman Ezra Miller como The Flash, quien juega un papel correcto, pero creo que por cuestión uno prefiere a Grant Gustin. Tenemos también a Jason Momoa como Aquaman y Ray Fisher como Cyborg, siendo estos dos últimos los que ya están en proceso de filmar sus respectivas películas individuales.

Ciarán Hinds compone un villano que, como Ultron de Marvel, apoya toda su maldad en la voz así como James Spader lo hiciese en su momento. El punto de esta comparación es dejar al descubierto que, aunque Marvel ya le haya de alguna manera marcado el camino, DC no sabe aprovechar las pautas o huellas ya dejadas e innovar desde allí.

Lamentablemente, tras la magnífica trilogía de Batman con el binomio Nolan/Bale, DC no supo coger el guante del buen empujón que ésta supo darle a sus productos. Si bien la película cumple y entretiene, creo que los vicios de Zack Snyder ya le generan cierto lastre innecesario. Vicios tales como la innecesaria y cansina cámara lenta que supo ser caballito de batalla en la década del 2000 con la pionera Matrix y sus secuelas. Pero como bien reza el refrán: “Lo poco agrada y lo mucho cansa”.

Otro vicio recurrente en la visión de Snyder es la inclusión permanente de ese color sepia tirando a oscuro, marcando la ominosa maldad y que, después de vencer al villano de turno, el cielo se aclara y las florecitas se afanan por resurgir en una tierra que fue árida e inhóspita hasta justo ese mismo momento.

Huelga mencionar que faltan otros componentes de La Liga de la Justicia que no aparecen, como Linterna Verde o Detective Marciano. Quizás por el sonado traspié de Ryan Reynolds y la consecuente identificación de Deadpool de Marvel, provocó que hayan querido apostar a lo seguro y una vez más no arriesgar todas sus fichas para mejorar el producto.

VIRTUDES

Esta película ofrece cierta redención al universo DC tras el paso en falso que significó Batman v Superman.
Esta cinta abre la puerta a la profundización de los personajes con sus respectivos largometrajes.
Gratas sorpresas tuve con las interpretaciones de Jason Momoa y Ray Fisher.
Siguiendo nuevamente el émulo de Marvel y sus Vengadores, han sabido darle una sensación de «conjunto» a todo el grupo que conforma La Liga de la Justicia.

DEFECTOS

Me molesta que DC todavía no encuentre la fórmula para hacer una película sin fallas evidentes. Busca tal vez una solemnidad y trascendencia en donde no debe buscarla, que es este tipo de películas (a no ser que quieran apostar en serio, como el citado Batman de Nolan o Logan). Es por eso que, entre otros motivos, Marvel le lleve una clara ventaja.
Que la base del villano siempre esté en algún perdido lugar de Rusia (o zona sovuética) me cansa e indigna por la falta de creatividad (¿y por qué siempre aparece reflejado como un lugar pobre, inhóspito y nuclear? Ni que fuese Chernóbil…).
No niego que Zack Snyder es un buen director, pero nos tiene de rehenes con sus vicios repetitivos hasta el cansancio.

¡ALERTA! SPOILERS

La resurrección de Superman es inevitable, pero esto no tiene que significar que el kryptoniano resuelva todos los problemas o que sea la solución divina a todos los contratiempos. Pues Superman resuelve y evoca a toda epifanía como puede apreciarse en su regreso triunfal, eliminando con ello toda posible sensación de amenaza.

Héroes de Papel abre las reservas para «La leyenda de Final Fantasy IX», a la venta el 1 de diciembre

Publicado el noviembre 7, 2017noviembre 7, 2017 por José María Garate

Pese a no ser inicialmente el episodio de la saga con mayor éxito de ventas, Final Fantasy IX se ha convertido con el paso de los años en una obra de culto con millones de seguidores en todo el mundo. El título supuso una vuelta a los orígenes de esta franquicia de videojuegos, una aventura inolvidable repleta de fantasía, épica y magia que invitaba al jugador a liberar Gaia del yugo de la reina Brahne y su secuaz Kuja.

Ahora, tras la reciente remasterización del título en su versión para la consola Playstation 4, el videojuego publicado por Squaresoft en el año 2000 vuelve a cobrar vida en las páginas de La Leyenda Final Fantasy IX, un libro que analiza con detalle todo el proceso de creación de este mítico videojuego, sus personajes, así como las fuentes de inspiración que sus creadores encontraron en la vida real para dar vida a un universo mágico, con una historia inolvidable.

Tras el éxito de La Leyenda Final Fantasy VII y La Leyenda Final VIII, ambos publicados por Héroes de Papel, llega ahora un nuevo volumen dedicado al episodio favorito de su creador, Hironobu Sakaguchi, que marcó el fin de una época dorada para esta saga de videojuegos en la primera Playstation. La Leyenda Final IX estará a la venta en librerías y grandes superficies a partir del próximo 1 de diciembre en edición de lujo, con tapa dura y más de 200 páginas.

Reserva ahora tu ejemplar en heroesdepapel.es y llévate de regalo 4 postales con la portada del libro e ilustraciones de tres de los personajes más icónicos de este título: Vivi, Yitán y Garnet. Y si te invade el espíritu coleccionista, no dudes en conseguir una de las tres ediciones especiales del libro, con sobrecubiertas exclusivas de los citados personajes, únicamente disponibles en la página web de la editorial. No tardes en hacerte con tu ejemplar… ¡Unidades limitadas!

IT: 27 años completan una versión perfecta

Publicado el septiembre 18, 2017septiembre 18, 2017 por José María Garate

Siendo fan de Stephen King, puedo decir que estoy satisfecho con la nueva versión presentada por Andrés Muschietti (Mama y la futura Shadow of The Colossus). It es un libro publicado en 1986 y vagamente basado en el asesino serial John Wayne Gacy (Pogo, El Payaso), que aterrorizó a la ciudad de Chicago a mediados de los años ochenta.

El libro es dueño de una complejidad precisa y no muy fácil de trasladar al cine en su totalidad. Es por eso, que si bien esta nueva versión deja la vara muy alta en cuanto a la adaptación, no podemos dejar de recordar soslayadamente la versión de los años noventa dirigida por Tommy Lee Wallace.

Ésta última, que se hizo en formato de cine para televisión no trasladó, en mi humilde opinión, conceptos importantes de la trama del libro, apoyando su valía en el recuerdo cultural y colectivo en la magistral interpretación por parte de Tim Curry como el payaso Pennywise.

En un principio, esta nueva versión de IT iba a ser dirigida por los hermanos Matt y Ross Duffer, quienes debido a diferencias creativas con Warner, se bajaron del proyecto. Pero como no hay mal que por bien no venga, su versión preliminar de esta película fue la base germinal de la multi premiada de culto a los años ochenta, Stranger Things.

Esta adaptación cinematográfica ya se vislumbraba por el buen camino, cuando la serie arriba mencionada, fue aclamada por el propio King, quien dijo que Stranger Things compilaba sus mejores momentos como novelista.

Stephen Edwin King ha sido activo consultor y asesor en la mayoría de las adaptaciones de su obra literaria. Es por todos sabido que la versión de El Resplandor de Stanley Kubrick no fue plato de buen gusto para él, teniendo que recurrir a su amigo y director Mick Garris (quien ya dirigió varias varios pases al celuloide de la obra literaria de King) para hacer una remake de El Resplandor en el año 1997.

Ya adentrándonos en la película que hoy nos convoca, esta posee un ritmo que no decae en ningún momento, brindando una nueva fresca mirada al argumento del libro. Gran parte de este último factor se lo debemos a los nuevos actores que conforman «El Club de los Perdedores», dignos sucesores de los anteriores. Éstos muestran rasgos propios del original, que en la versión de 1990, ya sea por tiempo de metraje o presupuesto, no pudieron materializarse.

La interpretación de William Skarsgård (Pennywise) está muy lograda y realmente da miedo. Aún así resulta un poco difícil olvidarse de la actuación de Tim Curry, ya que fue el pilar donde se apoya casi toda la versión anterior.

En cuanto al hilo argumental de la película de Andrés Muschietti, a diferencia del libro, ésta se toma no pocas libertades de guión (aquí vienen los SPOILERS). En el libro, es Mike Hanlon el que más documentado se encuentra en cuanto a los sucesos que toman lugar en la ciudad de Derry, siendo sustituido aquí por Ben Hanscom. Los padres de Mike a su vez no están muertos, como relata la nueva película. Por otro lado, esta versión ofrece más detalle a lo que sucede con personajes secundarios como Patrick Hockstetter y Betty Ripsom, entre otros. El personaje de Stanley Uris resulta el más irreconocible, incluso dándole entidad al padre cuando en realidad en el libro casi no se menciona. Creo que se le pudo dar más espacio a otros personajes más importantes dentro de la trama.

Muschietti nos demuestra que está a la altura del tamaño desafío de romper la costumbre y dar con el objetivo de contentar a fanáticos y los no fanáticos de Stephen King, con un terror más frontal y explícito que el de su antecesora. No en vano, creo que se eligió este año 2017 para su estreno, 27 años después que la versión de Wallace, jugando así también con un punto argumental tan importante del libro que es que Pennywise aterroriza la ciudad de Derry cada 27 años.

Conociendo lo receloso que es King con las adaptaciones de sus libros, Muschietti ha aprobado el examen con creces. Su versión ofrece claros sobre oscuros, sobre sus puntos argumentales no explorados en 1990. Sin embrago, también podría haberle dado más encuadre a personajes más importantes. La nueva versión de Pennywise brinda más visceralidad a un ritmo de terror que no da cuartel posible al espectador.

En una época donde los refritos de Hollywood están a la orden del día, da gusto que ciertas reversiones sean dignas de verse nuevamente. Mención especial merece toda la ambientación y creación de Derry, esta vez situada en la década de 1980, que logra transportarte por sus siniestros (y en ocasiones, grotescos) recovecos.

Especial Doctor Who: Nueva Generación. Temporada 2 y la llegada de Tennant

Publicado el agosto 13, 2017agosto 14, 2017 por José María Garate

Si bien cada regeneración del Doctor trae aparejadas inevitables comparaciones, creemos que la transición de Christopher Eccleston hacia David Tennant no tuvo demasiado sobresalto, ya que Rose (Billie Piper) fue un poco la presencia catalizadora que calmó las aguas. Avisamos ya de paso que habrá algún SPOILER para los que no han visto nada de las aventuras del Doctor.

David Tennant llega a la Tardis después de que Eccleston se sacrifique por contener en su cuerpo toda la energía del vórtice temporal en el último capítulo de la primera temporada.

El nuevo Doctor encarnado por Tennant es un poco más locuaz, tiene algo más de desparpajo y, aunque no lo sea realmente, parece ser un poco más improvisado.

En esta temporada hallamos nuevos desafíos, como viajes a otros universos, nuevos villanos como los Cybermen y Krillitanes, así como también personajes alternos de otros universos, junto con algún que otro cameo y regreso emotivo que dan más juego y creatividad al Doctor y compañía.

Entre los capítulos a destacar, podemos distinguir Rise of The Cybermen, donde somos testigos del surgimiento de estos entes humanos, hechos robots en un universo alterno, donde el padre de Rose es rico y exitoso debido a que sus invenciones y su ingenio rindieron fruto en el futuro. Por otro lado, tenemos a una Jackie Tyler que en este universo no fue madre y dista mucho de ser la persona afable y graciosa que es siendo la progenitora de Rose. También es aquí donde se le da un cierre coherente y elegante al personaje de Noel Clarke, Mickey Smith. Luego, los Cybermen hacen su regreso en los dos últimos capítulos junto a los insuperables Daleks.

Sarah Jane Smith (acompañante del tercer y cuarto doctor, Jon Pertwee y Tom Baker respectivamente) hace lugar a su cameo emotivo junto a K9, ayudando a Rose y al Doctor a vencer a los Krillitanes. Una guerra de egos entre Rose y Sarah Jane, comparándose entre ellas, suscita un punto gracioso en este episodio. K9, por su parte, es el perro robot más fiel y lo demuestra al sacrificarse por los demás por orden del Doctor.

El villano de la especie Absorbaloff aparece en el capítulo donde más se le hace homenaje a los fanáticos de la serie, mostrando cuánto podemos hacer los seguidores por lo que nos gusta. El giro se da cuando Victor Kennedy (el Absorbaloff en cuestión) toma las riendas del grupo, donde misteriosamente van desapareciendo uno por uno, donde luego son ayudados justamente por el Doctor. Uno piensa, ¿cuán imposible es tener un problema y que tu héroe te defienda y a la vez te ayude a resolverlo? Por eso creo que es el homenaje de los productores de la serie a todos aquellos fieles e inclaudicables fanáticos.

Indicios del inicio y formación de Torchwood toman parte en el capítulo Tooth and Claw, donde intentando llevar a la Tardis al año de 1979, por un pequeño error de cálculo, termina arribando a la Escocia de 1879, donde el Doctor y su inseparable Rose se cruzan con la reina Victoria, el hombre lobo y unos monjes asesinos.

Cassandra, el ser humano más antiguo de la tierra obtiene cierta redención a su personalidad creída e insoportable en el episodio The New Earth, donde también aparece el rostro de Boe, y donde Rose y el Doctor se enfrentan a un mundo donde todo parece ser un Gran Hermano controlado por unos misteriosos felinos humanoides.

El Doctor encarnado por David Tennant es, a diferencia del de Christopher Eccleston, un tanto más cercano y no tan misterioso. Es a partir de Tennant que nos enteramos de más cosas pertinentes a la naturaleza de los Señores del Tiempo. En defensa de Eccleston podemos decir que su secretismo y evidente brusquedad responde a que es anterior al Doctor de la Guerra (representado por el enorme John Hurt), quien presenció la extinción de su raza en la guerra contra los malvados e inoxidables Daleks.

Pros y contras de la segunda temporada

Pros

Lo que hace a Doctor Who tan especial es que, si bien se nota que hay algunos efectos, disfraces y accesorios de vestuario y utilería que pueden mejorarse, claramente podemos notar que todo es hecho a pulmón y de forma artesanal, lo cual le da un voto más de confianza a la producción de esta gran serie.
El argumento se cuida de manera correcta y responsable. La BBC es conocida por cuidar sus productos, a diferencia de otras televisoras, donde lo que más importa es el dinero y las audiencias como factores primarios a la hora de subir o bajar el pulgar en el tiránico tiempo de la televisión.
Si bien me dio pena que Noel Clarke terminase su participación en la serie, se le dio un buen y cuidado cierre al arco de su personaje, Mickey Smith.

Contras:

Hay capítulos que se pueden considerar de relleno como Love & Monsters y Fear Her, donde la calidad de guión se puede ver un poco deteriorada con algunos agujeros evidentes en sus respectivas premisas y que, si no estuviesen, en una primera instancia, no afectarían en nada al hilo conductor y argumental de toda la segunda temporada. Esto causa algunos altibajos notables en la calidad, de forma bastante más perceptible que en la primera temporada.
El personaje de Billie Piper sufre inconscientemente el cambio regenerativo del Doctor de Eccleston hacia Tennant. Si bien el Doctor y Rose se complementan a la perfección, la falta de conflicto con Tennant hace que Rose esté casi siempre obligada a complacer al décimo Doctor, ya de por sí bastante vanidoso (algo que posteriormente recordará su undécima versión). Sin embargo, con Eccleston existía la posibilidad de conflicto y es allí en la confrontación donde podemos ver una química genuina entre ambos personajes.

Doctor Who es una serie anacrónica para grandes y chicos, donde prima el argumento y el trabajo artesanal por encima de grandes presupuestos y nombres estelares. Es más, hay muchos actores de renombre que se enorgullecen de ser parte de una serie tan longeva, pero que aún así no pierde su brillo.

Spiderman Homecoming: Un héroe con ruedines (crítica sin spoilers)

Publicado el julio 29, 2017julio 29, 2017 por José María Garate

Reza la frase: «la tercera es la vencida”. Creemos que con esta nueva versión del joven arácnido por parte de Tom Holland (futuro Nathan Drake en la versión cinematográfica de Uncharted) han dado en el clavo. Pero nada ni nadie es perfecto, sino que son los matices entre lo bueno y lo malo los que hacen la diferencia en la vida. Y este Spiderman Homecoming de Jon Watts (Clown) alcanza bien la tonalidad de grises.

Personalmente, creo que el protagonista logra captar la torpeza y la distracción intrínsecas al personaje. Otro punto a destacar es que no repite la moraleja famosa sobre la responsabilidad que este conlleva. El interés amoroso, afortunadamente, pasa a un segundo plano, para luego sorprender con un ingenioso giro.

Como villano, Michael Keaton (Batman, Birdman) realmente se luce encarnando al Buitre (Adrian Toomes), papel reservado en su momento para John Malkovich en una supuesta cuarta entrega en el universo de Sam Raimi y Tobey Maguire. Quien supo ser Batman en la versión de Tim Burton en los años ’90, retrata ahora a un antagonista con rasgos antisistema, pero que aún así, le gusta la buena vida sin altibajos, y es por eso que se dedica a robar para sostener su buena posición económica.

Marisa Tomei (El luchador) da vida a una fresca versión de la tia May, pero con algunos rasgos de Rosemarie Harris y Sally Field, las antiguas parientas de Peter Parker en el mundo del celuloide.

Como puntos negativos, no podemos obviar que, desde que Marvel se encuentra bajo el ala protectora de la gigante Disney, hay una constante necesidad o alusión de todo aquello que engloba lo políticamente correcto. Enfrentamientos de Spiderman donde podemos recordar sin equívoco a Steven Seagal y sus películas, ya que por más que reciba miles de golpes de objetos de todo tipo y condición, ni se despeina ni sangra en forma notoria.

Desde que Spiderman se integró al universo de Los Vengadores, hay una necesidad de equiparar los equipos y recursos similares a los ya vistos en otras películas de otros superhéroes. Hablamos específicamente de Iron Man (un como siempre solvente Robert Downey Jr.). Realmente no vemos la necesidad de complementar el traje del trepamuros con émulo al de J.A.R.V.I.S. En esta nueva versión, Tony Stark tiene un papel de figura paternal, quitándole quizás un poco de libertad y decisión a la araña de Marvel. Sin embargo y por suerte, no aparece demasiado en pantalla.

Pros:

Generalmente, las nuevas versiones de un personaje famoso y querido por todos generan cierta e inevitable reticencia (más siendo su tercera versión en 15 años), pero para nosotros no es el caso, ya que Tom Holland logra un Spiderman, a diferencia del encarnado por Andrew Garfield, completo y sin fisuras.
Por fin vemos un Spiderman más humano, con sus torpezas y distracciones típicas del transcurso adolescente. En realidad, es bastante torpe a lo largo de toda la película.
Se respira una notoria frescura, donde no vemos una necesidad imperante de la búsqueda del amor adolescente, en contraposición como las anteriores entregas de Marc Webb y Sam Raimi.
Michael Keaton es inoxidable y eterno. Ya es la tercera vez que encarna un personaje alado, siendo Batman el primero, Birdman el segundo y en este caso el Buitre. El otrora murciélago de Tim Burton logra destacar como villano, siendo esta una posición donde Marvel y Disney llevan haciendo agua en reiteradas oportunidades.

Contras:

Si bien las apariciones de Tony Stark y su Iron Man son contadas y precisas en momento y lugar, parece ser que su misión es coartar las libertades y el albedrío del joven arácnido. Todo sea por integrar al personaje al universo Avengers de cara a la futura tercera entrega, pero no nos termina de gustar este encuadre.
La necesidad de todo aquello que sea políticamente correcto suele quitar espontaneidad y sorpresa al personaje. No vemos mal la inclusión de elementos que respondan a este tendencia, solo observamos que el abuso de esto tiene consecuencias no siempre positivas a la hora de contar una historia.
Adyacente a esta tendencia arriba mencionada, vemos con sorpresa y cierta desazón que Spiderman no sangra a pesar de recibir incontables golpes y zamarreos.

Concluimos que esta nueva entrega tiene una buena dosis de frescura y espontaneidad con actores que destacan sobradamente, pero aún así, el imperio Disney le impone ciertas reglas, tales como lo políticamente correcto, la necesidad de constantes gags y que el argumento de la película dependa en forma global del universo de Los Vengadores.

Yakuza 0: Entre la nostalgia y la lentitud

Publicado el julio 12, 2017julio 12, 2017 por José María Garate

Parte de una aclamada saga de videojuegos que comenzó en el año 2005, Yakuza 0 es un cúmulo de esfuerzo logrado a la perfección, tanto en el apartado gráfico, como en el contexto argumental del juego, describiendo fielmente y sin dobleces el mundo y los bajos fondos de la mafia japonesa.

El argumento de este juego, sorpresa de ventas en muchos países, es el siguiente. Durante diciembre de 1988, en el barrio de Kumorocho (copia del barrio de Japón Kabukicho), Kiryu Kazama se ve envuelto en una guerra de egos por la obtención de un lote de terreno vacío para una futura edificación y usufructo. Este terreno supone el centro de disputa de varias y oscuras organizaciones. El descubrir el por qué este pedazo de tierra es tan codiciado es una de las principales misiones de nuestro protagonista.

Luego, otra parte importante del juego es la que transcurre por cuenta de Goro Majima, un ex yakuza que a pesar de vivir en las mieles del éxito gracias a que regentea un cabaret, quiere volver a las filas del clan Tojo. Acepta un encargo de asesinato para así probar su valía, pero cuando se da cuenta de que su objetivo es una chica ciega, sus lealtades son puestas a prueba. Llegados a este punto, en vez de dar fin a su objetivo, se decide a ayudarla.

En el aspecto global de esta entrega, se puede decir que consta de varios golpes al corazón nostálgico de todo aquel que se precie de ser un gamer. En los recreativos dentro del juego, podemos jugar al OutRun, título insignia de SEGA en los años 80’s. Por otra parte, también podemos jugar al Scalextric. Y para demostrar su fidelidad con los rasgos de la cultura japonesa, tenemos karaoke y baile.

El Yakuza 0 es parte de una saga, en este caso una precuela del famoso Yakuza. No obstante, para los jugadores que se inicien en esta franquicia con esta entrega, no tendrán problema de continuidad (como es nuestro caso). El argumento es excelente, como muchos de los juegos japoneses, en donde la historia es un pilar destacado. Sin embargo, en mi opinión personal, creo que la falta de fluidez entre diálogo y escenas un tanto lentas le quita un poco de todo su vasto atractivo.

El que se mantenga el idioma original es un plus, siempre y cuando hayan subtítulos en distintos idiomas o al menos específicamente según el mercado donde se distribuye. En este caso, lamentablemente, los subtítulos son solamente en inglés.

También creo que este juego es lo que yo llamaría un falso sandbox. Los escenarios son pocos, si bien gráficamente están muy bien detallados, ofrecen variadas opciones de minijuegos. No obstante, es como jugar el Gran Hermano, porque creo que el juego ofrece, por así decirlo, una libertad controlada, ya que los eventos suceden en forma escalonada porque tiene que ocurrir algo para que esa acción dé paso a otro suceso o acción. Esta forma narrativa le quita un poco de libre albedrío al jugador. La excelente calidad gráfica no me deja entender por qué hay coches buenísimos aparcados en la acera y que no los podamos usar, por solo poner ejemplo de excelentes recursos que en mi humilde opinión están desaprovechados.

Personalmente, el rasgo que más me molesta del juego es la falta del autoguardado. Para guardar la partida hay que dirigirse a las cabinas telefónicas, donde también se pueden guardar ítems que el jugador va recolectando en el transcurso de la historia. Repito que la falta de autoguardado me molestó más que nada porque en ningún momento te lo explican. Personas inocentes que no sabían de esto, como este servidor, hemos perdido varias horas de partida por la falta de una debida aclaración. Si quisieron homenajear a los juegos de antaño, ojalá hubiesen escogido un rasgo más útil y práctico.

Pros:

La fiel contextualización del juego acorde a la época, con todo el ambiente, condimentos y rasgos de la mafia japonesa.
El punto de nostalgia que brinda este juego en las recreativas con el OutRun o las carreras de Scalextric.
La variedad del sistema de pelea es algo a destacar.

Contras:

A pesar de su gran y detallado argumento, la falta de fluidez y lentitud del transcurso de los eventos hacen que el juego se pueda volver un poco pesado.
La falta de traducción al español no es algo menor, repercutiendo tal vez en los márgenes de venta del juego.
La falta de libertad o libertad controlada.
La falta de autoguardado, y si ni lo hay, que lo avisen.

Concluimos que el Yakuza 0 es un juego excelente, con un argumento muy bueno. Con un merecido espacio para los nostálgicos como uno mismo. Peca en errores de ejecución y fluidez de sus eventos, pero no es nada que la paciencia y la disposición de tiempo no arreglen.

Life Is Strange: La vida en prueba y error

Publicado el junio 30, 2017junio 30, 2017 por José María Garate

La verdad sea dicha: nunca fui muy fanático de la saga de los libros Elige Tu Propia Aventura. Esta saga, inaugurada por el escritor Edward Packard, en la que cada lector era amo y señor en el hilo conductor de una aventura que empezaba tímida y expectante y que podía terminar insípida y torcidamente. Pero como todo, la vida tiene sus sorpresas, y de eso vamos a hablar hoy.

Life Is Strange es un juego del estudio DontNod bajo el ala protectora de Square Enix. Estrenado en el año 2013, es un juego que ha generado culto. Aunque no es el primero de su clase, ha fomentado una comunidad de fans muy importante. El antecedente más inmediato, en mi humilde entender, fue el juego Remember Me, también realizado por DontNod, pero esta vez, acompañado por CAPCOM. Si bien ambas entregas comparten la premisa de jugar con el tiempo a antojo y decisión del jugador, es en Remember Me donde, para mí, hay muchos más fallos.

No me malentiendan, Remember Me no es un mal juego, pero en mi opinión, tiene claros fallos de argumento , jugabilidad y, por último y no por eso menos grave, personalmente no me sentí parte de la historia de Nilin. Todo lo contrario pasa con Max Caulfield, la protagonista de Life Is Strange, donde su historia no lineal, revela una búsqueda constante e inconforme, hambrienta de sorpresas, en sus jóvenes 18 años.

La historia que nos envuelve en esta entrega es la siguiente. El juego consta de 5 episodios, donde la protagonista, Max Caulfield, cuyo apellido puede ser un guiño a Holden Caulfield (el epítome de la inconformidad, protagonista de El Cazador Oculto, de J. D. Salinger), es una chica de 18 años, que vuelve a su pueblo de la infancia, Arcadia Bay, para estudiar en la academia de fotografía Blackwell. Estudiar allí es su sueño, ya que uno de sus ídolos, Mark Jefferson, es uno de sus profesores. Es en una de sus clases donde la protagonista experimenta la visión de un faro destruido por un huracán. Confusa y alarmada, pide ir al baño para lavarse la cara y aclarar sus ideas. Durante su estancia en el baño presencia involuntariamente el asesinato de una chica por parte de Nathan Prescott, el chico más popular y pendenciero de la academia, Repentinamente, su inconsciente esfuerzo por revertir la situación se vuelve realidad: Puede rebobinar los eventos pasados que le suceden y modificarlos según le convengan,

Este nuevo poder repentinamente adquirido abre un nuevo abanico de posibilidades en una ciudad pequeña como lo es Arcadia Bay, donde parece ser que se cumple la famosa e inclaudicable frase: «pueblo chico, infierno grande».

Es un juego al que todavía estoy jugando por lo cual no voy a ser tan duro con sus defectos y ventajas:

Virtudes

No siendo fan de esta forma de relato, debo admitir que es un juego que me sorprendió muy bien, ya que propone un argumento fresco, con personajes de fácil aceptación y lleno de posibilidades y desenlaces, donde uno inconscientemente vuelve a maravillarse como cuando era chico.
El juego tiene muy buena banda sonora, y eso siempre es un plus añadido en todo argumento que quiere lograr algo más que divertir, sino también transportar.
La inmensidad de los escenarios es envolvente y muy bonita, donde hay muchos personajes y elementos con los que interactuar.

Contras

El motor gráfico está muy logrado, pero los dibujos en detalle no están muy definidos y eso no me termina de gustar, porque parece que están hechos por niños.
El argumento es atrapante, pero quizás resulte lento en su ejecución. Puede que la falta de gusto en este tipo de relatos de propia decisión me hace verlo de esa manera.
No digo que esté mal del todo, pero cansa un poco la necesidad del universo del típico colegio estadounidense, donde sobran las etiquetas y los estereotipos.

En definitiva, nos encontramos ante un juego atrapante, divertido, con muchas posibilidades de exploración. Es quizás en el entorno gráfico donde hace un poco de agua. Tardes divertidas garantizadas y, sobre todo, una historia que llegará a emocionar (muy oportuna la historia de Max y Chloe para el mes de celebración que nos ocupa).

Wonder Woman (2017): Un respiro para el universo cinematográfico DC

Publicado el junio 20, 2017junio 20, 2017 por José María Garate

Somos muy afortunados por tener la inestimable colaboración de un amigo y redactor desde Buenos Aires, Argentina. Es allí donde la película se estrenó el 2 de junio de 2017, ya que en España, recién se estrenará el próximo 23 de junio. Es por eso que nuestro querido Juan Martín Muiño, nos brinda una crítica anticipada y SIN SPOILERS de Wonder Woman.

El universo DC ha tenido una serie de traspiés a la hora de llevar a sus más grandes héroes al cine. Los últimos ejemplos de este hecho fueron la muy esperada Batman versus Superman (Zack Snyder, 2016) y Escuadrón Suicida (Suicide Squad, David Ayer, 2016), películas muy desacreditadas por la crítica y los espectadores, obviamente no por la horda de fan boys. En esta oportunidad los fanáticos de DC Cómics pueden dormir tranquilos, y no es poca cosa ya que sobre los hombros de la Mujer Maravilla (Wonder Woman, Patty Jenkins, 2017) recaía, no sólo el peso de salvar al mundo, sino también el de salvar a Warner y a DC. Y ella lo logró con gracia, emoción y diversión.

Todo comienza con una fórmula ya conocida y recorrida: el origen del superhéroe. Pero por suerte en este caso todo fluye y nos encontramos con una película que entusiasma, que sumerge al espectador en el mundo de las amazonas y la historia de la princesa Diana de una manera natural y atractiva. La protagonista está muy bien presentada, esconde una historia oculta y es carismática, tanto de pequeña (interpretada por una jovencísima Lilly Aspell) como de grande (la ya popular Gal Gadot), con lo cual atrapa y genera ganas de conocerla.

Ya en los primeros minutos empiezan las secuencias de acción. Las poderosas habitantes de la isla Themiscyra nos regalan peleas bien concebidas, dinámicas y emocionantes, una prueba de lo que el film nos tiene preparado. Y al hablar de lo que la cinta depara no nos referimos únicamente a los momentos de más adrenalina, sino también a la concepción de la mujer como personaje central, empoderado como líder y agente de cambio. Una idea muy contemporánea pero ambientada en la Primera Guerra Mundial, en un entorno misógino, que refresca un género cinematográfico dominado por figuras masculinas.

Atrás quedaron las críticas sobre la elección de Gal Gadot para interpretar al personaje. Podríamos intentar reflexionar en este punto, cuánto afecto al personaje, y a la propia actriz, que haya sido presentada en la película de Batman versus Superman. Las dudas fueron aplastadas, porque la actriz israelí le da vida a una heroína atlética y segura de sí misma, que tiene la ingenuidad de quien descubre un mundo nuevo y el optimismo necesario para mejorarlo. Es fundamental para entender la creación de esta impecable Mujer Maravilla, destacar el personaje de Steve Trevor (Chris Pine) y la atrapante química que genera la relación entre ambos en la pantalla, sorpresa que probablemente nadie esperaba.

Después de poco más de dos horas dinámicas y entretenidas, quizás el cierre no estuvo a la altura. Nos encontramos con un enfrentamiento final que da la sensación de ya haber sido visto en otras películas de acción, con imágenes mesiánicas que el personaje no necesitaba para afirmarse en el cielo de los superhéroes. Igualmente, el buen film de la directora Patty Jenkins no se ve afectado en absoluto. Warner por fin nos ofrece una película con la dosis justa de acción, humor y heroísmo, perfecta para que el vapuleado universo DC consiga algo de calma para seguir trabajando en los futuros proyectos. Luego de films de mala calidad, como Escuadrón Suicida y Batman versus Superman, donde se descubren, sin buscar mucho, múltiples problemas narrativos; esperamos que la película de la Mujer Maravilla sea el primero de muchos pasos en firme.

Mafia III: Una reinvención a todo color

Publicado el octubre 11, 2016octubre 11, 2016 por José María Garate

El Mafia III fue uno de los juegos más esperados de este año y creo sin equivocarme que la espera valió perfectamente la pena. Existió, existe y existirá siempre el prejuicio de que un cambio de plataforma (en este caso de PS3 a PS4), trae consecuencias negativas o en todo caso que no cubre las expectativas de los usuarios.

Desde 2004, cuando salió el primer Mafia, y el Mafia II en el 2010, esta serie de juegos se ha comprometido por tener una premisa más realista tanto a nivel argumental como de jugabilidad.

El juego se jacta de un argumento complicado y polémico por partes iguales. Misiones con elementos realistas y con sub-argumentos le aportan una vivacidad y fidelidad histórica dignas de envidia.

El argumento narra la historia de Lincoln Clay, ex soldado recién llegado de la guerra de Vietnam en 1968. Lincoln regresa a su ciudad Nueva Bordeaux, un híbrido entre Nueva Orleans y San Francisco. La ciudad de Nueva Bordeaux se conforma en cinco grandes distritos, que a su vez se componen de las siguientes áreas:

Delray Hollow: Es el distrito donde Lincoln creció, el barrio «negro» que asemeja características iguales al Harlem de Nueva York .
Frisco Fields: Es un barrio pijo, donde todo es correcto e impecable. Similar al sur de Mississippi.
French Ward: Guarda el color y el histrionismo y el colorido de Nueva Orleans.
The Bayou: No hay mucho que agregar, sino decir que es parecido al Bayou real con sus pantanos y ciénagas
Pointe Verdun: Tradicionalmente irlandés. Parecido a Boston.
Southdowns: Similar al Bronx por su violencia. Es el barrio obrero.
Barclay Mills: Es una continuación del anterior
Ticfaw Harbour: Es el barrio con el polo industrial de la ciudad.
Downtown: Similar gráficamente a San Francisco.

Lejos de ser un juego fácil, es por el contrario uno donde el jugador debe ingeniárselas para sacar provecho de cada situación, gestionando de diferentes maneras el crecimiento de un imperio criminal.

La trilogía de Mafia creo que se jacta de dotar a sus juegos de un realismo bastante fiel a la época. Son los detalles de jugabilidad los que añaden un plus de dificultad, innovadores desde ya. Por ejemplo, la mayoría de las veces, cuando hay que robar coches, hay que neutralizar al testigo antes de que llegue a la cabina telefónica para avisar a la policía. La policía no va a hacer la vista gorda ante tus delitos más inmediatos, sino que te va a tener muy corto.

Cada misión tiene a su vez misiones secundarias que hay que completar si no queremos engrosar la lista de objetivos a la hora de querer terminar una arco argumental de la historia.

Los coches son similares a los Cadillac, Pontiac, Mustang y Camaro y todas las marcas prominentes de la época de los ’60 y ’70. Es de destacar que en el juego hay dos modos de conducir los vehículos. La conducción normal en la cual el vehículo tiene un manejo estable y parejo y, digamos, sin riesgos. La otra forma de conducir es la simulada, donde hay que tener más cuidado en las curvas e ir a una velocidad más o menos estable para no estamparse contra el primer poste que veamos.

El contexto histórico del juego es el de una época difícil, ya que se remonta a los finales de la década de 1970, episodio convulso asimismo por la guerra de Vietnam y el tema lamentablemente aún hoy latente de la segregación racial.

La banda sonora merece un párrafo aparte. Creo que es un personaje en sí mismo, ya que ayuda a establecer la sensación de incertidumbre y violencia característica de la época. También es bueno destacar que la música no solo se escucha en el coche sino en los bares y a veces de fondo en la mayoría de las escenas.

Son 101 temas conocidos o tal vez no tanto de una época políticamente incorrecta y algo desprejuiciada.

? And The Mysterians: “Ninety-Six Tears”
The Animals: “We Gotta Get Out Of This Place”
Aretha Franklin: “Chain of Fools,” “Respect”
Barry Maguire: “Eve of Destruction”
Beach Boys: “Help Me, Rhonda,” “Heroes and Villains,” “Wouldn’t It Be Nice”
Beethoven Ben: “Dance of the Hours”
Big Brother & The Holding Company: “Piece of My Heart”
Blue Cheer: “Good Times Are So Hard To Find”
Bobby Fuller Four: “I Fought The Law”
Box Tops: “The Letter”
Canned Heat: “On The Road Again”
Chambers Brothers: “I Can’t Turn You Loose”
Clarence Carter: “Slip Away”
Clifton Chenier: “Ay-Tete-Fee”
Count Five: “Psychotic Reaction”
Cream: “White Room”
Creedence Clearwater Revival: “Proud Mary,” “Fortunate Son,” “Bad Moon Rising,” “Born on the Bayou”
Del Shannon: “Runaway,” “Keep Searchin’ (We’ll Follow The Sun)”
Delta Rae: “Bottom of the River”
Dewey Edwards: “I Let A Good Thing Go By”
Diana Ross & The Supremes: “Love Child”
Dusty Springfield: “Son of a Preacher Man”
Eddie Floyd: “Knock on Wood”
Elvis: “A Little Less Conversation”
Etta James: “Don’t Go To Strangers”
Four Tops: “Reach Out, I’ll Be There”
Freddie Cannon: “Palisades Park”
Iron Butterfly: “In A Gadda Da Vida”
James Brown: “I Got You (I Feel Good)”
Jefferson Airplane: “Somebody to Love,” “White Rabbit”
John Lee Hooker: “One Bourbon, One Scotch, One Beer”
Johnny Cash: “Folsom Prison Blues (Live),” “Ring of Fire”
Walker and the All Stars: “Shotgun”
C. Cooke: “Take Me For What I Am”
Lightnin’ Hopkins: “Black Ghost Blues,” “Sinner’s Prayer,” “The Howling Wolf”
Lightnin’ Slim: “G.I. Blues”
Little Richard: “Long Tall Sally”
Lonnie Youngblood: “Go Go Shoes”
Martha and the Vendellas: “Nowhere to Run”
Marvin Gaye: “You”
Mercy Dee Walton: “Five Card Hand”
Misfits: “You Belong To Me”
Mourning Ritual (ft. Peter Dreimanis): “Bad Moon Rising”
Otis Redding: “Sitting On The Dock Of The Bay,” “Hard To Handle”
Otis Redding & Carla Thomas: “Tramp”
Otis Spann: “Must Have Been The Devil”
Patsy Cline: “Crazy”
Paul Revere and the Raiders: “Kicks”
Ramones: “Palisades Park”
Roger Miller: “King of the Road”
Roosevelt Sykes: “Hey Big Momma”
Roy Orbison: “Running Scared”
Rufus Thomas: “Walking The Dog”
Sam and Dave: “Hold On, I’m Comin’,” “Soul Man”
Sam Cooke: “Chain Gang,” “Wonderful World,” “Bring It On Home To Me,” “Another Saturday Night,” “I’m Gonna Forget About You”
Sam the Sham and the Pharaohs: “Li’l Red Riding Hood”
Sonny Rhodes: “You Better Stop”
Status Quo: “Pictures Of Matchstick Men”
Steppenwolf: “Desperation,” “Born To Be Wild”
Supremes: You Keep Me Hangin’ On
Temptations: “I Wish It Would Rain”
The Animals: “House of the Rising Sun”
The Avengers: “Paint It Black”
The Band: “The Weight”
The Chambers Brothers: “Time Has Come Today”
The Dramatics: “Get Up and Get Down”
The Duprees: “You Belong To Me”
The Fun Sons: “Hang Ten”
The Miracles: “You’ve Really Got A Hold On Me”
The Rolling Stones: “Mother’s Little Helper,” “Paint It Black,” “Sympathy For The Devil,” “Street Fighting Man,”
The Searchers: “Take Me For What I’m Worth,” “Needles & Pins”
The Shadows of Knight: “I Got My Mojo Working”
The Supremes: “Baby Love”
The Tams: “What Kind of Fool (Do You Think I Am)”
The Temptations: “Ain’t Too Proud To Beg”
The Troggs: “Wild Thing”
Three Dog Night: “One”
Vanilla Fudge: “You Keep Me Hangin’ On”

En conclusión, creemos que la tercera entrega de la serie Mafia cumple con creces y vítores su cometido. Mostrar una época difícil, turbulenta y a su vez algo misteriosa. Jugando el juego, me vino a la mente rasgos del contexto histórico y musical de la que me parece una excelente película: Forrest Gump.

En la actualidad es tal vez muy difícil que un adolescente promedio se interese por la historia moderna y en mi opinión, a falta de apetencia por los libros, buenos y cercanos son los juegos.

La espera valió la pena.